Der Saxophonist, Komponist, Philosoph und Schriftsteller Shabaka Hutchings kehrt mit einem brandneuen Album seiner für den Mercury Prize nominierten Band Sons of Kemet zurück. Black To The Future, die vierte LP der Band und die zweite auf Impulse! Records, wird am 14. Mai veröffentlicht.

Es ist das bisher dynamischste Projekt der Band mit prominenten Sängern wie Angel Bat Dawid, den Dichtern Moor Mother und Joshua Idehen sowie dem Grime-Künstler D Double E.

Shabaka Hutchings ist stets im Einklang mit - wenn nicht sogar vor - den kulturellen Themen, die in unserer Welt herumwirbeln: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Er gräbt vergessene Mythologien aus, entschlüsselt Klänge der Vergangenheit und stellt eine These für die Zukunft auf. Das setzt sich mit Black To The Future fort, einem politisch ergreifenden und musikalisch reichhaltigen Album, das wie geschaffen dafür ist, im Regal neben Archie Shepps Attica Blues oder John Coltranes Alabama zu stehen.

Musikalisch ist Black To The Future eine weitreichendere Angelegenheit als frühere Sons of Kemet-Alben. Die Kerngruppe - Theon Cross (Tuba), Edward Wakili-Hick (Perkussion), Tom Skinner (Perkussion) - wird durch Gäste wie den britischen Saxophonisten Steve Williamson, den Chicagoer Bandleader und Sänger Angel Bat Dawid, den amerikanischen Dichter Moor Mother, den legendären britischen Grime-MC D Double E, den britischen Künstler/Rapper/Spoken-Word-Musiker Kojey Radical und andere erweitert. Shabaka Hutchings fügt auch komplexe Schichten von Holzblasinstrumenten in der gesamten Platte hinzu, die er während Lockdown einspielte.

Shabaka Hutchings sagt: "Black to the Future ist ein klangliches Gedicht zur Beschwörung von Macht, Erinnerung und Heilung. Es stellt eine Bewegung dar, die neu definiert und bekräftigt, was es bedeutet, nach schwarzer Macht zu streben."

»Copycat Killer« ist eine 12" EP mit 4 neuen Versionen von Songs von Phoebe Bridgers' gefeiertem »Punisher« Album.

In Zusammenarbeit mit dem Arrangeur Rob Moose (Sufjan Stevens, The National, Bon Iver, Vampire Weekend, Jay-Z), sind diese Orchesterarrangements der Songs »Kyoto«, »Savior Complex«, »Chinese Satellite« und »Punisher« eine Überarbeitung, die alle Fans von Phoebes Album begeistern werden. Auch für neue Hörer ist diese EP ein perfekter Einstieg in das Oeuvre eine der außergewöhnlichsten Künstlerinnen dieser Zeit.

Die schottischen Indielieblinge Teenage Fanclub veröffentlichen ihr zehntes Studioalbum »Endless Arcade« über ihr eigenes Label PeMa!

Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. »Endless Arcade« folgt auf das 2016er Album »Here«, mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird.

Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.

Sonnenbeschienene, herzerwärmende, klassische und vorbildlich gute Rockmusik.

(Audio, Juni 2021)

Diese Sammlung umfasst 19 Wilco-Cover, die von namhaften Künstlern wie Courtney Barnett, Kurt Vile, Sharon Van Etten, Low, Cate Le Bon und Parquet Courts aufgenommen wurden, darunter eine zuvor veröffentlichte Version von "Jesus, Etc." von Norah Jones' Band Puss N Boots und ein kürzlich ausgegrabenes unveröffentlichtes Cover von "Casino Queen" von Billy F Gibbons (ZZ Top).

»All The Good Times« ist die erste Zusammenarbeit von Gillian Welch & David Rawlings, die beide Namen gleichberechtigt trägt. All The Good Times, eine Sammlung von 10 akustischen Covers und erhielt 2021 eine Grammy-Nominierung für das beste Folk-Album.

