Evergreens der legendären Grateful Dead hat Saxophonist Dave McMurray zur Basis seines aktuellen Albums gemacht. Grateful Dead meet Soul Jazz – das funktioniert erstaunlich gut!

Die 1965 gegründete Rockband aus San Francisco um den charismatischen Frontmann Jerry Garcia gilt als Ikone der amerikanischen Gegenkultur und eine der ersten Bands des Psychedelic Rock. Auf seinem 2018 erschienenen Blue Note-Debüt „Music Is Life“ glänzte Dave McMurray mit eigenen Stücken, jetzt kehrt der Saxophonist mit „Grateful Deadication“ zurück, einem Cover-Album, das Perlen aus einem der berühmtesten Kataloge des Rock in Jazz verwandelt. Grateful Dead-Favoriten wie "Fire on the Mountain", "Dark Star", "Touch of Grey" und "Franklin's Tower" gehören ebenso zu den Highlights des Albums wie Gastauftritte von Sängerin Bettye LaVette und Grateful-Dead-Gitarrist Bob Weir.

Die Chemie stimmt

Die gemeinsame Geschichte von Bonnie ›Prince‹ Billy & Matt Sweeney beginnt bereits vor einigen Jahren. 2005 veröffentlichten sie ihr erstes gemeinsames Album »Superwolf«.

Nach ein paar weiteren Kollaborationen knüpfen sie 2021 an diese Platte an – mit ihrem neuen Album »Superwolves«.

14 Songs haben die beiden Musiker dafür aufgenommen. Aber: Besondere Zeiten erfordern besondere Herangehensweisen. Und so schrieben sie die Songs zunächst getrennt voneinander, schickten sich Songschnipsel und Lyrics hin und her.

Für die Aufnahme von »Superwolves« ging es schließlich, nach rund fünfjähriger Songwriting-Arbeit, ins Brooklyn’s Strange Weather und ins Butcher Shoppe in Nashville.

Bonnie ›Prince‹ Billy zeichnete für Gesang, Sweeney für Harmonien und Gitarrenparts verantwortlich. Weitere Unterstützung gab es im Studio von David Ferguson (Stand-up-Bass), Mike Coltun (E-Bass), Mdou Moctar (E-Gitarre), Ahmoudou Madassane (Rhythmusgitarre), Souleyman Ibrahim, Ryan Sawyer und Peter Townsend (Schlagzeug) und Mike Rojas (Klavier).

Longtime Woodstock resident, guitarist Peter Walker recorded two albums for the Vanguard label in the late Sixties in a style best described as American folk-raga. He studied with Ravi Shankar and Ali Akbar Khan, and was Dr. Timothy Leary's musical director, organ izing music for the LSD advocate's »celebrations.« He was also a close friend of fellow Woodstock resident, the late folksinger Karen Dalton. Rediscovered by Tompkins Square in 2006 after decades out of sight, Walker has remained active into his 8th decade, recording for Jack White's Third Man label, and now, collaborating anew with fellow Upstaters, Harmony Rockets.

Joined in a mighty super-session with Harmony Rockets (Mercury Rev), Martin Keith, Nels Cline (Wilco), and Steve Shelley (Sonic Youth), »Lachesis / Clotho / Atropos« is a mind-melting inter-generational collaboration that could only have coalesced around the wool-sweaters, warm teacups and mouldering bookstores of »Old Old Woodstock«, both the real and mythologized versions.

Hiss Golden Messenger aus Nashville, TN veröffentlichen mit "Quietly Blowing It" den Nachfolger des von der Kritik hochgelobten Albums "Terms Of Surrender" aus dem Jahr 2019, das für einen Grammy Award 2021 in der Rubrik "Best Americana Album" nominiert wurde.

Geschrieben, arrangiert und produziert von Bandleader/Songwriter M.C. Taylor, ist "Quietly Blowing It" ein intimes und introspektives Werk, auf dem Taylor in impressionistischen Tönen über Themen wie Erwachsenwerden, Entfremdung, Verpflichtung, Hoffnung, Sinn, Familie, Klasse, Selbstfindung, Heilung und Wiederaufbau nachdenkt. Er sagt, das Album "feels like the most personal album that I've made because I'm not trying to explain anything to anyone except myself." Taylor verarbeitet diese turbulenten Zeiten auf zutiefst persönliche Weise und möchte die Hörer dazu inspirieren, es ihm gleich zu tun. In seinem aufschlussreichen Essay "Mourning in America" geht er ausführlicher auf die Impulse des Albums ein. Musikalisch sind die neuen Songs durchdrungen von Gospel, Southern Soul, Indie-Folk und Alt-Country mit einem Hauch von Blues-, Rock- und Jazz-Einflüssen. Zu den Höhepunkten gehören der minimalistische R&B von "It Will If We Let It", der rollende Country-Groove von "The Great Mystifier" und das gefühlvolle, rauchige Lamento von "Painting Houses" (gemeinsam mit Gregory Alan Isakov geschrieben). Auf "Quietly Blowing It" sind als besondere Gäste Griffin und Taylor Goldsmith von Dawes, Zach Williams von The Lone Bellow, Nashville-Gitarrengröße Buddy Miller und Produzent/Musiker Josh Kaufman von Bonny Light Horseman zu hören.

