... warmer, grooviger, unangestrengter Postrock, feinfühlig, aber bestimmt gespielt und raffiniert produziert. Die Speerspitze der modernen Welt.

(Audio, Juni 2018)

Lead-Sänger und Kopf der Band Justin Ringle überzeugt nach wie vor mit seiner warmen Tenor- Stimme und den Lyrics, die von Arbeit, Liebe und anderen Kämpfen des Lebens erzählen. Langzeit Violinist Nathan Crocket und Keyboarder Dustin Dybvig liefern solide Kontinuität ab. »Appreciation« verbindet Ringles bisherige musikalische Ideen mit einem großen Entwicklungssprung. Hauptsächlich wurde das Album in Kentucky in den La-La Land Studios in Louisville und in den Shangri-La Studios in Lexington aufgenommen.

Instrumentalisten wie J. Tom Hnatow, Robby Cosenza und R&B Sängerin Joslyn Hampton bereichern die Songs durch eine Mischung aus 70er Country-Pop (»Without Applause«, »Don't Mean To Pry«) und geschmeidigem Soul (»Best To Leave«, Evictions‹). Horse Feathers sind neben der unverwechselbaren Stimme von Sänger Justin Ringle, insbesondere bekannt für ihre charakteristische Instrumentierung.

Der R&B/Soul Song ›The Hex‹ besticht durch ein Banjo. Songs wie ›Born in Love‹ und ›On the Rise‹ werden bereichert durch Instrumente wie einer Hammondorgel, Piano, Tambourin sowie Fingerschnippen.

Angekommen

Über 20 Jahre dauert die Karriere von Damien Jurado bereits. Zwölf Alben veröffentlichte der fleißige Singer-Songwriter in dieser Zeit. 2018 steht er nun mit seinem neuen, mittlerweile 13. Longplayer in den Startlöchern, für den er erstmals selbst die Zügel in die Hand nahm: »The Horizon Just Laughed«.

Denn, nachdem Jurado die elf neuen Songs für seine Platte im Februar und April des vergangenen Jahres zusammen mit Alex Bush im Sonikwire Studio in Irvine, Kanada aufnahm, kümmerte er sich selbst um die gesamte Produktion – eine Premiere für Jurado.

Das Resultat kann sich hören lassen: »The Horizon Just Laughed« ist ein wunderschöner musikalischer Reisebericht, der im Gegensatz zum Vorgänger »Visions Of Us On The Land« aus dem Jahr 2016 wieder deutlich stiller und zurückgenommener ausgefallen ist, so wie seine frühen Alben.

Wie genau das klingt, verriet der Musiker mit der zarten Stimme bereits im März mit der ersten Single »Over Rainbows And Rainier«.

»The Horizon Just Laughed« ist eine Rückkehr zu den Anfängen, eine Sammlung von Geschichten und Momentaufnahmen seines persönlichen und musikalischen Weges der letzten Jahre. Es scheint, als sei Damien Jurado angekommen.

Ein Gemeinschaftsalbum von Okkervil River

Genau 20 Jahre ist es her, dass Will Sheff die Band Okkervil River gründete. Nach einigen personellen Wechseln ging es im vergangenen Jahr mit neuer Besetzung ins Studio. »In The Rainbow Rain« heißt das Resultat.

Es handelt sich dabei bereits um die elfte Platte der US-amerikanischen Independent-Band, den Nachfolger von »Away« aus dem Jahr 2016.

Will Sheff war von seiner Tourband zum letzten Album so angetan, dass er die Musiker für die Aufnahmen zur neuen Platte ins Studio holte: Benjamin Lazar Davis (Bass), Will Graefe (Gitarre), Sarah Pedinotti (Keyboard) und Cully Symington (Percussion).

Insgesamt zehn Stücke haben sie gemeinsam mit Produzent Shawn Everett (The War On Drugs, Alabama Shakes, Grizzly Bear) für »In The Rainbow Rain« aufgenommen, ein gewohnt abwechslungsreicher Mix aus Country, Folk, Dream-Pop und Rock.

Wie genau Okkervil River 2018 klingen, verrieten sie bereits im Februar mit der ersten Singleauskopplung »Don’t Move Back To LA«.

Nach dem zurückgezogenen letzten Album weht nun ein frischer Wind im Hause Okkervil River: Mit neuen Kollegen und neuen Ideen ist »In The Rainbow Rain« ein optimistisches Gemeinschaftswerk geworden.

Standards, Klassiker, Hits

Er kann es nicht lassen. Mit 72 Jahren zeigt sich Van Morrison in absoluter Höchstform und präsentiert mit »You’re Driving Me Crazy« bereits das fünfte Album in vier Jahren.

Wie bereits bei »Versatile«, seinem letzten Album, widmet sich der nordirische Singer-Songwriter dem Jazz. Der Blues kommt aber ebenfalls nicht zu kurz.

