As Mega Bog, songwriter/multi-instrumentalist Erin Birgy evolved over the course of multiple strong records, with changes in style and energy seeming to come from within more than in response to outside forces. Her work grew from smoky Pacific Northwestern indie to tense zigzags of sax and synth, the songwriter's raw moods and powerful reflections sitting in the center of whatever shape her music took. On fifth album Dolphine, Birgy delivers her strongest and clearest collection of songs to date. Aided by longtime friends from Iji, Hand Habits, and Big Thief, Birgy's always-dense arrangements feel more deliberate and uncluttered than even on 2017's relatively straightforward Happy Together. Clean production highlights the quick swings in style from one track to another. Album opener "For the Old World" finds Birgy's vaporous vocals haunting a rhythm Stereolab might have devised during a particularly heavy phase of obsession with the Free Design, sounding both bubbly and horrifying at any given second. This already multicolored approach melts into the springy bounce of "Left Door," a tune that recalls Joni Mitchell's most playful work with twisting, light jazz melodies that break into jaunty pop. Elsewhere on Dolphine, the title track opens with a web of cosmic synth arpeggios that usher in layers of vocal harmonies that eventually blur into aquatic delay. Bright folk abruptly dead-ends into horn sections, hooky piano, wobbling synths, and raw lyrics both political and personal. Birgy's command over both her arrangements and Dolphine's emotional flow meet with some of her best songs, making the album her strongest statement in a history of exceptional work.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Mit den ambitioniertesten und melodisch anspruchsvollsten Kompositionen der Band seit ihrem außergewöhnlichen Debütalbum Cottonwoodhill!

Joel Vandroogenbroeck brachte eine außergewöhnlich talentierte Gruppe von Musikern zusammen, um seine Vision zum Leben zu erwecken, darunter UK Subs Gitarrist Nicky Garratt, Jürgen Engler von Die Kurpps, Jason Willer & Kephera Moon von Nik Turners Band und andere!

Herausragend

»Atlanta Millionaires Club« heißt das neue Album von Faye Webster.

Die 21-jährige Songwriterin und Fotografin aus Atlanta zeigt 2019 einmal mehr, warum sie zu den spannendsten Künstlerinnen ihres Genres gehört.

»Atlanta Millionaires Club« kommt zwei Jahre nach ihrem nach sich selbst benannten Album »Faye Webster«.

Zehn sehr persönliche Songs hat sie dafür aufgenommen, und zwar mit Co-Produzent Drew Vandenberg bei Chase Park Transduction in Athens, Georgia.

Unter dem Deckmantel des Alternative-Folk werden auf »Atlanta Millionaires Club« noch manch andere Einflüsse hörbar, darunter Country, aber auch Hip-Hop und R’n’B. Ein allgegenwärtiges Klangelement ist auf dem neuen Album zudem die Pedal-Steel-Gitarre, die für einen einmalig relaxten Sound mit hawaiianischem Touch sorgt.

Wie das genau klingt, verriet Webster bereits mit den ersten beiden Singles »Kingston« und »Room Temperature«.

Faye Websters neues Album ragt aus dem Meer der Singer-Songwriter- und Folk-Veröffentlichungen heraus. Wer sich selbst davon überzeugen will, kann »Atlanta Millionaires Club« jetzt einfach online bestellen.

Gothic-Folk-Kunstwerk Aldous Harding ist zurück. Mit »Designer« präsentiert die neuseeländische Singer-Songwriterin 2019 einen weiteren Höhepunkt ihres Genres, das sie selbst als »Gothic Folk« bezeichnet.

»Designer« ist das dritte Studioalbum Hardings, der Nachfolger von »Party« aus 2017, das in ihrer Heimat Neuseeland bis auf Platz sechs der Charts kletterte.

Neun Songs hat sie dafür geschrieben und in Bristol, England sowie in den Rockfield Studios in Monmouth, Wales aufgenommen. Hinter den Reglern saß dort zum wiederholten Mal Produzent John Parish (PJ Harvey, Sparklehorse).

Mit ihrer Single »The Barrel« gab Aldous Harding bereits einen ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album.

Und die zeigt, was die Hörer auf »Designer« erwartet: poetische, düster-melancholische Betrachtungen von Leben und Tod, Liebe und Leid, gepaart mit einer fesselnden Stimme und Indie-Folk-Klängen. Ein einmaliges Kunstwerk.