Nachdem ein verheerender Tornado im Frühjahr 2020 in Nashville wütete und ihr Studio unbenutzbar machte, unmittelbar gefolgt von einer weltweiten Pandemie, die ihre Community und ihre Tourneen lahmlegte, konnten Welch und Rawlings die Inspiration finden, in ihrem heimischen Wohnzimmer ein Aufnahmegerät aufzubauen und zehn Performances einiger ihrer Lieblingssongs von John Prine (»Hello In There«), Bob Dylan (»Abandoned Love«), Norman Blake (»Ginseng Sullivan«) und anderen auf Reel-to-Reel Audio Tape aufzunehmen ... Eine Vinylveröffentlichung ist in Planung.

Die 10-Song-Sammlung ist das Äquivalent dazu, dass man in Welchs und Rawlings' Wohnzimmer willkommen geheißen wird und die beiden einen zu einem privaten Konzert einladen. Mit anderen Worten, es wird nicht viel besser als das hier.

(Uncut )

Das eigene Universum

»Sweep It Into Space« – der Name des neuen Albums von Dinosaur Jr. passt perfekt. Auf ihrem mittlerweile 13. Longplayer nimmt uns das Trio wieder mal mit in ihr ganz eigenes Indie-Rock-Universum.

Dort treffen wir neben J Masics, Lou Barlow und Murph erstmals auch Kurt Vile, der die Platte mitproduzierte. Für die Aufnahme ging es wie gewohnt in Amherst’s Biquiteen.

Eigentlich sollte »Sweep It Into Space« bereits im letzten Jahr erscheinen, aber wie vielen Musikern machte die Corona-Pandemie auch Dinosaur Jr. einen Strich durch die Rechnung.

Jetzt ist es aber endlich so weit. Wie »Sweep It Into Space« klingt, verrieten sie unter anderem bereits mit der Single »I Ran Away«.

Und die zeigt: Dinosaur Jr. setzen 2021 weniger auf Überraschungen als auf Signature-Sound. Genau so soll es sein. Hier ist »Sweep It Into Space«.

Der Traum der Ente

„Also pass auf: Ich war ein Mensch, der im Schlaf geträumt hat, dass er eine Ente ist!“, so beginnt ein Sketch von Karl Valentin, in dem sich der Protagonist drei Minuten lang darüber beschwert, aufgeweckt worden zu sein, bevor er im Traum als Ente einen Wurm fressen konnte…

Willkommen in der fabelhaften Welt der Ente, willkommen zum zweiten International Music-Album mit dem fantastischen Titel „Ententraum“. Die Band hat ihr Album zwar nicht nach der alten Karl-Valentin-Nummer benannt, aber es ist doch ein schöner Zufall.

Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters wurden in diesem mehr als einstündigen Psychedelic-Rock-Trip beim kollektiven Träumen glücklicherweise von niemandem gestört. Höchstens von Produzent Olaf O.P.A.L, aber der ist nach der Produktion des gefeierten Vorgängeralbums „Die besten Jahre“ und dem nicht weniger erfolgreichen Album „Nenn mich Musik“ ihrer Schwesterband The Düsseldorf Düsterboys längst ihr Haus- und Hofproduzent geworden. Er stört also überhaupt nicht. Ganz im Gegenteil!

„Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich“, mit diesen Zeilen beginnt die Reise und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als „Gedankenzähler“ auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den „Traum der Ente“ verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song.

Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln.

Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die „Beauty of the bar“ oder ein „Wassermann“ besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die „Insel der Verlassenheit“ oder in die „Höhle der Vernunft“ begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song „Misery“ auf den Punkt: „Die Sprache ist eklektisch. As you and me!“ Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über „All this misery“ komplett erhaben. Das Herz geht einem auf – und das ohne jeden Deutschrock-Pathos!

Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und „Spiel Bass!“ geschrien, Oder es erklingt, wie im Song „Marmeladenglas“, ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song „Zucker“ heißt: „Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr“, dann sind die Fehlfarben aus „Monarchie & Alltag“ tatsächlich nicht mehr weit.

Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung.