Im Laufe von sieben Alben haben die Songs von HISS GOLDEN MESSENGER tiefe Resonanz bei Musikfans, Künstlerkollegen und vielen anderen hervorgerufen. Taylors Fähigkeit, unsere innersten menschlichen Emotionen zu beleuchten, die sich nur selten offenbaren, war noch nie so offensichtlich wie auf "Quietly Blowing It". Das Mitgefühl, die Empathie und die aufrichtige Stimmung der Musik von Hiss Golden Messenger waren noch nie so passend für eine Zeit wie jetzt.

Tauchen Sie ein in das neue Album von Jeb Loy Nichols, voll von düsteren Grooves, sanften Melodien und lebensfrohen Texten. Timmion Records stellt der Welt einen erfahrenen Wortschöpfer und Sänger mit 10 leuchtenden Beispielen für rootsigen modernen R&B vor, die Südstaaten-Soul, Folk und Weltklasse-Balladen miteinander verschmelzen.

Angeführt von Jebs intimer Akustikgitarre und seinen rauen Beschwörungsformeln, unterstützt von der tighten Rhythmusgruppe von Cold Diamond & Mink, können Sie sich auf einen höllischen Ritt gefasst machen. Das Album mit dem schlichten Namen »Jeb Loy« ist ein Zeugnis der jahrzehntelangen Karriere des Künstlers, die sich über Soul, Country und R&B erstreckt.

Immer ein betörendes Vergnügen: ein neues Album des „Country Got Soul”-Aktivisten und ehemaligen Fellow Travellers-Masterminds. Hier wieder überwiegend mit tiefenentspanntem Soul: Gitarre, kleine Bläser-Akzente, wie immer sanfte Karamellstimme unnachahmlich. Dazu mal ein bisschen Vibraphon, Harmonica oder Hammond Orgel, immer laidback und mit Sonne im Herzen. Gemäß dem Albumtitel singt er diesmal eher selbstreferenziell aber immer gewohnt unaufdringlich und grundsympathisch. Southern Soul trifft auf die klassische Songschmiedekunst von Größen wie Bill Withers, alles konsequent schlank und unaufgeregt inszeniert. Die Songs sind von reifer Größe, mit klarer Melodieführung und eleganten Hooklines, eingängig und schlicht wunderschön. Stilistisch finden hier natürlich Soul, Folk, Roots und Singer/Songwritertum zusammen, Reggae gibt es leider nicht. Was dann wie die Frontporch-Variante von Daptone klingt. Die reduzierten Bläser sind famos, einzig die etwas überrepräsentierten Chordamen ergeben kleine Schwächen in der B-Note. Auf Jeb ist Verlass, auch das Timing ist perfekt: ein Album, das mich durch den Sommer begleiten wird.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Eine schöne Überraschung von Tom Liwa: Ein neues Flowerpornoes Album , Morgenstimmung" - hoppla hopp veröffentlicht, ohne Label, ohne Vertrieb oder andere Industrie-Strukturen , kein Amazon oder Spotify wird es in die Finger kriegen. Es ist nur bei tomliwa.bandcamp.com und in ausgesuchten Plattenläden erhältlich.

" Unsere Alben aus den Neunzigern hätten ähnlich geklungen, wenn wir gewusst hätten, wie. Ich finde aber, wir sollten die speziellen Arbeitsweisen wie die Algorithmen, nach denen die Kompositionen entstanden und das mit den Perspektivwechseln bei den Texten aus dem Info rauslassen. Das braucht es nicht. Und wo ist eigentlich mein Kaffee?" Tom Liwa riecht nach Farbe und nach einem Sonnentag. Er hat heute die Außenwand seines Hauses gestrichen und kratzt sich mit der Rechten Schorf vom linken Arm.

Ihr wollt es doch auch! Ein Rock-Album der Flowerpornoes. Mit lauten Gitarren und großer Klappe. Kluger Lärm! Wie früher? Nein, wie heute! Kein halbes Jahr nach dem Weird-Ambient-Soloalbum „Der, den mein Freund kannte" schlägt Tom mit seiner Band eine ganz andere Richtung ein oder schließt er nur mal wieder einen Kreis? „Morgenstimmung" dreht sich sozusagen von außen um die eigene Achse es wird abgerechnet. Aber wer mit wem, ist nicht ganz klar. Väter kommen zu Wort, Kinder, Exfrauen, Exmänner, Kolleg*innen, ja sogar der Mond und der Hund haben Schonungsloses mitzuteilen. Die Brutalität der Sprache passt zu den direkt ins Blut gehenden Melodien das hier sind tatsächlich, im wahren Wortsinn: Hits.