Dafür holte er sich einen besonderen Gast ins Studio: den US-amerikanischen Organisten und Trompeter Joey DeFrancesco. Gemeinsam haben sie für »You’re Driving Me Crazy« ganze 15 Stücke aufgenommen. Dazu gehören Coverversionen bekannter Klassiker wie »Miss Otis Regrets« von Cole Porter, »The Things I Used to Do« von Eddie Jones und »Every Day I Have The Blues« von Peter Chatman.

Außerdem warten auf dem neuen Album Neuinterpretationen eigener Stücke aus Van Morrisons riesigem Katalog, zum Beispiel »Have I Told You Lately«, »The Way Young Lovers Do«, »Goldfish Bowl« und »Magic Time«. Das gesamte Tracklisting von »You’re Driving Me Crazy« finden sie im Folgenden.

Unterstützt werden Van Morrison und Joey DeFrancesco auf der Platte von DeFrancescos Band, bestehend aus dem Gitarristen Dan Wilson, dem Drummer Michael Ode und dem Saxofonisten Troy Roberts.

Jazzstandards, Bluesklassiker und eigene Hits: Mit »You’re Driving Me Crazy« veröffentlichen Van Morrison und Joey DeFrancesco 2018 ein abwechslungsreiches und spannendes Kollaborationsalbum.

»Der alte Grantler sprüht vor Tatendrang. (...) Der tief im Jazz verwurzelte Sound dieses 39. Morrison-Werks weckt gar Erinnerungen an das legendäre ›Astral Weeks‹ (1968). Der 72-jährige Ire singt enorm inspiriert, angefeuert von DeFrancescos Jimmy-Smith-artiger Hammond-Orgel und dem Groove von Joeys Begleittrio.« (Audio, Mai 2018)

Als Guru Guru 1968 im Jahr der Studentenrevolte gegründet wurden, hätte jeder ein müdes Lächeln geerntet, der vorausgesagt hätte, dass ausgerechnet Guru Guru nach 50 Jahren immer noch bestehen, bzw. die Musikszene in dieser Zeit ganz entscheidend mitgeprägt haben.

Heute zählen Guru Guru neben den Rolling Stones zu den dienstältesten Bands unseres Planeten und Mani Neumeier und seine Gurus stehen für eine Rockmusik, die alles Trends und Moden überlebt haben und die auch heute noch Grenzen überschreitet. Das klingt spannend und ist es auch, denn Guru Guru bürgen für Hörabenteuer, was sie nach 50 Jahren auch auf dem neuen Album wieder unter Beweis stellen.

Auch auf »ROTATE!« (das 32. Album in der langen Bandgeschichte) ziehen Guru Guru wieder alle Register und lassen sich wie immer in keine Schublade stecken. Dabei passt der Titel »ROTATE!« sprichwörtlich wie die Faust aufs Auge, denn Guru Guru haben in ihrer langen Karriere nie musikalischen Stillstand gezeigt, sondern waren immer auf der Suche nach neuen Galaxien und Experimenten.

Wie Guru Guru auf »ROTATE!« mal wieder beweisen, zählen Sie auch heute immer noch zu den Urgesteinen der progressiven Rockmusik. Und wer geglaubt hätte, dass Mani Neumeier, Mitbegründer des legendären Krautrock & Enfanterrible der deutschen Rockmusik die Füße im altgedienten Ruhesessel hochlegen wird, der hat sich gewaltig getäuscht. Auch im nunmehr 50-zigsten Jahr ihrer langen Bandgeschichte gehen Guru Guru abseits vom Mainstream unbeirrbar ihren eigenen Weg, den sie aber schon immer gegangen sind.

Guru Guru – sie waren nicht nur – nein – sie sind nach wie vor einmalig!

Auch mit 50 Jahren strotzt dieser Dino unter den deutschen Rock-Legenden vor leidenschaftlichem Leben und serviert mit Rotate! Spielfreude-sattes Saurier-Kraut. Das von zwei ebenso gegensätzlichen wie gleichermassen genialen Gitarristen geprägte Quartett um das Schlagwerk-Urgestein Neumeier nutzt Track-Laufzeiten von bis zu sieben Minuten zu mal energischen, mal entspannten Exkursionen und Eskapaden, lebt dabei genauso den Hang zum formbefreiten Spiel wie es immer wieder auch die inspirierteste Improvisation auf den kompakten Punkt bringt. Vor allem Roland Schaeffer setzt sowohl mit virtuos verzerrtem Saitenwerk als auch beeindruckend beweglichen Saxophon-Melodielinien immer wieder Farbtupfer und Zeichen. Von allerhand genreübergreifenden und exotischen Elementen bestimme Kraut-Rock-Phantasie-Ferien für das alltagsbeengte Gehirn, von wenigen Worten begleitete Instrumental-Ausflüge in ein rauschhaftes Rock-Nirvana, beeindruckender Beweis für die ungebremste Kraut-Rock-Kraft.

