Mitten in einer globalen Pandemie betrat John Hiatt das historische RCA Studio B und öffnete ein ganzes Leben voller zurückgelassener Gefühle. Vor einem halben Jahrhundert lebte Hiatt in einem schäbigen Zimmer für 15 Dollar die Woche in der 16th Avenue in Nashville, weniger als eine Meile von den RCA- und Columbia-Studios entfernt, die das Herzstück dessen waren, was als "Music Row" bekannt wurde. In den darauffolgenden 50 Jahren entwickelte er sich von einem rauflustigen jungen Bock zu einem gefeierten Großmeister des Gesangs.

Für Leftover Feelings tat sich Hiatt mit dem mehrfach ausgezeichneten Künstler und Produzenten Jerry Douglas und seiner Band, der Jerry Douglas Band, zusammen. Es gibt keinen Schlagzeuger, dennoch sind diese Grooves tief und echt. Und während die Up-Tempo-Songs wie immer mit entzückenden inneren Reimen und schlauer Aggression gefüllt sind, stößt die einfühlsame Musikalität der Jerry Douglas Band Hiatt zu Darbietungen, die verblüffend verletzlich sind.

Im Leben können übrig gebliebene Gefühle ungelöst bleiben, egal wie oft sie erforscht werden. Erforscht an einem Ort der Geschichte, einem Ort des Trostes. Ein heiliger Ort, wenn man die Dokumentation des menschlichen Ausdrucks für eine heilige Sache hält. Hier also, mit diesem Album, gibt es ein Treffen von geprellten und triumphierenden amerikanischen Giganten. Hier sind Hiatt und Douglas und erschaffen das, was sein soll: Liebeslieder und Straßenlieder, schlaue Lieder und verletzte Lieder. Ihre Lieder, und jetzt unsere Lieder. Übrig gebliebene Gefühle, die erbauen und erhalten.

Hiatts Stimme hat noch ein paar mehr Schrammen bekommen, doch den Songs kommt das nur zugute.

(stereoplay, Juni 2021)

One of the unspoken rules of the music business is that you can age out of rock & roll, but you're allowed to show your age in blues and country if you do it right. The blues have always been a good match for the gritty, eloquent sneer of John Hiatt's voice, and he's been more than willing to push himself in that direction in his recordings of the 2010s and onward, as the celebrated singer/songwriter, born in 1952, moves further from the sell-by date of most rock and pop artists. On 2021's Leftover Feelings, Hiatt has blended his bluesy sensibilities with a subtle country feel, though he clearly feels no alliance with the beer-and-pickup trucks mindset of Nashville's current hitmakers. Hiatt recorded Leftover Feelings with the Jerry Douglas Band, led by Douglas, arguably the world's best and certainly most influential dobro player. Though Mike Seal adds occasional flashes of electric guitar to the mix, this is otherwise an acoustic session which, as is the tradition in bluegrass, features no drums. The music is not bluegrass in either concept or execution ("All the Lilacs in Ohio" comes close), even though that's the path Douglas and his bandmates usually walk; instead, Hiatt and Douglas use the group's tonal palette to reflect the themes and emotions of Hiatt's songwriting, with the band deferring to the needs of the material rather than their past musical associations. And even when the music isn't truly blues or bluegrass, Hiatt knows how to draw the rootsy sensibilities of his songs to the surface (they're never buried especially deep anyway), and the subtle virtuosity of Douglas, Seal, bassist Daniel Kimbro, and fiddler Christian Sedelmyer is a superb match for Hiatt's songs and lead vocals. After two decades of Hiatt's reliable excellence in songwriting, Leftover Feelings does nothing to break this streak; the opening track "Long Black Electric Cadillac" is witty but a bit gimmicky, but the lonely wandering of "I'm in Asheville," the tragic family story of "Light of the Burning Sun," and the bittersweet introspection of "Changes in my Mind" are the work of a masterful tunesmith with faultless instincts about how to deliver his material. Leftover Feelings isn't "John Hiatt's Acoustic Album," it's a solid and rewarding set of songs that sounds a bit different than usual, but finds him working with some excellent and simpatico musicians who understand his craft and play into the feel of Hiatt's material.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Während ihrer gesamten Karriere beherrschten Del Amitri die Kunst des zeitlosen, melodisch fokussierten Pop-Rock. Ihre Hits - darunter "Nothing Ever Happens", "Always The Last To Know" und "Roll To Me" - wurden zu internationalen Radioklassikern und trieben eine Karriere voran, die zu fünf britischen Top-10-Alben und 6 Millionen verkauften Alben führten.