Genau einen Tag Zeit brauchte es, um diese wilden Lieder aufzunehmen. Tom Liwa (Gesang/Gitarre), Giuseppe Mautone (Schlagzeug), Birgit Quentmeier (Keyboards) und Markus Steinebach (Bass) buchten sich in ein Studio in Bochum ein, wo „zufällig" eine Les Paul rumhing, die den Flowerpornoes-2021-Sound entscheidend prägt. „Vor Ort war das getragen von einer Rieseneuphorie, von diesem Schwarmgefühl, das kommt, wenn wir gemeinsam spielen. Wir hatten das fast vergessen", so Tom, der mit Birgit und Markus seit 1977 und mit Giuseppe immerhin auch schon seit 2012 Musik macht. Erst eine Woche vor dem Zusammentreffen schickte er den dreien die Demos (textlose Soloversionen an der Gitarre, mit dem Handy aufgenommen), alle probierten zu Hause rum und übten. Obwohl sie im Grunde ein sehr eingespieltes Team sind, waren sie von der Dynamik überrascht, die das ultraschnelle Arbeiten möglich machte. „Das hatten wir so noch nie", sagt Birgit Q. Sie stellte im Studio erfreut fest: „Wir funktionieren einfach zusammen. Es war eine unglaubliche Energie im Raum. Alle hatten furchtbar Lust zu spielen, es war laut und heftig. Wahrscheinlich musste sich da alles Angestaute Bann brechen." Die Flowerpornoes hatten wie so viele Bands 2020 kaum Gelegenheit, gemeinsam zu spielen. Man will ja jetzt nicht mit Klischees wie „sie haben die Live-Atmosphäre eingefangen" anfangen, doch sogar der recht unerschütterliche Markus war erstaunt, wie „sensationell gut" die Band gerade unter den erschwerten Bedingungen klang. „Es wäre natürlich schön, wenn wir jeden zweiten Tag proben könnten, aber so hat es den Effekt, dass man, wenn es geht, mit besonderer Begeisterung dabei ist."

„Ich bin seit 2012 dabei und damit der dienstälteste Flowerpornoes-Drummer!" Giuseppe Mautone zupft an seinem Man-Bun herum und grinst: „Auch der mit den meisten eingespielten Minuten. Weiß ich von Birgit, die so was wie das Büro der Band ist. Ein wunderbarer Kontrast zu Tom, der auch schon mal Sachen fragt wie ,in welchem Bund spiel ich in diesem Lied?' oder ,Wo ist mein Kaffee?'. Oh, verrat ich jetzt alles?? " Er lacht, und diese verschmitzte Freude taucht bei allen Vieren auf, wenn sie von der Band reden. „Ich versuche immer, in meinem Spiel auch den Text zu beachten das ging diesmal natürlich nicht, also habe ich überlegt: Was führt Tom wohl im Schilde? ", erinnert sich Giuseppe. „ Das ist schon wie ein kleines Wunder, wenn man zum ersten Mal alles gemeinsam spielt und es sofort zusammenpasst." Dass keine Zeit war, sich eine „ausgefuchste Begleitung" zu überlegen, und jetzt alles „relativ roh" klingt, wie Birgit es nennt, ist ja gerade der Pluspunkt dieses Albums: „Es klingt anders, als es die Leute vielleicht erwarten, nicht so: ,Hab ich schon tausendmal gehört, Tom Liwa und die Flowerpornoes kennt man ja.'" Man ist eben nie zu alt, um sich selbst und andere zu überraschen! „Als Tom im letzten Jahr, als Corona kam, die Songs von ,Der, den mein Freund kannte' dann doch komplett allein aufgenommen hat, war ich schon ein bisschen traurig. Er schrieb uns, dass er das jetzt abschließen wolle, und danach können wir uns komplett neuerfinden. Das war ja erst mal nur so ein Gedanke, aber nun ist es tatsächlich genau so gelaufen mit der neuen Platte!"

Für Birgit sind die Songs „ein Lichtstrahl in dieser bescheuerten Zeit". Wobei die Texte, die Tom später zu Hause im Wendland schrieb, natürlich eher Blitzschlägen gleichen. „Ich wundere mich immer wieder über Toms tolle Texte", so Markus. „Vor allem wenn sie so nach wörtlicher Rede klingen, wie ein Sample aus der Realität. Diesmal kommen noch die vielen Perspektivwechsel dazu." Er streicht eine seiner Alfred-Stieglitz-Locken aus der Stirn und erinnert mich daran, dass bei einem dieser Stücke Britta Caspers von The Lost Verses (einer unbedingt entdeckenswerten Band) mitsingt und zwar ihren eigenen Text.

