Einer der besten

Rufus Wainwright veröffentlicht 2020 sein neues »Unfollow The Rules«, das erste neue Popalbum seit acht Jahren.

Zuletzt investierte der Singer-Songwriter seine Zeit und sein Können in seine erste Oper sowie ein Album mit Shakespeare-Sonetten.

Auf »Unfollow The Rules«, Album Nummer neun, widmet er sich nun allerdings wieder Pop und Rock.

Wie das klingt, verriet Wainwright vorab bereits mit den Singles »Trouble In Paradise« und »Damsel In Distress«.

Unterstützt wird er auf dem Album von Matt Chamberlain, Jim Keltner und Blake Mills. Um die Produktion kümmerte sich Mitchell Froom.

Das lange Warten hat sich gelohnt: Mit »Unfollow The Rules« festigt Rufus Wainwrigth einmal mehr seinen Ruf als einer der besten Songwriter unserer Zeit.

... edel klingen seine Lieder, auch im Pathos transparent und direkt, ein Hörgenuss, der den eigenen Hang zur großen Geste mit dem Klang anspruchsvollen Adult Pops verknüpft. Rufus ist zurück.

(stereoplay, Juni 2020)

Das verschollene Album

Es ist eine absolute Sensation: Neil Young veröffentlicht 2020 sein Album »Homegrown«, 46 Jahre nach den Aufnahmen.

Zur Einordnung: »Homegrown« wurde zwischen 1974 und Anfang 1975 aufgenommen. Young entscheid sich allerdings gegen ein Release.

Zwölf Songs nahm er für die Platte auf, darunter sieben bislang unveröffentlichte Titel: »Separate Ways«, »Try«, »Mexico«, »Kansas«, »We Don’t Smoke It No More«, »Vacancy« und der Spoken-Word-Track »Florida«.

Die Stücke »Homegrown«, »White Line«, »Little Wing«, »Love Is A Rose« und »Star Of Bethlehem« erschienen auf späteren Alben der Rocklegende.

Musikalische Unterstützung bekam er im Studio bei ein paar Songs von Ben Keith (u. a. Pedal Steel, Dobro, Gesang), Tim Drummond (Bass), Levon Helm (Schlagzeug), Karl T. Himmel (Schlagzeug), Robbie Robertson (Gitarre), Emmylou Harris (Backgroundgesang), Mazzeo (Backgroundgesang) und Stan Szelest (Piano).

»Homegrown« wurde analog aufgenommen und nun für die Veröffentlichung von John Hanlon restauriert sowie von Chris Bellman bei Bernie Grundman Mastering gemastert.

Ein Stück Musikgeschichte, ein Schatz aus dem Archiv: Das verschollene Album von Neil Young wird endlich veröffentlicht. Hier ist »Homegrown«.

Back in the spring of 1975, Neil Young planned to release Homegrown, an album he completed at the start of the year, but he also had Tonight's the Night -- a rambling, heavy record cut back in 1973 -- ready to go. After playing the two albums back to back for a small circle of friends, Young opted for Tonight's the Night and shelved Homegrown for the better part of 45 years. Unlike other scrapped Neil projects, Homegrown never circulated in full on bootleg, but it was stripped for parts: "Star of Bethlehem" wound up on American Stars 'n Bars alongside a re-recorded version of Homegrown's title track, "Love Is a Rose" popped up on Decade, "Little Wing" was unveiled on Hawks & Doves, and "White Line" got a loud, lumbering makeover by Crazy Horse on Ragged Glory, released a full 15 years after this original version. Recycling songs isn't uncommon for Young, but the dismantling of Homegrown can also be seen as an extension of the real reason why he chose to release Tonight's the Night instead of this shambling, homespun affair: some of the album cut a little too close to the bone, revealing a little too much of the dissolution of his romance with Carrie Snodgress, so he pushed it away.