(cpa, www.glitterhouse.com)

Perfekte Mischung

Nachdem Laura Veirs zuletzt vor zwei Jahren ein gemeinsames Album mit ihren Kolleginnen Neko Case und K. D. Lang veröffentlichte, ist die US-amerikanische Sängerin 2018 wieder solo unterwegs. Im Gepäck hat sie ihr neues Album »The Lookout«.

Zwölf Songs hat Veirs dafür aufgenommen, die einmal mehr ihr Talent für facettenreiches Songwriting unter Beweis stellen. Und so handelt »The Lookout« sowohl von persönlichen als auch öffentlichen Themen, vom Familienleben einer Künstlerin und von chaotischen Zuständen in Amerika nach der Wahl.

Unterstützt wurde die Sängerin im Studio von einigen befreundeten Musikern: Karl Blau, Steve Moore, Eli Moore und Eyvind Kang. Zudem sind keine Geringeren als Sufjan Stevens und Jim James als Gastvokalisten mit von der Partie. Die Produktion der Platte übernahm ihr früherer Bandkollege und Grammy-Preisträger Tucker Martine.

Mit der Singleauskopplung »Everybody Needs You« gab es bereits einen ersten Vorgeschmack auf »The Lookout«.

Und der zeigt: Laura Veirs hat ihre ganz eigene Mischung aus Folk und Space-Pop 2018 weiter perfektioniert.

»Die Stücke (...) fließen mit der für Veirs typischen Leichtigkeit, mit einer warmen Souveränität, die auch ihrer so kraftvollen wie ätherischen Stimme zu verdanken ist. (...) Klassisch und gut.«

(Audio, Mai 2018)

... nach dem tollen Case/Lang/Veirs-Projekt wieder „solo“. Um ehrlich zu sein, ich finde die Songs unterschiedlich gut (gut aber alle!), aber manche einfach herausragend. Z.B. einen in Laurel Canyon-Verwandtschaft mit Folk/Country-Pop-Flair, federleicht und lichtdurchflutet relaxt fließend. Oder ein sanftes Folk-Pop-Stück fast wie in schwereloser Trance, leicht melancholisch und elegisch, mit langen Melodiebögen. Oder 2 entzückende Folk-Balladen, dezent sphärisch oder grazil und dennoch erdverhaftet (welch Melodie!). Eine bestechende reduziert-rotierende Songwriter-Pop-Ballade, träumerisch. V.a. aber den grandiosen Opener, unglaublich feinsinnig, unglaublich leichtfüßig, melodisch wundervoll, kunstvolle tolle Akustikgitarren (die paaren sich im ganzen Album ständig mit vorzugsweise klangmalenden aparten E-Gitarren, die wiederum teils mit Pedal Steel verschmelzen) – freigeistiger absolut faszinierender Folk, der mich an die frühe Joni Mitchell erinnert (ohne so zu klingen). Der Rest ist Songwriter/Folk-Pop mal dezent/straight angetrieben, mal relativ traditionell, mehrfach etwas zeitgenössischer, mal vernebelt-roots-rockig, mal irgendwie „verschlurft“ bis fast meditativ, mal in sich ruhend (aber nicht wirklich ruhig). Sporadisch klasse Effekte auf der Stimme. Tucker Martine produzierte wieder, u.a. Sufjan Stevens und Jim James (My Morning Jacket) gastieren.

(dvd, www.glitterhouse.de)

Nachdem es für Josienne Clarke & Ben Walker in den vergangenen Jahren immer nur aufwärts ging und sie mit ihren Alben mehr als nur einen Preis absahnten, führte »Overnight« 2016 zu einem Bruch in dieser Entwicklung.

Ausgerechnet der erste, dazu sehr anspruchsvoll gestaltete und reich instrumentierte Langspieler fürs neue Label Rough Trade blieb kommerziell hinter den Erwartungen zurück. Das gab dem britischen Folk-Duo zu denken. Unweigerlich stand die Frage im Raum, ob sie von Rough Trade überhaupt noch eine zweite Chance bekommen würden. Zum Glück erhielten sie diese, was für Clarke und Walker Grund genug war, jeden Stein einmal umzudrehen und sich komplett neu zu erfinden.

So entstand mit »Seedlings All« ein Album, mit dem sich die beiden aus ihrer reinen Brit-Folk-Nische raus- und ins Genre der alternativen Singer/Songwriter reinbewegt haben. Hinzu kommt, dass »Seedlings All« die ersten ganz eigenen und dabei sehr biographischen Songs des Gespanns beinhaltet. Unterm Strich zeigen die Aufnahmen Clarke und Walker – vielleicht gerade auch aufgrund der Umorientierung – auf dem Höhepunkt ihres Schaffens!

Feat. Special Guests: Chuck Prophet, Robyn Hitchcock, Pat Sansone (Wilco, The Autumn Defense), Pat McLaughlin, Mando Saenz, u.v.m.

