... ein Afro-World-Jazz-Album voller Energie und Wertschätzung zweier Koryphäen füreinander.

(Audio, Juni 2020)

Es ist ein großartiges Album. Die beiden liefern ein ungeheuer zündendes Zusammenspiel. Allen lässt sein gut geöltes, grooviges Spiel hören, das zeitlebens nicht nur Cream-Drummer Ginger Baker begeisterte. (...) Die größtenteils instrumentalen Stücke changieren zwischen tanzbarem Jazz und Afrobeat. Ein panafrikanisches Gipfeltreffen – endlich in die Welt gesetzt!

(Good Times, April / Mai 2020)

Tony Allen & Hugh Masekela will release their very special collaborative new album »Rejoice« through World Circuit. The record will be the first posthumous release from Masekela, who passed away in 2018.

Having first met in the 70s thanks to their respective close associations with Fela Kuti, Allen, the Nigerian master drummer widely hailed as the co-founder of Afrobeat (and long-time member of alt-rock supergroup The Good The Bad & The Queen), and Masekela, South Africa’s legendary trumpet player, talked for decades about making an album together. When, in 2010, their touring schedules coincided in the UK, the moment presented itself and producer Nick Gold took the opportunity to record their encounter. The unfinished sessions, consisting of all original compositions by the pair, lay in archive until after Masekela passed away in 2018. With renewed resolution, Tony Allen and Nick Gold, with the blessing and participation of Hugh’s estate, unearthed the original tapes and finished recording the album in summer 2019 at the same London studio where the original sessions had taken place. Allen and Masekela are accompanied on the record by a new generation of well-respected jazz musicians including Tom Herbert (Acoustic Ladyland / The Invisible), Joe Armon-Jones (Ezra Collective), Mutale Chashi (Kokoroko) and Steve Williamson.

»Rejoice« can be seen as the long overdue confluence of two mighty African musical rivers – a union of two free-flowing souls for whom borders, whether physical or stylistic, are things to pass through or ignore completely. According to Allen, the album deals in »a kind of South African-Nigerian swing-jazz stew« – a description borne out by even a cursory earful of the parallel harmony horn hook and loping drums of »Agbada Bougou«, the propulsive percussive swing and brass chatter of »Coconut Jam« or the skittering snare drums of »Obama Shuffle Blues«.

As well as blowing exquisite flugelhorn, Masekela was also inspired to overdub some spontaneous vocals on a trio of numbers, either deploying colloquial Zulu, as on the seductively loose-limbed opening track, »Robbers, Thugs and Muggers«, with its earworm chant of »O Galajani« – township slang for any such collective of rogues – or, as on the appropriately jazz-meets-Afrobeat-hued tribute to Fela Kuti »Never (Lagos Never Gonna Be The Same)«, in English.

»The feeling was really good«, Allen recalls of those initial sessions. »All of us were thinking we were going to follow it up with overdubs of percussion, keyboards, voices and so on. It was an exciting idea.« Unfortunately, diarising those studio dates would prove problematic, even though Masekela and Allen would regularly bump into one another on the European festival circuit. »Every time we met he would ask me, ›What’s happening with this project‹? I had to say, ›I don’t know!‹ Eventually I asked Nick if I could hear the tapes, and that started the project back up again. Unfortunately, Hugh passed away soon after.«

Allen pronounces himself very happy with the finished album and remains phlegmatic about its protracted gestation. »Ten years is a long time from beginning to end of [making] an album, but my own philosophy is that everything eventually appears at the right time, for a reason…«

In addition to his unique drumming style, Allen also contributes a hushed but celebratory, semi-spoken commentary to the first single, »We’ve Landed«. »The song is dedicated to today’s youth«, explains Tony, »the lyric addresses people at seventeen, eighteen, nineteen years old, who are slowly becoming more mature, finding out who they are and realising that it’s their generation’s turn to wake up!«

Der Chicagoer Songschreiber und Gitarrist James Elkington, der bereits mit Größen von Richard Thompson über Jeff Tweedy bis hin zu Tortoise zusammengearbeitet hat, hat in Wilcos Loft sein zweites Album »Ever-Roving Eye« aufgenommen. Es folgt auf sein gefeiertes Debüt »Wintres Woma« aus dem Jahr 2017 sowie seinen jüngsten Produktions- und Arrangement-Arbeiten für Künstler wie Steve Gunn, Nap Eyes und Joan Shelley.