Like all heartaches, this pain diminished over the years, and by 2020, Young was ready to unveil Homegrown as part of his ongoing Archives series. Heard as its own distinct work, Homegrown is indeed emotionally candid, but it's also warm, funny, stoned, and spooky, considerably lighter than either Tonight's the Night or On the Beach yet more cohesive in its weirdness than American Stars 'n Bars and not as cozy as Comes a Time. Oddly, the album is front-loaded with its explicit breakup songs, starting as the country-rock ramble "Separate Ways" is underway. "Separate Ways" is paired with the loping "Try" and spacy solo sketch "Mexico" before the album settles into familiar territory with "Love Is a Rose" and "Homegrown." From this point forward, Homegrown will take the occasional detour into melancholy and strangeness (the spoken-word "Florida" vibrates on a different wavelength from the rest of the record), but it also finds time for the rowdy doper blues "We Don't Smoke It No More," the restless twilight rocker "Vacancy," and the delicate closing pair of "Little Wing" and "Star of Bethlehem," which end the album a tentatively hopeful note. Hearing these (sometimes very familiar) songs in this particular sequence is a journey, one that winds along a twisted road yet provides an experience as complete as its mid-'70s companion LPs. It's not a footnote but an essential part of Neil Young's catalog.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Gitarrist John Scofield feiert die Musik seines Freundes und Mentors Steve Swallow in einer lebendigen und geistreichen Aufnahme, die an einem Tag in New York im März 2019 gemacht wurde - »old school«, wie Scofield sagt, wobei er zugibt, dass mehr als vierzig Jahre der Vorbereitung dazu geführt haben. John war ein 20-jähriger Student in Berklee, als er den Bassisten zum ersten Mal traf und mit ihm spielte, und sie haben seitdem weitergemacht. »Ich liebe diese Lieder«, sagt Scofield über die Auswahl der hier erforschten Swallow-Kompositionen - ein breites Spektrum, das Klassiker wie »Hullo Bolinas«, »Eiderdown«, »Falling Grace« und »Radio« sowie weniger bekannte Werke umfasst. Die Beziehung zwischen Scofield und Swallow ist in jedem Moment offensichtlich. John: »Manchmal, wenn wir spielen, ist es wie eine große Gitarre, die Bassstimme und mein Part zusammen.« Hinter dem Schlagzeug ist Bill Stewart, ein enger Mitarbeiter von Scofield seit den frühen 90er Jahren, wachsam gegenüber allen Auswirkungen der Interaktion. »Was Bill macht, ist mehr als ›Schlagzeug spielen‹«, sagt Scofield. »Er ist eine melodische Stimme in der Musik, die gleichzeitig richtig gut swingt.«

... drei Künstler, drei Freunde, die ihren Jazz einfach laufen lassen können.

(stereoplay, Mai 2020)

Der erdige, meist leicht verzerrte, bisweilen jauchzende Ton von Scofields Ibanez-Gitarre verleiht den alten Kompositionen Steve Swallows regelrecht Flügel. Ein ›beschwingtes‹ Album.

(›Empfehlung des Monats‹ in Fono Forum, Juli 2020)

Neues Album des britischen Folk Singer/Songwriters Teddy Thompson, dem Sohn der Fairport Convention Mitglieder Richard und Linda Thompson.

Thompsons neues Album Heartbreaker Please rechnet vom Eröffnungssong an mit dem Zusammenbruch der Liebe mit einer ebenso befriedigenden wie verheerenden Leichtigkeit ab. Und während das Album vom Ende einer Beziehung aus dem wirklichen Leben erzählt, könnte es aus Thompsons Perspektive auch als eine Projektion seiner Beziehung zu New York City gesehen werden, dem Ort, den er für den größten Teil der letzten zwei Jahrzehnte sein Zuhause genannt hat.

Als Mitglied der britischen Musikdynastie, die zunächst von seinen legendären Eltern Linda und Richard Thompson geleitet wurde, verließ er mit 18 Jahren London und zog in die Staaten, um sich fünf Jahre später in New York niederzulassen. Zwanzig Jahre später findet Teddy Thompson sich mit »Heartbreaker Please« perfekt selbst, als souveräner Künstler auf der Höhe seines Könnens.

Limitiert auf 1000 Stück im Fold-Out Cover, einseitig gepresst mit Siebdruck auf der B-Seite. Inklusive sinnfreier Beilage und Download-Code.

