Das Reunionalbum

Fünf Jahre sind vergangen seit Elvis Costello sein letztes Album veröffentlichte. 2018 kehrt der britische Musiker aber endlich mit neuem Material zurück aus dem Studio.

»Look Now« heiß die neue Platte, der Nachfolger von »Wise Up Ghost (And Other Songs 2013)«.

Es handelt sich dabei außerdem um das erste Album seit zehn Jahren, für das der 63-Jährige wieder mit seiner Band The Imposters, das heißt Steve Nieve (Keyboard), Davey Faragher (Bass) und Pete Thomas (Schlagzeug), im Studio zusammenarbeitete.

Das Resultat sind elf neue Songs inklusive einer erneuten Zusammenarbeit mit Burt Bacharach im Stück »Burnt Sugar Is So Bitter«. Als weiterer Gast ist Carole King mit von der Partie.

Ein paar erste Vorabeindrücke von »Look Now« gab der Musiker bereits mit den Singles »Unwanted Number« und »Under Lime«.

Und die zeigen: Mit »Look Now« ist Elvis Costello und Band 2018 ein facettenreiches neues Album gelungen. Nichts anderes hätten wir von der Pop- und Rockikone erwartet.

Costello ist durchgängig in Höchstform, seine unverkennbare Stimme schillert von energisch bis soulig-wärmend. Druckvolle Drums, perlendes Piano und wunderbare Background-Vocals, mit hoher Musikalität arrangierte Streicher und (Holz-)Bläser machen dieses Album zu einem Highlight des Jahres 2018.

(Audio, November 2018)

... eines der besten Alben der späten Karrierejahre ... Das ist Wort- und Klangkunst vom Allerfeinsten!

(Stereo, Dezember 2018)

Crosby und die »Lighthouse«-Band

David Crosby meldet sich 2018 mit einem brandneuen Album zurück. »Here If You Listen« heißt der Nachfolger von »Sky Trails« (2017) und ist bereits der vierte Longplayer der Singer-Songwriter-Legende in gerade einmal fünf Jahren.

Elf Songs hat Crosby dafür aufgenommen. Unterstützung bei Songwriting und Vocals holte er sich dabei von Becca Stevens, Michael League und Michelle Willis, der Band, die bereits auf seinem Album »Lighthouse« (2016) mit von der Partie war.

Wie »Here If You Listen« klingt, verrieten Crosby und Co bereits mit der ersten Single »Glory«.

Eine Folklegende voller Kreativität, ein eingespieltes Team: Hier ist »Here If You Listen« von David Crosby und seiner »Lighthouse«-Band.

Die Berliner Band Brokof beschreitet mit ihrem vierten Album Fore! neue Wege. Musikalisch geht es raus aus der Folk- und Country-Scheune. Vieles ist experimenteller, psychedelischer geraten. Unter den 10 Tracks findet sich mit »A Ride« und »Turn Me On« typischer Brokof-Krawall neben dem epischen Krautrocker »Camouflage«, oder auch lupenreine Popsongs, wie »Part of the New Age.

Unbedingt erwähnt werden sollen hier auch die extrem lässige Stadtflucht-Hymne ›Cabin‹ und das herzerweichende Rufen des Protagonisten in »Calling«. Brokof gelingt es mit Fore!, jegliche Kategorisierung hinter sich zu lassen, ohne die Dringlichkeit zu verlieren, die diese Band schon immer ausmacht.

Persönlich, poeteisch, preisverdächtig

Country-Fans aufgepasst: Rosanne Cash meldet sich 2018 endlich mit einem neuen Album zurück aus dem Studio. »She Remembers Everything« heißt der 16. Lonplayer der Sängerin und Tochter von Johnny Cash, der Nachfolger von »The River & The Thread« aus dem Jahr 2014, das mit drei Grammys ausgezeichnet wurde und in den USA auf Platz elf der Charts landete.

Zehn Songs hat Cash dafür geschrieben und in Portland und New York City aufgenommen. Hinter den Reglern saßen Tucker Martine und Ehemann John Leventhal.

Einige hochkarätige Gastbeiträge gibt es auf »She Remembers Everything« ebenfalls, nämlich von Elvis Costello, Kris Kristofferson, Colin Meloy (The Decemberists) und Sam Phillips.

Mit dem Titeltrack und dem Song »Everyone But Me« gab es bereits zwei Vorgeschmäcke auf das neue Album. Und die zeigen: Rosanne Cashs »She Remembers Everything« ist persönlich und poetisch zugleich, ein weiteres preisverdächtiges Werk ...

