The road that songwriter Natalie Mering and her shapeshifting project Weyes Blood walked was a long and twisting route, leading from weird experimental early days to the high-definition grandeur of fourth album Titanic Rising. Every step of the journey brought Mering's gifts for songcraft into sharper focus, with 2014's achingly beautiful The Innocents losing some of its hush with the soft rock lushness of 2016's Front Row Seat to Earth. That '70s FM radio spirit continues on Titanic Rising, but is expanded with more daring songwriting, larger than life arrangements, and the crystallization of Mering's distinctive take on songcraft. Mering has always been geared toward the big-picture creation of albums more than just writing stand alone tunes. Even her earliest work had a sense of purposeful architecture to the way it flowed between folky dirges and sheets of noise. Here she underscores enormously orchestrated pop songs with eerie experimental ambience, imagining a dreamworld where Joni Mitchell's late-'70s output was produced by Brian Eno. Mitchell's introspective searching is a key reference point for many of these songs, with Mering's self-harmonizing and bounding melodic approach recalling Mitchell on many tracks here. Once album-opener "Lot's Gonna Change" moves from a warped few seconds of synthesizer to its understated piano figure, it embodies the vulnerability and struggle found in so much of the Laurel Canyon songwriting set of the '70s. Co-production from Foxygen member Jonathan Rado might explain the brightly blooming chamber pop arrangements, merging Mering's soaring vocals with orchestral strings and drum fills borrowed directly from the Beatles. This optimistic throwback arrangement is in full force on the infectiously bubbly "Everyday," with lyrics inspecting a confusing relationship over a track as bouncy as a rubber ball. Mering effortlessly switches gears throughout the album, slipping between the synthy melodrama of "Movies" and the cold coffee blues piano ballad "Something to Believe," as well as making space for acoustic folk numbers, ambient interludes, and chamber pop diversions. Easily her most clear-headed set of songs to date, there's a directness here that sometimes got lost in the layers of earlier albums. She sounds driven and confident, asserting an intense control of the emotional flow of her songs without ever rushing things or letting some of the anxiety she sings about seep into the feel of the album. While all of Weyes Blood's albums leading up to Titanic Rising were good, even great, there's something that sets this one apart. Fantastic songs, meticulously detailed production, and a certain, hard-to-name spark of connection all gel into the near-perfect statement that every part of Mering's strange journey before this led up to.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

»Am The Laetitia Sadier Source Ensemble sind grandiose Musiker beteiligt, die Sadiers nicht immer einfache Vorstellungen von Ästhetik im Schlaf verstehen.

(musikexpress, 23.03.2017)

Son Volt wurde 1994 von Jay Farrar in New Orleans, Louisiana nach der Auflösung der Band Uncle Tupelo gegründete. Die Band war sehr einflussreich in der Alternative-Country Bewegung der 1990er Jahre, die der Vorreiter dessen war, was wir heute als »Americana« kennen.

Son Volts Album »Trace« wurde vom englischsprachigen Rolling Stone als eins der besten Alben des Jahres 1995 gewählt. Der Stil bewegte sich zwischen leisen Folk- und Countryballaden, die an Bob Dylans John Wesley Harding erinnern, bis zu Kneipenrock im Sinne von Neil Young mit Crazy Horse.

Auf dem Transmit Sounds (via Thirty Tigers) erscheint nun »Union«. Das Album durchweht der Geist des Blues, aber nicht in seiner Standard-Ausführung. Die beschwörende Stimmung am Mississippi, eines Fred McDowell, Skip James und Nick Drake mögen als grobe Ausganspunkte Farrars gedient haben.

Nicht nur stimmlich erinnert Farrar dabei immer mehr an Michael Stipe, auch stilistisch schließen viele seiner neuen Stücke fast nahtlos an die Frühphase von R. E.M. an. Melodien mit Widerhaken, Texte zum intensiven Zuhören und tolle Arrangements zwischen Folk Rock und Alternative Country: ein starkes Album.

(Good Times, April / Mai 2019)

Das Album ist ein Folk- und Americana-Klassiker auf der Höhe der Zeit ...

