Remastered von den Originalbändern, erscheinen auf 2CD und 3LP, weitere 21 Tracks, angefangen 1992 in Stereolabs Frühphase bis zum Jahr 2008, darunter Aufnahmen aus superlimitierten 7inch- und EP-Miniauflagen, rares Bonusmaterial, exklusive Compilation- und Kunstaustellungsbeiträge, Kollaborationen mit Nurse With Wound und ein Autechre-Remix.

Zudem gibt es komplett unveröffentlichtes Material in Form von der 2004er Live-Version von »Cybele's Reverie« (aus dem »Emperor Tomato Ketchup« Klassiker (1996)), des ursprünglich für eine Skulptur von Charles Long geschriebenen »Robot Riot«, der Originalversion von »Plastic Mile« (aus der Compilation »Fab Four Suture« (2006)) sowie der Demoversion von »Ronco Symphony« (aus dem 1993er Minialbum »The Groop Played Space Age Batchelor Pad Music«).

Es gibt viel zu entdecken, gerade auch für Fans, die bis jetzt nicht unbedingt jede noch so kleinteilige Veröffentlichung der Engländer auf dem Schirm hatten.​ Tipp!

(Audio, September 2022)

›Pulse Of The Early Brain‹ funktioniert wie ein repräsentativer Steckbrief für eine der innovativsten Rockbands der 1990er-Jahre.

(stereoplay, September 2022)

Considering how consistently Stereolab collects their hard-to-find releases -- and the wealth of bonus tracks on the late-2010s reissues of their albums -- it's remarkable that there's anything left in their vaults. However, Pulse of the Early Brain: Switched On, Vol. 5 proves there is still plenty of value in the band's archives. Track for track, it may be one of the shorter installments of the Switched On series, but it offers a generous amount of music, not the least of which is the pair of releases that comprise its first half. Pulse of the Early Brain begins with Simple Headphone Mind, a 1997 limited-edition collaboration with Nurse with Wound that transforms "The Long Hair of Death" (which appeared in its original form on a spilt single with Yo La Tengo and on Switched On, Vol. 3: Aluminum Tunes) into euphoric, psychedelic motorik. Though the blobby Moogs and unfazed lockgroove on the title track are expected, the way they're combined is exhilarating, and even more so on "Trippin' with the Birds," which elaborates on the project's themes with fractal-like intricacy.

As welcome as it is to have Simple Headphone Mind widely available, the most significant release collected on Pulse of the Early Brain is the Low Fi EP. Arriving in September 1992 -- shortly after Stereolab released the first Switched On -- the EP fell through the cracks of the band's reissues for 30 years. That's something of a shame, since it's Stereolab's first release to feature beloved vocalist/keyboardist Mary Hansen and longtime drummer Andy Ramsay, both of whom make their mark on the EP's blissfully loud and transporting rock. On "Low Fi" and "Laisser-Faire" (a brilliant live version of which appeared on ABC Music: The Radio 1 Sessions), the vocal interplay between Hansen and Laetitia Sadier and the fuzzed-out keyboards and guitars cresting and crashing over Ramsay's bashed kit is early 'Lab at its finest. Later, "Elektro [he held the world in his iron grip]" morphs from analog synth shenanigans to weightless pop guided by Sadier and Hansen's counterpoint, capturing how the group made these shifts seem effortless.

Pulse of the Early Brain's second half goes deeper into eclecticism, juxtaposing concise tracks such as the buzzy, previously unreleased "Robot Riot" (which the band composed for their Music for the Amorphous Body Study Center collaborator, Charles Long) and the chamber-pop whimsy of Chemical Chords bonus tracks like "Spool of Collusion" with the avant-garde sci-fi jazz of "Symbolic Logic of Now!" and Autechre's spectral yet hard-hitting remix of "Refractions in the Plastic Pulse" for maximum impact. Though a handful of tracks fall into the category of fun but not essential, Pulse of the Early Brain feels more necessary than some of the previous Switched On volumes. As it covers a wide swath of the band's career, it provides a few surprises for even the most avid fans -- and whether listeners are hearing these songs for the first time or the first time in a long time, they sound equally great.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Nach ihren letzten beiden Alben während der »Covid-Jahre«, The All is One (2020) und Kingdom of Oblivion (2021), hat Motorpsycho die Veröffentlichung von Ancient Astronauts angekündigt.

