| Willard Grant Conspiracy: "Untethered" (Loose, Dez. 2018) |
Der Schwanengesang dieser tollen Band, denn Sänger und Songschreiber Robert Fisher verstarb letztes Jahr mit
59 Jahren. Sein Bandkollege David Michael Curry (Bratsche und diverse andere Instrumente) hat die Aufnahmen in den
vergangenen Jahren fertiggestellt, was sicherlich keine leichte Sache gewesen ist. Wunderschöne, traurige Lieder.
Ich vermisse diesen beindruckenden Sänger, den ich mal vor vielen Jahren im Weseler Karo kennenlernen konnte, sehr.
(16.12.2018)
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Nachlass, Testament, lang nachhallendes letztes Lebenszeichen eines beeindruckenden Menschen und wahrhaft großen Geistes, zur finalen Form geführt vom langjährigen Weggefährten und Vielinstrumentalisten David Michael Curry. Neben Curry wirkten noch ungefähr 20 weitere zum Teil wohlbekannte Musiker (darunter auch Pete Sutton, Michael Tarbox, Steve Wynn und Chris Brokaw) an diesem Abschiedsalbum mit („If anyone tells you they played with Willard Grant Conspiracy, they probably did“), und nach einer überfallartigen, kurzen, aber heftigen Anfangsattacke entwickelt sich das Werk aus 14 Fisher/Curry-Co-Compositionen zu der gewohnt wehen Wüstenweite, gewinnt von Song zu Song an epischer Breite, und verbindet sonnige Hoffnungsschimmer mit unendlich berührender Melancholie. Neben Fisher's unverwechselbar sonor-samtrauher, mitunter bewegend brüchiger Stimme ist auch Curry's Gesang zu hören, fiel Zeit und Raum wird auf mitunter herrlich ausufernde, instrumentale Desert-Ausflüge gelegt, bei denen neben fließenden Akustik-Gitarren, Viola und Cello auch Mandoline, Ukulele, ein wenig Tastenwerk und ungebremst verzerrte E-Gitarren-Akkorde wichtige Mitreisende sind. Dem durchweg spürbaren Geist Fisher's, seiner unnachahmlichen Art, Worte unter die Haut zu reiben und der kongenialen Kreativarbeit David Michael Curry's ist es zu verdanken, dass Untethered ein ehrliches, echtes, ewiges WGC-Werk geworden ist, auch wenn es das unwiederbringlich letzte sein wird.
Thank you Robert.
(cpa, Glitterhouse)
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| John Hiatt: "The Eclipse Sessions" (New West, CD: Okt Vinyl: Nov. 2018) |
Ein schönes, neues, unaufgeregtes und etwas altmodisches Album eines meiner liebsten Sänger/Songschreiber der letzten Jahrzehnte,
aufgenommen in kleiner Besetzung und leicht aus der Zeit gefallen. Vielleicht nicht von der Spielklasse des Meisterwerks
"Bring The Family", wie teilweise behauptet wird, aber das muss ja
auch gar nicht sein.
(09.12.2018)
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Eine besondere Session
John Hiatt meldet sich 2018 mit einer neuen Platte zurück. »The Eclipse Sessions« ist das sage und schreibe 22. Studioalbum des US-amerikanischen Gitarristen, Pianisten und Singer-Songwriters, der Nachfolger von »Terms Of My Surrender« aus dem Jahr 2014, das gleich zweimal für einen Grammy nominiert war.
Zwei Singles von »The Eclipse Sessions« veröffentlichte Hiatt bereits: Der Country-Song »Cry To Me« und das bluesige »Over The Hills« zeigen einmal mehr die Vielseitigkeit des Künstlers.
»The Eclipse Sessions« entstand zusammen mit Patrick O’Hearn am Bass und Kenneth Blevins am Schlagzeug. Aufgenommen hat das Trio das neue Album innerhalb von nur vier Tagen im Sommer 2017, und zwar im Heimstudio auf der Farm des befreundeten Musikers Kevin McKendree. Dieser trug auch den einen oder anderen Orgelpart zur Platte bei. Sein 15-jähriger Sohn, Yates McKendree, spielte spontan zusätzliche Gitarrenparts und übernahm außerdem das Engineering. Innerhalb von wenigen Tagen entstanden so 15 Songs, von denen es schließlich elf auf die Platte schafften.
Das Resultat kann sich sehen bzw. hören lassen: »The Eclipse Sessions« von John Hiatt ist das Ergebnis einer besonderen Session mit einem kreativen Genie.
