Mini-Coveralbum

Nur ein Jahr nach ihrem letzten Album »This (Is What I Wanted to Tell You)« kehren Labchop 2020 bereits mit einer neuen Platte zurück aus dem Studio.

Auf »Trip« widmet sich die Rockband aus Nashville, Tennessee diesmal allerdings den Songs anderer Künstler.

Sechs Cover warten auf der Platte, von denen jedes Bandmitglied eines aussuchte.

Neben Songs, die von den Supremes, George Jones und Stevie Wonder populär gemacht wurden, warten mit »Weather Blues« ein bisher unveröffentlichter Song des Yo-La-Tengo-Bassisten James McNew und eine Version von Wilcos »Reservations«.

Eine interessante Songauswahl und spannende Interpretationen: Hier ist »Trip«, das neue Mini-Coveralbum von Lambchop.

Wie schön ist es bitte, dass es Lambchop gibt? Nicht nur, dass die selbsternannte „most fucked-up country band in Nashville“ nach zwei Jahrzehnten gediegener Americana zwischen Country, Jazz und Soul plötzlich Elektronika und Autotune für sich entdeckt: Zwei Alben später bringt die Band um Kurt Wagner plötzlich wieder ein sprödes, größtenteils akustisches Coveralbum ganz ohne Autotune raus.

„TRIP“ ist entstanden, weil Wagner sich möglichst aus dem Songwriting-Prozess heraushalten wollte, um Elemente von Lambchop in den Vordergrund zu stellen, die seine Beteiligung sonst überschattet. So durfte für „TRIP“ jedes Mitglied basisdemokratisch einen Song zum Covern aussuchen: Wilcos geisterhaftes „Reservations“ gelingt Lambchop nicht weniger schemenhaft als das Original, dafür umso wärmer.

Das stampfende „Shirley“ der 70s-Rock-Band Mirrors mutiert dagegen auf halber Strecke zu einem schwelenden Krautrock-Slowjam. Natürlich sind die Unterschiede zum sonstigen Prozedere nicht gravierend, aber „TRIP“ zeigt genügend neue Facetten auf, um wieder einmal festzustellen: Wie schön, dass es Lambchop gibt!

(kulturnews.de)

›Tunng presents Dead Club‹ ist ein außergewöhnliches Album geworden. Kontemplativ, intim, feierlich. Es enthält Tunngs Kollaborationen mit Max Porter, der zwei neue Texte für das Album geschrieben hat. Es lebt von der Recherche der Band und erwähnt das indigene Volk der brasilianischen Wari, die ihre Toten verspeisen, Bewusstsein und Erinnerung werden diskutiert, Genders Besuch eines »Death Cafe« in Sheffield rekapituliert sowie der schwedische Aufräum-Trend, das sogenannte »Death Cleaning«.

Über den Gegenstand des Albums haben die sechs Bandmitglieder - Genders, Lindsay, Jacobs, Ashley Bates, Phil Winter, Martin Smith - monatelang diskutiert. Dass sie eine verhältnismäßig große Band mit vielen verschiedenen Meinungen und Perspektiven sind, erwies sich dabei als hilfreich: »Wenn all diese Dinge zusammenkommen wird es erst zu Tunng«, sagt Genders. »Und weil der Tod als Gegenstand auf viele verschiedene Weisen so kraftvoll für die Menschen ist, haben wir auch darüber gesprochen, welche Themen in so einer Diskussion auftauchen könnten und dass wir sensibel damit umgehen müssen.‹ Als es dann ums Musikschreiben und Aufnehmen ging, war der Prozess verhältnismäßig einfach.

›Weil wir uns schon so lange damit beschäftigt hatten, ging es ziemlich mühelos.‹ ›Das ganze Konzept in ein Album, in Musik zu verpacken, ohne dass es zu düster oder zu schwierig wird, war die Herausforderung‹, sagt Lindsay. ›Wir wollten, dass das Album farbig wird und irgendwie auch aufbauend. Und obwohl manches viel dunkler geworden ist, als ich vorher gedacht habe, finde ich doch, dass es eine anregende und emotionale Reise ist; es macht mich jedenfalls nicht traurig.‹

The planets align this October as the mighty Sun Ra Arkestra, under the direction of the maestro Marshall Allen, release their first studio album in over twenty years, ›Swirling‹. Recorded at Rittenhouse Soundworks in Philadelphia, the new recording represents the continuation of a heartfelt rebirth of the Arkestra under Allen's guidance since Sun Ra left the planet in 1993, gaining new generations of followers from their regular touring across the globe.