(Audio, Mai 2019)

Nach 8 Jahren endlich ein neues (reguläres) Studio-Werk (die 2016er LP wurde ja live eingespielt, bei der ´15er fehlten Bandmitglieder). Ein vielschichtiges, ein ziemlich breites Spektrum! Emotionaler dichter intensiver Rock mit scharfkantigen bis mächtig verzerrten Gitarren, punktuell effektvoller Geige in Schräglage, lose harmonierenden m/w-Vocals. Lustvoll! Rootsig/folkig unterlegt in leicht und locker und transparent, rauhe Poesie und entzückende ganz altmodische Melodien paaren sich zur Schönheit von innen. Ein Pendeln zwischen geheimnisvoll-dunkler Faszination und kraftvoll lebenslustigem 70s-Rock (eine Spur Glam-artiger Einfluß) samt kurzer toller beinahe kakophonischer Phase. Kurzzeitig dezent zerschossener Indie Rock featuret schneidende/Distortion-Gitarren, ein intelligentes Piano grundiert, am Ende lose ausfransend. Bedächtiger (Pseudo-Ethno-) Space-Folk sehr eigener Art, der sich irgendwann bodenständig verdichtet. Alte Post Punk-Traditionen, die nicht unbedingt so klingen wie früher, in roher splitternder zugleich nuancierter und intensiver Spielweise, manchmal am Rande der Atonalität. Entspannter lockerer hochmelodischer einfach schöner teilakustischer Indie Folk Pop inklusive einer kleinen Prise Country, ein nicht so weit davon entferntes Stück (in balladesk) glänzt mit feiner Säuregitarre (und endet in leiser schräger Klangmalerei). 80s-Indie Rock-Feeling gekoppelt mit Desert Rock-Ahnungen, schroff riffende Gitarren stehen neben im weiten Raum hallenden atmosphärischen in etwas verwinkelten Arrangements. Weit mehr elektrische als akustische Gitarren, Piano/Orgel und Synthie wechseln sich ab, die Geige fehlt manchmal (gefällt aber ansonsten sehr), er (Langford) singt mehr als sie (Timms), beide gern zusammen. Und diverse Soundeffekte werden hier und da ganz pointiert und effektiv/musikdienlich eingeschossen. Erstaunlich, wie frisch, immer wieder anders (und gut) sie nach so langer Zeit noch klingen!

(dvd, Glitterhouse)

This legendary group from Leeds, have written contemporary music history for the last 40 years as radical innovators of both first generation punk and insurgent roots music. Their new album was recorded in the desert environs of Joshua Tree, California and is drenched with widescreen, barbed-wire atmosphere and hard-earned (but ever amused) defiance.

The return of one of the planet’s most essential rock & roll bands.

When punk exploded in London, fast and brash and full of fury, up in Leeds the Mekons came blinking into the light at a much slower pace. Singles like “Where Were You” and “Never Been in a Riot” (both from1978) fractured punk’s outlaw myth with the ordinariness of real life. During the next decade, as country singers donned cowboy hats and slid into the stadiums, the Mekons celebrated the music’s rough, raw beginnings and tender hearts with the Fear and Whiskey album (1985) and went on to demolish rock narratives with Mekons Rock’n’Roll (1989). For more than four decades they’ve been a constant contradiction, an ongoing art project of observation, anger and compassion, all neatly summed up in the movie Revenge of the Mekons, which has ironically brought an upsurge in their popularity around the US as new audiences discovers their shambling splendour. And now the caravan continues with Deserted, their first full studio album in eight years.

And desert is an apt word. This time there’s an emphasis on texture and sounds, a sense of space that brings a new, widescreen feel to their music, opening up songs that surge like clarion calls, like the album’s opening track, “Lawrence of California.”

“We were recording at the studio of our bass player, Dave Trumfio,” Langford recalls. “It’s just outside Joshua Tree National Park. Seeing Tom [Greenhalgh, the group’s other original member] wandering in that landscape looked like a scene from Lawrence of California.’ And then, ‘Wait a minute, there’s a song in that.’”

The band arrived with no songs written, only a few ideas exchanged by email between Langford and Tom Greenhalgh, the group’s other original member.

“Things emerged. At one point we had a sheet with a few words written here and there. Everyone added bits and by the time it was finished, it only needed a few changes to be able to sing. Somewhere else there are two lyrics sung over each other.”

Five days of brilliant chaos let their thoughts run free, from the almost-folk wonder of “How Many Stars” and the wide open space of “In The Desert,” to the oblique strangeness of “Harar 1883,” a song about French poet Arthur Rimbaud’s time in Ethiopia, inspired by photographs Greenhalgh has of the period. And then there’s “Weimar Vending Machine.”

“That starts off about Iggy Pop in Berlin,” Langford explains. “There’s a story that he went to a vending machine and saw the word ‘sand’. He put his money in and a bag of sand came out.”

It’s a gloriously unlikely, cinematic image to use as a springboard into the album’s longest song, a piece that shifts between darkness and joy, powered by Rico Bell’s piano and Sally Timms’s clarion voice. It’s one to provoke thought and questions, but that’s hardly unusual for the band. They’ve always revelled in the surreal and the bizarre. What stands out on Deserted, though, is the space and clarity in the sound, with Susie Honeyman’s violin taking a more prominent role on a couple of the tracks.

“Susie’s wonderful,” Langford says. “You play something to her, she thinks for a minute them comes out with this haunting Highland beauty.”

