Kurt Vile has had a signature sound for years, but Bottle It In — his seventh solo album, out today — is the first time that sound feels cemented, as if its parameters have been drawn. He’s reached that moment in a veteran career when he understands his strengths and is playing to them, refining his mastery rather than forcing himself into uncomfortable new space. That renders the album unsurprising, but it doesn’t have to be a bad thing. If at any point you’ve loved Vile’s dazed, drawling, prophetically poetic heartland rock, Bottle It In overflows with music for you. He has marked out his territory and is casually grazing it, harvesting fresh wisdom and beauty as he moves on into middle age.

As ever, Vile’s songwriting is haunted by melancholy, but the post-contentment crisis that marked 2015’s b’lieve i’m goin down seems to have dissipated in clouds of smoke. He is in his groove here, spinning guitar tapestries on the bright and punchy “Yeah Bones” and turning out surreal narratives like this, from “Hysteria”: “Stop this plane because I want to get off/ Pull over somewhere on the side of a cloud/ And watch me get out/ Watch me go down/ And the rest is hysteria/ And I stole that/ But hey Mom, look at me now.”.

At 79 minutes, Bottle It In is Vile’s longest album to date; he’s not exactly corking himself up in a tight space as the title might imply. Three times he lets a song stretch out to 10 minutes, luxuriating in vibes, textures shifting like the slow evolution of a landscape. One of those, the stoned koan “Bassackawards,” is an instant classic of his discography, its sound and subject matter floating just above the surface of the Earth, tethered only by a simple, steady beat and Vile’s repeated assurance, “I was on the ground.” It’s one of those drug-trip songs that masterfully puts you in its author’s headspace.

You feel like you really get to know Kurt Vile listening to these tracks. On “Loading Zones,” his goofy sense of humor manifests in a song-length gag about illegal parking. On “One Trick Ponies,” he pays affectionate tribute to his buddies — appropriate for a rocker from the City of Brotherly Love. It’s an immersive, ingratiating experience, and you can step into the whole thing below.

(www.stereogum.com)

Seit 33 Jahre spielen sie ihre Songs. Und bringen ihre Platten heraus, genauso wie sie sich das vorstellen, eine nach der anderen. Es gibt wenig Vergleichbares, keine andere deutschsprachige Band, die diese eigenartige Mischung aus Folkrock und Blues, Artrock und Kinderlied, Krachorgie und Schmalzmelodie in die Welt brächte, ohne auch – wie es scheint – nur einen Moment darüber nachzudenken, ob das gerade in den Zeitgeist passt oder nicht, ob das für neue oder alte Medien taugt, ob das einer versteht, ob sie das überhaupt selber verstehen, ob das nun traurig oder lustig, hässlich oder schön, Tiefsinn oder Spinnerei ist.

Auf den ersten Blick sieht alles nach Verweigerung aus: Sie weigern sich, immer das Gleiche zu machen und sie weigern sich, sich neu zu erfinden. Sie weigern sich, sich der Streaming- und Youtube-Landschaft anzupassen. Sie geben ihre Musik nicht für Werbung her. Sie spielen lieber dreimal im Tempodrom als einmal in der Max-Schmeling-Halle. Sie lassen sich nicht festnageln und so weiter und so fort, man könnte es noch lange fortführen, aber das kann das Geheimnis ihres Erfolges nicht sein, das sind alles nur Dinge, die nicht getan werden, aber geliebt wird man nur für das, was man tut, nicht für das, was man lässt.

Und so entsteht ein anderes Bild dieser Band: Einer Band, die einen so unverwechselbaren Stil in Sachen Song, Sound und Haltung hat, dass man nur zwei Möglichkeiten hat: Man kann das mögen oder eben auch nicht. Nie sind Element Of Crime nur »irgendwie interessant« oder »auch ganz okay«.

