»Hallo. Wie geht es dir? Ich wünsche dir Frieden, Gesundheit und Glück«, sagt eine Frau auf kantonesisch. Dann kommt die Bassdrum rein, ein Uhuhu-Chor, ein Kinderspielzeug, das Schlagzeug. Es folgen 50 Minuten wie ein Episodenfilm.

Jeder Musiker mit einer neuen Platte im Gepäck sagt: »Sowas wollte ich schon immer machen!« Die meisten lügen, aber niemand so schön wie Die Höchste Eisenbahn. »Ich glaub dir alles« ist das wahrscheinlich beste Die-Höchste-Eisenbahn-Album aller Zeiten, obwohl es mit Superlativen nichts am Hut hat.

Im Gegensatz zu den ersten beiden selbstproduzierten Platten holten sich die Berliner Musiker diesmal mit Moses Schneider (u.a. AnnenMayKantereit, Tocotronic, Dendemann) einen Produzenten ins Studio und zum ersten Mal klingt ein Eisenbahn-Album so energetisch, frisch und unverkleidet als stünde man live mit ihnen auf der Bühne. Zwischen Max Schröder, Moritz Krämer, Francesco Wilking und Felix Weigt, sieht ihnen beim Spielen zu, wie Moritz und Francesco, mit Ping-Pong-Gesang wie beim Rap-Battle oder Simon&Garfunkelmäßig verschmolzen, Geschichten aufschichten, bis sich gegen Ende der Platte eine Erzählung herausschält, die man auf eine goldene Schallplatte pressen und ins Weltall schießen möchte.

»Ich glaub dir alles« heißt auch »du beeindruckst mich am meisten, wenn du‘s nicht versuchst.« Es gibt Lieder wie Steckenbleiben im Luxushotel-Aufzug (»Enttäuscht«), Nachtflüge über die Wüste (»Überall«), von beleidigten Idioten gesungene Knallbonbons (»Louise«), über Fabrikarbeiter ohne Fabrik (»Job«). Pop mit den schönsten Melodien – melancholisch, beschwingt und leicht besoffen auf dem Festival.

»Wir haben die Musik zusammen im Wendland erspielt, eine Woche lang, im Ferienhaus eines Bekannten. Francesco und ich saßen danach noch ein Jahr bei mir im Wohnzimmer und lasen uns gegenseitig Strophen vor«, sagt Moritz Krämer. »Jetzt weiß ich nicht mehr, wer was geschrieben hat«, sagt Francesco Wilking. »Die Platte hat unsere Identität aufgegessen und einen bunten Chief daraus gemacht.«

Dieser Chief, ein tanzender, grüßender Mensch/Tier/Geist, den der ghanaische Künstler Ataa Oko gezeichnet hat, ziert das Cover. Er schielt ein bisschen und weiß nicht ob er einen Clownshut oder eine Krone trägt. Er ist zappelig wie die Musik der Platte und genau wie sie redet er manchmal zuviel. Er sagt, dass alles hier aufregend und neu ist, dass wir Angst haben, uns bekleiden, entkleiden, enttäuscht werden, Ballon fahren, landen und dann langweilen und dass nichts umsonst gewesen sein wird, wenn wir uns glauben.

Wir jedenfalls glauben euch und verabschieden uns mit der indonesischen Grußbotschaft der Voyager Golden Record: »Gute Nacht, meine Damen und Herren. Auf Wiedersehen und bis zum nächsten Mal.«