The New Zealand singer/songwriter's third studio effort, and her second time working with producer and frequent PJ Harvey collaborator John Parish, Designer eschews the post-last call darkness of 2017's Party for something a bit sunnier, though no less peculiar. Aldous Harding remains an enigma; she's an elusive but captivating presence who can invoke both a nervous giggle and a slack-jawed tear via her careful pairing of abstract lyrics and subtle hooks. Her off-kilter songs have something in common with the knotty confections of Welsh pop innovator Cate Le Bon, but Harding's willingness to wrap her sibylline words in such agreeable melodies gives her a bit of an advantage. Take the opening stanza of the easy-on-the-ears "Zoo Eyes," which wonders "Why? What am I doing in Dubai?/In the prime of my life/Do you love me?," or the closing verse of the spare and heartbreaking "Heaven Is Empty": "If a big cold bird tried to bring me a baby/I feel I would get on its back/kissing his neck/breathing the down/kissing the down/and whisper softly/I don't want entry/that place is empty." Both songs exude a sort of existential malaise, but also a propensity towards transference. Harding has stated in interviews that her ideas are, simply put, just ideas, and more often than not it's her inclination to simply run with them rather than search for deeper meaning. Still, there are sharp observations to be found throughout the LP's nine tracks -- "When you jump up and down your chains almost sound like a tambourine" -- and incisive examples of pop acumen -- "The Barrel" is a warm '70s pop gem that just happens to contain impenetrable lyrics and feature a mesmerizing video of a dancing Harding dressed in what looks like a nun's habit with a tube of toothpaste for a hat that eventually disappears and is replaced by a garish blue monster mask. A singular talent, Harding seems to have hit her stride on album number three, and while the darkness of previous efforts is still pervasive, Designer feels like a summer record, though it's probably best suited for dusk.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

Servants of the Sun comes into view on the back of percolating synths and noodling guitar -- the kind of arrangement that suggests a new dawn. It's an appropriate sound for an album called Servants of the Sun, then, and it's also a nice, easy progression for the Chris Robinson Brotherhood, in essence moving the group from the front half of the '70s into the late '70s. Sonically, it scans like the transition from American Beauty to Shakedown Street, but where the Grateful Dead got bogged down by their flirtations with funk and disco, CRB are a bit too sharp and weathered to repeat that mistake. Seasoned by both the stage and studio, the Chris Robinson Brotherhood sound unusually spry on Servants of the Sun, riding hippie-funk vibes with a genial agility. Unlike so many jam bands, though, CRB keep their focus on the song. While they have plenty of space to wander and trip, each of the album's nine full songs are tightly constructed; the hooks are not only every bit as alluring as the band's sunbleached sound, they keep the spaciness in check. The result is a positively buoyant rock & roll album, one that produces good vibrations even at the darkest moments.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Die Space Rock-Legende und Mitbegründer von Hawkwind, Nik Turner, startet dieses neue Solo-Projekt, das weiter geht als der Weltraum erlaubt! Der aus Oxford stamme britische Musiker (Saxofon, Flöte, Gesang), 1940 geboren, bricht in betagtem Alter in neuartige musikalische Welten auf. Ganz neue Songs, die auf die Science-Fiction-Psychedelia der Anfänge von Hawkwind zurückgehen, hervorgehoben durch »Out Of Control« und »Thunder Rider« (Turners langjähriger Spitzname)!

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Mit Shepherd In a Sheepskin Vest veröffentlicht der Vorreiter des Lo-Fi sein erstes Album seit 6 Jahren. Anders als die in musikalischer Hinsicht einfach gehaltenen Vorgänger, erscheint Callahans neues Werk komplett und rund. Er geht in den 20 Songs tiefer als je zuvor. Auch weil sein Songwriting aus einer veränderten Perspektive heraus, andere Aspekte als in früheren Arbeiten fokussiert.

Der bis Mitte der 2000er Jahre als Smog auftretende Singersongwriter ist heute Ehemann und Vater. Er reflektiert die bisherige Existenz; die Songs oszillieren zwischen Ausdrucksformen neu erlebter Freude.