Even the impromptu instrumental sessions find their way into the record, sometimes transformed and spacy to add texture to a song, elsewhere simply allowed to float free and form the tail to “After The Rain,” the album’s closer. The studio itself becomes an instrument here, and much of that is down to Trumfio, whose production credits at his Kingsize Soundlabs include Wilco and the Pretty Things.

“Even during the mixing, Dave pushed us into some new sonic territory all the way through,” Langford recalls.

The tweaking and effects take them about as far as they can go from 2016’s Existentialism, which saw all eight members crowded around a single microphone in a tiny theatre in Red Hook, New York, recording live in front of an audience. Deserted offers a different kind of freedom. Of space and stars and wide-open land. Of possibilities and past. But mainly of the future.

It’s fresh territory. But that’s always been what attracts the Mekons. They show that four decades doesn’t translate to becoming a heritage act. Instead, they keep experimenting, from the jagged, spaced throb that powers “Into The Sun,” revolving around the drums of Steve Goulding and Trumfio’s bass to the barely controlled anarchy that’s “Mirage,” or a countrified homage to “Andromeda.” Everything is possible, everything is permitted. 41 years after that first single they’re still moving. Still defiant, still laughing, still joyful. Never underestimate some happy anarchy, and never write off the Mekons.

Deserted, perhaps, but they’re back to tip the world on its axis. Again.

There's never been a band quite like the Mekons. Unmarred by breakups or breakouts, undefined by genre, geography, or ego-trips … no rock outfit's ever been this committed to behaving like a true band, with all the equanimity and familial bonding implied.

(Rolling Stone)

It's a gleefully elusive yet beautiful composition about a country collapsing into chaotic hostility.

(Ken Tucker, Fresh Air)

Das im vergangenen Jahr erschienene Sons-Of-Kemet-Album »Your Queen Is A Reptile« fand mit seiner atemlosen Jazz-Energie unzählige Fans und steht an der Spitze diverser Bestenlisten 2018. Saxophonist Shabaka Hutchings feierte damit seinen großen Durchbruch. Jetzt legt er mit seiner zweiten Formation einen Elektro/Jazz-Kracher gleichen Kalibers nach.

Mit dem Bandprojekt The Comet Is Coming bringt er auf Impulse! Records einen unerhörten Mix aus Jazz, Electronica, Funk und Psychedelic Rock heraus, der zwischen Jazz Club und Tanzfläche eine verdammt gute Figur macht.

Zusammen mit Schlagzeuger Betamax und Keyboarder Danalogue sucht King Shabaka, wie sich Hutchings hier nennt, einen neuartigen Zugang zum Jazz. In einem Feature im englischen The Guardian wird die Gruppe für ihr »intergalaktisches Mash-Up aus Jazz, Afrobeat und Electronics« in den Himmel gelobt. Die derzeit in allen Medien angesagte junge englische Jazz-Generation hat in Shabaka Hutchings ihr Gesicht gefunden.

Immer noch zu jung fürs Altenteil, aber dennoch einfach nicht reif für das definitive, finale, vor allem letzte Alterswerk und so machen Rossmy und seine Recken einfach weiter, wie sie und wir es gewohnt sind und lieben. Von der Lust am gemeinsamen Musizieren vorangetriebene, von samt-sonorem Gesang angerauhte und der Liebe zum Spiel mit den alltagsbunten Worten gefärbte, vor allem echte Songs, die diesen Titel schlicht verdienen, angerichtet, um mehr als nur nebenbei goutiert zu werden. Denn auch wenn die wohltuenden Weisen beim ersten Treffen so unaufdringlich, leicht sinnierend vor sich hin fließen, so viel Tiefe entwickeln sie beim intensiven Eintauchen, so viel stilistische Vielfalt lassen sie bei näherem Hinhören entdecken. Was so leise perlend, mitunter munter rockend beginnt, entfaltet sich über Albumlänge von Regierungs-ureigenen Singer-Songwriter-Country-Weisen über vergleichsweise roh-rauhe Rock-Attacken, verhaltene Jazz-Nuancen und dezente Reggae-Seitensprünge bis hin zu psychedelisch gefärbten Phantasiereisen zu anderen Gestaden, werden die gelassen-gleißenden Saitenspielerein bereichert um perlende E-Piano-Passagen, satt verzerrte E-Gitarren-Attacken, sinnerweiternde Synthesizer-Klangtupfer und die ganz großen Klavierballaden-Momente. Bei aller zurückgelehnten Ruhe, die Rossmys unverwechselbarer Gesang verströmt, beeindruckt das reife Dutzend neuer Regierungserklärungen auch durch die musikalische Tiefe, ohne dabei je die Charmanz der handgemachten Gruppenarbeit zu verlieren. 2017 mit Raus aus dem Nichts wiedergekehrt, setzt Was jetzt den Gruppenweg nahtlos fort, als hätte es nie eine längere Schaffensruhe gegeben. Alterslose Song-Sammlung, von reifer Hand und rauher Stimme dargereicht.