Das Album wurde im Sommer 2021 im Amper Tone Studio in Oslo aufgenommen. Da Covid das internationale Reisen immer noch sehr schwierig macht, war die in Stockholm lebende Reine Fiske nicht mit den drei Motorpsycho-Kernmitgliedern im Studio, so dass dies das erste Album seit Jahren ist, das sie zu dritt aufgenommen haben. Das Album wurde hauptsächlich in Live-Aufnahmen mit nur wenigen Overdubs und dem nachträglich hinzugefügten Gesang aufgenommen, so dass die Band im Wesentlichen live im Studio spielt. Zeitweise ziemlich hektisch und kantig, aber auch grandios und hypnotisch, ist dies ein sehr exploratives Werk ohne viele Refrains.

»Ancient Astronauts« wurde im Sommer 2021 aufgenommen und ist das neueste Kapitel in der mehr als 30-jährigen Geschichte von Motorpsycho. Mitreißender Prog-Rock, experimentelle Klanglandschaften, schwere Rock-Grooves und epische Steigerungen.

Um Bill Graham von The Dead zu zitieren: »Sie sind nicht die Besten in dem, was sie tun, sie sind die Einzigen, die das tun, was sie tun.«

The Wave Pictures fürs ganze Jahr

Nachdem The Wave Pictures im Jahr 2018 mit »Brushes With Happiness« und »Look Inside Your Heart« gleich zwei Alben veröffentlichten, wurde es vorerst still um die englische Rockband, bestehend aus David Tattersall (Gesang und Gitarre), Franic Rozycki (Bassgitarre) und Jonny Helm (Schlagzeug).

Das Warten hat sich diesmal sogar doppelt gelohnt. »When The Purple Emperor Spreads His Wings« heißt ihr neues Doppelalbum für 2022, auf dem das Trio mal wieder seine tiefe Zuneigung für Rock’n’Roll, Blues, Jazz und Classic Rock und Daves Liebe zu ausufernden Gitarrensoli zeigt. Es handelt sich dabei um ein Konzeptalbum, bei dem jede Seite der LP eine der Jahreszeiten darstellt. Der Titel steht für den Tag im Frühling, an dem alle Schmetterlinge zum Leben erwachen und einen neuen Anfang signalisieren.

Einen ersten Vorgeschmack aufs Album lieferten The Wave Pictures bereits 2021 mit der herbstlichen Single »This Heart Of Mine«, in der sie sich dem Thema Zeit- und Raumreisen widmen. Musikalisch inspiriert vom klassischen Neil Young, tendiert das Stück diesmal deutlich in Richtung Country – mit Rozycki an der Mandoline, Tattersalls sanften akustischen Gitarrenklängen und Unterstüzung von Dominic »Hotdog« Brider an der Mundharmonika.

"MISADVENTURES OF DOOMSCROLLER" wurde von Jonathan Wilson (Billy Strings, Father John Misty, Angel Olsen) produziert und stellt eine neue, abenteuerliche Richtung für Dawes dar, die einen ehrgeizigeren und experimentelleren Ansatz bei den Aufnahmen zeigt als je zuvor.

"Wir waren schon immer stolz darauf, Minimalisten zu sein. Mit dieser Platte haben wir uns vorgenommen, MAXIMALISTEN zu sein", sagt Goldsmith. "Immer noch ein Quartett. Die Songs sollen sich nicht hinter irgendwelchen Tricks oder Effekten verstecken." Wir wollten auch die traditionelle Länge einer Schallplatte - 40-45 Minuten - respektieren, aber keine Rücksicht auf die Anzahl der Tracks nehmen. So wie es Miles oder Herbie oft getan haben. Jedes Mal, wenn eine Aufnahme abgeschlossen war, fühlte es sich wie eine große Leistung an. Dass diese 10 Minuten dauerte, war für uns nicht wirklich erschwerend. Ich wollte nicht derjenige sein, der es in Minute 7 oder 8 vergeigt, wenn alle bis dahin fehlerfrei gespielt haben. Das ganze Album und vor allem dieser Song haben sich ein wenig jenseits unserer Komfortzone angefühlt, und ich bin wirklich stolz darauf, was das aus der Musik gemacht hat. Ich denke, dass man den Augenkontakt hören kann, dass man hört, wie wir mit den Füßen denken."