Die Arbeit an Shepherd In a Sheepskin Vest gestaltete sich für den Künstler systematisch zielorientiert: Sobald er seine Gitarrenparts und den Gesang komponiert bzw. geschrieben hatte, kamen die anderen Teile hinzu. Sein Zusammenspiel mit Gitarrist Matt Kinsey ist eine wesentliche Beziehung innerhalb der Musik. Brian Beatties akustischer Bass fügt ein weiteres Element diesem facettenreichen Potpourri hinzu. Shepherd In a Sheepskin Vest ist ein akustisches Arrangement, welches Klänge und Geschichten zu einer großen musikalischen Proklamation verbindet.

Bill Callahan packed a lot of living into the years between Dream River and Shepherd in a Sheepskin Vest: He married in 2014, welcomed a son in 2015, and lost his mother in 2018. These experiences couldn't help but inform his music, and on his fifth solo album, he sounds like he's rediscovered the wonders of life (and death) and is primed to share them in a way that feels new to his lengthy career. Though Shepherd is over an hour long, its songs are on a smaller, and more personal, scale than any of Callahan's previous work -- instead of panoramas, they're family snapshots. These shorter tracks may or may not reflect how he balances being a husband, father, and artist (though "Writing" and "Morning Is My Godmother" sing the praises of sacred creative times), but they bring a riveting directness to his music.

Reflecting the growing wisdom of his songwriting, Callahan begins the album by casting off the people and ideas that no longer belong in his life. On the smoky, three-minute long "Angela," he says a final goodbye to the kind of star-crossed relationship that, earlier in his career, might have inspired an entire album. On "The Ballad of the Hulk," he bids farewell to the suppressed anger and toxic masculinity of his "Bill Bixby days." From there, he marvels at the simplicity and complexity of life and death with a refreshing and thought-provoking lightness. These songs float with a free-flowing ease, turning what could be midlife crises into opportunities to grow and reflect. Callahan's gentle musings on the nature of true love on "What Comes After Certainty" find him at his most literal and most spiritual (and, on asides like "I got the woman of my dreams/And an imitation Eames," at his wittiest). Meanwhile, his reflections on his mother's death on "Circles" and loss in general on "When We Let Go" reveal how the philosophical nature of his music has ripened over the years in aching yet graceful ways. On each of Shepherd in a Sheepskin Vest's songs, Callahan does a masterful and moving job of marrying real-life glimpses with storytelling on a grander level that brings out the essential truths of both. He grounds the album's music in allusions to Lead Belly ("Shepherd's Welcome") and the Carter Family ("Lonesome Valley"), includes Icarus and the Four Horsemen of the Apocalypse in its cast of characters along with his wife and son, and envisions the cosmos among his wedding guests on "Watch Me Get Married." Most of all, the album's songs are connected by joy, whether it's the bustling domesticity of "Son of the Sea," the existential gratitude of "Call Me Anything" or the chance to tell his son when to wander and when to put down roots on the charming "Tugboats and Tumbleweeds." Unassuming yet frequently profound, Shepherd in a Sheepskin Vest is a gorgeous and much-needed return from an artist whose powers have only grown during the time he spent living his life.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Endlich wieder vereint

Kaum zu glauben: 14 Jahre nach ihrem ersten Kollaborationsalbum »In The Reins« haben sich Calexico und Iron And Wine 2019 erneut zusammengefunden und einen Mini-Longplayer aufgenommen.

»Years To Burn« heißt die neue Platte der US-Alternative-Rocker um Joey Burns und John Convertino und der amerikanischen Singer-Songwriter-Ikone, die mit bürgerlichem Namen Sam Beam heißt.

Calexico hatten erst im letzten Jahr ihr sehr erfolgreiches »The Thread That Keeps Us« veröffentlicht. Iron And Wines »Beast Epic« erschien bereits vor zwei Jahren.

Für »Years To Burn« haben sie nun acht neue Kollabo-Songs eingespielt, und zwar im Sound Emporium in Nashville zusammen mit Produzent Matt Ross-Spang.

Das Ergebnis ist ein spannender Mix aus Americana und Folk, wie bereits die erste Single »Father Mountain« eindrucksvoll unter Beweis stellt.

So klingt es, wenn zwei absolute Hochkaräter gemeinsame Sache machen: Hier ist »Years To Burn« von Calexico und Iron And Wine.