Und da wären wir bei »Schafe, Monster und Mäuse«. Ist das ein Verweis auf das Vorgängerwerk »Lieblingsfarben und Tiere«? Wohl kaum. Ein Monster ist kein Tier und eine Maus ist keine Farbe. Es ist aber sicher auch keine zufällige Wahl. Es ist der Titel eines Songs auf dem Album, der von Träumen erzählt, der Welt »hinter geschlossenen Lidern«, in der eigene, andere Gesetze gelten, diktiert vom Unterbewusstsein, kontrolliert und durchkreuzt vom Über-Ich. Das ist auch eine gute Metapher für das poetische Prinzip bei Element of Crime: Die musikalische und textliche Arbeit mit Assoziationen, unterbewussten, improvisierten Elementen, das wie zufällige Ineinanderstürzen der Stilmittel, das Arbeiten mit und das Durchbrechen von bekannten Mustern, das Kaleidoskop der Klangfarben, Melodien, improvisierten Kakophonien, das ganze psychedelische Instrumentarium, mit dem diese Band seit so langer Zeit ohne mit der Wimper zu zucken hantiert.

»Schafe, Monster und Mäuse«: Da gibt es Soulballaden wie »Am ersten Sonntag nach dem Weltuntergang«, Chansons wie »Bevor ich dich traf«, Folksongs wie »Die Party am Schlesischen Tor«, Pubrockkracher wie »Ein Brot und eine Tüte«, Desert-Rock-Aufschneidereien wie »Stein, Schere, Papier« und vieles mehr. Und dann ist wieder alles anders, wenn bei »Am ersten Sonntag« Jakob Iljas artrockige Kaputtgitarre in den Soloteil sägt, wenn bei »Bevor ich dich traf« die wienerischen Geigen in die letzte Strophe einfräsen, wenn bei »Die Party am Schlesischen Tor« eine psychedelisch krachende Blaskapelle durchs Bild wankt, ständig Dinge passieren, auf die man nicht gefasst sein kann, Richard Pappik die Tempi verschleppt und beschleunigt, wie es gerade sein muss, mit Rhythmen und Klangfarben jongliert und überhaupt sein schmutziges Spiel mit einer Rockmusik spielt, die auf dieser Platte immer wieder neu definiert wird und Sven Regeners knarzige Stimme dazu Poesie verteilt, als werfe er Fleischfetzen auf einen Grill aus alten Ölfässern. Musik und Text, da taumeln sie zusammen in die aufgehende Sonne und stützen sich gegenseitig wie zwei erschöpfte Partygänger nach einer langen Nacht am Schlesischen Tor. Zerzauste Vögel, die von ihren Familien unterstützt werden, der Hendl-Jahn, eine Gratiszigarre beim Kauf eines neues Lebens, wo Stürme, Blitze und Donner nicht Wetter, sondern ein Arsenal gegen gute Laune sind, die Frau vom Supermarkt, Black Friday beim Sterni im Späti... wer bitte bringt sowas in so wunderbar klingenden Texten unter? »Schafe, Monster und Mäuse« ist ein langes, ultrapsychedelisches Album geworden, das längste in der Geschichte der Band. Es ist, als wollten Element Of Crime das Albumformat, für das diese Band von Anfang an wie keine zweite geschaffen war, bis auf das Äußerste ausreizen, vielleicht ein letztes Mal, man weiß nicht, wie es weitergehen wird damit, die Welt verändert sich.

Aber, und das ist das Entscheidende: Die Lieder bleiben.

(Aus der Presseinfo von Element of Crime, geschrieben von Charlotte Goltermann (Berlin, 2018) )

Cats persönliche Reise

Ganze sechs Jahre mussten sich die Fans von Cat Power gedulden. 2018 ist es endlich so weit: Die US-amerikanische Alternative-Country-Künstlerin meldet sich mit ihrem neuen Album »Wanderer« zurück.

Der Nachfolger von »Sun« (2012) ist ihr mittlerweile zehntes Studiowerk.

So viel sei verraten: Das Warten hat sich gelohnt. Cat entpuppt sich einmal mehr als begnadete Songwriterin. Der Albumtitel »Wanderer« ist dabei Programm, denn die elf neuen Songs handeln von ihrer persönlichen Reise und von ihrem Leben »on the road«.

Zudem gibt es auf dem neuen Album ein paar besondere Gäste, darunter Freundin und Sängerin Lana Del Rey, die im Song »Woman« zu hören ist.

Endlich: Cat Power präsentiert ihr sehnsüchtig erwartetes neues Album. Hier ist »Wanderer«.

Mit spärlich instrumentierten, jedoch niemals langweiligen Stücken wie ›In Your Face‹, ›Horizon‹ oder ›Woman‹ (mit Lana Del Ray als Gastsängerin) sind ihr einige der schönsten Songs ihrer bisherigen Karriere gelungen.