Die neuen Lieder werfen sowohl einen Blick zurück auf britische Folk-Traditionen aber blicken auch auf avantgardistische Horizonte. Die Songs sind ebenso zugänglich wie geheimnisvoll. Elkingtons energisches Gitarrenspiel und seine Bariton-Poesie wird begleitet von einem Arrangement aus Streichern und Holzbläsern sowie dem Backing-Gesang von Tamara Lindeman (The Weather Station).

Auch wenn der Albumtitel »Ever-Roving Eye« (zu Deutsch: »das immer umherziehende Auge«) klingt wie aus einer düsteren Ballade, bezieht er sich mehr auf die ständige Suche nach der eigenen Befriedigung sowie die eigenen Tugenden und Laster. Während die erste Platte eher in der klanglichen Tradition der interessanten englischen Folk-Revivalisten der 1970er Jahre angesiedelt war, beschäftigt sich »Ever-Roving Eye« mit einem breiteren musikalischen Feld, wobei es die Klänge britischer Library Music, Horrorfilm-Soundtracks, Psychedelia und rockige Elemente des Folk-Rock einbringt.

Das Ergebnis ist eine Platte, die noch ausgefeilter, scharfsinniger und nachdenklicher ist als ihr Vorgänger.

Es ist 20 Jahre her seit »I Am Shelby Lynne«, das Album, das ihr einen Best New Artist Grammy einbrachte. Zum neuen Album wurde »I Am« entfernt und trifft nun direkt das Herz der Singer-Songwriterin.

Dies ist ein Album mit meist solistischen, sparsamen, aber emotional reichen, originellen Torch Songs, die auf die einzige Weise gemacht wurden, die dieser eigenwillige Künstler kennt - gleichzeitig gequält und verletzlich, mit offengelegten intimen Gefühlen, aber letztendlich mit der Hoffnung, dass es ein Licht in der Dunkelheit gibt. In Erinnerung auf ihr 2008er Dusty-Springfield-Tribut Just a Little Lovin', das sie zusammen mit dem verstorbenen Grammy-Gewinner Phil Ramone in denselben Capitol Studios aufgenommen hat, in denen das neue Album abgemischt wurde, ist die gefühlvolle Shelby Lynne ihr bisher persönlichstes, autobiografisches Statement über die doppelte Push-Pull-Natur der Liebe: gleichzeitig nah genug, um sie zu berühren, aber auch ein frustrierender Plagegeist, der sowohl verführen als auch aufgeben kann.

Um alles ganz direkt zu halten, spielte die Ausnahmesängerin auch fast alles (Gitarre, Keyboard, Bass, Drums, Saxofon) selbst ein und verzichtete auf Studiobeschönigungen. Echtheit ist Trumpf!

(Stereo, Juni 2020)

Though she last released a record of her own with 2015's celebrated I Can't Imagine, singer/songwriter Shelby Lynne kept busy. She cut the sublime covers set Not Dark Yet with sister Allison Moorer. She also worked with producer, director, and screenwriter Cynthia Mort on an as-yet-unreleased film entitled When We Kill the Creators. Lynne stars as a world-weary singer trying to navigate the choices between commercial success and her own creativity. This self-titled album evolved out of that project. Half its lyrics were penned by Mort, and Lynne plays most of the instruments herself: guitar, bass, drums, synth, even a rudimentary saxophone on "My Mind's Riot." She did enlist help a handful of pianists including Mimi Freidman, Benmont Tench, Ed Roth, and Billy Mitchell on various tracks.