(cpa, Glitterhouse)

Das Überraschungsdebüt von Conor Oberst und Phoebe Bridgers

Überraschung: Nachdem sie monatelang nichts von ihrer Zusammenarbeit verraten haben, melden sich 2019 Conor Oberst und Phoebe Bridgers zusammen aus dem Studio zurück.

»Better Oblivion Community Center« heißen das gemeinsame Bandprojekt und das Debütalbum des Singer-Songwriters und Bright-Eyes-Masterminds sowie seiner Kollegin, die zuletzt 2018 mit ihrer Supergroup Boygenius glänzte.

Im Sommer und Herbst haben Oberst und Bridgers die insgesamt zehn Songs ihres Erstlings in Los Angeles geschrieben und aufgenommen. Unterstützt wurden sie dabei von ein paar Kollegen, darunter Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs), Wylie Gelber und Griffin Goldsmith (Dawes), Carla Azar (Autolux, Jack White), Christian Lee Hutson und Anna Butterss.

Produziert haben Better Oblivion Community Center das Album selbst, mithilfe von Andy LeMaster (Bright Eyes).

Wie die Platte klingt, verriet die Band bereits vorab mit der ersten Single »Dylan Thomas«, eine kleine Hommage an den walisischen Schriftsteller.

Der Song zeigt, wo die musikalische Reise hingeht: Zwischen Pop, Indierock und emotionalem Folk haben Conor Oberst und Phoebe Bridgers beide ihre persönliche Handschrift, ihre Kreativität und ihr Talent mit in dieses Projekt eingebracht. Wer sich selbst davon überzeugen will, kann »Better Oblivion Community Center« jetzt ganz einfach online bestellen.

Je öfter man das Album hört, desto tiefgründiger wird es.

(stereoplay, April 2019)

Mit Psychedelic, Twang und viel Gefühl: Der begnadete Geschichtenerzähler lässt die Herzen stürmischer schlagen.

Der in Brooklyn heimische Gitarrist und Songwriter Steve Gunn hat einen langen Weg hinter sich. Er arbeitete schon mit Künstlern wie Mike Cooper, Michael Chapman und Kurt Vile zusammen. Für Letzteren spielte er unter anderem in dessen Begleitband The Violators.

Sein Talent als begnadeter Geschichtenerzähler beweist Gunn einmal mehr auf seinem neuen, geschätzt 15. Album »The Unseen In Between«: hier treffen Psychedelic und Twang auf Lyrics mit Gefühl und Herzblut. Nicht zuletzt sein Matador-Debüt von 2016 und sein Gespür für psychedelische und treibende Gitarren etablierten Gunn in der amerikanischen Singer/Songwriter-Szene als feste Größe. Das von James Elkington produzierte Werk »The Unseen In Between« dürfte diesen Sachverhalt weiter zementieren.

Unter Elkingtons Ägide entstand ein klassisches Songwriter-Album, das durch Gunns elegisches Gitarrenspiel und sehnsuchtsvolle Bariton-Stimme zu einem kleinen Ereignis geriet. Ähnlich wie Kurt Vile ist der New Yorker Musiker ein Meister der Entschleunigung. So schleichen einem die Songs dieses Album langsam ins Herz, um es nur wenig später umso stürmischer schlagen zu lassen.

Robert Forster ist die Ruhe und Gelassenheit selbst, wenn es um das Reifen, Wachsen und Werden seiner Songs geht. Schon in seligen Go-Betweens-Tagen war die Güte des Songmaterials die ausschlaggebende Kraft des Band- und Bühnengeschehens, kaum eine andere derart herzhaft unterbewertete Gruppe vereinte auf ihren Alben eine solch beeindruckende Zahl an bleibenden Songs und blieb dennoch zeit ihrer Existenz ein ewiger Geheimtip. Dass dieser genie-gespeiste Gruppengeist auch ihn immer noch beseelt, belegen nicht nur die ewigen Ruhephasen zwischen Forster‘s Solowerken (ca. fünf Jahre im Schnitt), sondern vor allem die Alben selbst, und auch der Nachfolger zum erfreulich erfolgreichen Songs To Play (2015) strotzt nur so vor gelassen-gelungenen gitarrengeprägten Ohrwürmern, die ihre Energie ebenso aus dem nonchalant-larmoyanten Gesang, dem schlicht-schönen, dezent schrammel-charmanten Gitarrenspiel wie der berührenden Fabulierkunst des Singer-Songwriters ziehen. Seine einprägsam eigensinnige Art, den Melodien auch neben der Spur Leben zu verleihen, wird mit berückend handgemacht-hemdsärmeliger Spielkunst umrahmt, naturbelassene Gitarren, wohlgesetztes Tasten-, Schlag- und Streichwerk bilden die beherzte Basis für des Meisters Geschichten, die ungemein berührende Musik in ein zeitloses Bad aus Gitarren-Pop, Pub-Rock, Singer-Songwriter-Folk verwandelnd, dem Spuren und Spritzer von Wave und Punk zusätzlich belebende Kraft spenden. Aufgenommen im heißen Berliner Sommer von 2018, sind es auch die ausgewählten musikalischen Mittäter, die im Forster-Alleingang den Go-Betweens-Bandgeist spüren lassen, Produzent Van Vugt (Beth Orton, PJ Harvey, Forsters‘ 1990er Danger In The Past-Solo-Debüt), die Vielinstrumentalisten Scott Bromley und Karin Bäumler (bereits bei Songs To Play erfolgreich aktiv), Schlagzeuger Earl Havin (Tindersticks) und Keyboarder Michael Mühlhaus (Blumfeld, Kante) tragen das ihre dazu bei, dass die 2019er Forster-Fleiß- & Facharbeit ein Meisterstück von bleibender Güte geworden ist.