Jetzt kehren Del Amitri mit der Veröffentlichung ihres siebten Studioalbums "Fatal Mistakes" über Cooking Vinyl zurück. Dies ist das erste Album seit 2002 und mit dem politischen "Close Your Eyes and Think of England" gibt es bereits jetzt den ersten Vorgeschmack.

"Close Your Eyes and Think of England", ist unser europäischer Abschiedsgruß, eine Ballade aus reiner Galle und Reue, versüßt mit einem Vorschlaghammer des Sarkasmus".

Frontmann Justin Currie kommentierte: "'Fatal Mistakes' wurde über drei Wochen im März in einem Landhaus im tiefsten England aufgenommen und ist das erste Studioalbum der Dels seit 'Can You Do Me Good'. Alle hatten eine gute Zeit. Es ist eine Sammlung bizarrer Geschichten von Vergiftungen, Bitten und bitterer Akzeptanz, angetrieben von Gitarren, Schlagzeug und Keyboards, die vollständig von dem Quintett gespielt wurden, nachdem sie 2014 und 2018 großartige Tourneen spielten."

Als sie sich der zweiten der beiden ausverkauften England-Tourneen näherten, begann das Kern-Duo der Band - Currie und Gitarrist Iain Harvie - neues Material zu schreiben. Die beiden erkannten, dass sie, ohne es zu erzwingen, einen Haufen Songs geschaffen hatten, die "sehr nach Del Amitri" klangen.

Vervollständigt durch Andy Alston (Tasten/Percussion), Kris Dollimore (Gitarre) und Ash Soan (Schlagzeug), nahmen Del Amitri diese Songs mit dem Produzenten Dan Austin (Biffy Clyro, You Me At Six) auf. Ihre naturalistische Herangehensweise bestand darin, Verstärker anzuschließen, anstatt Laptops hochzufahren, und sie spielten ihre Stärken in erster Linie aus, indem sie als fünfköpfige Band live aufnahmen.

Das Ergebnis ist der brillante Klang einer 35 Jahre jungen Band, die das tut, was sie am besten kann: melodische Rocksongs mit lyrischem Biss, seelenvollem Trost und herzerfrischendem Auftrieb. Und genau wie bei der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden Albums "Waking Hours" hat man das Gefühl, dass dies ein Stil ist, den derzeit nur Del Amitri beherrschen.

Das hört man in dem Klagelied "Close Your Eyes And Think of England". Der Song hat diese unfassbare Hook von "It's Feelings", mit Curries gefühlvoll kratziger Stimme, die den Alternative Radio Vibe der 90er Jahre übertrifft. Und es schwingt mit im treibenden Power-Pop des Album-Openers "You Can't Go Back". Im Gegensatz dazu steht das zerbrechliche, schmerzerfüllte "Lonely", ein Song, der durch seine Leere lebt und mit Harmonien im CSNY-Stil gespickt ist. Dieser Song fühlt sich anders an, als alles, was die Band zuvor gemacht hat.

Begeisterndes Comeback

Was für eine Überraschung: Keine Geringeren als Crowded House kehren 2021 mit einem neuen Album zurück, dem ersten seit elf langen Jahren.

»Dreamers Are Waiting« heißt der Nachfolger von »Intriguer« aus dem Jahr 2010.