Kim Richey ist seit Mitte der 90er Jahre fester Bestandteil von Nashvilles Musikszene und nahm bereits sieben Studioalben auf. Dabei arbeitete sie mit einer Vielzahl von Musiker-Größen, von Trisha Yearwood bis Jason Isbell, zusammen und wurde inzwischen für zwei Grammy Awards nominiert. Nach einer fast fünfjährigen Pause kehrt Richey im März 2018 mit ihrem achten Studioalbum Edgeland zurück.

Der Begriff Edgeland ist definiert als die verlorene Zone zwischen städtischen und ländlichen Umgebungen, ein Konzept, das Richeys ständige Fluktuation zwischen den starren Genredefinitionen von Country- und Americana-Musik nachahmt. Richey setzt dabei auf den eigenen intuitiven musikalischen Fortschritt um ihren Sound zu formen.

Die Aufnahmen zu diesem neuen Album entstanden in Zusammenarbeit mit Produzent Brad Jones in seinem Studio Alex the Great in Nashville. Für Edgeland brachte Richey einige von ihren talentiertesten Freunden zusammen, um bei den einzelnen Tracks immer wieder mit begleitendem Gesang und instrumentalen Beiträgen für angenehme Überraschungen zu sorgen. Das Ergebnis sind 12 Songs, die sowohl Richeys musikalische Anpassungsfähigkeit als auch Geschicklichkeit für kollaboratives Songwriting zeigen.

The Low Anthem strecken die Arme aus und locken den Hörer ins salzige Meer. Gegründet 2007 von den besten Freunden Ben Knox Miller und Jeff Prystowsky entwickelte sich The Low Anthem zu einem fast versehentlichen DIY Erfolg. Nachdem die Alben »What The Crow Brings« und »Oh My God, Charlie Darwin« in Eigenregie veröffentlicht und zusammen mehr als 100.000 Stück verkauft hatten, unterschrieb die Band einen Deal mit Nonesuch Records, betourte die Welt und bekam gegen ihre eigene Überzeugung den Stempel »Folk Revival« aufgedrückt.

Und dennoch: Nacht für Nacht das gleiche Material darzubieten, konnte nicht das Nonplusultra sein: »Der Moment verlor seinen Zauber. Wir hatten Angst, zu Robotern zu werden«, erklärte die Band die ersten sechs Jahre reflektierend. Im Winter 2012 kehrte The Low Anthem nach Providence zurück, um in ihrer Heimat ihr musikalisches Selbstverständnis von Grund auf zu hinterfragen. Die Band erweckte ein altes Theater aus der Vaudeville – Zeit zum Leben und baute sich ihr eigenes Studio. In diesem frisch restaurierten Theater-Studio fanden The Low Anthem eine neue Richtung.

Die Band wagte sich im Studio an Experimente und benutzte Dinge, die nicht klassischerweise als Instrument gelten, um neue Stücke aufzunehmen und sichtete später hunderte Stunden Material. Diese Übung der kompletten musikalischen Dekonstruktion – musikalische Ideen in ihre Fragmente zu zerlegen und wieder zusammenzufügen – mündete schließlich im Album »Eyeland«. Als komplexes, experimentelles Album, fand die Veröffentlichung von »Eyeland« nach nur vier Konzerten ein abruptes Ende, als die Band in einen schweren Autounfall verwickelt wurde und geschlossen ins Krankenhaus kam und gezwungen war die Tour abzusagen.

Im Anschluss an die Genesung konnten The Low Anthem ihre musikalischen Ideale destillieren und ihre wahre Stimme finden. Mit »The Salt Doll Went To Measure The Depth Of The Sea« präsentieren The Low Anthem zwölf kurze Songs, die zerbrechlich, voller Nuancen und zu 100% aufrichtig sind. Im Kontrast zu dem existenziellen Freakout auf »Eyeland« oder den vorherigen Folkalben, vermittelt »The Salt Doll...« ein Gefühl des feinfühligen Vorsatzes. Akustische Arrangements werden mit subtilen elektronischen Elementen angereichert zu Songs, die zugleich organisch und höchst konzeptionell sind.

Die vier Meister des modifizierten Folk und Multiinstrumentalisten beherrschen die Poesie des Weglassens. Ihr Gesang ist seidenweich und eingängig, ihre Melodien umschmeicheln das Ohr. Unter diesen Hooks blubbern und knacken verhaltene Electronics.

(stereoplay, Mai 2018)

Seine Aufrichtigkeit und Geradlinigkeit sind legendär - vielen gilt Tom Liwa als bester deutschsprachiger Singer/Songwriter. Nach »Ich liebe Menschen wie ihr«, dem 2012 veröffentlichten Quasi-Comeback-Album der Flowerpornoes, und »Umsonst & Draußen« von 2015, Liwas erstem Album für Grand Hotel van Cleef, ist viel passiert. Zunächst spielte der Duisburger Songpoet, der jetzt in der Nähe von Soest auf dem Land wohnt, jede Menge Konzerte.