(cpa, Glitterhouse)

Blues mit vielen Seiten

2019 gibt es ein neues Lebenszeichen der Tedeschi Trucks Band: »Signs« lautet der Titel ihres mittlerweile vierten Studioalbums, der Nachfolger von »Let Me Get By« aus dem Jahr 2016.

Elf neue Songs hat die zwölfköpfige Band um das Ehepaar Susan Tedeschi und Derek Trucks für »Signs« aufgenommen, und zwar im Swamp Raga, ihrem Heimstudio in Jacksonville, Florida. Als Co-Produzenten fungierten dabei Bobby Tis und Jim Scott.

Neben der Tedeschi Trucks Band sind auf der Platte auch ein paar exquisite Gäste mit von der Partie: Warren Haynes und Doyle Bramhall II, außerdem der Allman-Brothers-Perkussionist Marc Quiñones.

Gemeinsam ist ihnen ein absolut vielseitiges Album gelungen, das zwischen Blues, Rock, R’n’B und Gospel einiges zu bieten hat. Wer sich überzeugen will, kann »Signs« jetzt ganz einfach online bestellen.

Das neue Motorpsycho Album »The Crucible« beginnt visuell und musikalisch dort, wo das letzte Album »The Tower« geendet hat, nimmt aber bald seine eigene Schattierung an und es ist klar, dass es nicht als Fortsetzung bezeichnet werden kann: Dies ist einen Schritt weiter als sich die Band mit »The Tower« gewagt hatte. Obwohl es lyrisch breiter ist, ist es musikalisch noch schärfer fokussiert und, falls überhaupt vorstellbar, noch eigentümlicher und eigenständiger als je zuvor.

Zweifellos ein Motorpsycho-Album, das den Kopf von neuen Psychonauts zum Drehen bringen wird, sich aber für den Anhänger angenehm unvertraut anfühlt. »The Crucible« wurde im August 2018 in den Monnow Valley Studios in Wales von Hans Magnus Ryan (Gitarren, Gesang), Bent Sæther (Bass, Gesang) und Tomas Järmyr (Schlagzeug) sowie den Co-Produzenten Andrew Scheps und Deathprod aufgenommen. In deren Ohren und zur Zufriedenheit der Band hat sich dieser Co-Production-Trick wunderbar bewährt und hat zu einem wunderschön gearbeiteten Album geführt, das zwar kürzer, aber mindestens genauso ehrgeizig wie sein berühmter Vorgänger ist.

Es ist sowohl fokussierter als auch inhaltlich dichter, aber auch kompositorisch ehrgeiziger als »The Tower«. Man könnte vielleicht denken, dass dies zwangsläufig zu einem verminderten Schallangriff führt, aber das Album hat immer noch die Schlagkraft wie sie eine gute Rockplatte haben sollte.