With a big band line-up featuring long-standing Arkestra members including Danny Ray Thompson (RIP), Michael Ray, Vincent Chancey, Knoel Scott, Cecil Brooks, Atakatune (RIP), Elson Nascimento and Tyler Mitchell, the album is a full-blooded celebration of Sun Ra's legacy. Tracks include brand new arrangements of Arkestra staples ›Angels And Demons At Play‹, ›Satellites Are Spinning‹, ›Door Of The Cosmos‹ and ›Rocket No. 9‹ alongside lesser known gems; the rousing blues ›Darkness‹ is recorded here for the first time, resurrected from the Ra archives by Marshall Allen.

Other highlights include an epic version of ›Seductive Fantasy‹ (first recorded on Ra's ›On Jupiter‹ LP in 1979), the freeform sonic blast of ›Infinity / I'll Wait For You‹ and a first ever recording of the Marshall Allen swing composition, ›Swirling‹. »We truly hope that this recording brings much joy to a planet which is so deeply in need of a spirit sound and vibration,« states saxophonist Knoel Scott. »We hope it contributes to a change in the ominous direction of man's journey through the cosmos.« »This new release is the Arkestra's love offering to the world,« concludes Marshall Allen. »Beta music for a better world.«

Folk, Pop, Kunst Mit »My Echo« veröffentlicht Laura Veirs 2020 ihr neues, mittlerweile elftes Studioalbum, den mit Spannung erwarteten Nachfolger von »The Lookout« aus dem Jahr 2018.

Zehn Songs hat die US-amerikanische Singer-Songwriterin dafür aufgenommen, die unter anderem die Scheidung von ihrem Mann Tucker Martine thematisieren.

Musikalische Partner bleiben die beiden aber dennoch, denn Martine zeichnete für die Produktion von »My Echo« verantwortlich.

Als Gäste sind Hochkaräter wie Jim James, Bill Frisell, Karl Blau und Matt Ward auf dem Album vertreten.

Einen ersten Vorgeschmack auf die Platte gab es bereits mit der Single »Burn Too Bright«, die Veirs dem 2018 verstorbenen Singer-Songwriter Richard Swift widmet.

Und die zeigt: Laura Veirs bleibt 2020 bei dem, was sie am besten kann: »My Echo« ist ein weiteres beeindruckendes Folkpopkunstwerk ...

Der große LLW3, Vater von Martha und Rufus, mit Klassikern des Great American Songbook – mit seiner eigenen Band und Big Band. »Ain't Misbehavin'«, »My Blue Heaven« oder »Between the Devil and the Deep Blue Sea« gehören zu den 14 Standards, die der kanadische Singer/Songwriter und Grammy-Gewinner Loudon Wainwright III auf seinem neuen Album interpretiert.

Produziert von Randall Poster und Stewart Lerman und eingespielt mit Vince Giordano und den Nighthawks, zeigt »I'd Rather Lead A Band« eine frische Seite von LW3 mit Big-Band-Sounds und zeitlosen Songs von Irving Berlin, Cliff Friend, Lew Brown und anderen Zeitgenossen der Tin Pan Alley.

Das Solodebüt

Erst letztes Jahr veröffentlichten The National ihr fünftes Album »I Am Easy To Find«, mit dem die US-amerikanischen Indierocker sowohl in Deutschland als auch im UK auf Platz zwei der Charts landeten.

2020 meldet sich der 49-jährige Sänger und Frontmann Matt Berninger nun mit seinem ersten Soloalbum zurück: »Serpentine Prison«.

»Serpentine Prison« heißt auch die erste Single der Platte, die er bereits im Dezember 2018 kurz nach den Aufnahmen des letzten National-Albums schrieb.

Die Produktion übernahm kein Geringerer als Multiinstrumentalist und Songwriter Booker T. Jones. Und ein paar namhafte Gäste wirkten ebenfalls am Album mit, zum Beispiel Schlagzeuger Matt Barrick, Bassistin Gail Ann Dorsey, El-Vy-Kollege Brent Knopf und einige mehr.

Das Resultat ist ein starkes, aber ruhiges, melancholisches Album, das Matt Beringers musikalische Herkunft nicht versteckt ...

Ein Album mit neu interpretierten Bob Dylan Songs. Sie serviert es als hypnotische, melodische Hymne, die sehr an den Stil von Gillian Welch erinnern und zu etwas außergewöhnlich Schönem führen.