(Glitterhouse)

Where The Spirit Rests ist das bereits fünfte Solo Album des US Singer-Songwriters, der vielen von den Walkabouts, Dirtmusic oder Distance, Light & Sky bekannt sein dürfte.

Auf seinem neuen Werk taucht Eckman ganz tief in die Stimmung dieser außergewöhnlichen Zeit ein. Er singt von Verlust, Desorientierung, Wiedergutmachung und der Suche nach einer Heimat.

Where The Spirit Rests wurde nur mit einem kleinen Ensemble aufgenommen. Direkt und ohne viele Effekte. Co-produziert wurde es von dem britischen Komponisten Alastair McNeill (Roísín Murphy, Yila). Als Gastmusiker sind Chuck Johnson (Pedal Steel), Catherine Graindorge (Violine) und Dream Syndicate / Green on Red Keyboarder Chris Cacavas auf Where The Spirit Rests vertreten.

Während ihrer gesamten Karriere beherrschten Del Amitri die Kunst des zeitlosen, melodisch fokussierten Pop-Rock. Ihre Hits - darunter "Nothing Ever Happens", "Always The Last To Know" und "Roll To Me" - wurden zu internationalen Radioklassikern und trieben eine Karriere voran, die zu fünf britischen Top-10-Alben und 6 Millionen verkauften Alben führten.

Jetzt kehren Del Amitri mit der Veröffentlichung ihres siebten Studioalbums "Fatal Mistakes" über Cooking Vinyl zurück. Dies ist das erste Album seit 2002 und mit dem politischen "Close Your Eyes and Think of England" gibt es bereits jetzt den ersten Vorgeschmack.

"Close Your Eyes and Think of England", ist unser europäischer Abschiedsgruß, eine Ballade aus reiner Galle und Reue, versüßt mit einem Vorschlaghammer des Sarkasmus".

Frontmann Justin Currie kommentierte: "'Fatal Mistakes' wurde über drei Wochen im März in einem Landhaus im tiefsten England aufgenommen und ist das erste Studioalbum der Dels seit 'Can You Do Me Good'. Alle hatten eine gute Zeit. Es ist eine Sammlung bizarrer Geschichten von Vergiftungen, Bitten und bitterer Akzeptanz, angetrieben von Gitarren, Schlagzeug und Keyboards, die vollständig von dem Quintett gespielt wurden, nachdem sie 2014 und 2018 großartige Tourneen spielten."

Als sie sich der zweiten der beiden ausverkauften England-Tourneen näherten, begann das Kern-Duo der Band - Currie und Gitarrist Iain Harvie - neues Material zu schreiben. Die beiden erkannten, dass sie, ohne es zu erzwingen, einen Haufen Songs geschaffen hatten, die "sehr nach Del Amitri" klangen.

Vervollständigt durch Andy Alston (Tasten/Percussion), Kris Dollimore (Gitarre) und Ash Soan (Schlagzeug), nahmen Del Amitri diese Songs mit dem Produzenten Dan Austin (Biffy Clyro, You Me At Six) auf. Ihre naturalistische Herangehensweise bestand darin, Verstärker anzuschließen, anstatt Laptops hochzufahren, und sie spielten ihre Stärken in erster Linie aus, indem sie als fünfköpfige Band live aufnahmen.

Das Ergebnis ist der brillante Klang einer 35 Jahre jungen Band, die das tut, was sie am besten kann: melodische Rocksongs mit lyrischem Biss, seelenvollem Trost und herzerfrischendem Auftrieb. Und genau wie bei der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden Albums "Waking Hours" hat man das Gefühl, dass dies ein Stil ist, den derzeit nur Del Amitri beherrschen.

Das hört man in dem Klagelied "Close Your Eyes And Think of England". Der Song hat diese unfassbare Hook von "It's Feelings", mit Curries gefühlvoll kratziger Stimme, die den Alternative Radio Vibe der 90er Jahre übertrifft. Und es schwingt mit im treibenden Power-Pop des Album-Openers "You Can't Go Back". Im Gegensatz dazu steht das zerbrechliche, schmerzerfüllte "Lonely", ein Song, der durch seine Leere lebt und mit Harmonien im CSNY-Stil gespickt ist. Dieser Song fühlt sich anders an, als alles, was die Band zuvor gemacht hat.

Begeisterndes Comeback

Was für eine Überraschung: Keine Geringeren als Crowded House kehren 2021 mit einem neuen Album zurück, dem ersten seit elf langen Jahren.

»Dreamers Are Waiting« heißt der Nachfolger von »Intriguer« aus dem Jahr 2010.

Aber bereits die erste Single, »To the Island«, zeigt: Die australisch-neuseeländische Band um den Sänger und Songwriter Neil Finn weiß immer noch mit ihrem Mix aus Indie- und Alternative Rock, Pop und New Wave zu begeistern.