Despite the homegrown, intimate quality of the record, it's quite disciplined. As a songwriter, Lynne's knowledge and authoritative use of classic L.A. pop, sophisticated soul, the jazz song tradition, rhythm & blues, and roots rock, are formidable. "Strange Things" is a nocturnal, suffocatingly intimate jazzy blues with searing lyrics by Mort: "The clumsiness of it/The fumbling, crashing, fuck of it/The bandaged mess/The worn, torn angel scars … Love keeps us crawling…." But Lynne reaffirms love and commitment in "I Got You," the very next song. Here, Dusty Springfield's influence is evident. Her rhythmic, slipstream phrasing hovers elegantly in and around Tench's Wurlitzer. It addresses her beloved with unflinching commitment and desire. "Love Is Coming," co-written with Mort, is almost uncomfortably vulnerable with its "Walk on the Wild Side" bassline, lilting guitars, and piano. This is a Shelby Lynne we have heard from only selectively. The back-to-back "Weather" and "Revolving Broken Heart" are confessional songs about being bereft and left in the zero by a now absent lover, with graceful, glacial tempos and minimal arrangements, Lynne's voice offers painful truths. First single "Don’t Believe in Love" cut with her road band, offers a breathless, heartbreaking lyric penned by Mort atop a swinging, gentle pop rocker that hearkens back to Lynne's widely acclaimed I Am Shelby Lynne. On "Here I Am," her only accompaniment is Mitchell's piano. It's a slow, declamatory anthem with gospel overtones. Mort's poetic lyric is right at home in Lynne's mouth pouring out like cool, clear water. She imbues it with a meaning understood by anyone who has loved unselfishly. This is the album Lynne's hinted at for a decade. It's life-affirming in expressing romantic obsession and doubt, loneliness and fear, desire and steely commitment. Lynne's protagonists are stark naked in voicing their wounds and wants, whether they be emotional, spiritual, and/or physical. Shelby Lynne is a profound meditation on amorous complexity and cost; it's arguably the most powerful record in the songwriter's catalog.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Comeback mit einem orchestralen Ausrufezeichen!

Other Lives aus Oklahoma setzen mit »For Their Love« ein riesengroßes orchestrales Ausrufezeichen. Das US-Folk- Rock-Trio, das sich 2011 weltweit in die Herzen ihrer Fans spielte, liefert mit dem ersten Studioalbum seit fünf Jahren ihr bisher ehrfürchtigstes, intimstes und weltumarmendstes Werk ab, versehen mit einer tiefgründigen poetischen Ader, die sich Individuum und Gesellschaft in diesen turbulenten Zeiten gleichsam widmet.

»For Their Love« wurde zurückgezogen im Haus eines Freundes von Other Lives kreativen Kopf und Frontmann Jesse Tabish aufgenommen und von der Band selbst produziert. Das Album trägt die direkte und intime Atmosphäre der Albumaufnahmen ungefiltert an den Hörer heran und vermittelt damit eine gewisse Rohheit auf der einen Seite, gleichzeitig aber auch eine tiefgreifende Melancholie.

Die zehn Album-Stücke klingen wuchtig und dicht wie selten in der bisherigen Vita der Band - eine orchestrale Instrumentierung, mitreißende Spannungsbögen, liebliche Melodien und die choralen Backing Vocals von Kim Tabish & Josh Onstott ziehen die Hörer mitten hinein in das cineastisch anmutende Geschehen.

Der Fusion-Spezialist ist zurück Jazz, Hip Hop, Funk, Soul, Electronica – Thundercat konnte man noch nie auf ein einziges Genre reduzieren. Stattdessen holt der Fusion-Spezialist aus allen Stilen das Beste heraus. So, wie auf seinem neuen, mittlerweile vierten Album »It Is What It Is«.

Drei Jahre haben Fans auf den Nachfolger von »Drunk« gewartet.

Mit der Single »Black Qualls« präsentierte der Bassist, Producer und Grammy-Gewinner bereits einen Vorgeschmack auf die Platte, einen Kollabo-Track mit Gitarrist Steve Lacy von The Internet und Sänger Steve Arrington.

Und auch die übrige Gästeliste von »It Is What It Is« kann sich sehen beziehungsweise hören lassen: Childish Gambino, Ty Dolla $ign, Flying Lotus, BadBadNotGood, Lil’ B und Kamasi Washington sind diesmal mit von der Partie. Unterstützung bei der Produktion gab es von Louis Cole, Sounwave und Mono/Poly.

Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit nennt Thundercat selbst ein Album über Liebe, Verlust, Leben und den damit einhergehenden Höhen und Tiefen.

»It Is What It Is« – Thundercats neues Album ist, was es ist: eine Songsammlung mit enormer Bandbreite, und zwar was die Themen, die Gäste und vor allem die Musik betrifft.

Dave Alvin, Victor Krummenacher (Cracker, Camper Van Beethoven), Michael Jerome (Toadies, Better Than Ezra) und David Immerglück (Counting Crows, Camper Van Beethoven) bilden den harten Kern dieser Formation. Erfahrene Musiker haben sich zusammengetan, um eine Reise in die Zeit des Psychedelic Folk/Rock Zeit des späten 60er und frühen 70er Jahre zu unternehmen. Sie spielen ihre eigenen Varianten von Songs, die durch Alice Coltrane, 13th Floor Elevators, Fred Neil und andere bekannt wurden, sowie einen Original Song, »Claudia Cardinale«.