Aber bereits die erste Single, »To the Island«, zeigt: Die australisch-neuseeländische Band um den Sänger und Songwriter Neil Finn weiß immer noch mit ihrem Mix aus Indie- und Alternative Rock, Pop und New Wave zu begeistern.

Das Line-Up der Band auf »Dreamers Are Waiting« umfasst neben den Gründungsmitglieder Neil Finn und Nick Seymour den Produzenten und Keyboarder Mitchell Froom sowie Finns Söhne, den Sänger und Gitarristen Liam Finn und den Schlagzeuger Elroy Finn.

Fast hätten wir schon nicht mehr damit gerechnet. Umso schöner, dass sie zurück sind: Crowded House mit ihrem Comebackalbum »Dreamers Are Waiting«.

The first Crowded House album in 11 years can be seen as a homecoming of sorts. Standing alongside bassist Nick Seymour as always, Neil Finn welcomes his sons, Liam and Elroy Finn, as official members along with Mitchell Froom. The producer of the first three Crowded House albums is back to helm Dreamers Are Waiting in addition to playing keyboards in the group. This is a fairly dramatic shift from the Crowded House lineup who recorded Intriguer back in 2011, but the results wind up being richly textured and subtle, an album that finds its subdued groove quite early, then proceeds to find variations within it. The emphasis on quiet and space isn't far removed from Lightsleeper, the collaborative record Neil and Liam released in 2018, yet there's a heightened sense of songcraft here that makes the muted guitars, rounded riffs, and waves of keyboards embed tunes into the subconscious. Songwriting has long been a strength of Neil Finn, but the notable thing about Dreamers Are Waiting is how he's spread the songwriting wealth, collaborating with the full band on a couple of tracks, writing with both of his sons as well as his brother Tim, who once was in Crowded House, and also gives Liam a solo spotlight. The communal effort naturally emphasizes the group's communal voice, one that salutes and tweaks classic pop forms in equal measure. Echoes of loneliness float through Dreamers Are Waiting, but this isn't a melancholy album. The melodies are insistent, as are the dampened rhythms, giving this album a warm, palpable heartbeat that can be felt even if the record is all captured in soft focus. It's this gentle, reassuring touch that makes Dreamers Are Waiting a balm, an album that offers familiar comfort even if it doesn't precisely sound like any previous Crowded House record.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

»Live in Stuttgart 1975« ist der erste Teil der neuen Live-Album-Serie von Can.

»Live in Stuttgart 1975« und die noch kommenden Veröffentlichungen der Can-Live-Serie wurden aus den besten verfügbaren Bootleg-Aufnahmen zusammengestellt und mit der Technologie des 21. Jahrhunderts gemischt und gemastert. Can-Gründungsmitglied Irmin Schmidt und der langjährige Produzent und Tontechniker der Band, Rene Tinner, leiteten das Projekt.

Das neue Album in fünf Teilen, »Can Live in Stuttgart 1975«, dokumentiert einen wichtigen und beeindruckenden Teil der Can-Geschichte. Da in den 70gern technische Pannen immer wieder die geplanten Live-Aufnahmen sabotierten, fehlten diese im Spoon Katalog. Nun wurden die besten Bootleg-Aufnahmen genommen und unter der Leitung von Gründungsmitglied Irmin Schmidt und CAN Produzent/Toningenieur René Tinner durch die Mühlen der Technologie des 21. Jahrhunderts geschickt, um diese wichtigen historischen Dokumente in der bestmöglichen Qualität zu präsentieren.

Gegründet 1967 und aufgelöst etwas über ein Jahrzehnt später, hat Can's beispiellose und kühne Verbindung von hypnotischen Grooves und avantgardistischen instrumentalen Texturen sie zu einer der wichtigsten und innovativsten Bands aller Zeiten gemacht. Die neue LIVE Serie offenbart eine völlig neue Perspektive auf die Band. Man kann vertraute Themen, Riffs und Motive hören, die auftauchen und durch die Jams surfen, aber es sind oft nur flüchtig wiedererkannte Gesichter in einer wirbelnden Menge. Man kann aber auch viel Musik entdecken, die es nie in den offiziellen Albumkanon geschafft hat.