Der Motorpsycho-Purist möge mir uraltem Prog-Rock-Priester mein unmaßgebliches Urteil verzeihen, aber was hier mit schlicht scheinender, nahezu klassischer Hard Rock-Heftigkeit beginnt, in der heiligen Art-Rock-Epik-Einteilung (3 Stücke, 9, 11 und 21 Minuten lang) gereicht wird und sich durch wahre Klang-Täler und -Berge zum himmlisch-hymnischen Rausch-Gipfel erhebt, ist nicht nur eines der großartigsten Motorpsycho-Monumente, sondern auch mit das beste, vielschichtigste und stilistisch breiteste Werk, welches mir in den letzten Jahren im weiten Progressive Rock-Reich begegnet ist. Das mag an den bekannten, über Jahre gewachsenen, spielerischen und kreativen Fähigkeiten und Eigenheiten der Skandinavier liegen, es sind aber auch die vielfältigen Verwandtschaften und gerade den Kenner beeindruckenden Nähen zum klassischen Art- & Prog-Rock der drei vor Energie und Einfallsreichtum überschäumenden Epen, die das Herz heftiger schlagen lassen. Das reicht von den herzhaften Harmonie-Wechseln früher und frühester Genesis-Alben über ausgelassen-entfesselte Instrumental-Exkursionen instrumentaler Meisterschaft seliger Yes-Close To The Edge-Tage bis hin zum an die Grenzen getriebenen geordneten Chaos, Markenzeichen klassischer Van Der Graaf Generator-Grenzwanderungen. Zwischen ausufernder Spiellust und vokal verzaubernden CSN-Dreistimm-Wundern, King Crimson-werten Mellotron-Wällen und zart-akustischen Renaissance-Ruhe-Oasen, ergötzlich endlose Gitarren-Exkurse und einem alle Phantasie-Ketten sprengenden Schlagwerk wird hier ein oft über die Grenzen metallener Härte hinaus wütender, treibend-tosender, schranken-schreddernder Schall-Sturm entfesselt, der bei jeder neuen Begegnung mitreissender wirkt, in der magischen Mitte zwischen energischer Emotion und artistischer Ausformung seine furiose Kraft entfaltet und wieder einmal vergessen lässt, dass auch dies majestätische Monument Werk eines Trios ist. Wobei auch die Co-Produzenten Andre Scheps und Deathprod und nicht zuletzt Susanna als verzaubernd wirkender Gesangsgast das ihrige zur Schaffung eines bleibenden Mamut-Meisterwerks beitragen. Für mich eines der reifsten, faszinierendsten Motorpsycho-Meisterstücke.

(cpa, Glitterhouse)

Es gibt nur wenige Bands, die über drei Jahrzehnte hinweg so zuverlässig Qualität abliefern wie Motorpsycho aus dem norwegischen Trondheim. Ihr neues Album besteht nur aus drei Tracks, aber in denen lassen sie es ausgiebig krachen. (...) Ein Synonym für ungebremste Gestaltungswut.

(stereoplay, März 2019)

... eine Wundertüte, deren Inhalt man kaum beschreiben kann.

(Audio, März 2019)

»Goes West« klingt, als ob der frühere Lambchop-Gitarrist William Tyler darauf einen Weg gefunden hätte, sich direkt auf das reiche und bittersüße emotionale Zentrum seiner Musik zu konzentrieren, ohne durch musikalische Nebenausflüge abgelenkt zu werden.

Das liegt zum einen daran, dass sich Tyler - einer von Nashvilles versiertesten E-Gitarristen - diesmal bewusst dafür entschieden hat, auf seinem vierten Album ausschließlich zur akustischen Gitarre zu greifen. Und zum anderen erhielt William für seine neue Songsammlung diesmal Unterstützung u.a. von Meg Duffy und Bill Frisell (Gitarre), Brad Cook (Bassist und Produzent), James Wallace (Keyboard), Griffin Goldsmith (Schlagzeug) und Tucker Martine (Produzent) - die beste und sympathischste Truppe an Musikern, die Nashville zu bieten hat.

William's new record, Goes West, is the best music that he's ever made. I'm sure of this because I know and love all of his music intimately, and this album moves me the most, and the most consistently.

(M. C. Taylor, (Hiss Golden Messenger))

Mustergültig konzeptioniertes zweites Album des Songwriters. (...) Diese 52 Minuten sind so überzeugend, dass man Moritz Krämer danach nahezu alles unterschreiben würde.

(RollingStone)

Michael Chapman gilt als »elder Statesman des britischen Songwritings« und »True North« ist der meisterhafte Nachfolger seines universal gefeierten Albums »50« aus dem Jahr 2017.

»True North« hat eine intimere klangliche Handschrift, ist atmosphärischer, texturierter und minimalistischer als »50«, stattlich und melancholisch gleichermaßen und findet Chapman an der Gitarre in einer noch tieferen Tiefe, die seinem ikonischen Schreiben einen immer stärkeren Schliff verleiht. Aufgenommen in den Mwnci Studios im ländlichen Westen von Wales, veranschaulicht »True North« unnachgiebige Untersuchungen von Zuhause und Horizont und reist von den Bahamas über Texas bis zu dem Leeds von Chapmans Kindheit, geplagt von den Trugbildern der Erinnerung und den Andeutungen der eigenen Mortalität.