Das Line-Up der Band auf »Dreamers Are Waiting« umfasst neben den Gründungsmitglieder Neil Finn und Nick Seymour den Produzenten und Keyboarder Mitchell Froom sowie Finns Söhne, den Sänger und Gitarristen Liam Finn und den Schlagzeuger Elroy Finn.

Fast hätten wir schon nicht mehr damit gerechnet. Umso schöner, dass sie zurück sind: Crowded House mit ihrem Comebackalbum »Dreamers Are Waiting«.

The first Crowded House album in 11 years can be seen as a homecoming of sorts. Standing alongside bassist Nick Seymour as always, Neil Finn welcomes his sons, Liam and Elroy Finn, as official members along with Mitchell Froom. The producer of the first three Crowded House albums is back to helm Dreamers Are Waiting in addition to playing keyboards in the group. This is a fairly dramatic shift from the Crowded House lineup who recorded Intriguer back in 2011, but the results wind up being richly textured and subtle, an album that finds its subdued groove quite early, then proceeds to find variations within it. The emphasis on quiet and space isn't far removed from Lightsleeper, the collaborative record Neil and Liam released in 2018, yet there's a heightened sense of songcraft here that makes the muted guitars, rounded riffs, and waves of keyboards embed tunes into the subconscious. Songwriting has long been a strength of Neil Finn, but the notable thing about Dreamers Are Waiting is how he's spread the songwriting wealth, collaborating with the full band on a couple of tracks, writing with both of his sons as well as his brother Tim, who once was in Crowded House, and also gives Liam a solo spotlight. The communal effort naturally emphasizes the group's communal voice, one that salutes and tweaks classic pop forms in equal measure. Echoes of loneliness float through Dreamers Are Waiting, but this isn't a melancholy album. The melodies are insistent, as are the dampened rhythms, giving this album a warm, palpable heartbeat that can be felt even if the record is all captured in soft focus. It's this gentle, reassuring touch that makes Dreamers Are Waiting a balm, an album that offers familiar comfort even if it doesn't precisely sound like any previous Crowded House record.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Mit »The Monster Who Hated Pennsylvania« erscheint das 17. Studioalbum des aus Seattle, Washington stammenden amerikanischen Singer-Songwriters. Sein Werk zeichnet ein enormer Reichtum an stilistischen Raffinessen und das anspruchsvolle Verweben mannigfaltiger Genreelemente aus. Mit dem neuesten Kapitel »The Monster Who Hated Pennsylvania« fügt Jurado seinem OEuvre die erste Veröffentlichung auf seinem eigenen, neu gegründeten Label Maraqopa Records hinzu.

Das Album besteht aus zehn intensiven Songs, die Geschichten von Menschen erzählen, die schlimmen Umständen trotzen. Das vom Künstler selbst produzierte Album gehört klanglich zu seinen exponiertesten Arbeiten. Einflüsse waren der einzigartige Sound von Alben wie Lou Reeds »The Bells« oder Paul McCartneys »Ram«. Düstere Szenerien und Geschichten des Zwielichts sind seit langem fester Bestandteil von Jurados Songs über Geister, Mörder, grausame Liebhaber oder den falschen Messias.

Auf »The Monster Who Hated Pennsylvania« wirken die Inhalte mehr geerdet, fast schon aus dem Lebensalltag zitiert und von gewöhnlichen, aber nicht weniger gewaltigen Katastrophen gezeichnet: ein sich auf eine Stadt zubewegender Wirbelsturm, Amnesie, Krankheit oder belastete wie belastende Beziehungen.

"Good Woman" wurde in einer Zeit schwerer Turbulenzen für die Band geschrieben und aufgenommen, in der unter anderem Beziehungen endeten, ihre geliebte Mutter verstarb und Emily ihr erstes Kind zur Welt brachte. Größtenteils selbstproduziert (mit der Unterstützung von John Congleton), handelt das Album von Stärke - ihrer eigenen und der anderer Frauen; von Schwestern, Müttern und Töchtern. Von Liebe, Verlust und Veränderung. Von dem Versuch, eine gute Frau zu sein.

The Staves: "Wir haben lange gebraucht, um an diesen Punkt zu kommen, doch nun freuen wir uns unglaublich, unser neues Album 'Good Woman' anzukündigen. Wenn wir an die Entstehung dieses Albums denken, denken wir an Augenblicke und Momentaufnahmen all der unterschiedlichen Umstände, in denen wir uns zum jeweiligen Zeitpunkt befanden. Daran, jeden Tag zusammen zu verbringen und dann plötzlich durch Ozeane voneinander getrennt zu leben. Wir denken an Heimweh und Familie. Daran, ein Außenseiter zu sein."