Die Aufnahmen gehen in extremere Bereiche als Can's Studioarbeit: vom sanften, ambienten Drift-Rock bis hin zu den berühmt berüchtigten »Godzilla«-Momenten. Und auch wenn sich die Bandmitglieder von Minute zu Minute anpassen und dem Rhythmus hinterherjagen, kann man die außergewöhnliche musikalische Telepathie hören, die sie alle teilten.

Neues Studioalbum der Neuseeländischen Independent-Helden unter der Leitung des rätselhaften Martin Phillipps. Mit Artwork von Trees' David Costa.

Dunedin's finest, The Chills, veröffentlichen ihr siebtes Studioalbum "Scatterbrain" zweieinhalb Jahre nach dem enorm erfolgreichen "Snowbound" (2018) und des von der Kritik gefeierten Films "The Chills: The Triumph And Tragedy Of Martin Phillipps' im Jahr 2019. "Es geht um künstlerische Integrität, Selbstverwirklichung, Selbstakzeptanz, und es ist eine Reflexion über Sterblichkeit." (The Guardian)

Jetzt, im Jahr 2021, zieht Phillipps Bilanz - über alles. Ja, alles. Das Ergebnis ist das triumphale neue Chills'-Album "Scatterbrain", eine nachdenklich stimmende Aufnahme von einem Mann, der gute und schlechte Zeiten erlebt hat.Eine reife und ehrliche Reflexion über das Leben, das Schicksal und die Geschicke unserer Zeit, vorgetragen in wunderschönen Melodien und mit Phillipps' typischer, prägnanter Wortwahl. Aus der Sicht eines Mannes, der sich seines Alters und seiner eigenen Sterblichkeit bewusst ist, wirft das neue Album einen reifen Blick auf die Dinge, die da kommen, durchaus mit Perspektiven. Scatterbrain" ist ein Leben, das vor Ihren Ohren vorbeizieht, während die Ungewissheit zunimmt und die Fake News weiter rumoren, während Aliens eindringen, Verlassenheit groß wirkt, Welten innerhalb der Welten sich auftun und die Sanduhr sich füllt.

Ein bahnbrechendes Album von einem der großen modernen Songwriter, es ist pure Popmusik für eine neue Normalität, spannend zu hören, wie all dies endet...oder weitergeht.

Mit »The Monster Who Hated Pennsylvania« erscheint das 17. Studioalbum des aus Seattle, Washington stammenden amerikanischen Singer-Songwriters. Sein Werk zeichnet ein enormer Reichtum an stilistischen Raffinessen und das anspruchsvolle Verweben mannigfaltiger Genreelemente aus. Mit dem neuesten Kapitel »The Monster Who Hated Pennsylvania« fügt Jurado seinem OEuvre die erste Veröffentlichung auf seinem eigenen, neu gegründeten Label Maraqopa Records hinzu.

Das Album besteht aus zehn intensiven Songs, die Geschichten von Menschen erzählen, die schlimmen Umständen trotzen. Das vom Künstler selbst produzierte Album gehört klanglich zu seinen exponiertesten Arbeiten. Einflüsse waren der einzigartige Sound von Alben wie Lou Reeds »The Bells« oder Paul McCartneys »Ram«. Düstere Szenerien und Geschichten des Zwielichts sind seit langem fester Bestandteil von Jurados Songs über Geister, Mörder, grausame Liebhaber oder den falschen Messias.