Elf Songs haben es auf das Album ›The Eclipse Sessions‹ geschafft, sehr rooted im Siebziger-Sound, country Funky, folkrockig, kammerblusig, mal frech, mal nachdenklich im Text, eben so, wie man es von einem Barden mit Erfahrung erhofft.
(stereoplay, November 2018)
Musikalisch liefert Hiatt dabei den Sound ab, der ihn erfolgreich gemacht hat, herrlich lässigen Roots Rock, knarzigen Country mit heftiger Bluesschlagseite, staubtrockenen Folk, sprich alles, was zeitlosen Americana ausmacht. Wie gewohnt hat Hiatt alle Songs selbst verfasst ...
(Good Times, Dezember 2018 / Januar 2019)
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| The Wave Pictures: "Look Inside Your Heart" (Moshi Moshi, Nov. 2018) |
Bereits das zweite gute Album innerhalb eines Jahres von diesem ausgezeichneten, englischen Trio. Fleißig & kreativ.
(08.12.2018)
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»Look Inside Your Heart« ist eine warmherzige und fröhliche Platte, die Freundschaft, Glück und trinkfeste Parties zelebriert, live aufgenommen zu sehr später Stunde auf Reel-to-Reel-Tape ohne jegliche Art von Computer, angereichert mit Gelächter und Gequatsche.
Laut Sänger/Gitarrist Dave Tattersall ist das neue Album ein Aufschrei gegen Maschinen, in bester rebellischer Rock'n'Roll-Tradition, ein lebhaftes Werk Außenseiter-Kunst und Meisterwerk des Electric Folk. Auch wenn Maschinen mittlerweile menschliche Weltmeister im Go-Spiel schlagen, sie werden niemals solch fröhliche, spontane, gutgelaunte, poetische, gebrochene und zugleich wilde Musik zustande bringen.
Ein halbes Jahr nach dem außergewöhnlich introvertierten „Brushes With Happiness“ kommt jetzt schon das nächste Album der endlos produktiven Lieblings-Briten. Angekündigt als „Partyalbum“ beginnt es aber erst mal recht ausgeruht. Nämlich mit flüssigen westafrikanischen Gitarren im Stil von Vampire Weekend, wobei der gute Dave Tattersall derartige Styles auch früher schon aufgenommen hatte bekanntlich ist der Mann ein verkanntes Gitarren-Genie, für mich einer der allergrößten seines Fachs. Was fällt sonst auf: der Sound ist angenehm unfertig (mit reichlich Gelächter live im Studio aufgenommen), was dem unprätentiösen Pubrock der Band durchaus entgegen kommt. Geblieben sind das obligatorische Gitarrensolo in jedem Song, was dennoch nie angeberisch klingt. Die Typen sind das Gegenteil von Rock'n'Roll können es aber dennoch auch richtig krachen lassen. Es dominiert aber ein entspannter Midtempo-Groove, stilistisch ohne größere Ausreißer. Mal mit Girl-Background (Holly Holden), auch mal wieder im stoischen CCR-Groove. Oder luftig und folky mit Harmonica und Mandoline. Und sogar E-Piano, das ist tatsächlich neu. Altmodischer, pubtauglicher Bluesrock prägt ansonsten das Bild bierkompatibel, ein bisschen wie die Sofa-Version von Dr. Feelgood. Tattersall fügt der Ahnenreihe seiner persönlichen Helden diesmal übrigens Grateful Dead, Roosevelt Sykes und John Fahey hinzu. Das mit dem Partyalbum war also gelogen die Wave Pictures sind dennoch auch nach zwanzig Jahren so gut wie immer.
(Joe Whirlypop, Glitterhouse)
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| Thomas Dybdahl: "All These Things" (V2/Ferryhouse, Okt. 2018) |
Ich kannte den norwegischen Sänger, Gitarristen und Songschreiber zwar schon eine ganze Weile, aber
dies ist tatsächlich meine erste offizielle Anschaffung von ihm, an die ich nach kurzem Testhören im Netz
mit einer eher mittelprächtiger Erwartungshaltung herangegangen bin. Jetzt höre ich es - und finde es nicht nur einfach
GANZ GUT, sondern sogar RICHTIG GUT - womit ich
ehrlicherweise nicht gerechnet hatte! Tolle Songs, tolle Stimmen und tolle Musiker gibt es zu hören. Aufgenommen wurde
das Album von Larry Klein in L.A., beteiligt sind ein paar legendäre L.A.-Studiocracks, z.B. die Drummer
James Gadson und Brian McLeod und die Gitarristen Dean Parks und David Baerwald.