Obwohl seit der Veröffentlichung ihres hochgelobten zweiten Albums "If I Was" sechs Jahre vergangen sind, war das britische Schwestern-Trio (Emily, Jessica und Camilla Staveley-Taylor) in der Zwischenzeit alles andere als untätig. Jessica steuerte Gesang zu Leonard Cohens letztem, posthumen Album "Thanks For The Dance" bei, das sein Sohn Adam Cohen produzierte. Und alle drei liehen ihre Stimmen einer Reihe von Tracks auf Paul Wellers jüngstem UK #1-Album "On Sunset". Auch Gastbeiträge für Lucy Rose, Bon Iver und Flyte in den jüngsten Jahren zeigen, dass ihr Gesang sehr gefragt ist.

Setting aside 2017's The Way Is Read, an adventurous collaboration with chamber ensemble yMusic, Good Woman is the Staves' first self-penned album in six years. Among its heavy inspirations were the death of the trio's mother, dissolved relationships, and the birth of eldest sister Emily's first child, all contributing to the idea of what it means to be a "good woman." John Congleton (The Decemberists, Angel Olsen) produced the album, which proves to be a poignant, philosophical set. The opening title track's soothing, soft rock sound accompanies enumerated qualities, like being able to stiffen resolve, being kind, carrying the load of others, and forgiving. It then asks, "But who'll build statues of me when I leave you all behind?" The song has one of the few solo lead vocals on an album that mostly drifts between unisons and three-part harmonies within each track. Another entry with a defined lead vocal is the like-minded "Devotion," whose choruses close with "Devotion be the death of me." Its airy synths, twinkling piano, and steady drums also recall the mellower side of '70s and '80s pop. On the more acoustic end of the spectrum is the folky "Nothing's Gonna Happen," a tender showcase for their three-part harmonies, and the sparse, piano-based "Waiting on Me to Change" ("Said you're waiting on me to change/Whatcha doin' that for?"), which edges toward wistful Carole King melodicism. Elsewhere, the cautionary "Careful, Kid" opts for unexpectedly grungier textures alongside its sparkling keys. Despite subtle shifts in arrangements, the songs of Good Woman share a certain world-weariness that's balanced with a refreshing self-assurance that -- like the sisters' elegant, blended vocal harmonies -- never loses its composure.

(by Marcy Donelson, All Music Guide)

Das Soloprojekt von Indie-Alleskönner Eric D. Johnson alias Fruit Bats geht in die neunte Runde. Sein neues Album »The Pet Parade« feiert die Schönheit und Absurdität der Existenz.

Dafür hat Johnson seinen Bonny Light Horseman-Bandkollegen Josh Kaufman als Produzent verpflichtet, der vor allem bekannt für seine Arbeit mit The Hold Steady, Bob Weir und The National ist und 2020 auch an den beiden folklastigen Taylor Swift-Alben beteiligt war.

Obwohl viele der Songs auf »The Pet Parade« tatsächlich vor der Pandemie geschrieben wurden, ist es unmöglich, das Album als Ganzes von dieser Zeit zu trennen.

Wie viele Alben zuletzt, wurde auch »The Pet Parade« größtenteils aus der Distanz mit Musikern aufgenommen, die über das ganze Land verteilt leben.

Geschadet hat dies den Songs zum Glück nicht. Mit dabei sind Joe Russo und Matt Barrick (The Walkmen, Fleet Foxes, Muzz), Johanna Samuels, Pianist Thomas Bartlett (Nico Muhly, Sufjan Stevens), und Fiddler Jim Becker (Califone, Iron & Wine).

Manchmal beschwingt und beruhigend, manchmal ruhig und nachdenklich, markiert »The Pet Parade« einen Meilenstein für Johnson, der 20 Jahre Fruit Bats im Jahr 2021 feiert.

Neben seine Veröffentlichungen als Fruit Bats war Johnson in diesen zwei Jahrzehnten auch Mitglied bei The Shins, komponierte Filmscores, veröffentlichte Solo unter eigenem Namen und bekam als Mitglied von Bonny Light Horseman zwei GRAMMYr Nominierungen.

In gewisser Weise immer noch eine Kultband, in anderer Hinsicht ein altbewährter Act, haben Fruit Bats konsequent genug kleine Siege errungen, um in einer notorisch unbeständigen Szene Karriere zu machen.

Der Traum der Ente

„Also pass auf: Ich war ein Mensch, der im Schlaf geträumt hat, dass er eine Ente ist!“, so beginnt ein Sketch von Karl Valentin, in dem sich der Protagonist drei Minuten lang darüber beschwert, aufgeweckt worden zu sein, bevor er im Traum als Ente einen Wurm fressen konnte…

Willkommen in der fabelhaften Welt der Ente, willkommen zum zweiten International Music-Album mit dem fantastischen Titel „Ententraum“. Die Band hat ihr Album zwar nicht nach der alten Karl-Valentin-Nummer benannt, aber es ist doch ein schöner Zufall.