Auf »The Monster Who Hated Pennsylvania« wirken die Inhalte mehr geerdet, fast schon aus dem Lebensalltag zitiert und von gewöhnlichen, aber nicht weniger gewaltigen Katastrophen gezeichnet: ein sich auf eine Stadt zubewegender Wirbelsturm, Amnesie, Krankheit oder belastete wie belastende Beziehungen.

Die andere Seite der vielseitigen Norah Jones: zusammen mit ihren Musikerfreundinnen Sasha Dobson und Catherine Popper mixt sie mit der Band Puss N Boots Folk, Country, Roots und eine Prise Jazzballade zu einem ungewöhnlich eingängigen Ganzen.

Das Ergebnis ist ein extrem hörbarer Cocktail aus sehr relaxten Vocals, coolen Beats und »twangigen« Gitarren. Norah und ihre beiden Bandkolleginnen haben Niemandem mehr etwas zu beweisen und musizieren mit Spaß an der Sache - das hört man.

Der Besondere: nicht nur bei den Vocals, auch an Gitarre, Bass und Drums wechseln die Drei sich ab. Neben gemeinsamen neuen Songs gibt es auch Coverversionen von Tom Petty (»Angel Dream«), Dolly Parton (»The Grass Is Blue«), Paul Westerberg (»It’s a Wonderful Lie«) und Concrete Blonde (»Joey«) zu hören.

Puss N Boots fanden sich 2008 in Brooklyn zusammen. Nach unzähligen Live-Konzerten veröffentlichten sie 2014 ihr erfolgreiches Albumdebüt »No Fools, No Fun«.

... es fällt schwer, von diesem coolen, unpolierten Sound nicht gefangen zu sein.

(Audio, März 2020)

Der Saxophonist, Komponist, Philosoph und Schriftsteller Shabaka Hutchings kehrt mit einem brandneuen Album seiner für den Mercury Prize nominierten Band Sons of Kemet zurück. Black To The Future, die vierte LP der Band und die zweite auf Impulse! Records, wird am 14. Mai veröffentlicht.

Es ist das bisher dynamischste Projekt der Band mit prominenten Sängern wie Angel Bat Dawid, den Dichtern Moor Mother und Joshua Idehen sowie dem Grime-Künstler D Double E.

Shabaka Hutchings ist stets im Einklang mit - wenn nicht sogar vor - den kulturellen Themen, die in unserer Welt herumwirbeln: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Er gräbt vergessene Mythologien aus, entschlüsselt Klänge der Vergangenheit und stellt eine These für die Zukunft auf. Das setzt sich mit Black To The Future fort, einem politisch ergreifenden und musikalisch reichhaltigen Album, das wie geschaffen dafür ist, im Regal neben Archie Shepps Attica Blues oder John Coltranes Alabama zu stehen.

Musikalisch ist Black To The Future eine weitreichendere Angelegenheit als frühere Sons of Kemet-Alben. Die Kerngruppe - Theon Cross (Tuba), Edward Wakili-Hick (Perkussion), Tom Skinner (Perkussion) - wird durch Gäste wie den britischen Saxophonisten Steve Williamson, den Chicagoer Bandleader und Sänger Angel Bat Dawid, den amerikanischen Dichter Moor Mother, den legendären britischen Grime-MC D Double E, den britischen Künstler/Rapper/Spoken-Word-Musiker Kojey Radical und andere erweitert. Shabaka Hutchings fügt auch komplexe Schichten von Holzblasinstrumenten in der gesamten Platte hinzu, die er während Lockdown einspielte.

Shabaka Hutchings sagt: "Black to the Future ist ein klangliches Gedicht zur Beschwörung von Macht, Erinnerung und Heilung. Es stellt eine Bewegung dar, die neu definiert und bekräftigt, was es bedeutet, nach schwarzer Macht zu streben."