Viele davon privat, sowohl mit den Flowerpornoes als auch solo. Zudem schrieb er ein - noch nicht veröffentlichtes - Buch, hatte seine erste Ausstellung mit Zeichnungen und wurde noch einmal Vater. Weiterhin nahm er mit seinem Jugendfreund Mike Krollmann unter dem Namen Sundown ein wunderschönes, zart psychedelisches Album in englischer Sprache auf. Und schließlich arbeitete er an »Ganz normalen Songs«.

Das heißt einer weiteren ausdrucksstarken Liedersammlung, die mit sensiblen akustischen Gitarrenklängen und brillanten Texten das gesamte Spektrum zwischen Melancholie und Zynismus ausleuchtet. Das warmherzige Album wurde von Tobias Levin (Tocotronic, Ja Panik) gemischt und gemastert. »Noch nie hat Musik von mir so fantastisch geklungen«, bedankte sich Liwa bei Levin. »Noch nie wurde eins meiner Alben mit soviel Liebe zum Detail fertiggestellt.«

»Nordub« ist das erste gemeinsame Album der Grammy-Preisträger und Reggae-Legenden Sly & Robbie mit dem norwegischen Jazz-Innovator Nils Petter Molvaer. Gemeinsam erschaffen sie eine einzigartige Klangwelt, die sich zwischen den farbenreichen Sounds des norwegischen Jazz und den energiegeladenen Grooves Jamaikas aufspannt. Zusammen mit Eivind Aarset (Gitarren) und Vladislav Delay (Elektronik) hat sich eine Band von seelenverwandten Musikern gefunden, die alle Genre-Grenzen sprengt.

Mit ihrem Projekt »Nordub« erregten sie bereits mit einer gemeinsamen Tournee in den Jahren 2015/16 weltweit Aufmerksamkeit. Nun erscheint das langersehnte Album mit dem musikalischen Ergebnis ihrer Zusammenarbeit. Sly (Sly Dunbar) & Robbie (Robbie Shakespeare) haben bereits Hits für Paul McCartney, Britney Spears oder No Doubt geschrieben und mit Künstlern wie Bob Dylan, Sting, Serge Gainsbourg oder Sean Paul zusammengearbeitet.

Für ihrem innovativen Stilmix aus Dancehall-, Soul-, Hip Hop- und Reggae-Elementen wurden sie bereits zwei Mal mit dem Grammy ausgezeichnet. In der Zusammenarbeit mit Jazz-Trompeter Nils Petter Molvaer erkunden sie neues Terrain.

Es scheint, als würde sich der Sound unentwegt ausdehnen, immer größere Räume umfassen und den Hörer in immer entlegenere Winkel der Galaxis mitnehmen.

(stereoplay, April 2018)

Molvær lässt sein Instrument zum kochenden Dub singen, die Elektro-Atmosphäre ist sensationell.

(Audio, April 2018)

Jeff Tweedys akustischer Karriererückblick

Mit »Together At Last« präsentiert Jeff Tweedy 2017 sein neues Soloalbum.

Es handelt sich dabei um eine Sammlung von insgesamt elf Solo-Akustik-Versionen von Songs seiner Bands Wilco, Loose Fur und Golden Smog.

Mit dabei sind Klassiker wie »Hummingbird«, »I’m Trying To Break Your Heart«, »Via Chicago« und viele mehr. Einen ersten Vorgeschmack auf die Platte gab es bereits mit dem Loose-Fur-Song »Laminated Cat«.

Aufgenommen hat Tweedy das Album in Eigenregie in seinen Loft Studios in Chicago. Die Produktion teile er sich mit Tom Schick.

»Together At Last« ist die erste Folge einer Solo-Akustik-Serie mit dem Namen »Loft Acoustic Sessions«.

So hat man diese Songs noch nie gehört: Jeff Tweedys »Together At Last« ist eine wunderschöne akustisch-reduzierte Hommage an seine eigenen Bands.

Es mag angesichts des Titels paradox anmuten, aber ›Together At Last‹ ist ein brillant auf den Punkt gebrachtes Solo-Best-Of von Wilco.

(stereoplay, Juli 2017)

Tweedy singt uns ganz nah ins Ohr – eindringlich, lässig und melancholisch. Eine Harp setzt klagende Klangtupfer. Ein überragendes Statement dafür, wie groß kleine Lieder klingen können. Aufgenommen in seinem Chicagoer Loft Studio ist dies der Auftakt der ›Loft Acoustic Sessions‹. Bitte mehr!

(Audio, Juli 2017)

Die magische Studioversion eines Solokonzerts des Wilco-Chefs.

(Rolling Stone, 5.Juli 2017)

Ende der Siebziger gehörte die Londoner Gruppe The Monochrome Set zur Speerspitze der sich neu formierenden Postpunk-Bands. Bis 1985 veröffentlichte die Formation mehrere Alben und Singles. Zu den größten Hits zählten die Songs »He's Frank«, »Alphaville«, »Eine Symphonie des Grauens« und insbesondere »Jacob's Ladder«. Ihre Alben »Strange Boutique« und »Love Zombies« (beide 1980) erreichten Kultstatus.