Das dritte Vollwerk des Gipfeltreffens des guten Geschmacks setzt den gepflegten Pfad des gehoben-eleganten, luftig-beschwingenden Pop nahtlos fort, nahezu mühe-, aber definitiv schwerelos wird hier drei Ebenen tief – verbal, vokal, instrumental – in der ganz großen Phantasietruhe gewühlt und ein unwiderstehlich eingängiges Schall-Bonbon nach dem anderen zur Zufriedenheit des selig lächelnden Lauschers kredenzt. Das OBS-Bühnen-bewährte Quartett mit der vor beeindruckenden Namen strotzenden Vor- und Nebengeschichte (Tele, Der Hund Marie, Nils Koppruch, Gisbert zu Knyphausen) hat sich längst unter dem eigenen guten Namen zusammengefunden, um irgendwo im goldenen Dreieck zwischen Element Of Crime, Virginia Jetzt! und Tilman Rossmy seinen ganz eigenen, melodieverliebten und mitunter herrlich tanztreibenden Wohlklang zu feiern, mit leichtfüßigem Schrammel-Charme dargereicht, mit gut gestreuten Prisen von Reiser, Beatles, Smiths, 80s Wave und einem Hauch Prog-Rock gewürzt, vielerlei farbensprühendem Tastenwerk und selig singenden Gitarren ausgestattet und von zwei- und dreistimmigem Harmoniegesang final gekrönt. Unwiderstehlich liebenswertes, vor praller Phantasie sprühendes, von feinstem Instrumentalhandwerk getragenes, mit betörenden Melodien gesegnetes sauberes Song-Dutzend für den anspruchsvollen Pop-Gourmet.

(cpa, Glitterhouse)

Brazil-Legende Marcos Valle feiert seit Mitte der 1990er auf Far Out Recordings seinen zweiten, musikalischen Frühling und präsentiert mit »Sempre« sein brandneues Album, aufgenommen mit erstklassigen Musikern wie Alex Malheiros (Azymuth), Trompeter Jesse Sadoc und Percussion-Meister Armando Marcel.

»Sempre« bietet brasilianische Feel-Good/Party-Musik zwischen Disco-Exstase, Cosmic-Samba und Late-Night-Jazz-Funk und erinnert an Valles erfolgreiche Spät-1970er/Früh-1980er Phase.

As Mega Bog, songwriter/multi-instrumentalist Erin Birgy evolved over the course of multiple strong records, with changes in style and energy seeming to come from within more than in response to outside forces. Her work grew from smoky Pacific Northwestern indie to tense zigzags of sax and synth, the songwriter's raw moods and powerful reflections sitting in the center of whatever shape her music took. On fifth album Dolphine, Birgy delivers her strongest and clearest collection of songs to date. Aided by longtime friends from Iji, Hand Habits, and Big Thief, Birgy's always-dense arrangements feel more deliberate and uncluttered than even on 2017's relatively straightforward Happy Together. Clean production highlights the quick swings in style from one track to another. Album opener "For the Old World" finds Birgy's vaporous vocals haunting a rhythm Stereolab might have devised during a particularly heavy phase of obsession with the Free Design, sounding both bubbly and horrifying at any given second. This already multicolored approach melts into the springy bounce of "Left Door," a tune that recalls Joni Mitchell's most playful work with twisting, light jazz melodies that break into jaunty pop. Elsewhere on Dolphine, the title track opens with a web of cosmic synth arpeggios that usher in layers of vocal harmonies that eventually blur into aquatic delay. Bright folk abruptly dead-ends into horn sections, hooky piano, wobbling synths, and raw lyrics both political and personal. Birgy's command over both her arrangements and Dolphine's emotional flow meet with some of her best songs, making the album her strongest statement in a history of exceptional work.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Mit den ambitioniertesten und melodisch anspruchsvollsten Kompositionen der Band seit ihrem außergewöhnlichen Debütalbum Cottonwoodhill!

Joel Vandroogenbroeck brachte eine außergewöhnlich talentierte Gruppe von Musikern zusammen, um seine Vision zum Leben zu erwecken, darunter UK Subs Gitarrist Nicky Garratt, Jürgen Engler von Die Kurpps, Jason Willer & Kephera Moon von Nik Turners Band und andere!

Herausragend

»Atlanta Millionaires Club« heißt das neue Album von Faye Webster.

Die 21-jährige Songwriterin und Fotografin aus Atlanta zeigt 2019 einmal mehr, warum sie zu den spannendsten Künstlerinnen ihres Genres gehört.