Ladies & gentlemen - get ready for something truly special: Scotland's best jazz musicians meet one of the greatest songwriters ever. The Colin Steele Quartet plays the music of Joni Mitchell. It sounds like a marriage made in heaven - and it is. The music of Joni Mitchell gets the royal jazz treatment in exciting new arrangements. Timeless classics from the Mitchell songbook - »Blue«, »Both Sides Now«, »Hejira«, »A Case Of You« etc. - sparkle with fresh energy in a classic jazz quartet setting.

Mitchell always had a deep affinity with jazz - working with Charles Mingus on her album »Mingus« (1979) and many other jazz luminaries like Herbie Hancock and Wayne Shorter. Her songs are just perfectly suited for getting re-interpreted in a jazz setting. Listen to the album - and experience how well it works. Colin Steele adds his very own sound with his warm, melodic playing to Joni's songs and transports them into another musical territory. The results are simply gorgeous. Colin Steele from Edinburgh, one of UK's leading jazz trumpeters, is accompanied by the same top-notch musicians as on his »Diving For Pearls« album (MA 82, 2017), his beautiful take on the Pearlfishers songbook: Calum Gourlay on double bass, Alyn Cosker on drums and pianist Dave Milligan who also arranged the album brilliantly. Dedicating an album to just one composer is a great jazz tradition: Miles Davis did it with Gershwin's »Porgy & Bess« ('58) and Chet Baker with »Plays Lerner & Loewe« ('59). And now we have the CSQ playing Joni. »Joni« was recorded in just one day - like many classic jazz albums - at Scotland's famous Castlesound studios (The Blue Nile, Orange Juice, R.E.M.). Masterfully engineered by Stuart Hamilton. You really get the »in-the-room-with-the-artist« feel. This is most certainly one of the best Marina releases ever.

Zehn Jahre nach Veröffentlichung ihres letzten Studioalbums »Diamonds« und 50 Jahre nach der Bandgründung, wartet die legendäre (Fusion-) Rock-Formation Kraan zur Freude ihrer Fans endlich wieder mit einem neuen Studioalbum auf. Und das Warten hat sich definitiv gelohnt.

So zelebriert die virtuos spielfreudige Band auf »Sandglass« ebenso lässig wie selbstbewusst und souverän ihren innovativen, mit Psychedelic- und Funk- Elementen angereicherten und komplett zeitlos anmutenden Mix aus Rock und Jazz. Dabei klingen die dreizehn brandneuen, von raffinierten Harmonien ebensolchen Grooves geprägten Kompositionen auf wunderbare Weise frisch, melodisch entspannt und gleichsam elektrisierend. Während Ausnahmebassist Hellmut Hattler zusammen mit Schlagzeuger Jan Frides elegant und druckvoll für das raffiniert groovende Rhythmusgerüst sorgen, fasziniert Gitarrist Peter Wolbrandt mit seinen gleichsam dringlichen wie kunstvoll filigranen Saiten- und Synthesizer-Künsten.

Stets homogen im Zusammenspiel, gelingt es dem Trio seinen bandtypischen, schwerelos anmutenden Gruppensound zu bewahren und dabei gleichzeitig mit neuen, überraschenden Ideen (und gelegentlichem Popappeal) aufzuwarten. Auf dem Stück »Moonshine On Sunflowers« kommen zudem einige Samples des letztjährig verstorbenen, langjährigen Kraan-Keyboarders Ingo Bischof zum Einsatz, die aus dem Schallarchiv von Hellmut Hattler stammen.

Schon der Auftakt, der Titelsong ›Sandglass‹, ist sehr stark. (...) Weitere Höhepunkte sind das funkige ›Pick Peat‹ und der einzige auf Deutsch gesungene Titel ›Das Meer‹ – eine melancholische Ballade, in der Wolbrandt nachdenkliche Zeilen singt (...) Ja, und mit einer handfesten ›Hippie Jam‹ geht das Album zu Ende.