She & Him - das gefeierte Duo M. Ward und Zooey Deschanel - sind bekannt für ihre stilvollen Arrangements, raffinierten Interpretationen und scharf gezeichneten Originale, die sie in ihrer 14-jährigen, äußerst fruchtbaren Zusammenarbeit über sechs Alben hinweg perfektioniert haben. Jetzt, mit »Melt Away: A Tribute to Brian Wilson«, ihrem siebten Album (und dem ersten für Fantasy), hat das Duo einen Liebesbrief an den südkalifornischen Pop der 60er Jahre verfasst, der für sich allein steht und eine herausragende musikalische Leistung darstellt.

Produziert von M. Ward und abgemischt von Tom Schick (Wilco, Norah Jones, Iron and Wine), ist »Melt Away: A Tribute to Brian Wilson« ist das erste Album des Paares seit sechs Jahren und enthält eine Fülle von klug ausgewählten Wilson / Beach Boys-Kompositionen, von denen einige allgemein geliebt werden und andere etwas weniger bekannt sind. Alle, ob man sie nun schon kennt oder zum ersten Mal hört, haben ein Gespür für das Dramatische. Ward und Deschanel bringen ihr unheimliches gemeinsames musikalisches Gespür in diese Pop-Noir-Kostbarkeiten ein und interpretieren sie für die heutige Zeit neu.

Der einladende, twangige Opener des Albums, Brian Wilsons und Mike Loves »Darlin'« (vom Beach-Boys-Album Wild Honey aus dem Jahr 1967), setzt eine hohe Messlatte, die She & Him durchgehend einhalten. Besonders aufschlussreich ist die hingebungsvolle Interpretation von »Wouldn't It Be Nice« durch das Duo. Die meisten würden es nicht in Erwägung ziehen, den eiskalten Klassiker anzufassen, doch sie stürzen sich mit unverhohlener Freude darauf. An anderer Stelle ist die erhabene Version von Wilsons schwermütigem »Til I Die« ein drei Minuten und 22 Sekunden langes Wunderwerk. Deschanels spektakuläre Gesangseinlage auf dem sträflich übersehenen Wilson-Solo-Stück »Melt Away« verwandelt die üppige, streicherlastige Bearbeitung des Originals in ein postmodernes Folk-Pop-Juwel. Weitere Höhepunkte sind der Surf-Rock-Rückkehrer »Do It Again«, der von Brian Wilson selbst (!) gesungen wird, und das anmutige »Please Let Me Wonder«, ein lang geschätztes Wilson-Albumstück. Das zeitlose »Don't Worry Baby« von den Beach Boys schließlich könnte das Herzstück und der ergreifendste Titel des Albums sein. M. Wards erdiger, lakonischer Gesang, überlagert von einem exquisiten Arrangement, fühlt sich organisch und völlig neu an - genau wie dieses Album, das in jeder Hinsicht beeindruckend ist.

Die in London lebende Musikerin und ehemalige GOAT GIRL-Bassistin NAIMA BOCK veröffentlicht ihr Solodebütalbum »Giant Palm« über Sub Pop Records. Geboren in Glastonbury als Tochter eines brasilianischen Vaters und einer griechischen Mutter, verbrachte NAIMA ihre frühe Kindheit in Brasilien, bevor sie schließlich nach England bzw. in den Südosten Londons zurückkehrte. Dieses Erbe verbindet sich in NAIMAs Musik mit neueren Einflüssen: Von den brasilianischen Standards, die die Familie auf der Fahrt zum Strand hörte, über europäischen Folk, den Naima auf eigene Faust erkundete, bis hin zu aktuellen Interessen wie Archäologie, der Arbeit als Gärtnerin und dem Wandern auf den großen Pfaden der Welt - NAIMAs Musik schöpft Inspiration aus der Familie, der Erde und der Weitergabe von Musik über Generationen hinweg.

Naimas Debüt »Giant Palm« ist zweifellos von der brasilianischen Musik ihrer Jugend und regelmäßigen Familienbesuchen durchdrungen. Inspiration fand die Britin in »der Perkussion, den Melodien, den Akkorden - und vor allem in der poetischen Gegenüberstellung von Tragik und Schönheit, die in den Texten steckt«.