Auf dieser introspektiven Reise begleiten ihn alte Freunde und neue Schüler: Steve Gunn produziert und spielt wieder Gitarre und Bridget St. John, eine britische Songwriterin, singt in Zusammenarbeit mit der Cellistin Sarah Smout und dem legendären Pedal Steel Player BJ Cole - der alle von John Cale bis Scott Walker, Elton John bis Terry Allen, Felt bis Björk begleitet hat. Bei Erscheinen von »True North« ist Chapman achtundsiebzig Jahre alt und hat fast ebenso viele Platten veröffentlicht - eine durchaus erstaunliche Leistung.

Das elegische »True North« durchquert das tückische Territorium der Zeit, was es zum persönlichsten Album seiner Karriere macht. Das Album beginnt mit der nagenden Reue von »It's Too Late«, und jeder Song, den Chapman danach singt, verweist direkt auf den Lauf der Zeit - seine blinde Rücksichtslosigkeit, seine süßen, verschwommenen Wonnen - in einer schwarzmalerischen Sprache, die in ihrer Kürze und Präzision fast mystisch ist.

Ein sublimes Hörvergnügen.

(Stereo, März 2019)

Wer gedacht hat, dass der „Elder Statesman des britischen Songwritings“ nach seinem 2017er Dienstjubiläum „50“ mit 78 Jahren womöglich in Rente geht, hat sich getäuscht. Auch 2019 ist Michael Chapman wieder mit einem neuen Album da. Gemeinsam mit dem ebenso jungen wie aufregenden Producer Steve Gunn (auch als Musiker wieder dabei) war er wieder in Wales im Studio, wo sich auch Bridget St. John, die Cellistin Sarah Smout und der führende britische Pedal Steeler BJ Cole einfanden. Mit dem späten Herbst seiner Karriere geht Chapman nach wie vor recht spielerisch um: „Youth Is Wasted On The Young“ heißt einer seiner neuen Songs. Stilistisch reicht das zweifellos reife Album von deutlichen Syd Barrett-Anklängen (sogar frühe, folky Pink Floyd) bis zu elegischem Kammerfolk mit schwebenden Cello-Passagen (Marke Nick Drake). Noch schöner ist aber die atmosphärische Pedal Steel von Cole, dem sogar in zwei Instrumentals Raum für cineastische Tiefe gegeben wird. Chapmans Stimme klingt verwittert, mal ein wenig erschöpft, teils aber auch in knarziger Tom Waits-Nähe. Insgesamt ein beeindruckend archaisches Songwriter-Werk mit leicht psychedelischem Americana-Einschlag. Würde mich nicht wundern, wenn Michael Chapman uns noch eine Weile erhalten bliebe.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Bei Mercury Revs »The Delta Sweete Revisited« handelt sich um eine Neuauflage von Bobbie Gentrys vergessenem Meisterwerk aus dem Jahr 1968, und es enthält eine beeindruckende Liste von Gastsängerinnen: Norah Jones, Hope Sandoval, Beth Orton, Lucinda Williams, Rachel Goswell, Vashti Bunyan, Marissa Nadler, Susanne Sundfør, Phoebe Bridgers, Margo Price, Kaela Sinclair, Carice Van Houten sowie Laetitia Sadier.

»The Delta Sweete« beeinflusste die Band schon bei ihrem 1998 veröffentlichten Album »Deserter Songs«. Es war also nur eine Frage der Zeit, dass sich Mercury Rev an eine Neuauflage trauten. Nun ist es soweit - und sie sind nicht alleine: Gentrys Geschichten bekommen durch die auserwählte Stimmbesetzung von Frauen aus dem Folk- und Alternative-Bereich eine ganz neue, aufregende Note.

Ein in vieler Hinsicht bemerkenswertes Zusammentreffen von ebenso eigensinnigen wie einzigartigen Kreativ-Köpfen, ein über die Jahrzehnte hinweg fruchtbares kongeniales gemeinsames Wirken von wahren Ausnahme-Artisten unter den Musikschaffenden. Und ganz nebenbei eine ausgesuchte gelungene Versammlung beeindruckendster Stimmen der weiblichen Sangeskunst des aktuellen Musikgeschehens. Nicht nur, dass das seit Jahrzehnten im eigenen Klangkosmos aufspielende, häufig prägend wirkende Pionier-Projekt von Jonathan, Grasshopper und Jesse Chandler sich mit The Delta Sweete Revisited einem fast vergessenen, seiner Zeit weit vorauseilenden Psyche-Folk-Rock-Edelstein widmet und seiner Schöpferin ein klingendes Denkmal setzt, es gelingt den dreien zudem, die 12 Weisen behut- und einfühlsam, mal nah am Original, mal ganz ins eigene Phantasie-Idiom übersetzt in die zauberreiche Zeitlosigkeit des Hier & Jetzt zu übertragen. Den finalen Segen erhält das oft orchestral herrlich ausschweifende Tribut durch die vielfältige vokale Veredlung durch die ausgewählte Schar von 12 einzigartigen Sängerinnen, die dieser beispielhaften Song-Kollektion aus Gentry-Originalen (obwohl auf dem 1968 veröffentlichtem Ursprungswerk nicht dabei, wurde Ode To Billy Joe als angemessener Albumausgang gewählt) und auserlesenem Fremdwerk (Big Boss Man/Dixon, Parchman Farm/Mose Allison, Tobacco Road/Loudermilk) ihre jeweils eigenen Namen und Noten verleihen, um so ein vor allem auch stimmlich vielfarbig schillerndes Kunstwerk entstehen zu lassen. Jede für sich weiß den oft wehmütigen Weisen den individuell-intensiven Gesangsstempel aufzudrücken, sodass nur die Aufzählung sämtlicher Stimmen diesem respekt- und kunstvollen, vokal-vielfarbigen Psyche-Country-Kaleidoskop gerecht werden kann – mit dabei: Norah Jones, Hope Sandoval, Rachel Goswell, Carice van Houten, Laetitia Sadier, Margo Price, Susanne Sundfor, Vashti Bunyan (w/ Kaela Sinclair), Phoebe Bridgers, Marissa Nadler, Beth Orton und Lucinda Williams!!! (gestattet mir die drei Rufzeichen)