Die außergewöhnliche Mischung aus New Wave und 60s-Beat, trockenem Gesang und rhythmischen Gitarrenparts, Pop und Psychedelic, in die auch mal Northern-Soul-, Ska- oder Folk-Elemente einfließen durften, hatten einen prägenden Einfluss auf die englische Musikszene. Morrissey und Edwyn Collins gehörten zu den ersten großen Bewunderern.

In den folgenden Jahrzehnten zeigten sich The Divine Comedy, Graham Coxon und vor allem Franz Ferdinand von The Monochrome Set beeinflusst. Nicht umsonst läuteten Letztere mit ihrem gleichnamigen Debüt 2004 das Postpunk-Revival ein.

Aufgrund geringen kommerziellen Erfolgs löste sich die Formation in den Achtzigern auf, reformierte sich aber 1990 und ist seither mit Pausen bis heute aktiv. Gerade in den letzten Jahren erschienen wieder verstärkt neue Alben mit dem so typischen, zeitlosen Sound, zuletzt beim Label Tapete. Dort kommt nach »Spaces Everywhere« (2015) und »Cosmonaut« (2016) auch »Maisieworld« heraus.

Auch Album Nr. 15 erfreut mit popmusikalischer Extravaganz ... Aufregend.

(Audio, März 2018)

Dass diese Band Songs zu Klassikern befördern kann, das muss sie nicht mehr beweisen. Dafür hat sie zahlreiche Verneigungen von ihren Rock’n’Roll-Enkeln erhalten, von den Smiths, Belle & Sebastian, Blur und Franz Ferdinand.

(musikexpress)

Das gesamte Spektrum von Yo La Tengo

Yo La Tengo stehen 2018 mit ihrem neuen, mittlerweile 15. Album in den Startlöchern. »There’s A Riot Going On« heißt die erste neue Studioplatte seit »Fade« (2013). Der Titel ist eine Referenz zum gleichnamigen Album von Sly and the Family Stone aus dem Jahr 1971.

Gleich vier Songs veröffentlichten die Alternative-Ikonen bereits im Voraus: »You Are Here«, »Shades Of Blue«, »She May, She Might« und »Out Of The Pool«. Alle vier zeigen, dass Georgia Hubley (Gesang, Schlagzeug), Ira Kaplan (Gesang, Gitarre) und James McNew (Bass) auch nach mehr als 30 Jahren Bandgeschichte vor Kreativität nur so sprudeln: Alternative Rock, Indie, Folk, Psychedelic, Funk: auf »There’s A Riot Going On« offenbaren Yo La Tengo ihr gesamtes Spektrum. Mit sage und schreibe 15 neuen Tracks haben sie auch genug Möglichkeiten dafür.

Außerdem machen sie deutlich, dass sie ein perfekt eingespieltes Team sind. Kein Wunder, dass sie auch die Produktion von »There’s A Riot Going On« selbst in die Hand nahmen. Nur beim Mixing ließen sie sich von John McEntire unterstützen.

Das Resultat ist ein absolut abwechslungsreiches Album, das sich nur schwer in eine Schublade stecken lässt: »There’s A Riot Going On«.

Der reißerische Albumtitel trügt: hier geht es musikalisch sehr beschaulich zu. Milde plinkern die Gitarren, ungehetzt regiert der klassische Velvet Underground-Groove. Georgia Hubley, Ira Kaplan und James McNew haben im Proberaum ein wenig herumgejamt, mitgeschnitten und daraus ein Album gezaubert. Ohne Producer, der alte Weggefährte John McEntire hat anschließend nur noch den Mix gemacht. Hier werden die Dinge also betont einfach gehalten. Die immerhin 15 Songs geraten auch mal ambientös, ohne Vocals oder verspielt percussiv, es dominieren aber die typischen, ausgeruhten Soft-Psychedelia-Nummern mit gewollt laschem, süßlichem Gesang und hypnotisch plinkernden oder auch mal fuzzigen Gitarrenflächen. Manches wirkt improvisiert, bzw. wie Ausschnitte aus den längeren Jams, teils auch postrockig verdaddelt und leicht orientierungslos. Um dann aber wieder zu kleinen, runden und harmonischen Songs mit Sixties-Feeling zu finden, mit immer zurückgenommenem Gesang und sanft pluckernden (teils fast karibischen) Rhythmen. Dieser schlaffe Exotica-Vibe macht mich beim Hören ziemlich schläfrig, manches erinnert an die guten (aber wohl vergessenen) Pram oder Tortoise. Einmal erweist man dem Bossa-Pionier Walter Wanderley einen verorgelten Tribut, ein anderes Mal wird die Mitte zwischen frühen Pink Floyd und Stereolab gefunden. Oft passiert aber auch schlicht gar nichts. Fans werden die Musik als in sich ruhend und gelassen-schön finden, Skeptiker könnten dieses Album aber auch schlicht langweilig finden. Ich tendiere diesmal zu Zweiterem.