Before listening to Black to the Future, Sons of Kemet's fourth album, reading the track list first is recommended. Bandleader Shabaka Hutchings sequenced it as a poetic statement to accurately and aesthetically foreshadow the record's narrative, thereby framing the context for its music. Sons of Kemet remains a quartet with Hutchings on reeds and woodwinds, Theon Cross on tuba, and Edward Wakili-Hick and Tom Skinner on drums and percussion; they are joined here by a slew of vocal and instrumental guests. Black to the Future carries the torch of musical polemic from Max Roach's We Insist! Freedom Now Suite, Archie Shepp's Attica Blues, and Gil Scott-Heron and Brian Jackson's It's Your World to Linton Kwesi Johnson's Bass Culture, Rip Rig & Panic's Attitude, and Public Enemy's It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back. Sons of Kemet address the Black experience from colonial slavery to Black Lives Matter's international ascendancy amid the struggle for self-determination while erasing artificial boundaries between jazz, dub, highlife, Afrobeat, calypso, rap, funk, and soul, without sterile posturing.

"Field Negus" commences with moaning tenor saxes, roiling snares, and kick drums. Joshua Idehen's urgent, narration was recorded during the BLM protests after George Floyd's death. The collective erases historical time between past and present: They're angry; they know oppression never sleeps. The interplay between Hutchings and guest saxist Steve Williamson blurs skronk and post-bop. "Pick Up Your Burning Cross" features Angel Bat Dawid and Moor Mother trading vocal lines as clattering Afrobeat meets Latin funk inside post-bop. On "Hustle," Kojey Radical and Lianne La Havas entwine rap and honeyed soul over Hutchings' layered woodwinds and reeds and Cross' unruly tuba solo as the drummers trade syncopated fours. In "For the Culture," Hutchings' instruments frame grime emcee D Double E's rap in Middle Eastern modalism, while Cross adds slinky rhythmic pulses and harmonic invention atop a massive Afrobeat groove. "To Never Forget the Source" is a fingerpopping meld of calypso, rhumba, and South African township jazz, rife with call-and-response between brass and reeds. "In Remembrance of Those Fallen"'s lilting whistles and flutes join tenor saxophone and tuba amid zigzagging Latin and Brazilian rhythms, while cumbia meets son jarocho, and skittering Afrobeat as Hutchings sings and screams through his horn amid a rhythmic dirge and dissonant tuba. "Imagine Yourself Levitating" intersects dub reggae, out jazz, and spidery funk. Idehen returns on closer "Black," delivering a prophetic screed as the band chaotically runs through the album's preceding catalog of styles and sounds. He stridently asserts that "Black is tired," while the band bristles. He delves into Black history's record of oppression for proof, but emerges with the hopeful realization that, "This Black praise is dance! This Black struggle is dance! This Black pain is dance!" Black to the Future jams is a staggering achievement. Musically and culturally, Sons of Kemet not only holistically conceive of a future, they begin to create one right now.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

»Copycat Killer« ist eine 12" EP mit 4 neuen Versionen von Songs von Phoebe Bridgers' gefeiertem »Punisher« Album.

In Zusammenarbeit mit dem Arrangeur Rob Moose (Sufjan Stevens, The National, Bon Iver, Vampire Weekend, Jay-Z), sind diese Orchesterarrangements der Songs »Kyoto«, »Savior Complex«, »Chinese Satellite« und »Punisher« eine Überarbeitung, die alle Fans von Phoebes Album begeistern werden. Auch für neue Hörer ist diese EP ein perfekter Einstieg in das Oeuvre eine der außergewöhnlichsten Künstlerinnen dieser Zeit.

Die schottischen Indielieblinge Teenage Fanclub veröffentlichen ihr zehntes Studioalbum »Endless Arcade« über ihr eigenes Label PeMa!

Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. »Endless Arcade« folgt auf das 2016er Album »Here«, mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird.

Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.

Sonnenbeschienene, herzerwärmende, klassische und vorbildlich gute Rockmusik.