McLeod und Baerwald waren auch vor vielen Jahren mal musizierende und mitkomponierende Mitglieder von Sheryl Crows
Tuesday Night Music Club.
(01.12.2018)
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Spaß an der Sache
Der Norweger und ehemalige Quadraphonics-Gitarrist Thomas Dybdahl geht 2018 mit einem neuen Album an den Start, seinem mittlerweile achten Solowerk.
»All These Things« heißt die Platte, die nur ein Jahr nach »The Great Plains« erscheint.
Dafür arbeitete Dybdahl wie schon beim Vorgänger mit Produzent und Grammy-Gewinner Larry King (Joni Mitchell, Herbie Hancock, Tracy Chapman) zusammen.
Gemeinsam stellten sie kurzfristige eine hochkarätige Band zusammen, mit James Gadson und Brian MacLeod am Schlagzeug, Dean Parks und David Baerwald an der Gitarre, Patrick Warren an den Keys und Dan Lutz am Bass.
Innerhalb von nur wenigen Sessions hatten sie »All These Things« im Kasten. Das Ergebnis klingt im Gegensatz zum Vorgänger roher. Der Fokus scheint mehr auf der Musik selbst als auf Sound und Produktion zu liegen. Und deshalb hört man diesem Album auch den Spaß an, den die Musiker beim Songwriting und den Aufnahmen hatten.
Wer sich selbst davon überzeugen möchte, kann Thomas Dybdahls »All These Things« jetzt ganz einfach bestellen.
All These Things marks the third collaboration between Norwegian singer/songwriter Thomas Dybdahl and producer Larry Klein. On 2011's Songs, they hit Norway's pop charts (where Dybdahl is a bona fide star). Their 2013 effort, What's Left Is Forever, netted the singer a Grammy nomination. The pair's partnership has inspired mutual trust, vulnerability, and abundant respect. When they decided to work together again, Klein invited Dybdahl to Los Angeles to work at the famed Sunset Sound with a truly enviable cast including drummers James Gadson and Brian MacLeod, guitarists Dean Parks and David Baerwald, bassist Dan Lutz, keyboardist Patrick Warren, vocalist Lera Lynn, and a string quartet. Tchad Blake mixed the date. These nine songs were written exclusively for this recording; it was cut live from the floor in just three days.
The music is quintessential Los Angeles. Its sound exists at the crossroads where David Crosby's If I Could Only Remember My Name and Tim Buckley's Blue Afternoon meet. As evidenced by the downbeat opening title track, the vibe is loose and sultry; bluesy electric guitars, a shuffling nocturnal beat, slippery dub effects, celeste, and organ wind snake-like around Dybdahl's bedroom vocals. The lyrics feel immediate, as if being created in the moment they are sung. Near the end, the guitars claim the center, ratcheting up the intensity just behind the drums and B-3 before it all fades. In "Can I Have It All," Dybdahl asks the existential question as a byproduct of desire; pedal steel and layered acoustic guitars hover and float above silky synths all propelled by a clipped snare. When he sings "In the distance there's a rumble can you feel it?/ Is anybody out there?," the ache is not only palpable, it's pervasive. Let's put it this way: Ned Doheny would give his right arm to have composed this. "The Longest Night" is, in essence, a blue-eyed soul tune, with hovering pedal steel guitar adding a gauzy, dreamy quality to a song drenched in regret under the city's lights. Warren's lithe, jazzy piano break creates an interlude where the night and the singer's voice become one and the same. Lynn duets with Dybdahl on "When I Go," an impure country love song so vulnerable that its singers cannot help but reveal their nascent flaws to one another. In "Rescue Me," Dybdahl takes in the decadence and desperation surrounding him and allows the shuffling drum kit, acoustic steel, and electric guitar to guide him into the pit of the devastating loneliness at the heart's core. His plea for deliverance is sincere; he has been thoroughly beaten. That feeling is underscored on the closer, the sparse, piano-driven "Stupid Heart," which recalls Elvis Costello at his nighttime best. As a rule, Dybdahl doesn't write trite songs. Teamed with Klein and these players on All These Things, his material approaches the sublime.