(Joe Whirlypop, www.gitterhouse.de)

Ungewohnt klavierbetont

Ein gebrochener Fingernagel war der Grund, warum Alela Diane beim Songwriting für ihr neues Album vor allem das Piano an Stelle der Gitarre wählte. Auf die hat sie aber natürlich nicht komplett verzichtet, und natürlich auch nicht auf ihre markante Stimme.

Mit »Cusp« zeigt sich die Singer-Songwriterin 2018 dennoch von einer neuen Seite, die ihr ausgezeichnet steht. Elf Songs hat Diane für die Platte im Flora Playback Studio in ihrer Heimat Portland aufgenommen. Unterstützung erhielt die 35-Jährige dabei von Produzent Peter M. Murray.

Zudem warten einige hochkarätige Musikerkollegen auf »Cusp«: Peter Broderick, Heather Woods Broderick (Sharon Van Etten, Efterklang), Daniel Hunt (Neko Case) und Ryan Francesconi (Joanna Newsom).

Einen ersten Vorboten schickte die Musikerin bereits im letzten Jahr mit »Émigré« ins Rennen.

Zusammen mit ihren Gästen ist Alela Diane ein wirklich besonderes, klavierbetontes Album gelungen: »Cusp«.

New Yorke

Jono McCleerys viertes Album ist eines voller Cover-Versionen. Aber der Brite hat es sich nicht einfach gemach. Die Songs stammen aus diversen Epochen der vergangenen 70 Jahre und den unterschiedlichsten Genres. Der Opener "Gabriel" gehört eigentlich in die Garage-House-Diskografie von Roy Davis Jr., "God bless the child", das auch das Artwork von "Seeds of a dandelion" beeinflusst haben dürfte, singt Billie Holiday im Original und "Halo" war 2008 kein kleiner Hit für Beyoncé, die Grand Dame des populären R'n'B. Warum das trotzdem als geschlossenes Ganzes funktioniert, ist leicht erklärt: McCleery und sein Produzent Tim Rowkins, der auch schon an "Pagodes" arbeitete, gehen an das emotionale Korsett des Stücke, schütteln zuerst den originären Klangkörper ab und addieren dann – je nach Gemengelage – Streicher, Percussions oder Bass und verlieren dabei nicht einmal die stilistische Vielfalt des Londoners aus den Augen.

Wer McCleery und seine herrlichen Alben "There is" und "Pagodes" kennt, weiß um die Interpretationsfreudigkeit des Mannes mit den rötlichen Haaren, hat bereits Blacks "Wonderful life" und Robert Wyatts "Age of self" wohltuend neu vernommen. Nicht zu vergessen sind jene Cover, die er bei seinen Auftritten einstreut. Die Fallhöhe mag insofern für ihn etwas niedriger ausfallen, weil es dann doch kein so unbekanntes Terrain ist. Zum Start kitzelt er den Soul aus oben erwähntem House-Track "Gabriel", ehe Paul Wellers "Brand new start" folgt. Ein unkaputtbarer Song des Modfathers. Das schafft McCleery natürlich ebenso wenig. Er konserviert die Traurigkeit, entstöpselt die Gitarren und fügt Violinen hinzu. Fraglos schön, bietet aber auch wenig neue Akzente. Den Kürzeren zieht McCleery im direkten Vergleich aber nur bei Scott Walkers "Old man's back again".

Bei "Halo", das definitiv keinen Beat benötigt und vor allen Dingen "Know who you are at every age" schaut das hingegen anders aus. Schließlich singt das Original Elizabeth Fraser, Stimme der Cocteau Twins. Bei McCleery verschwindet der schlierenziehende Dream-Pop und mit ihm eine Minute Laufzeit. Und beides fängt der Brite sehr gekonnt an seiner Akustikklampfe auf. Noch strenger im Einkürzen ging er bei Sébastien Telliers "La ritournelle" vor. Er kann zwar nicht mit Tony Allen an den Drums aufwarten, den braucht er für seinen fünf Minuten kürzeren Harfen-Traumfänger allerdings auch nicht. Ohne Frage zu den Highlights zählt "Ingenue", dessen Zeilenpart "Seeds of a dandelion" auch Namenspatron für diesen vierten Langspieler ist.

McCleery wechselt hier auch in die Kopfstimme, aber eben nur sporadisch, variiert mehr als Thom Yorke in seinem beständigen Höhen-Wimmern. "Ingenue" ist eines der Stücke, bei denen sich der Brite zusätzlich Basslicks, Percussion und einen Orgel-Teppich gönnt. Unter dem Strich sind Atoms For Peace somit immer greifbar, aber McCleerys Interpretation ist klasse, hat sogar mehr emotionale Tiefe. Auch Jeff Buckleys "Morning theft" zelebriert er ehrfürchtig und mehr als würdig, rüttelt nicht am klassischen Element Rufus Wainwrights in "Dinner at eight" und Tim Buckleys "Dream letter" spendiert er ein sensationelles Outro, was seine Version – aus Rezensentensicht – sogar über das Original hebt. Muss Jono McCleery covern? Nein. Kann er es? Ja.