Not long after South London art punks Goat Girl released their self-titled debut album, Naima Bock departed the band for a change of pace -- and that's what she gives her listeners on Giant Palm. Bock wrote the songs that make up her debut album while she took a break from playing in bands, and the time she spent in meditative pursuits like studying archaeology, working as a gardener, and hiking can be heard as much as the Brazilian music she absorbed as a young girl living in Sao Paolo (a velvety interpretation of the bossa nova standard "O Morro" closes the album) and the early 20th century folk she loved in her youth (echoed in "Enter the House"'s bittersweet harmonies). When Bock recorded Giant Palm with her friends during the early days of the COVID-19 global pandemic, she didn't have any concrete plans to release it, and this lack of expectations only adds to the album's freeness. During her Goat Girl days, she was no stranger to mixing and matching genres, but the way Bock uses pop, classical, electronic, folk, and jazz elements feels more intentional and more spontaneous on songs like "Toll," which moves from pastoral flute and guitar to stately strings and brass in a confident sweep. One of the first people she shared these songs with was producer/arranger Joel Burton, who helps her express the entwined needs for solitude and belonging that make Giant Palm so genuine. Nowhere is this more apparent than on the album's stunning title track, which begins with low, droning synths that gradually lift Bock "high above it all" in a moment of perfect epiphany. Later, the memories that haunt her on "Campervan"'s violin-bedecked waltz illustrate the cost of this kind of freedom. Burton and Bock's creative chemistry gives Giant Palm's internal monologues a widescreen treatment (some songs feature more than 30 performers), and the results are particularly striking on "Every Morning," a poignant call and response between Bock and a chorus where she reflects, "It is funny how life can be when everyone leaves/Alone, but not lonely." Though she took a roundabout path to make and release Giant Palm, the way Bock shares her profound moments and little insights with a generous spirit makes for an often brilliant debut.

(by Heather Phares , All Music Guide)

Laura Veirs 2022 über Bella Union erschienenes Album ‹Found Light»

Wenn das 2020er-Album »My Echo«, geschrieben kurz vor ihrer Trennung von ihrem Ehemann, dem langjährigen Produzenten und Vater der gemeinsamen beiden Söhne - Veirs' Scheidungsalbum war, handelt der neue Longplayer »Found Light« von dem, was danach kommt.

Obwohl es technisch gesehen das 12. Studioalbum der Künstlerin aus Portland ist, fühlt es sich in vielerlei Hinsicht wie ein Debüt an: »Found Light« ist das erste Album, das sie gemeinsam mit Shahzad Ismaily produziert hat, wobei Veirs eine Selbstständigkeit und künstlerische Unabhängigkeit an den Tag legte, die sie selbst bisher so nicht von sich kannte.

»Gefühlte Wahrheiten« ist ein Album darüber, wie es sich anfühlt, lebendig zu sein. Zwölf bestürzend schöne Lieder, in denen Distelmeyer vom Sich-Verlieren und Wiederankommen, vom babylonischen Stimmengewirr der sozialen Medien, von Sehnsucht und Begierde, gesellschaftlicher Spaltung und einer am Ende gelingenden und triumphierenden Liebe erzählt.

Es schließt sich hier ein Kreis von Distelmeyers erstem Solo- Album »Heavy« (»Wohin mit dem Hass«), seinem Romandebüt »Otis‹ und dem Coveralbum »Songs From The Bottom Vol. 1« (»Toxic«, »Video Games«). Selbst die Konzerte seiner Band Blumfeld (»Tausend Tränen Tief«, »Wir sind frei«) der vergangenen Jahre sind Teile eines Werkzyklus, dessen offene Enden Distelmeyer mit »Gefühlte Wahrheiten« nun zusammenführt. Der große Sänger eines »persönlichen Lebens« ist also nicht »wieder da« - er war niemals weg. Das Album beginnt mit dem eindringlichen Slow-Soul »Komm (so nah wie du kannst)« – übrigens auch ein guter Rat zur Rezeption dieses Albums.

In der Folge erinnert Jochen Distelmeyer dann immer wieder eindrucksvoll daran, dass es »jenseits von jedem« und vor allem anderen kaum jemanden gibt, der so schöne, beglückende und wahrhaftige Liebes- und Liebeskummerlieder schreibt wie er. Kaum jemals hat indes selbst Distelmeyer ein so wunderbares geschrieben wie »Nur der Mond«: sechs Minuten wonniger Hingabe, die sich schließlich in einem Gitarrensolo direkt in die Unendlichkeit auflösen.