(by Thom Yurek, All Music Guide)
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| Click Click Decker: "Am Arsch Der Kleinen Aufmerksamkeiten" (Audiolith, Nov. 2018) |
Das Hamburger Duo um den Sänger/Songschreiber Kevin Hamann und den ex-Missouri
-Steelgitarristen und Multiinstrumentalisten Oliver Stangl ist durch einen Drummer zum Trio angewachsen und hat
nach vier Jahren wieder mal ein tolles Album aufgenommen!
(29.11.2018)
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Umso schöner
Kaum zu glauben, aber wahr: Vier Jahre sind seit »Ich glaub Dir gar nichts und irgendwie doch alles« ins Land gegangen. Umso schöner ist es, dass sich ClickClickDecker 2018 endlich mit einem neuen Album zurückmelden.
»Am Arsch der kleinen Aufmerksamkeiten« heißt der sechste Longplayer, an dem neben Kevin Hamann und Oliver Stangl auch Sebastian Cleemann mitwirkte, der für ClickClickDecker schon mehrfach live am Schlagzeug saß.
Insgesamt warten 13 Tracks auf der Platte. Mit dem Song »Mandelika« gab es bereits den ersten Vorgeschmack auf »Am Arsch der kleinen Aufmerksamkeiten«.
Und der verspricht ein facettenreiches, mal lautes und mal leises, kluges und detailverliebtes neues Album.
Alltagswunderreiche, samtdrastische, sinnerhellende Wort- und Satz-Schätze, in zwei Jahren in dreieiniger Einigkeit in schwelgerisch-schwingende Klanggewänder gekleidet, denen man die Liebe, Mühe und Aufmerksamkeit der Entstehungszeit aufs Angenehmste anspürt. Mühelos und gefühlvoll die ganze Bandbreite der Pop-Palette zwischen Gitarren-basiertem Singer-Singwriter-Folk und herzerfrischendem, mit unter heftigem, immer aber hymnisch harmoniereichem Independent-Rock abschreitend, nutzend, ausfüllend, schenkt uns Kevin Hamman im trauten Trio mit seinen Langzeitweg-Begleitern Oliver Stangl und Sebastian Cleemann eine aufs delikateste dargereichte, artistisch ausgereifte, vor instrumentalen Ideen schier schillernde Song-Kollektion im weiten, weiten, wortgewandten Wohlklangfeld zwischen Koppruch und Knyphausen, dabei aber neben allerlei Saitengeflecht auch die musikalischen Möglichkeiten der tastengesteuerten Elektronik aufs Genussvollste einsetzend. Mit sanft-samtener Stimme werden auch die drastischsten Alltag-Grauschleier gelüftet und im reizvollen Schön-Schall-Kontrast in Ohren, Hirn und Herz geschmeichelt, dass das sinnenwärmende Seelen-Lächeln zum willkommenen Dauerzustand wird. Den allgegenwärtigen Alltag zur kreativen Kostbarkeit erhoben und in ein bereicherndes, belebendes Wohlklangbad getaucht. Herrlich, himmlisch, schön.
(cpa, Glitterhouse)
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| Brokof: "Fore!" (Goldrausch, Okt. 2018) |
Ein klasse Band aus Berlin mit sehr guten, neuem Album. Beim letzten mal ("Cool Fame"
von 2016) hatte ich noch gemeckert, dass es kein Vinyl, sondern nur eine schnöde CD gab. Jetzt habe die Jungs
nur eine Schallplatte herausgebracht und verzichten auf den Silberling. Das ist wahrscheinlich nicht gut für Verkaufszahlen,
aber doch eine gute Entscheidung. Für eine schöne und wilde Platte, die beim Hören wächst. Ich bin schon sehr
gspannt auf den Gig im kommenden Februar.
(12.11.2018)
Konzerthighlight: Jugendzentrum Karo, Wesel, 18.02.2019
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Die Berliner Band Brokof beschreitet mit ihrem vierten Album Fore! neue Wege. Musikalisch geht es raus aus der Folk- und Country-Scheune. Vieles ist experimenteller, psychedelischer geraten. Unter den 10 Tracks findet sich mit »A Ride« und »Turn Me On« typischer Brokof-Krawall neben dem epischen Krautrocker »Camouflage«, oder auch lupenreine Popsongs, wie »Part of the New Age.
Unbedingt erwähnt werden sollen hier auch die extrem lässige Stadtflucht-Hymne ›Cabin‹ und das herzerweichende Rufen des Protagonisten in »Calling«. Brokof gelingt es mit Fore!, jegliche Kategorisierung hinter sich zu lassen, ohne die Dringlichkeit zu verlieren, die diese Band schon immer ausmacht.
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