Aber nun, so eine Ente ist ein außerordentliches Tier: Sie kann schwimmen, tauchen, gehen und fliegen! Genauso vielseitig bewegt sich diese Band auch zwischen den Musik-Genres. Sie macht eben immer auch das exakte Gegenteil von dem, was man ihr gerade nachsagen möchte.

So wirkt ihr Ententraum am Ende wie ein Konzeptalbum, das einem die ganze Zeit über zu sagen scheint, dass es wohlmöglich nicht nur ein, sondern unendlich viele Konzepte gibt. Lauter lose Fäden in einem surrealen Tagtraum. Da kommen dem gebannt lauschenden Hörer, der gebannt lauschenden Hörerin sofort The Doors und ihr Song „Light my fire“ in den Sinn. Diese Referenz ist nicht einmal weit hergeholt, denn International Music beeindrucken uns in diesen 64 Minuten vielfarbiger Träumereien mit hoher Intensität und packender Dramaturgie, wie es eben nur die ganz großen Bands können. Und wieder ist den drei Musikern aus Essen dabei eine große Liebeserklärung an die Formation Schlagzeug, Bass und Gitarre gelungen.

„Der grüne Sarg und sein Pronom / wenn ich’s denke, weiß ich schon / Der Dschungel ist mein Zuhause / Ein grünes Band umarmt mich zart (...) weder weich, noch hart“, heißt es schließlich im vorletzten Stück. Musik und Poesie im hochinspirierenden Zusammenspiel von Mensch und Natur.

Aber fassen wir lieber nochmal zusammen, bevor wir uns vor lauter Begeisterung am Ende noch überschlagen: Der „Ententraum“ ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten. Ein Album, mit dem sich die Träumer Peter Rubel, Pedro Goncalves-Crescenti und Joel Roters wieder „raus aus'm Zoo“ und „rein ins Geschäft“ wagen. Karl Valentin hätte vermutlich große Freude an diesem Werk gehabt.

Weniger ausruhen, mehr liefern

Erst letztes Jahr veröffentlichten Motorpsycho ihr Doppelalbum »The All Is One«, das in ihrer Heimat Norwegen auf Platz 3 landete und dort außerdem für einen Spellemannprisen (einen norwegischen Musikpreis) in der Kategorie »Bestes Rockalbum« nominiert wurde.

Aber statt sich auf ihren Lorbeeren auszuruhen, liefern die Psychedelic Rocker 2021 bereits ein neues Album ab: »Kingdom Of Oblivion«.

Für die Aufnahme verschlug es Bent Sæther, Hans Magnus Ryan und Tomas Järmyr erneut ins französische Black Box Studio. Die Fertigstellung folgte im heimischen Trondheim.

Das Ergebnis ist ein hartes und riffgeladenes Brett von einem Album, das zudem die vielen Einflüsse und Talente Motorpsychos hörbar macht.

Mit Hardrock-Krachern und leisen Balladen, kurzen und langen Stücken, Retro-Perspektiven und futuristischen Ausblicken übertrifft dieser Bund von Wahnsinnigen sich einmal mehr selbst.

(stereoplay, Mai 2021)

Godspeed You! Black Emperor wrote the majority of their seventh studio full-length while touring, then recorded it in 2020 during the COVID-19 pandemic, masked and socially distanced. Like 2012's 'Allelujah! Don't Bend Ascend, G_d's Pee AT STATE'S END! consists of two 20-minute suites as well as two drone-heavy six-minute pieces. Both of the suites open with grainy, distorted transmissions captured through shortwave receivers, and as the band explains, the preachers that once warned of an impending apocalypse now insisted that these are the end times, and military-related broadcasts spanned the rest of the dial. The opening suite builds up to one of the group's trademark crescendos, beginning with jarring, distorted melodies and scratchy guitar riffs before rising up in a joyous, determined procession. Just as it seems like it's about to spin out of control, the band regain focus and add strings that shift it closer to a vaguely country-ish lament, then end the suite with the sounds of distant explosions. The requiem-like "Fire at Static Valley" is the album's bleakest, most sorrowful moment, with heavy gales of strings swarming over a funereal pounding drum. On the second suite, wayward drums and haunting strings tumble like a ship rocking from side to side, then the group locks into a steady, churning rhythm, slowly getting heavier and hotter until it all seems engulfed in smoke. But then the rousing final section is unexpectedly cheerful, and easily the most ecstatically triumphant music GY!BE have ever made, soaring upward and ending with the loud, victorious clanging of bells. The decaying final piece is called "OUR SIDE HAS TO WIN," underlining the premise of the album, and indeed the group's entire body of work. There is still beauty and hope in this world, and it is absolutely imperative to keep fighting, at all costs.