(Stephan Müller, www.plattentest.de)

Pete Astor, ehemaliger Frontmann bei The Loft und The Weather Prophets, gewissermaßen den »Lieblingsbands« des Labels Creation, vereint in seinem Werk all die großen und kleinen Strömungen, die im Lauf der Jahre seine Wege gekreuzt haben. Dadurch wurde er zu einem unerschöpflichen Quell für zeitlosen Gitarrenpop. Dieser dient ihm als Rahmen für sarkastische Gedichte und eingängige Melodien. Auf diese Weise macht er Musik für die Gegenwart, die deutlich hörbar in der Vergangenheit wurzelt und zugleich in die Zukunft blickt.

Nach den euphorischen Reaktionen auf die Veröffentlichung von »Spilt Milk« zum Jahresbeginn 2016 entwickelte Astor den musikalischen Geist dieses Albums auf »One For The Ghost« straight weiter. Als zentrale Stütze wirkte erneut James Hoare (Ultimate Painting, Proper Ornaments, Veronica Falls) an der Gitarre mit. Für den Rhythmus sorgten dieses Mal Franic Rozycki am Bass und Jonny Helm am Schlagzeug (beide: The Wave Pictures).

Pam Berry von Withered Hand und Black Tambourine bereicherten die Aufnahmen mit ihrem Gesang. Wie Astor bemerkte, war Zeit der wichtigste Geburtshelfer bei der Entstehung des Werks: »Eines Abends, bei einem Glas meines Lieblingsrotweins, habe ich im Andenken an vergangene Zeiten und Menschen ein zweites Glas genommen. Daraus hat sich eine Tradition entwickelt, und aus der Tradition ein Song und schließlich ein Albumtitel: ›One For The Ghost‹.«

Ein großartiges, reflexives Pop-Album.

(Audio, März 2018)

Traumhafter Pop von Jonathan Wilson

Jonathan Wilson ist zurück. Der US-amerikanische Multiinstrumentalist, Sänger und Produzent veröffentlicht 2018 sein neues Soloalbum »Rare Birds«, den Nachfolger von »Fanfare« aus dem Jahr 2013.

Insgesamt 13 neue Songs hat Wilson dafür aufgenommen und selbst in seinen Fivestarstudios in Los Angeles produziert. Unterstützung bekam er im Studio von ein paar prominenten Kollegen: Father John Misty, Lucius, Lana Del Rey und New-Age-Musiklegende Laraaji sind auf dem Album mit von der Partie.

Einen ersten Vorgeschmack auf »Rare Birds« gab es bereits im Dezember 2017 mit der epischen und romantischen Single »Over The Midnight«.

Und die zeigt: Jonathan Wilson ist so experimentierfreudig wie eh und je. Von Folk und Psychedelic geht es 2018 weiter in Richtung Dream-Pop. Eine Entwicklung, die ihm ausgezeichnet steht.

Neue Besetzung, neues Album, gelungene Mischung

Vor fast 50 Jahren gründete Ian Matthews seine Matthews’ Southern Comfort. Nach gerade einmal zwei Jahren und drei Alben verließ er die Band allerdings wieder und war von nun an auf Solopfaden unterwegs.

2018 kehrt er jetzt zu seinen Anfängen zurück, mit einer neu besetzten Band und einem neuen Album: Hier ist »Like A Radio« von Matthews’ Southern Comfort.

Das verjüngte Line-up der Band besteht aus den drei Niederländern Bart Jan Baartmans, Bart de Win und Eric De Vries.

Gemeinsam haben sie 15 Stücke für »Like A Radio« eingespielt, darunter zwölf neue Kompositionen und die drei neu eingespielte MSC-Klassiker »Something In The Way She Moves«, »Darcy Farrow« und »To Love«.

Das Ergebnis ist ein Album, das zweifellos an das Original aus den frühen 1970ern erinnert, trotzdem frisch und modern klingt. Eine absolut gelungene Mischung: Matthews’ Southern Comforts »Like A Radio«.

Mit ihnen (auch als überzeugende Harmoniesänger) hat er zwölf neue Songs (plus drei Bonustracks) eingespielt, bei denen allein schon die Texte uneingeschränkte Aufmerksamkeit einfordern. Genauer: deren politische Statements, seine Beobachtungen und Anmerkungen zum Sozialverhalten seiner Mitmenschen. Musikalisch sind die meist im Midtempo vorgetragenen Nummern zwischen Folk- Rock und Americana angesiedelt, mit dem wunderschönen, für seine Tochter geschriebenen ›Crystals On The Glass‹ als Höhepunkt.

(Good Times, Februar / März 2018)