Es ist eine großartige Scheibe geworden. (...) Häufiger, etwa bei dem achtminütigen dreiteiligen Stück ›The Bitter Suite‹ oder dem monumentalen ›Midnight Sun‹, die beide mit sonnigen Chorgesängen gewürzt sind, muss man an das kreative Feuerwerk denken, das Crosby, Stills, Nash & Young zu ihren besten Zeiten zündeten. Sehr schön! Bitte nicht wieder 14 Jahre bis zur nächsten Zusammenarbeit warten!

(Good Times, Juni / Juli 2019)

Ever since their 2005 collaboration on the In the Reins EP, Iron & Wine's Sam Beam wanted to work again with Calexico's Joey Burns and John Covertino on another record, and vice versa. The holdup was the busy work and life schedules of the three simpatico musicians; it took many years until they could find time to rekindle the creative spark that they had shown on the EP. They finally were able to clear some precious schedule space and in late 2018 spent four days in a Nashville studio working on songs with the help of members of Calexico (trumpeter Jacob Valenzuela, pedal steel player Paul Niehaus) along with keyboardist Rob Burger and bassist Sebastian Steinberg of the Iron & Wine touring group. Unlike the previous EP, where Beam brought all the songs and the Calexico guys basically served as his backing band, on Years to Burn Joey Burns contributes a couple songs, and throughout the brief session there was a spirit of improvisation and a free and equal exchange of musical ideas. This sense of balance made it a true collaboration where each artist added something important to the other's approach. The wide-screen, wide-open sound of Calexico loosens up the sometimes cloistered feel of Iron & Wine's records, and the lyrical grace and melodic craft of Beam's songs give focus and depth to the sound Burns and Covertino bring to the table. As one might expect, the album is lodged firmly in ballad mode with loads of timeworn wisdom and easy musicianship baked into the arrangements. "What Heaven's Left" is a lilting country-rock gem enlivened by Valenzuela's swooning trumpet and given emotional depth by the heart-rending mix of Beam's lead and Burns' backing vocals; the Burns-written and sung "Midnight Sun" is a shuffling, shimmering track that sounds like Astral Weeks left out to cook in the desert -- especially when the biting guitar leads take over; and the title track is a slow-motion lament made beautiful by Beam's harmony vocals. A few songs ramp up the energy level a tiny amount with some barroom rumble on "In Your Own Time" (an old song of Beam's that is given an update), a little rambling strut on the stately "Father Mountain," and some cinematic grandeur on the middle section of "The Bitter Suite." That song, with its many sonic twists, and the short instrumental "Outside El Paso" are the purest examples here of Calexico's expansiveness and sonic imagination. The whole record is a testament to the skills of everyone involved as writers, singers, players, and arrangers, an upgrade on In the Reins, and exactly what fans of both bands would hope for in a collaboration

(by Tim Sendra, All Music Guide)

On her self-released debut EP, 2017's Thrush Metal, Australian singer/songwriter Stella Donnelly sat alone with just a cheap guitar and her powerful vocals, presenting songs of rage and humor so minimally there was no missing their razor-edged commentary. Lyrics about abusive relationships, misogyny, sexual assault, and other harsh realities cut through tunes that either flitted breezily or scowled with an electricity reminiscent of PJ Harvey's earliest work. For her first proper album, Beware of the Dogs, Donnelly amplifies her sharp and unshakeable lyrical content with enhanced production and fully formed arrangements. The album begins with one of its best songs "Old Man," a light and airy tune juxtaposed with Donnelly's lyrical confrontation of outdated patriarchal norms, sexual harassment, and destructive power imbalances. The sound is light years removed from the dour bedroom rock of Thrush Metal, with layers of bright guitar leads, bouncy drums, and vocal harmonies making the song soar. On "Lunch," a melancholic song about touring, understated string sections, and plinky tandem guitars support Donnelly's precisely controlled vocals, making lines like "I get homesick before I go away" resonate. Much of the album wraps dark themes in a soft shimmer. The title track paints a rich picture of class disparity and political corruption, laying out a story of struggle with catchy melodies that feel far friendlier than the content of the lyrics. "Boys Will Be Boys" is the only song from Thrush Metal to reappear. Stripped down and metered, the song addresses rape and rape culture unobscured by metaphor or allusion, confronting the excuses and apologies made for rapists and sexual abusers head on. Donnelly is a bold lyricist, versatile songwriter, and unfaltering singer, navigating these 13 songs commandingly. The spectrum of moods that ranges from sparse guitar and vocal miniatures to densely arranged nods to chamber pop makes Beware of the Dogs a dynamic debut. Donnelly never wavers in her directness or honesty, but doesn't equate strong statements with volume. Instead, her well-constructed and sometimes weightless songs crush their enemies with a knowing smile and a gentle fist.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Fire is coming. »Flamagra« ist ein FlyLo-Album, womöglich sogar sein definitives: Ein astral-afrofuturistisches Meisterwerk zwischen Deep Soul, kosmischem Staub und bedingungsloser Originalität.