Kurt Vile has had a signature sound for years, but Bottle It In — his seventh solo album, out today — is the first time that sound feels cemented, as if its parameters have been drawn. He’s reached that moment in a veteran career when he understands his strengths and is playing to them, refining his mastery rather than forcing himself into uncomfortable new space. That renders the album unsurprising, but it doesn’t have to be a bad thing. If at any point you’ve loved Vile’s dazed, drawling, prophetically poetic heartland rock, Bottle It In overflows with music for you. He has marked out his territory and is casually grazing it, harvesting fresh wisdom and beauty as he moves on into middle age.

As ever, Vile’s songwriting is haunted by melancholy, but the post-contentment crisis that marked 2015’s b’lieve i’m goin down seems to have dissipated in clouds of smoke. He is in his groove here, spinning guitar tapestries on the bright and punchy “Yeah Bones” and turning out surreal narratives like this, from “Hysteria”: “Stop this plane because I want to get off/ Pull over somewhere on the side of a cloud/ And watch me get out/ Watch me go down/ And the rest is hysteria/ And I stole that/ But hey Mom, look at me now.”.

At 79 minutes, Bottle It In is Vile’s longest album to date; he’s not exactly corking himself up in a tight space as the title might imply. Three times he lets a song stretch out to 10 minutes, luxuriating in vibes, textures shifting like the slow evolution of a landscape. One of those, the stoned koan “Bassackawards,” is an instant classic of his discography, its sound and subject matter floating just above the surface of the Earth, tethered only by a simple, steady beat and Vile’s repeated assurance, “I was on the ground.” It’s one of those drug-trip songs that masterfully puts you in its author’s headspace.

You feel like you really get to know Kurt Vile listening to these tracks. On “Loading Zones,” his goofy sense of humor manifests in a song-length gag about illegal parking. On “One Trick Ponies,” he pays affectionate tribute to his buddies — appropriate for a rocker from the City of Brotherly Love. It’s an immersive, ingratiating experience, and you can step into the whole thing below.

(www.stereogum.com)

Seit 33 Jahre spielen sie ihre Songs. Und bringen ihre Platten heraus, genauso wie sie sich das vorstellen, eine nach der anderen. Es gibt wenig Vergleichbares, keine andere deutschsprachige Band, die diese eigenartige Mischung aus Folkrock und Blues, Artrock und Kinderlied, Krachorgie und Schmalzmelodie in die Welt brächte, ohne auch – wie es scheint – nur einen Moment darüber nachzudenken, ob das gerade in den Zeitgeist passt oder nicht, ob das für neue oder alte Medien taugt, ob das einer versteht, ob sie das überhaupt selber verstehen, ob das nun traurig oder lustig, hässlich oder schön, Tiefsinn oder Spinnerei ist.

Auf den ersten Blick sieht alles nach Verweigerung aus: Sie weigern sich, immer das Gleiche zu machen und sie weigern sich, sich neu zu erfinden. Sie weigern sich, sich der Streaming- und Youtube-Landschaft anzupassen. Sie geben ihre Musik nicht für Werbung her. Sie spielen lieber dreimal im Tempodrom als einmal in der Max-Schmeling-Halle. Sie lassen sich nicht festnageln und so weiter und so fort, man könnte es noch lange fortführen, aber das kann das Geheimnis ihres Erfolges nicht sein, das sind alles nur Dinge, die nicht getan werden, aber geliebt wird man nur für das, was man tut, nicht für das, was man lässt.

Und so entsteht ein anderes Bild dieser Band: Einer Band, die einen so unverwechselbaren Stil in Sachen Song, Sound und Haltung hat, dass man nur zwei Möglichkeiten hat: Man kann das mögen oder eben auch nicht. Nie sind Element Of Crime nur »irgendwie interessant« oder »auch ganz okay«.

Und da wären wir bei »Schafe, Monster und Mäuse«. Ist das ein Verweis auf das Vorgängerwerk »Lieblingsfarben und Tiere«? Wohl kaum. Ein Monster ist kein Tier und eine Maus ist keine Farbe. Es ist aber sicher auch keine zufällige Wahl. Es ist der Titel eines Songs auf dem Album, der von Träumen erzählt, der Welt »hinter geschlossenen Lidern«, in der eigene, andere Gesetze gelten, diktiert vom Unterbewusstsein, kontrolliert und durchkreuzt vom Über-Ich. Das ist auch eine gute Metapher für das poetische Prinzip bei Element of Crime: Die musikalische und textliche Arbeit mit Assoziationen, unterbewussten, improvisierten Elementen, das wie zufällige Ineinanderstürzen der Stilmittel, das Arbeiten mit und das Durchbrechen von bekannten Mustern, das Kaleidoskop der Klangfarben, Melodien, improvisierten Kakophonien, das ganze psychedelische Instrumentarium, mit dem diese Band seit so langer Zeit ohne mit der Wimper zu zucken hantiert.