»Atlanta Millionaires Club« kommt zwei Jahre nach ihrem nach sich selbst benannten Album »Faye Webster«.

Zehn sehr persönliche Songs hat sie dafür aufgenommen, und zwar mit Co-Produzent Drew Vandenberg bei Chase Park Transduction in Athens, Georgia.

Unter dem Deckmantel des Alternative-Folk werden auf »Atlanta Millionaires Club« noch manch andere Einflüsse hörbar, darunter Country, aber auch Hip-Hop und R’n’B. Ein allgegenwärtiges Klangelement ist auf dem neuen Album zudem die Pedal-Steel-Gitarre, die für einen einmalig relaxten Sound mit hawaiianischem Touch sorgt.

Wie das genau klingt, verriet Webster bereits mit den ersten beiden Singles »Kingston« und »Room Temperature«.

Faye Websters neues Album ragt aus dem Meer der Singer-Songwriter- und Folk-Veröffentlichungen heraus. Wer sich selbst davon überzeugen will, kann »Atlanta Millionaires Club« jetzt einfach online bestellen.

Gothic-Folk-Kunstwerk Aldous Harding ist zurück. Mit »Designer« präsentiert die neuseeländische Singer-Songwriterin 2019 einen weiteren Höhepunkt ihres Genres, das sie selbst als »Gothic Folk« bezeichnet.

»Designer« ist das dritte Studioalbum Hardings, der Nachfolger von »Party« aus 2017, das in ihrer Heimat Neuseeland bis auf Platz sechs der Charts kletterte.

Neun Songs hat sie dafür geschrieben und in Bristol, England sowie in den Rockfield Studios in Monmouth, Wales aufgenommen. Hinter den Reglern saß dort zum wiederholten Mal Produzent John Parish (PJ Harvey, Sparklehorse).

Mit ihrer Single »The Barrel« gab Aldous Harding bereits einen ersten Vorgeschmack auf ihr neues Album.

Und die zeigt, was die Hörer auf »Designer« erwartet: poetische, düster-melancholische Betrachtungen von Leben und Tod, Liebe und Leid, gepaart mit einer fesselnden Stimme und Indie-Folk-Klängen. Ein einmaliges Kunstwerk.

The New Zealand singer/songwriter's third studio effort, and her second time working with producer and frequent PJ Harvey collaborator John Parish, Designer eschews the post-last call darkness of 2017's Party for something a bit sunnier, though no less peculiar. Aldous Harding remains an enigma; she's an elusive but captivating presence who can invoke both a nervous giggle and a slack-jawed tear via her careful pairing of abstract lyrics and subtle hooks. Her off-kilter songs have something in common with the knotty confections of Welsh pop innovator Cate Le Bon, but Harding's willingness to wrap her sibylline words in such agreeable melodies gives her a bit of an advantage. Take the opening stanza of the easy-on-the-ears "Zoo Eyes," which wonders "Why? What am I doing in Dubai?/In the prime of my life/Do you love me?," or the closing verse of the spare and heartbreaking "Heaven Is Empty": "If a big cold bird tried to bring me a baby/I feel I would get on its back/kissing his neck/breathing the down/kissing the down/and whisper softly/I don't want entry/that place is empty." Both songs exude a sort of existential malaise, but also a propensity towards transference. Harding has stated in interviews that her ideas are, simply put, just ideas, and more often than not it's her inclination to simply run with them rather than search for deeper meaning. Still, there are sharp observations to be found throughout the LP's nine tracks -- "When you jump up and down your chains almost sound like a tambourine" -- and incisive examples of pop acumen -- "The Barrel" is a warm '70s pop gem that just happens to contain impenetrable lyrics and feature a mesmerizing video of a dancing Harding dressed in what looks like a nun's habit with a tube of toothpaste for a hat that eventually disappears and is replaced by a garish blue monster mask. A singular talent, Harding seems to have hit her stride on album number three, and while the darkness of previous efforts is still pervasive, Designer feels like a summer record, though it's probably best suited for dusk.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)