Sie haben wieder in dem alten Schuppen gesessen. Parfüm getrunken und auf einer knittrigen Landkarte mit Pflastern die Luftlinie nach Singapur geklebt. Einer der Nachbarn hat erzählt, die drei Männer würden dort regelmäßig eine Matinee veranstalten. Ab und zu würden merkwürdige Figuren vorbeikommen, Schlagzeugspenden durch den Spalt in der windschiefen Holztür schieben und wieder verschwinden.

Die alte Kennertz sagt, die Drei würden dort mit Springseilen, Fax-Geräten, einer alten Armbanduhr, einer Klarinette und ein paar Säcken Sägemehl etwas bauen und genau danach würde auch der Lärm klingen, der alle paar Tage aus dem Schuppen strömt. Die meiste Zeit gehen diese Typen aber Essen. Lassen sich nie was kommen, immer gehen sie Essen. Dünn wie Schläuche, aber andauernd Essen gehen!

Einmal im Jahr schicken sie ein Tonband weg. Letzten Herbst, als der Rasen im Goldrot der Blätter ertrank, haben sie es im Schuppen abgespielt und kurz darauf versandt. Die Kennertz hat gelauscht und sagt, am Anfang hätte es geklungen wie ein James-Bond-Film mit Robotern, gewiss seien Drogen im Spiel. Dann auf einmal dachte sie, die Lieblingsband ihrer Jugend zu hören, dieses glitschige Duo, wie hieß es noch, Wham! Eine Täuschung sicherlich. Mittendrin sei es um Karma gegangen, um den desolaten Zustand der Welt. Was geht das denn die an, habe sie noch gedacht. Dann kam andauernd ein »Hey« und »Ok«, zackig, ungeduldig, jemand sang »auf ins Ungewiss« oder so. Und schließlich war ihr - der alten Kennertz also - als ob eine Säge Frank Sinatra entzweie. Als habe jemand einer Oper Propenal injiziert. Es hat gar nicht geregnet, sagt sie, aber als es still wurde, seien ihre Wangen ganz nass gewesen.

Jetzt sind sie wieder weg, und eine Ruhe hat sich über den Ort gelegt. Die Kennertz sagt, sie sind auf Tour.

Der Chicagoer Songschreiber und Gitarrist James Elkington, der bereits mit Größen von Richard Thompson über Jeff Tweedy bis hin zu Tortoise zusammengearbeitet hat, hat in Wilcos Loft sein zweites Album »Ever-Roving Eye« aufgenommen. Es folgt auf sein gefeiertes Debüt »Wintres Woma« aus dem Jahr 2017 sowie seinen jüngsten Produktions- und Arrangement-Arbeiten für Künstler wie Steve Gunn, Nap Eyes und Joan Shelley.

Die neuen Lieder werfen sowohl einen Blick zurück auf britische Folk-Traditionen aber blicken auch auf avantgardistische Horizonte. Die Songs sind ebenso zugänglich wie geheimnisvoll. Elkingtons energisches Gitarrenspiel und seine Bariton-Poesie wird begleitet von einem Arrangement aus Streichern und Holzbläsern sowie dem Backing-Gesang von Tamara Lindeman (The Weather Station).

Auch wenn der Albumtitel »Ever-Roving Eye« (zu Deutsch: »das immer umherziehende Auge«) klingt wie aus einer düsteren Ballade, bezieht er sich mehr auf die ständige Suche nach der eigenen Befriedigung sowie die eigenen Tugenden und Laster. Während die erste Platte eher in der klanglichen Tradition der interessanten englischen Folk-Revivalisten der 1970er Jahre angesiedelt war, beschäftigt sich »Ever-Roving Eye« mit einem breiteren musikalischen Feld, wobei es die Klänge britischer Library Music, Horrorfilm-Soundtracks, Psychedelia und rockige Elemente des Folk-Rock einbringt.

Das Ergebnis ist eine Platte, die noch ausgefeilter, scharfsinniger und nachdenklicher ist als ihr Vorgänger.

Es ist 20 Jahre her seit »I Am Shelby Lynne«, das Album, das ihr einen Best New Artist Grammy einbrachte. Zum neuen Album wurde »I Am« entfernt und trifft nun direkt das Herz der Singer-Songwriterin.