(Good Times, Oktober / November 2020)

Die gute Nachricht zuerst: Terje Rypdal legt nach mehr als zehn Jahren endlich wieder eine brandneue Aufnahme vor! Die bessere Nachricht: er hat für das Album eine aufregende neue Band zusammengestellt. Und die beste Nachricht: der 72-jährige improvisiert auf "Conspiracy" so kraftvoll rockig und einfallsreich, wie er es Mitte der 1970er Jahre auf seinen bahnbrechenden ECM-Alben "Whenever I Seem To Be Far Away", "Odyssey" und "Waves" tat, als er tollkühn das Klangpotenzial der E-Gitarre auslotete. Zur Erinnerung: Seine letzten Aufnahmen für ECM hatte Rypdal 2009 eingespielt. "Crime Scene" entstand im Mai jenes Jahres beim Nattjazz-Festival in Bergen und erschien 2010, während das 2013 veröffentlichte Album "Melodic Warrior" Aufzeichnungen aus den Jahren 2003 und 2009 enthielt. Danach wurde es still um Terje Rypdal. Jetzt zerreißt er diese Stille endlich mit "Conspiracy".

Für die gleichnamige Band, mit der er das Album unter der Regie von Manfred Eicher im Februar 2019 im Osloer Rainbow Studio eingespielt hat, fand er in Keyboarder Ståle Storløkken einen idealen Mitverschwörer.

Storløkken wirkte zuvor schon an den Rypdal-Alben “Vossabrygg” und “Crime Scene” mit. Am Schlagzeug sitzt Pål Thowsen, der in den 1970ern auf Bassist Arild Andersens ersten drei ECM-Alben getrommelt hatte und gut fünfzehn Jahre lang auch Ketil Bjørnstad begleitete. Komplettiert wird diese Band durch den jungen Bassgitarristen Endre Hareide Hallre.

Ein Manifest der Freaks.

(stereoplay, September 2020)

Ein Alterswerk? Noch immer Rausch!

(Jazzthing, September / Oktober 2020)

For his first record in....uh, well, just a little over a year (!), Bill Callahan's given us his first Gold Record. They can't all be gold, and they're not all six years apart either - all good! You could probably call the album »Gold Records«, too: all the songs have a stand-alone feel, like singles, meant for you to have a deep encounter with all of a sudden, from the start of the song to the finish. And what do you got when you have a record full of singles - and let's face it, hit singles, at that? That's a Gold Record for you.

From the top, it's clear this is music with an affection for people, as Bill immediately slips easily and deeply into his characters. Among them: a limo driver, a watcher of television, a suitor, a man in a broken-down car, a reader of books, a Ry Cooder superfan, and in the closing number, a wanderer who »notices when people notice things«. The voices of the people, with their ups and downs, their loss and laughter. You can feel the love. For Bill, preparing to tour for Shepherd In a Sheepskin Vest meant considering being away from home for long stretches of time - maybe up to a year, who knew? Feeling his oats, Bill pulled out a few sketches from over the years and touched them up. Before he knew it, he was recording them, and in the shuffle, newer songs started popping up. It happened fast. Basics were recorded live with Matt Kinsey playing guitars, guitars, guitars and Jaime Zurverza holding it down »and then letting it go« on bass. Drums and horns were brought in for a couple songs. Spirits were high! Six out of the ten were done first take; overdubs, when needed, came equally quickly.

Listening, one hears their intuitive cohesion coming together richly behind Bill's titanic voice spread across the stereo spectrum: the gentle conversation of Bill and Matt's guitars, the subtle percussion of the bass and drums, and odd appearances of trumpet, woodwind and synth, striking notes both decorous and discordant, sounding for all the world like the naturally occurring sound meant to accompany and express lives lived everywhere. These are in fact songs meant for other people to sing - but until they do, Bill's got this. He's got a secret on this one, and before we go, we don't mind sharing it with you: he's figured out how to perfectly place his voice in proximity to your ear. It's based on the distance from your heart to your brain. Simple! Why don't more people think like this?

Influential jazz collective Idris Ackamoor and The Pyramids return with an epic new opus, »Shaman!«, featuring a fresh line-up including original 1970s Pyramids member Dr. Margaux Simmons on flute, Bobby Cobb on guitar, longterm associate Sandra Poindexter on violin, Ruben Ramos on bass, Gioele Pagliaccia on drums and Jack Yglesias on percussion.

The band transitions from the political and social commentaries of 2018's acclaimed »An Angel Fell« into more introspective themes. »I wanted to use this album to touch on some of the issues that we all face as individuals in the inner space of our souls and our conscience«, explains Ackamoor. »The album unfolds over four Acts with personal musical statements about love and loss, mort ality, the afterlife, family and salvation.«

The 8 songs adhere to the model of stately chamber-pop established with The Apartments string of masterpieces in the 90s…with “What’s Beauty to Do?” a jangly throwback to the band’s Rough Trade period and “I Don’t Give a Fuck About You Anymore” an expression of lovelorn pique evoking a lost Sixties soundtrack by Michel Legrand.