»Schafe, Monster und Mäuse«: Da gibt es Soulballaden wie »Am ersten Sonntag nach dem Weltuntergang«, Chansons wie »Bevor ich dich traf«, Folksongs wie »Die Party am Schlesischen Tor«, Pubrockkracher wie »Ein Brot und eine Tüte«, Desert-Rock-Aufschneidereien wie »Stein, Schere, Papier« und vieles mehr. Und dann ist wieder alles anders, wenn bei »Am ersten Sonntag« Jakob Iljas artrockige Kaputtgitarre in den Soloteil sägt, wenn bei »Bevor ich dich traf« die wienerischen Geigen in die letzte Strophe einfräsen, wenn bei »Die Party am Schlesischen Tor« eine psychedelisch krachende Blaskapelle durchs Bild wankt, ständig Dinge passieren, auf die man nicht gefasst sein kann, Richard Pappik die Tempi verschleppt und beschleunigt, wie es gerade sein muss, mit Rhythmen und Klangfarben jongliert und überhaupt sein schmutziges Spiel mit einer Rockmusik spielt, die auf dieser Platte immer wieder neu definiert wird und Sven Regeners knarzige Stimme dazu Poesie verteilt, als werfe er Fleischfetzen auf einen Grill aus alten Ölfässern. Musik und Text, da taumeln sie zusammen in die aufgehende Sonne und stützen sich gegenseitig wie zwei erschöpfte Partygänger nach einer langen Nacht am Schlesischen Tor. Zerzauste Vögel, die von ihren Familien unterstützt werden, der Hendl-Jahn, eine Gratiszigarre beim Kauf eines neues Lebens, wo Stürme, Blitze und Donner nicht Wetter, sondern ein Arsenal gegen gute Laune sind, die Frau vom Supermarkt, Black Friday beim Sterni im Späti... wer bitte bringt sowas in so wunderbar klingenden Texten unter? »Schafe, Monster und Mäuse« ist ein langes, ultrapsychedelisches Album geworden, das längste in der Geschichte der Band. Es ist, als wollten Element Of Crime das Albumformat, für das diese Band von Anfang an wie keine zweite geschaffen war, bis auf das Äußerste ausreizen, vielleicht ein letztes Mal, man weiß nicht, wie es weitergehen wird damit, die Welt verändert sich.

Aber, und das ist das Entscheidende: Die Lieder bleiben.

(Aus der Presseinfo von Element of Crime, geschrieben von Charlotte Goltermann (Berlin, 2018) )

Cats persönliche Reise

Ganze sechs Jahre mussten sich die Fans von Cat Power gedulden. 2018 ist es endlich so weit: Die US-amerikanische Alternative-Country-Künstlerin meldet sich mit ihrem neuen Album »Wanderer« zurück.

Der Nachfolger von »Sun« (2012) ist ihr mittlerweile zehntes Studiowerk.

So viel sei verraten: Das Warten hat sich gelohnt. Cat entpuppt sich einmal mehr als begnadete Songwriterin. Der Albumtitel »Wanderer« ist dabei Programm, denn die elf neuen Songs handeln von ihrer persönlichen Reise und von ihrem Leben »on the road«.

Zudem gibt es auf dem neuen Album ein paar besondere Gäste, darunter Freundin und Sängerin Lana Del Rey, die im Song »Woman« zu hören ist.

Endlich: Cat Power präsentiert ihr sehnsüchtig erwartetes neues Album. Hier ist »Wanderer«.

Mit spärlich instrumentierten, jedoch niemals langweiligen Stücken wie ›In Your Face‹, ›Horizon‹ oder ›Woman‹ (mit Lana Del Ray als Gastsängerin) sind ihr einige der schönsten Songs ihrer bisherigen Karriere gelungen.

(Good Times, Oktober / November 2018)

Es ist das dreizehnte Album des Sängers und Multiinstrumentalisten und seine Rückkehr zum »AOR«.

Es sind nur acht Stücke, diskrete vierzig Minuten und somit perfekt für zwei LP-Seiten, aber jeder einzelne Song des Albums ist ein Klang-Universum. Das Klangspektrum reicht von Soul über Fusion bis Funk und Soft Rock, leidenschaftlich eingespielt und produziert im Estudio Marini, Studio A Casa und Ed Mottas eigenem Dwitza, allesamt in Rio de Janeiro.

Die anderen Musiker auf dem Album geben den ausnahmslos von Ed Motta komponierten, getexteten, arrangierten und produzierten Stücken mit ihren Soli und auch im eng verzahnten Ensemble-Spiel genau die sinnliche Qualität, die er selbst als Zuhörer schätzt.

»Großartige Platte – ein würdiger Nachfolger zu ›Perpetual Gateways‹ (2016).«

(Audio, Oktober 2018)