Ob mit »Hey Dear«, »Im Fieber« oder »Tanz mit mir«: Jochen Distelmeyer breitet auf »Gefühlte Wahrheiten« sein Herz vor uns aus. Er verklausuliert nichts, wählt immer den direkten Weg, ist mutig und unerschrocken, sein Vortrag ist ergreifend. Das gilt für den berückenden Blues »Manchmal«, mit dem Distelmeyer bereits ein erhabenes Alterswerk andeutet und in dem er von seinem Umzug nach Berlin vor über zehn Jahren erzählt und wie er sich in der Stadt fühlt; es gilt aber erst recht für »Nicht einsam genug«, ein elfeinhalbminütiges Erlösungslied, das einem Tränen in die Augen treibt und in seiner wahrhaftigen Schönheit seinesgleichen sucht.

»Gefühlte Wahrheiten« ist so wenig typisch Deutsch, wie es nur geht. Diese Musik hat eine organische Tiefe, Reichhaltigkeit und unaufgeregte Präzision. Sie ruht in sich und ist wahrhaft meisterhaft gespielt und arrangiert – und das ist nicht zuletzt das Verdienst des Produzenten Swen Meyer, der auch schon Distelmeyers letztes, viel beachtetes englischsprachige Coveralbum »Songs From The Bottom Vol. 1« produziert hatte. Auf »Gefühlte Wahrheiten« finden sich dann auch zum ersten Mal selbst komponierte englische Songs, mit »Gone Girl«, »The Reason« und »Roads of Regret«. Die hatte Distelmeyer eigentlich für ein Country-Mixtape mit dem Titel »Songs for the Dark Age« vorgesehen.

Jetzt fügen sich diese Songs wunderbar in ein Album, dessen Traditionslinien von Blues über Soul bis zu modernem R'n'B reichen. Jochen Distelmeyer gelingt noch immer und immer wieder die poetischste Verbindung von Pop, Poesie und Politik überhaupt. Vom scheinbar Banalen, Alltäglichen kommt er mit spielerischer Leichtigkeit in die großen Zusammenhänge und wieder zurück. Jochen Distelmeyer ist ein Gast, ein präziser Beobachter, der die Wirklichkeit mit meisterlicher Musikalität zum Swingen bringt. Es ist gut, ihn wieder und weiter zu hören!« Torsten Groß

Eigenartige, schmutzige Geschichten über Unglück. Ohne lange zu überlegen, griff Fushigi nach dem Album, dessen buntes Cover aus der Wand mit den Zeitschriften, Büchern und Schallplatten herausragte. Neben den japanischen Schriftzeichen konnte sie auf der Hülle auch die deutschen Worte »Husten« und »Aus allen Nähten« erkennen. Fushigi bezahlte und machte sich zuhause daran, die auf Vinyl versammelten Lieder zu erforschen.

Obwohl sie nur Bruchstücke der fremden Sprache verstand, träumte sie in der Nacht von der in einem Song beschriebenen Nahtoderfahrung, von dem Mann, der sich in einem anderen Lied in eine Vaterschaft hinein illusioniert, schreckte um Viertel vor drei hoch, weil sie sich sicher war, dass - wie auf Platte - eine Krankenschwester um diese Zeit anrufen würde. Später sah sie im Schlaf das gelbe Haus der Ausgestiegenen und durchlebte die in szenischen Miniaturen geschilderte tragische Lebensliebesgeschichte eines anonymen Paares. Hörte noch im morgendlichen Halbschlaf neben dem deutschen Sänger die Schweizerin Sophie Hunger nachhallen. Sofort nach dem Frühstück recherchierte Fushigi und fand heraus, dass »Aus allen Nähten« nach vier EPs das erste Husten-Album war.

Warum es ein unglücklicher Zufall in dieser an Zufällen und glücklichen Unglücken so reichen Band-Geschichte war, dass deren Mitglieder Moses Schneider, Gisbert zu Knyphausen und der dünne Mann sich 2019 entschlossen hatten, ihre Tour 500 Tage im Voraus anzukündigen und die Pandemie daraus über 1.200 Tage zwischen Mitteilung und Konzertbeginn machte. Sie erfuhr von der anfänglichen fluxusartigen Liederresteverwertung der Musiker, die inzwischen einer live aufnehmenden Band gewichen war. Doch kreidebleich wurde Fushigi erst, als sie las, dass jemand sie selbst ausschließlich für das Info der Band erfunden hatte.

Ein bisschen von allem

Die schottischen Pop-Ikonen Belle & Sebastian veröffentlichen 2022 ihr neues Album »A Bit Of Previous«. Es ist bereits das zehnte Studiowerk der Band aus Glasgow, jedoch das erste »richtige« Album seit sieben Jahren, lässt man den Soundtrack zu »Days Of The Bagnold Summer« von 2019 außer Betracht.