(Good Times, Oktober / November 2018)

After coming back with 2015's Silver Bullets, an album that reasserted the genius of Martin Phillipps but sounded a little tentative at times, the Chills' second album of the 2010s is a brilliant pop hit that's bold, bright, and confident. Snow Bound is a big pop statement, overflowing with singalong choruses, ringing guitars, rich arrangements, and Phillipps' typically trenchant observations. It's reminiscent of the Go-Betweens' 16 Lovers Lane, Prefab Sprout's Steve McQueen, or the Chills' own Submarine Bells; albums that have ambition and reach but don't sacrifice an ounce of humanity in the process. Unlike those records, which were often tied to some questionable production techniques, Phillipps, his band (the same sympathetic lineup from Silver Bullets), and producer Greg Haver work together to make the album sound modern and spotlessly clean on the surface. They also give it a warmth that keeps it from sounding clinical. Phillipps' songs are witty and super hooky as usual; each one sounds like it could be extracted and called a single. Some of them are as good as any the band have released. Maybe not as timeless as "Heavenly Pop Hit," but the title track, the incessantly catchy "Bad Sugar," and the swinging indie rocker "Scarred" come close. There are political statements ("In Harmony"), introspective moments ("Complex"), and bittersweet love songs (Time to Atone"), all wrapped in sonic finery like sweeping Hammond organ, bubbling synths, piping oboe, and stately piano. The arrangements are full to bursting with sound, but it's never too much. The big hooks and weighty statements Phillipps put to paper needed impressive backing and that's exactly what they got. It may be a long way from the wooly, home-cooked sound of the early Chills, but times have changed, as has Phillipps, and this record is just about the best possible scenario for a Chills record in the late 2010s. The songs are definitely there, Phillipps' wonderfully light vocals are as strong as ever, and the sound is a perfect example of how to make a record that sounds as big as a stadium while still being driven by real emotion.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Es ist das dreizehnte Album des Sängers und Multiinstrumentalisten und seine Rückkehr zum »AOR«.

Es sind nur acht Stücke, diskrete vierzig Minuten und somit perfekt für zwei LP-Seiten, aber jeder einzelne Song des Albums ist ein Klang-Universum. Das Klangspektrum reicht von Soul über Fusion bis Funk und Soft Rock, leidenschaftlich eingespielt und produziert im Estudio Marini, Studio A Casa und Ed Mottas eigenem Dwitza, allesamt in Rio de Janeiro.

Die anderen Musiker auf dem Album geben den ausnahmslos von Ed Motta komponierten, getexteten, arrangierten und produzierten Stücken mit ihren Soli und auch im eng verzahnten Ensemble-Spiel genau die sinnliche Qualität, die er selbst als Zuhörer schätzt.

»Großartige Platte – ein würdiger Nachfolger zu ›Perpetual Gateways‹ (2016).«

(Audio, Oktober 2018)

Erstklassig

Richard Thompson ist zurück. Die Folk-Rock-Legende präsentiert 2018 sein neues, mittlerweile 19. Studioalbum »13 Rivers«. Drei Jahre mussten Fans auf den Nachfolger von »Still« und damit auf neues Material des Londoner Gitarristen, Sängers und Komponisten warten.

13 neue Songs hat Thompson dafür in Los Angeles aufgenommen, und zwar analog mit nur wenigen Overdubs. Unterstützt wurde er dabei von seinen langjährigen musikalischen Partnern Michael Jerome (Schlagzeug) und Taras Prodaniuk (Bass) sowie seinem Gitarrentechniker Bobby Eichorn, der die zweite Gitarre spielte.

Die Produktion von »13 Rivers« übernahm Richard Thompson selbst.

Wie genau sein neues Album klingt, verriet der Musiker und Sänger bereits vorab mit den Auskopplungen »Bones Of Gilead« und »The Storm Won’t Come«.

Richard Thompson ist nach wie vor ein erstklassiger Songwriter und einer der besten Gitarristen aller Zeiten ...

»... ein griffiges Folkrock-Werk.«

(Audio, Oktober 2018)

Wenn Vater und Sohn zusammen ein Album machen, ist die Wahrscheinlichkeit hoch, dass es ein sehr persönliches wird. So geschehen bei Neil & Liam Finn, deren gemeinsames Werk »Lightsleeper« via Inertia/[PIAS] erscheint. Neil Finn wurde in den 80ern mit seiner Band Crowded House bekannt und tourt noch dieses Jahr als neuestes Mitglied von Fleetwood Mac.