Sein letztes Werk »You're Dead« (2014) bescherte ihm eine Grammy-Nominierung, sein Brainfeeder-Label ist zu einem der innovativsten Klanglabors der Welt avanciert, er co-produzierte Kendrick Lamars mit fünf Grammies ausgezeichnetes Meisterwerk »To Pimp A Butterfly« (2015).

Nun veröffentlicht Flying Lotus sein neues Album für Warp: »Flamagra« greift alle kreativen Quantensprünge und innovativen Elemente aus 12 Jahren FlyLo-Karriere auf und denkt sie weiter, größer, epischer und universeller: Hip-Hop, Funk, Soul, Jazz, Electro, IDM, die Ansätze der befreundeten Beatmaker aus L.A., Tribal-Elemente, Polyrhythmen. Aber selbst diese Liste reicht nicht aus, um »Flamagra« auch nur ansatzweise zu verorten, weil es immer wieder ausbricht aus diesem Koordinatensystem.

Die Gästeliste liest sich wie ein Traum: Anderson .Paak, George Clinton, Little Dragon, Solange, Tierra Whack, Denzel Curry, Ishmael Butler (Shabazz Palaces), Toro Y Moi, sein musikalischer Stammesbruder Thundercat, ja selbst David Lynch ist zu hören. Der legendäre Regisseur steuert ein paar schaurige Worte bei, eine düstere Erzählpassage, mit der er uns eindringlich warnt: »Fire is coming«.

»Flamagra« ist die Essenz des letzten Jahrhunderts im Bereich der afroamerikanischen Musik, vollkommen neu und weitergedacht, kollektiv gefiltert und feingeschliffen. Auch wenn Flying Lotus ein Nachkomme seiner ehrwürdigen Großtante Alice Coltrane ist, die mit John verheiratet war (wobei auch Miles und Madlib, Dilla und DOOM als seine Vorfahren gelten dürfen), hat er inzwischen seinen eigenen Kult geschaffen: Eine Gefolgschaft, die alles Geniale aus der Vergangenheit absorbiert und in Bereiche überführt, die sich die genannten Vorfahren nicht mal im Traum hätten ausmalen können. Flying Lotus ist zurück. Fire is coming.

2013 wurde JD Souther in die Songwriters Hall Of Fame aufgenommen und ist eine Legende der Pop Musik. Als Architekt des Southern California Sounds und als großer Einfluss auf das moderne Songwriting hat JD Souther viele der Hits der Eagles mitgeschrieben, darunter »Heartache Tonight«, »Victim of Love«, »New Kid in Town«, »Best of My Love«, Don Henleys »The Heart of the Matter« und den 2007er Eagles Hit »How Long«. Southers großer Hit »You're Only Lonely« erreichte Platz Zehn der Charts und wurde dicht gefolgt von »Her Town, Too«, das JD zusammen mit James Taylor schrieb. Produziert von Larry Klein (Joni Mitchell, Rodney Crowell, Norah Jones, Melody Gardot, Herbie Hancock) setzt »Tenderness« den neuen Weg von Souther in punkto Sound und Stil fort; zugleich ist das Album jedoch ganz anders, als alles, was er zuvor aufgenommen hat. Auf dem Album streckt sich Souther musikalisch und balanciert zwischen Einflüssen aus Pop und Jazz, wobei er sich besonders vor den Großen des 20th Century Great American Songbook verneigt: Cole Porter sowie die Gershwins, Sammy Cahn und Jule Styne, Fred Coots, Yip Harburg bis zu Paul Simon und Bob Dylan. »Tenderness« ist ein spätnächtliches Meisterwerk, eindringlich und klug und eine perfekte Spiegelung dieses rätselhaft-großartigen Meisters.