Dies ist ein Album mit meist solistischen, sparsamen, aber emotional reichen, originellen Torch Songs, die auf die einzige Weise gemacht wurden, die dieser eigenwillige Künstler kennt - gleichzeitig gequält und verletzlich, mit offengelegten intimen Gefühlen, aber letztendlich mit der Hoffnung, dass es ein Licht in der Dunkelheit gibt. In Erinnerung auf ihr 2008er Dusty-Springfield-Tribut Just a Little Lovin', das sie zusammen mit dem verstorbenen Grammy-Gewinner Phil Ramone in denselben Capitol Studios aufgenommen hat, in denen das neue Album abgemischt wurde, ist die gefühlvolle Shelby Lynne ihr bisher persönlichstes, autobiografisches Statement über die doppelte Push-Pull-Natur der Liebe: gleichzeitig nah genug, um sie zu berühren, aber auch ein frustrierender Plagegeist, der sowohl verführen als auch aufgeben kann.

Um alles ganz direkt zu halten, spielte die Ausnahmesängerin auch fast alles (Gitarre, Keyboard, Bass, Drums, Saxofon) selbst ein und verzichtete auf Studiobeschönigungen. Echtheit ist Trumpf!

(Stereo, Juni 2020)

Though she last released a record of her own with 2015's celebrated I Can't Imagine, singer/songwriter Shelby Lynne kept busy. She cut the sublime covers set Not Dark Yet with sister Allison Moorer. She also worked with producer, director, and screenwriter Cynthia Mort on an as-yet-unreleased film entitled When We Kill the Creators. Lynne stars as a world-weary singer trying to navigate the choices between commercial success and her own creativity. This self-titled album evolved out of that project. Half its lyrics were penned by Mort, and Lynne plays most of the instruments herself: guitar, bass, drums, synth, even a rudimentary saxophone on "My Mind's Riot." She did enlist help a handful of pianists including Mimi Freidman, Benmont Tench, Ed Roth, and Billy Mitchell on various tracks.

Despite the homegrown, intimate quality of the record, it's quite disciplined. As a songwriter, Lynne's knowledge and authoritative use of classic L.A. pop, sophisticated soul, the jazz song tradition, rhythm & blues, and roots rock, are formidable. "Strange Things" is a nocturnal, suffocatingly intimate jazzy blues with searing lyrics by Mort: "The clumsiness of it/The fumbling, crashing, fuck of it/The bandaged mess/The worn, torn angel scars … Love keeps us crawling…." But Lynne reaffirms love and commitment in "I Got You," the very next song. Here, Dusty Springfield's influence is evident. Her rhythmic, slipstream phrasing hovers elegantly in and around Tench's Wurlitzer. It addresses her beloved with unflinching commitment and desire. "Love Is Coming," co-written with Mort, is almost uncomfortably vulnerable with its "Walk on the Wild Side" bassline, lilting guitars, and piano. This is a Shelby Lynne we have heard from only selectively. The back-to-back "Weather" and "Revolving Broken Heart" are confessional songs about being bereft and left in the zero by a now absent lover, with graceful, glacial tempos and minimal arrangements, Lynne's voice offers painful truths. First single "Don’t Believe in Love" cut with her road band, offers a breathless, heartbreaking lyric penned by Mort atop a swinging, gentle pop rocker that hearkens back to Lynne's widely acclaimed I Am Shelby Lynne. On "Here I Am," her only accompaniment is Mitchell's piano. It's a slow, declamatory anthem with gospel overtones. Mort's poetic lyric is right at home in Lynne's mouth pouring out like cool, clear water. She imbues it with a meaning understood by anyone who has loved unselfishly. This is the album Lynne's hinted at for a decade. It's life-affirming in expressing romantic obsession and doubt, loneliness and fear, desire and steely commitment. Lynne's protagonists are stark naked in voicing their wounds and wants, whether they be emotional, spiritual, and/or physical. Shelby Lynne is a profound meditation on amorous complexity and cost; it's arguably the most powerful record in the songwriter's catalog.

(by Mark Deming, All Music Guide)