(cpa, Glitterhouse)

Ohne sich dem aktuellen Zeitgeschmack anzubiedern, holen sie die Originale ins Heute. Einige der Nummern bekommen eine orchestral-cineastische Breite, als habe Lee Hazlewood mitarrangiert. Besonders schön: Hope Sandovals lasziver Slow-Blues ›Big Boss Man‹, Marissa Nadlers im Pulp- Fiction-Sound daherkommendes ›Refraction‹ und Carice van Houtens Southern-Gothic- Spuk ›Parchman Farm‹.

(Good Times, Februar / März 2019)

Bobbie Gentry had a huge hit in 1967 with "Ode to Billie Joe," the haunting single that introduced her strong, sultry voice and flair for combining Southern Gothic drama with details so vivid that it feels like listeners are living her stories with her. She expanded on the world she built with that song on 1968's full-length The Delta Sweete, but unlike "Ode to Billie Joe," it was not a huge hit; its pioneering symphonic-country-folk-pop didn't even crack the top 100 of Billboard's Top LPs chart. Fortunately, the acclaim for Gentry's work grew as the years passed, and Mercury Rev's Bobbie Gentry's the Delta Sweete Revisited reflects her latter-day status as a country icon. Of course, Mercury Rev also knows something about being underappreciated. During the '90s, their experimental rock and dream pop earned glowing reviews, but little in the way of label support or commercial success. That changed with their 1998 breakthrough, Deserter's Songs, which added touches of Americana that they return to on Revisited. Enlisting an all-star roster of established and up-and-coming female vocalists -- including Lucinda Williams, Vashti Bunyan, and Phoebe Bridgers -- Mercury Rev heighten the mystical qualities of Gentry's music as well as their own. Many of Revisited's best moments play like a beautiful dream of the original: "Okolona River Bottom Band" combines sweeping strings and brass and Norah Jones' dusky voice into a shimmering creation myth that sprinkles the album with stardust as it calls it into being. The band couldn't have chosen a better singer than Marissa Nadler to transform "Refractions" into a phantasmagorical reverie, and their collaboration with Laetitia Sadier on "Morning Glory" is truly inspired; her intimate performance and the band's sunny symphonic pop make for one of Revisited's sweetest standouts. Throughout the album, Mercury Rev skillfully balance their signature sound with period-faithful details. The swirling flutes and brass squalls surrounding Rachel Goswell on "Reunion" evoke Boces as much as they do Deserter's Songs. Later, the harmonica, glockenspiel, and whistling that adorn Beth Orton's reverent performance on "Courtyard" hark back to 1968 without feeling slavish. As the band puts The Delta Sweete through their prism, they filter out some of the album's earthy realism with mixed results. Hope Sandoval's hazy sensuality makes "Big Boss Man" subversively flirtatious instead of defiant like Gentry's version, and the ornate arrangement on "Tobacco Road" glosses over the song's tale of lifelong struggles. On the other hand, the band intensifies "Parchment Farm"'s foreboding with the help of a stoic Carice van Houten, while Margo Price's flinty twang makes "Sermon" a showstopper. Since "Ode to Billie Joe" is so inextricably linked with Gentry's legend, it's not surprising that Mercury Rev included it on their version of The Delta Sweete even though it didn't appear on the original. With its lavish arrangement and Williams' gritty performance, the band find new ways of celebrating one of the great underappreciated artists of the '60s and '70s -- something that's true of Bobbie Gentry's the Delta Sweete Revisited as a whole.

(by Heather Phares, All Music Guide)