Peter Rubel, Pedro Goncalves Crescenti und Joel Roters wurden in diesem mehr als einstündigen Psychedelic-Rock-Trip beim kollektiven Träumen glücklicherweise von niemandem gestört. Höchstens von Produzent Olaf O.P.A.L, aber der ist nach der Produktion des gefeierten Vorgängeralbums „Die besten Jahre“ und dem nicht weniger erfolgreichen Album „Nenn mich Musik“ ihrer Schwesterband The Düsseldorf Düsterboys längst ihr Haus- und Hofproduzent geworden. Er stört also überhaupt nicht. Ganz im Gegenteil!

„Wenn ich wüsste, was in dieser Kiste ist, küsste ich Dich, den Fürst von Metternich“, mit diesen Zeilen beginnt die Reise und schon befinden wir uns mittendrin im 17 Lieder starken Ententraum-Epos. Aber Moment mal, meinen die tatsächlich den europäischen Politiker?! Oder den nach ihm benannten Sekt aus dem Rheingau?! Dann wiederum würde auch die besungene Kiste wieder Sinn machen. Die Musik dieses Traum sklingt jedenfalls so, als hätten die Beatles ihre Inspiration für das Weiße Album nicht nur in Indien, sondern auch bei einem schottischen Dudelsackvirtuosen gesucht. Aber kaum hat man seine Gedanken zum fraglichen Fürsten etwas geordnet, da taucht auch schon ein gewisser Herr Schmidt als „Gedankenzähler“ auf. Dieser merkwürdige, von Pedro Concalves-Crescenti gesprochene Charakter, tritt auf diesem Album immer mal wieder als eine Art manischer Philosoph in Erscheinung. Er ist es auch, der sich später auf der Platte für den „Traum der Ente“ verantwortlich zeigt. Auch wenn Peter Rubel ihm dabei immer wieder ins Wort fällt - und das nicht nur in diesem Song.

Der Gedankenzähler jedenfalls scheint vor allem ein großer Geschichtenerzähler zu sein, voller versponnener und entzückender Ideen. Aber das wirklich Verrückte auf diesem Album: Alles in diesem surrealen Ententraum ergibt sofort Sinn, wenn die Band zum Chorgesang anstimmt. Der für International Music so typische Harmonie-Gesang, der immer so klingt, als singen The Byrds gerade zusammen mit Ian Curtis. Sixties-Pop und 80er Jahre Postpunk in einer vollkommen stimmigen Melange. Flowerpower in einer Welt aus Beton und Glasfaserkabeln.

Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, ob gerade die „Beauty of the bar“ oder ein „Wassermann“ besungen wird, ob wir uns mit ihnen auf die „Insel der Verlassenheit“ oder in die „Höhle der Vernunft“ begeben. Am treffendsten bringt es die Band selbst im Song „Misery“ auf den Punkt: „Die Sprache ist eklektisch. As you and me!“ Doch sobald der Chorgesang aufblüht, ist die Band über „All this misery“ komplett erhaben. Das Herz geht einem auf – und das ohne jeden Deutschrock-Pathos!

Da wird sich zwischendrin lieber in bester S.Y.P.H.-Punk-Manier mit verzerrten Instrumenten gegenseitig angemacht und „Spiel Bass!“ geschrien, Oder es erklingt, wie im Song „Marmeladenglas“, ein Stoner-Rock-Riff, das sich im Laufe des Stücks zum monotonen Drone entwickelt, weil Drummer Joel Roters den Schlagzeug-Einsatz so schön lang herauszögert. Und wenn es schließlich in dem Song „Zucker“ heißt: „Falsche Leute angelacht / Zu viel nachgedacht / Weltraumschrott im Treppenhaus / und der Blues schaut aus seiner Wohnung / in seinem Samtpullover in dunkelblau / Hart aber fair, am Start und zwar sehr“, dann sind die Fehlfarben aus „Monarchie & Alltag“ tatsächlich nicht mehr weit.

Vielleicht sind International Music so etwas wie eine hochmusikalische Punkband. Wobei sie unbedingt auch eine Krautrock-Band sind, hörbar große Verehrer von La Düsseldorf, sich aber immerzu dem Song verpflichtet fühlen. Ebenso unüberhörbar: Der Einfluss der brasilianischen Tropicalismo-Bewegung.

Aber nun, so eine Ente ist ein außerordentliches Tier: Sie kann schwimmen, tauchen, gehen und fliegen! Genauso vielseitig bewegt sich diese Band auch zwischen den Musik-Genres. Sie macht eben immer auch das exakte Gegenteil von dem, was man ihr gerade nachsagen möchte.