(by Paul Simpson, All Music Guide)

"Good Woman" wurde in einer Zeit schwerer Turbulenzen für die Band geschrieben und aufgenommen, in der unter anderem Beziehungen endeten, ihre geliebte Mutter verstarb und Emily ihr erstes Kind zur Welt brachte. Größtenteils selbstproduziert (mit der Unterstützung von John Congleton), handelt das Album von Stärke - ihrer eigenen und der anderer Frauen; von Schwestern, Müttern und Töchtern. Von Liebe, Verlust und Veränderung. Von dem Versuch, eine gute Frau zu sein.

The Staves: "Wir haben lange gebraucht, um an diesen Punkt zu kommen, doch nun freuen wir uns unglaublich, unser neues Album 'Good Woman' anzukündigen. Wenn wir an die Entstehung dieses Albums denken, denken wir an Augenblicke und Momentaufnahmen all der unterschiedlichen Umstände, in denen wir uns zum jeweiligen Zeitpunkt befanden. Daran, jeden Tag zusammen zu verbringen und dann plötzlich durch Ozeane voneinander getrennt zu leben. Wir denken an Heimweh und Familie. Daran, ein Außenseiter zu sein."

Obwohl seit der Veröffentlichung ihres hochgelobten zweiten Albums "If I Was" sechs Jahre vergangen sind, war das britische Schwestern-Trio (Emily, Jessica und Camilla Staveley-Taylor) in der Zwischenzeit alles andere als untätig. Jessica steuerte Gesang zu Leonard Cohens letztem, posthumen Album "Thanks For The Dance" bei, das sein Sohn Adam Cohen produzierte. Und alle drei liehen ihre Stimmen einer Reihe von Tracks auf Paul Wellers jüngstem UK #1-Album "On Sunset". Auch Gastbeiträge für Lucy Rose, Bon Iver und Flyte in den jüngsten Jahren zeigen, dass ihr Gesang sehr gefragt ist.

Setting aside 2017's The Way Is Read, an adventurous collaboration with chamber ensemble yMusic, Good Woman is the Staves' first self-penned album in six years. Among its heavy inspirations were the death of the trio's mother, dissolved relationships, and the birth of eldest sister Emily's first child, all contributing to the idea of what it means to be a "good woman." John Congleton (The Decemberists, Angel Olsen) produced the album, which proves to be a poignant, philosophical set. The opening title track's soothing, soft rock sound accompanies enumerated qualities, like being able to stiffen resolve, being kind, carrying the load of others, and forgiving. It then asks, "But who'll build statues of me when I leave you all behind?" The song has one of the few solo lead vocals on an album that mostly drifts between unisons and three-part harmonies within each track. Another entry with a defined lead vocal is the like-minded "Devotion," whose choruses close with "Devotion be the death of me." Its airy synths, twinkling piano, and steady drums also recall the mellower side of '70s and '80s pop. On the more acoustic end of the spectrum is the folky "Nothing's Gonna Happen," a tender showcase for their three-part harmonies, and the sparse, piano-based "Waiting on Me to Change" ("Said you're waiting on me to change/Whatcha doin' that for?"), which edges toward wistful Carole King melodicism. Elsewhere, the cautionary "Careful, Kid" opts for unexpectedly grungier textures alongside its sparkling keys. Despite subtle shifts in arrangements, the songs of Good Woman share a certain world-weariness that's balanced with a refreshing self-assurance that -- like the sisters' elegant, blended vocal harmonies -- never loses its composure.

(by Marcy Donelson, All Music Guide)