(Audio, Juni 2021)

Diese Sammlung umfasst 19 Wilco-Cover, die von namhaften Künstlern wie Courtney Barnett, Kurt Vile, Sharon Van Etten, Low, Cate Le Bon und Parquet Courts aufgenommen wurden, darunter eine zuvor veröffentlichte Version von "Jesus, Etc." von Norah Jones' Band Puss N Boots und ein kürzlich ausgegrabenes unveröffentlichtes Cover von "Casino Queen" von Billy F Gibbons (ZZ Top).

"Good Woman" wurde in einer Zeit schwerer Turbulenzen für die Band geschrieben und aufgenommen, in der unter anderem Beziehungen endeten, ihre geliebte Mutter verstarb und Emily ihr erstes Kind zur Welt brachte. Größtenteils selbstproduziert (mit der Unterstützung von John Congleton), handelt das Album von Stärke - ihrer eigenen und der anderer Frauen; von Schwestern, Müttern und Töchtern. Von Liebe, Verlust und Veränderung. Von dem Versuch, eine gute Frau zu sein.

The Staves: "Wir haben lange gebraucht, um an diesen Punkt zu kommen, doch nun freuen wir uns unglaublich, unser neues Album 'Good Woman' anzukündigen. Wenn wir an die Entstehung dieses Albums denken, denken wir an Augenblicke und Momentaufnahmen all der unterschiedlichen Umstände, in denen wir uns zum jeweiligen Zeitpunkt befanden. Daran, jeden Tag zusammen zu verbringen und dann plötzlich durch Ozeane voneinander getrennt zu leben. Wir denken an Heimweh und Familie. Daran, ein Außenseiter zu sein."

Obwohl seit der Veröffentlichung ihres hochgelobten zweiten Albums "If I Was" sechs Jahre vergangen sind, war das britische Schwestern-Trio (Emily, Jessica und Camilla Staveley-Taylor) in der Zwischenzeit alles andere als untätig. Jessica steuerte Gesang zu Leonard Cohens letztem, posthumen Album "Thanks For The Dance" bei, das sein Sohn Adam Cohen produzierte. Und alle drei liehen ihre Stimmen einer Reihe von Tracks auf Paul Wellers jüngstem UK #1-Album "On Sunset". Auch Gastbeiträge für Lucy Rose, Bon Iver und Flyte in den jüngsten Jahren zeigen, dass ihr Gesang sehr gefragt ist.

Setting aside 2017's The Way Is Read, an adventurous collaboration with chamber ensemble yMusic, Good Woman is the Staves' first self-penned album in six years. Among its heavy inspirations were the death of the trio's mother, dissolved relationships, and the birth of eldest sister Emily's first child, all contributing to the idea of what it means to be a "good woman." John Congleton (The Decemberists, Angel Olsen) produced the album, which proves to be a poignant, philosophical set. The opening title track's soothing, soft rock sound accompanies enumerated qualities, like being able to stiffen resolve, being kind, carrying the load of others, and forgiving. It then asks, "But who'll build statues of me when I leave you all behind?" The song has one of the few solo lead vocals on an album that mostly drifts between unisons and three-part harmonies within each track. Another entry with a defined lead vocal is the like-minded "Devotion," whose choruses close with "Devotion be the death of me." Its airy synths, twinkling piano, and steady drums also recall the mellower side of '70s and '80s pop. On the more acoustic end of the spectrum is the folky "Nothing's Gonna Happen," a tender showcase for their three-part harmonies, and the sparse, piano-based "Waiting on Me to Change" ("Said you're waiting on me to change/Whatcha doin' that for?"), which edges toward wistful Carole King melodicism. Elsewhere, the cautionary "Careful, Kid" opts for unexpectedly grungier textures alongside its sparkling keys. Despite subtle shifts in arrangements, the songs of Good Woman share a certain world-weariness that's balanced with a refreshing self-assurance that -- like the sisters' elegant, blended vocal harmonies -- never loses its composure.