(Uncut 8/10)

Walsh’s greatest strength has always been telling intimate, affecting stories that feel tender without being mawkish. ‘In And Out Of The Light’ is no different, capturing the first steps that come after loss, buoyed by lush, gorgeous arrangements that unfurl around one another.

(NME)

It’s the gift of evocation that floods our senses, the same gift that Apartments records have freely given from the off.

(Stereo Embers)

A collection of eight songs that take beauty from heartbreak, and gather emotions to create a work of divine confidence.

(The Big Takeover)

Das Alles ist eins ist das letzte Kapitel der lose verbundenen und informell betitelten »Gullvåg-Trilogie«, die 2017 mit dem »The Tower« und 2019 mit dem »The Crucible« eingeleitet wurde. Das Album, das zwischen September und November 2019 in Frankreich und Norwegen aufgenommen wurde, war ursprünglich für eine Veröffentlichung im Frühjahr geplant, wurde aber unweigerlich wegen - was sonst - Covid 19 verschoben. Der Moment ist jedoch reif für neue Musik, und die Band hat die zusätzliche Zeit genutzt, um auf jedes Detail zu achten. Das Ergebnis ist ein spektakuläres Doppelalbum, das auf bestmögliche Weise dicht und motorpsychodelic ist.

Das mit Spannung erwartete zweite Album von Phoebe Bridgers für 2020

Phoebe Bridgers veröffentlichte ihr Debüt 2017 als relativ unbekannte Singer-Songwriterin aus Los Angeles. Etwas mehr als zwei Jahre später ist sie eine international anerkannte Musikerin mit drei renommierten Werken unter der Haube: ihr Solo-Debüt "Stranger In The Alps", die boygenius-EP mit Julien Baker und Lucy Dacus im Jahr 2018 und Better Oblivion Community Center - eine überraschende Zusammenarbeit mit Conor Oberst 2019. Bridgers ist ein bemerkenswertes Talent und zugleich eine Künstlerin, die sich selbst und ihre kometenhaft wachsende musikalische Karriere mit ausreichend Humor begegnet.

Das neue Album "Punisher" wurde zwischen den Sommermonaten 2018 und Herbst 2019 geschrieben und aufgenommen - die Songs offenbaren dabei einmal mehr Bridgers als unwiderstehlich kluge und gefühlvoll produktive Songwriterin unserer Zeit. Erneut arbeitete Bridgers - die auch als Produzentin die boygenius EP und das Better Oblivion Community Center-Album ko-produzierte - für die neuen Songs, wie auch für 'Stranger In The Alps', mit Tony Berg und Ethan Gruska zusammen.

Dabei fanden sich auch ihre eng verbundenen Musikerfreunde im Studio wieder ein - inklusive Bridgers Band bestehend aus Marshall Vore (Drums), Harrison Whitford (Gitarre), Emily Restas (Bass) and Nick White (Klavier) sowie Performances von Conor Oberst ("Halloween", "I Know The End"), Lucy Dacus ("Graceland Too", "I Know The End"), Julien Baker ("Graceland Too", "I Know The End"), Blake Mills ("Halloween", "Savior Complex" and "I Know The End"), Jenny Lee Lindberg ("Kyoto", "ICU"), Christian Lee Hutson ("Garden Song", "Halloween", "Savior Complex", "I Know The End"), Nick Zinner ("I Know The End"), den legendären Drummer Jim Keltner ("Halloween" and "Savior Complex") und Bright Eyes' Nathaniel Walcott an der Trompete ("Kyoto" and "I Know The End").

'Punisher' wurde wie zuvor auch 'Stranger In The Alps' von Mike Mogis gemischt.

40. Jubiläum, erstes reguläres Album von Einstürzende Neubauten seit zwölf Jahren! Blixa Bargeld & Co. veröffentlichen "Alles in Allem" bei Potomak.

Alles in Allem enthält zehn neue Stücke, die thematisch hauptsächlich um Berlin kreisen: Blixa Bargeld wandert durch Erinnerungen und Träume, montiert Fragmente. Die Texte legen Spuren in die Vergangenheit, führen ins eigene Werk, knüpfen an frühere Texte an und überführen sie in die Zukunft. Es geht jedoch immer auch um die Gegenwart der deutschen Hauptstadt, wie bei Welcome To Berlin, das einen zynischen Blick auf die letzten Entwicklungen in der Metropole wirft.