»›A Bit Of Previous‹ ist ein klassisches Belle-and-Sebastian-Album mit Songs und Melodien, die einem nicht mehr aus dem Kopf gehen, und Texten, die einen zum Schmunzeln und Nachdenken bringen und manchmal auch melancholisch stimmen«, schreibt das Label Matador Records auf seiner Website. Wie sehr das stimmt, zeigt bereits die temperamentvolle Leadsingle »Unnecessary Drama«.

Zwölf neue Songs warten auf »A Bit Of Previous«, das Belle & Sebastian in Glasgow aufnahmen, nachdem ihre Pläne für Aufnahmen in Los Angeles durch die Corona-Pandemie zunichte gemacht worden waren. Um die Produktion kümmerte sich die Band selbst, Gastbeträge gibt es von Brian McNeil, Matt Wiggins, Kevin Burleigh und Shawn Everett.

Auf die Frage, was »A Bit Of Previous« denn eigentlich sei, schreibt das Label: »Es ist ein bisschen von allem und viel von dem, was Belle and Sebastian so besonders und beständig macht. Es ist eine Band, die die Einsicht, die Erfahrung und die Verantwortung, die mit dem Älterwerden einhergehen, mit Humor und Respektlosigkeit, mit lyrischer Exaktheit und musikalischer Tapferkeit angeht. Es ist einer der beliebtesten Pop-Porträtisten Großbritanniens, der sich als unfehlbare Quelle von Energie und Spaß behauptet.«

Ihr zehntes Studioalbum strahlt wieder hell am Popfirmament .​.​.​ Das klingt leicht, melancholisch, herzerwärmend.​

(Audio, Mai 2022)

Nicht, dass die Eighties jetzt außen vor wären, die Band ist jedoch wieder folkiger und dadurch willkommen reduzierter.​ Das bedeutet nicht, dass man nicht zu den Songs tanzen könnte.​ Zu ›Unnecessary Drama‹, ›Talk To Me Talk To Me‹ und ›Reclaim The Night‹ dürfte künftig auf Konzerten gewippt werden.​

(Good Times, Juni/Juli 2022)

The songs on Scottish indie pop architects Belle and Sebastian's tenth studio album, A Bit of Previous, wander through various energetic and sunny approaches, but they're tied together by thematic undercurrents of aging, anxiety, and existential questioning. Recorded and produced by the band at their practice space, every tune sounds comfortable and considered. The production and arrangement choices feel thoughtful rather than labored over, as if the walls of handclaps on "If They're Shooting at You" or the unrelenting harmonica that's going for the majority of "Unnecessary Drama" were deliberate choices the group decided on over the course of months. This at-home feeling might also account for how wildly they swing between styles over the course of the album's 12 songs. "Young and Stupid" utilizes violin and bright acoustic guitars to guide sticky melodies, and there's a hint of nostalgia in the kind of chamber-pop sweetness (French horn, Enoch Light-styled backing vocals) that appeared on the band's earliest material 26 years prior. Almost immediately, however, they switch gears for the mellow quasi-soul of "If They're Shooting at You," the moody synth pop on "Reclaim the Night," a lush Baroque country-folk waltz on "Deathbed of My Dreams," or a bouncy indie reading of Motown on "Come On Home." The stylistic hopscotch the band play here recalls the staggered but intentional flow of their 2003 album Dear Catastrophe Waitress, and like that record, A Bit of Previous rewards listeners who can ride out the zigzagging with a deeper cohesion that takes a few listens to sink in.

At this point in Belle and Sebastian's discography, their calling cards are well-established, and the songs are full of their particular brand of soft, smiling melodies, and arrangements that bubble up without feeling too crowded or overwrought. What feels different among the familiar, sometimes self-referential songwriting is an ongoing thread of uneasy, darkly self-reflective lyrical themes. This can be as blatant as lines about increasingly creaky bones and settling into middle age on "Young and Stupid," or as intense as the stark look at anxiety and self-sabotaging patterns on the jittery "Talk to Me Talk to Me." The perky, joyful sounds are always just slightly louder than the swirls of dread that buttress A Bit of Previous. It's in the album's unlikely combination of weighty sentiments and cheerful (if especially diverse) sounds that Belle and Sebastian grow, offering up an honest assessment of what getting older feels like when you're one of the world's best indie pop bands.

(by Fred Thomas, All Music Guide)