(by Marcy Donelson, All Music Guide)

Der Traum der Ente

„Also pass auf: Ich war ein Mensch, der im Schlaf geträumt hat, dass er eine Ente ist!“, so beginnt ein Sketch von Karl Valentin, in dem sich der Protagonist drei Minuten lang darüber beschwert, aufgeweckt worden zu sein, bevor er im Traum als Ente einen Wurm fressen konnte…

Willkommen in der fabelhaften Welt der Ente, willkommen zum zweiten International Music-Album mit dem fantastischen Titel „Ententraum“. Die Band hat ihr Album zwar nicht nach der alten Karl-Valentin-Nummer benannt, aber es ist doch ein schöner Zufall.

Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters wurden in diesem mehr als einstündigen Psychedelic-Rock-Trip beim kollektiven Träumen glücklicherweise von niemandem gestört. Höchstens von Produzent Olaf O.P.A.L, aber der ist nach der Produktion des gefeierten Vorgängeralbums „Die besten Jahre“ und dem nicht weniger erfolgreichen Album „Nenn mich Musik“ ihrer Schwesterband The Düsseldorf Düsterboys längst ihr Haus- und Hofproduzent geworden. Er stört also überhaupt nicht. Ganz im Gegenteil!

„Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich“, mit diesen Zeilen beginnt die Reise und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als „Gedankenzähler“ auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den „Traum der Ente“ verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song.

Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln.

Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die „Beauty of the bar“ oder ein „Wassermann“ besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die „Insel der Verlassenheit“ oder in die „Höhle der Vernunft“ begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song „Misery“ auf den Punkt: „Die Sprache ist eklektisch. As you and me!“ Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über „All this misery“ komplett erhaben. Das Herz geht einem auf – und das ohne jeden Deutschrock-Pathos!

Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und „Spiel Bass!“ geschrien, Oder es erklingt, wie im Song „Marmeladenglas“, ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song „Zucker“ heißt: „Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr“, dann sind die Fehlfarben aus „Monarchie & Alltag“ tatsächlich nicht mehr weit.

Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung.

Aber nun, so eine Ente ist ein außerordentliches Tier: Sie kann schwimmen, tauchen, gehen und fliegen! Genauso vielseitig bewegt sich diese Band auch zwischen den Musik-Genres. Sie macht eben immer auch das exakte Gegenteil von dem, was man ihr gerade nachsagen möchte.

So wirkt ihr Ententraum am Ende wie ein Konzeptalbum, das einem die ganze Zeit über zu sagen scheint, dass es wohlmöglich nicht nur ein, sondern unendlich viele Konzepte gibt. Lauter lose Fäden in einem surrealen Tagtraum. Da kommen dem gebannt lauschenden Hörer, der gebannt lauschenden Hörerin sofort The Doors und ihr Song „Light my fire“ in den Sinn. Diese Referenz ist nicht einmal weit hergeholt, denn International Music beeindrucken uns in diesen 64 Minuten vielfarbiger Träumereien mit hoher Intensität und packender Dramaturgie, wie es eben nur die ganz großen Bands können. Und wieder ist den drei Musikern aus Essen dabei eine große Liebeserklärung an die Formation Schlagzeug, Bass und Gitarre gelungen.

„Der grüne Sarg und sein Pronom / wenn ich’s denke, weiß ich schon / Der Dschungel ist mein Zuhause / Ein grünes Band umarmt mich zart (...) weder weich, noch hart“, heißt es schließlich im vorletzten Stück. Musik und Poesie im hochinspirierenden Zusammenspiel von Mensch und Natur.

Aber fassen wir lieber nochmal zusammen, bevor wir uns vor lauter Begeisterung am Ende noch überschlagen: Der „Ententraum“ ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten. Ein Album, mit dem sich die Träumer Peter Rubel, Pedro Goncalves-Crescenti und Joel Roters wieder „raus aus'm Zoo“ und „rein ins Geschäft“ wagen. Karl Valentin hätte vermutlich große Freude an diesem Werk gehabt.