Zusammen auf der Bühne standen die beiden schon öfter, doch »Lightsleeper« ist die erste gemeinsame Studioproduktion der Neuseeländer. Und um die familiäre Atmosphäre und Intimität der Songs mit Liams LoFi-Melodien und Neils Pop-Sensibilität noch zu unterstreichen, spielt Sharon Finn – Neils Frau bzw. Liams Mutter – Bass auf zwei der Songs und Elroy Finn – Liams Bruder – Schlagzeug bei gleich sieben Nummern.

Brandneues Studioalbum der britischen Folkotronica Pioniere Tunng. Ihr neues Meisterwerk »Songs You Make At Night« wurde in der Originalbesetzung mit den beiden Masterminds Sam Genders und Mike Lindsay aufgenommen.

Einige musikalische Partnerschaften sind so stark, intuitiv und natürlich, dass sie aufgrund des natürlichen Magnetismus in der Beziehung fast nicht zu trennen sind. Eine dieser eng gestrickten Songwriter-Familien sind Tunng, und ihr neues Album »Songs You Make At Night« vereint die Gründungsmitglieder Sam Genders und Mike Lindsay (frisch von seinem LUMP-Seitenprojekt mit Laura Marling) und den Rest der Tunng-Gang zum ersten Mal seit 2007's Good Arrows. »Wir wollten wirklich eine Tunng-Platte machen, die auf die ursprüngliche Besetzung zurückgeht«, sagt Lindsay. »es gab eine echte Magie in den ersten Aufnahmen, die wir alle für dieses neue Album wieder einfangen wollten.«

Seit der Gründung im Jahr 2003 und im Laufe von fünf Alben sind Tunng eine Gruppe geworden, die die Grenzen zwischen akustischer und elektronischer Musik erforscht hat und zum Synonym für das Folktronica-Genre geworden ist, bevor sie in ein Gebiet vordrang, das es geschafft hat, um sich diesem Label zu entziehen und es immer wieder neu zu definieren. »Songs You Make At Night« findet eine Gruppe von Musikern, die sich wieder mit einem früheren kollektiven Zustand verbinden, um etwas Neues und Zukunftsweisendes hervorzubringen.

»Wir sind alle so verschieden, aber jeder bringt etwas Wesentliches mit, etwas wichtiges, spezifisches für die Band Tunng. Sei es im Studio, auf der Bühne, im Van oder in der Kneipe. Ich denke, dass die neuen Songs, die Mike und Sam zusammen gemacht haben, das Beste in uns allen hervorgebracht haben«, bestätigt Sängerin Becky Jacobs.

»Ich war verrückt nach Musik« - so erinnert sich Joe Camilleri an die Zeit, als er anfing, in Bands zu spielen. »Ich war an nichts anderem interessiert. Ich habe Musik gelebt, geatmet und gegessen.«

49 Alben später – Citizen John ist sein 21. mit den Black Sorrows und das allererste für Blue Rose Records - und Camilleris Leidenschaft ist, falls möglich, größer als je zuvor.

Mit seinem langjährigen Songwriting-Partner Nick Smith arbeitet er fast täglich an neuen Songs. Auf die Frage nach seinem Lieblingssong in seinem großen Katalog antwortet er augenzwinkernd: »Der nächste.« Immer schon ein produktiver Songschreiber, landeten für Citizen John 13 Songs auf dem Album, die alle Genres abdecken, die Joe als Schreiber und Musikliebhaber über die Jahre inspiriert haben.

Das Album ist wie eine Feier und Reise durch die lebendigsten Musikstile des 20. Jahrhunderts und trägt zugleich eindeutig die Handschrift von Joe Camilleri. »Ich habe mein Netz schon immer weit ausgeworfen«, sagt er. Warum auch nicht? Schließlich bleibt es dadurch spannend - für den Künstler wie für sein Publikum.

»Und das ist eine vielseitige, klasse Rockband!« Gemeinsam liefern sie eine fantastische Mischung ab, die Gospel, Zydeco, Reggae, Texas Swing, Old-School R&B und Soul auf einem großen, selbstbewussten, stets beseelten Album zusammenbringt.