So wirkt ihr Ententraum am Ende wie ein Konzeptalbum, das einem die ganze Zeit über zu sagen scheint, dass es wohlmöglich nicht nur ein, sondern unendlich viele Konzepte gibt. Lauter lose Fäden in einem surrealen Tagtraum. Da kommen dem gebannt lauschenden Hörer, der gebannt lauschenden Hörerin sofort The Doors und ihr Song „Light my fire“ in den Sinn. Diese Referenz ist nicht einmal weit hergeholt, denn International Music beeindrucken uns in diesen 64 Minuten vielfarbiger Träumereien mit hoher Intensität und packender Dramaturgie, wie es eben nur die ganz großen Bands können. Und wieder ist den drei Musikern aus Essen dabei eine große Liebeserklärung an die Formation Schlagzeug, Bass und Gitarre gelungen.

„Der grüne Sarg und sein Pronom / wenn ich’s denke, weiß ich schon / Der Dschungel ist mein Zuhause / Ein grünes Band umarmt mich zart (...) weder weich, noch hart“, heißt es schließlich im vorletzten Stück. Musik und Poesie im hochinspirierenden Zusammenspiel von Mensch und Natur.

Aber fassen wir lieber nochmal zusammen, bevor wir uns vor lauter Begeisterung am Ende noch überschlagen: Der „Ententraum“ ist ein humorvolles, sprachverliebtes, psychedelisches (Anti-) Konzeptalbum voller Hits für hochkomplizierte Zeiten. Ein Album, mit dem sich die Träumer Peter Rubel, Pedro Goncalves-Crescenti und Joel Roters wieder „raus aus'm Zoo“ und „rein ins Geschäft“ wagen. Karl Valentin hätte vermutlich große Freude an diesem Werk gehabt.

Die schottischen Indielieblinge Teenage Fanclub veröffentlichen ihr zehntes Studioalbum »Endless Arcade« über ihr eigenes Label PeMa!

Selbst wenn wir nicht gerade außerordentlich beunruhigende Zeiten durchleben würden, gibt es nichts Vergleichbares wie ein Teenage Fanclub-Album, um Geist, Körper und Seele zu beruhigen und zu bekräftigen, dass in dieser Welt doch nicht alles verloren ist. »Endless Arcade« folgt auf das 2016er Album »Here«, mit dem Teenage Fanclub ihren ersten Top-10-Erfolg seit 1997 feierten - ein klarer Beleg dafür, wie sehr diese Band bis heute geschätzt wird.

Das neue Album ist die Quintessenz von Teenage Fanclub: Die Melodien sind zu gleichen Teilen herzerwärmend und herzzerreißend, die Gitarren klingen teils glockenklar, teils kratzig, Keyboard-Linien verweben sich ineinander und drehen sich um sich selbst, harmonieerfüllte Refrains brechen durch wie die Sonne an einem stürmischen-grauen Tag.

Sonnenbeschienene, herzerwärmende, klassische und vorbildlich gute Rockmusik.

(Audio, Juni 2021)

Neues Studioalbum der Neuseeländischen Independent-Helden unter der Leitung des rätselhaften Martin Phillipps. Mit Artwork von Trees' David Costa.

Dunedin's finest, The Chills, veröffentlichen ihr siebtes Studioalbum "Scatterbrain" zweieinhalb Jahre nach dem enorm erfolgreichen "Snowbound" (2018) und des von der Kritik gefeierten Films "The Chills: The Triumph And Tragedy Of Martin Phillipps' im Jahr 2019. "Es geht um künstlerische Integrität, Selbstverwirklichung, Selbstakzeptanz, und es ist eine Reflexion über Sterblichkeit." (The Guardian)

Jetzt, im Jahr 2021, zieht Phillipps Bilanz - über alles. Ja, alles. Das Ergebnis ist das triumphale neue Chills'-Album "Scatterbrain", eine nachdenklich stimmende Aufnahme von einem Mann, der gute und schlechte Zeiten erlebt hat.Eine reife und ehrliche Reflexion über das Leben, das Schicksal und die Geschicke unserer Zeit, vorgetragen in wunderschönen Melodien und mit Phillipps' typischer, prägnanter Wortwahl. Aus der Sicht eines Mannes, der sich seines Alters und seiner eigenen Sterblichkeit bewusst ist, wirft das neue Album einen reifen Blick auf die Dinge, die da kommen, durchaus mit Perspektiven. Scatterbrain" ist ein Leben, das vor Ihren Ohren vorbeizieht, während die Ungewissheit zunimmt und die Fake News weiter rumoren, während Aliens eindringen, Verlassenheit groß wirkt, Welten innerhalb der Welten sich auftun und die Sanduhr sich füllt.

Ein bahnbrechendes Album von einem der großen modernen Songwriter, es ist pure Popmusik für eine neue Normalität, spannend zu hören, wie all dies endet...oder weitergeht.