Fest im Hier und Jetzt verankert soll auch die Musik der Einstürzenden Neubauten klingen: Der obligatorische Gang auf den Schrottplatz zur Klangfindung fiel diesmal aus. Bargeld: „Die lassen einen ja nicht mehr drauf – allein schon versicherungstechnisch.“ So suchten sich die fünf Musiker andere Sound- und Inspirationsquellen. Bei Taschen kam eine einfache Reisetasche zum Einsatz, die sie mit Lumpen füllten, für das titelgebende Alles in Allem wiederum spazierte Bargeld über einen Gang außerhalb des Studios und beschrieb die Assoziationen, die der abgeplatzte Belag am Boden in ihm hervorrief. Besonders das erste Stück Ten Grand Goldie wird als Beispiel für die anhaltende Innovationskraft der Neubauten herangezogen: Der Sänger kontaktierte Supporter der Gruppe, lud sie dazu ein, Teil des kreativen Prozesses zu werden. Ihre spontanen Antworten auf Bargelds Fragen bildeten Fragmente des Songtexts. Überhaupt waren einige Fans permanent in den Entstehungsprozess des Albums involviert, wurden über Live-Webcasts zugeschaltet, interpretierten und diskutierten die Songs untereinander und mit der Band.

Blixa Bargeld singrezitiert wie der Dichter, der er ist, deutlich und prägnant, ... Hohe Kunst.

(Audio, Juni 2020)

2020 marks the 40th anniversary of Einstürzende Neubauten's formation in Berlin, and the German avant-industrial visionaries spend Alles in Allem, their first studio album in 13 years, acknowledging the past while continually venturing forward. Several tracks are named after specific locations within the group's home city, and they recall personal memories and historical events with a bold, heavy heart. On "Grazer Damm," Blixa Bargeld recalls growing up on the Schöneberg district street of the same name, constantly witnessing riots and air raid attacks, while "Am Landwehrkanal" references the execution of revolutionary socialist Rosa Luxemburg, whose body was thrown into the Landwehr Canal by militarists in 1919. Given the subject matter, the music itself isn't as imposing as one might expect, and the latter song is a leisurely waltz with a chorus that partially seems to celebrate the band's history, with a key line translating to "We had a thousand ideas, and all of them were good." Other tracks are more playful while maintaining a revolutionary spirit. Opener "Ten Grand Goldie" has a driving, "Bela Lugosi's Dead"-style bass line and the group's signature clattering percussion, frequently interrupted by brief organ breaks and a chirpy, phone-sourced sample, while Bargeld's lyrics are playful and Dadaist. Just as striking is "Seven Screws," a sweet subversion of gender roles, which finds Bargeld reconfiguring the possibilities and assuming a non-binary identity. Like much of Neubauten's work since the 1990s, the arrangements are restrained and orderly compared to their cacophonous early work, but they break out the power tools for a few hair-raising moments during "Zivilisatorisches Missgeschick." Elsewhere, "Taschen" and "Alles in Allem" are grand, dramatic ballads closer to the work of Bargeld's former bandmate, Nick Cave. Continuing the group's latter-day run of more mature, considered works, Alles in Allem proves that Neubauten are still interested in challenging conventions and exploring new perspectives, even while carrying the weight of history.

(by Paul Simpson, All Music Guide)

Briefe an die Tochter

»Song For Our Daughter« heißt das neue, mittlerweile siebte Studioalbum von Laura Marling, das 2020 an den Start geht.

Drei Jahre haben Fans der britischen Folk-Pop-Sängerin auf den Nachfolger von »Semper Femina« gewartet, das 2017 bis auf Platz fünf der UK-Charts kletterte.

Der Name des Albums ist Programm, wenn er auch nur bildlich gemeint ist. Die insgesamt zehn Songs auf »Song For Our Daughter« richtet Marling an eine fiktive Tochter.

Inspiriert wurde sie dazu von Maya Angelous Buch »Letter to My Daughter« aus dem Jahr 2009.

Was die musikalischen Arrangements auf der Platte betrifft, so ist »Song For Our Daughter« deutlich reduzierter als sein Vorgänger, um einen intimen Sound zu erzeugen.

Wie gut das alles zusammenpasst, zeigte Laura Marling bereits vorab mit der ersten Single »Held Down«.

... ein betörendes Kompendium musikalischer Nähe.

(stereoplay, Juli 2020)