As a musician who has passionately advocated for American roots music since the Blasters released their first album in 1980, Dave Alvin is widely regarded as a traditionalist, which is not as accurate as it would seem at first glance. Alvin grew up on free jazz, psychedelia, and hard rock along with the blues, rockabilly, country, and jump jazz sounds that inform his best-known work, and his project the Third Mind is a step outside his usual boundaries that lets him explore ideas he hasn't approached in the past. Alvin was inspired by reading a book on Miles Davis that outlined his methods for composing and recording several of his major fusion albums of the '70s: Miles would call out a key, set a tempo, and he and his band would improvise at length. After the fact, he and his producer would edit the long jams into a more practical shape. Alvin assembled a set of versatile players to try something similar -- David Immerglück on guitar and keyboards, Victor Krummenacher on bass, Michael Jerome on drums, and Jesse Sykes on guitar and vocals -- though for most of the Third Mind's debut album, they gave themselves a safety net that Miles didn't. Except for one original piece, "Claudia Cardinale," Alvin and his accompanists play covers, which gives them some sort of road map to follow, but otherwise the band dove into these songs without prior rehearsal, letting the feel of the moment dictate the arrangements. If anyone was expecting that this would be the album where Alvin would remake himself into an avant-garde noise artist, they get shut down pretty quickly; however, while it's not hard to recognize the rudiments of his guitar style in these jams, he does take the opportunity to stretch out and explore the space around him in a way that's fresh and challenging. There's a folky simplicity in these versions of Fred Neil's "Dolphins" and Tim Rose's "Morning Dew," but they don't sound simple or unimaginative, and when the group dig deeper into Alice Coltrane's "Journey in Satchidananda" and the Paul Butterfield Blues Band's "East/West," the communication between the players is smart and exciting. (Whether you actually need three different versions of "East/West," the shortest of which is 14 minutes, is an open question, but each one here is honestly engaging.) Alvin's roots in the blues certainly play a big role in The Third Mind, but so does hard rock, psychedelia, jazz, and improvisational music, and this context -- essentially a jam band without audibly hippie-like tendencies -- shows that his willingness to take a risk pays off handsomely.

(by Mark Deming, All Music Guide)

On their final LP for Janus Records, Cymande continues the heavy message theme of Second Time Round. "Pon de Dungle" is about the secrets of life and love articulated over a lazy beat. "Equatorial Forest" is a multifaceted tune with a lightning tempo and sliding, accentuating horns, while the Curtis Mayfield-ish "Brothers on the Slide" has some commercial appeal. The flavorful "Changes" is like viewing a good oil painting; the slow, moody instrumental has a meditating effect, and a soft, airy flute makes for an inconspicuous lead instrument. "Promised Heights," the title cut, is strong, and should have done better for Cymande. It has the lilt and beauty of earlier sides, the horn work is sensational, and a nice sax solo scintillates. That same looping reggae beat is matched with meaningful lyrics and a positive, working-together theme on "Losing Ground." "The Recluse" has a great hook ("When will all the lights go, will they leave the blackest night") and features a nice romping beat spiced by sweeping horns. Cymande is a perfect example of music's universal appeal; despite not knowing 70-percent of what they're saying, you're still drawn into the sounds.

(by Andrew Hamilton, All Music Guide)

Weitergedacht

Nach »The Horizon Just Laughed« und »In The Shape Of A Storm« präsentiert Damien Jurado 2020 bereits das dritte Album innerhalb von drei Jahren.

»What’s New, Tomboy?« heißt die Platte, die zeigt, dass der US-amerikanische Singer-Songwriter sich und seine Musik stetig weiterdenkt.

Denn, während der Vorgänger weitestgehend auf Reduktion und Intimität setzte, klingt das neue Album deutlich voller, offener und stellt Stimme und Rhythmusgruppe in den Vordergrund. Das wird schon in der ersten Single, »Birds Tricked Into The Trees«, sehr deutlich.

Insgesamt hat Jurado zehn neue Songs für »What’s New, Tomboy?« geschrieben und im Sonikwire Studio aufgenommen. Um die Produktion kümmerte sich der Musiker selbst. Das Mastering übernahm Greg Calbi im Sterling Sound.

Das Ergebnis ist ein großartiges Album zwischen Folk, Americana und Country: »What’s New, Tomboy?« von Damien Jurado.