Seit mehr als 30 Jahren bahnt sich die Singer-Songwriterin und Gitarrenheldin Mary Timony einen unverwechselbaren Weg durch die Welt der Independent-Musik, zuletzt als Sängerin und Gitarristin des gefeierten Garage-Pop-Power-Trios Ex Hex (Merge), aber auch als Mitglied der bahnbrechenden Postpunk-Band Autoclave (Dischord), gefeierte Frontfrau der zutiefst einflussreichen Helium (Matador), vielseitige Solokünstlerin (Matador, Lookout!, Kill Rock Stars) und Mitbegründerin der Supergruppe Wild Flag (Merge).

Von Carrie Brownstein von Sleater-Kinney als »Mary Shelley mit einer Gitarre« beschrieben und von Lindsey Jordan alias Snail Mail als »Wegbereiterin und Innovatorin« bezeichnet, hat sich Timony als eine der einflussreichsten ihrer Generation hervorgetan. Obwohl sie seit den frühen 90er Jahren eine Kultheldin und ein Kritikerliebling geblieben ist, wurden Timonys zahlreiche Triumphe lange Zeit durch lähmende Zweifel und Selbstzerstörung ausgeglichen.

Ihr fünftes Soloalbum, Untame the Tiger, geht diese Emotionen frontal an. Ihre erste Solo-Veröffentlichung seit 15 Jahren ist das verblüffende Dokument einer Künstlerin, die im vierten Jahrzehnt ihrer Karriere voll und ganz zu ihrer eigenen Kraft findet. Es ist das Ergebnis der Lektionen, die sie während eines lebensverändernden Kampfes gelernt hat. Das mystische, akustisch geprägte Untame the Tiger entstand nach der Auflösung einer langjährigen Beziehung und wurde durch den Tod von Timonys Vater und Mutter überschattet.

Das Album wurde während einer zweijährigen Periode aufgenommen, in der sie die Hauptpflegeperson für ihre kranken Eltern war. Die tektonische psychische Verschiebung, die Mary aufgrund dieses Verlustes erlebte, prägt viele ihrer Texte. Das herausragende Stück »No Thirds« »ist ein Song darüber, alles zu verlieren und immer weiterzumachen«, sagt Timony. »Ich wollte, dass die Strophen wie ein weit offener, karger Raum klingen, als würde man durch eine Wüste fahren, denn darum geht es in dem Song - Menschen zu verlieren und das Gefühl zu haben, dass deine Zukunft ein riesiger, weit offener, leerer Raum ist.« Die schlichte akustische Instrumentierung von »The Guest« erinnert an die Sweetheart-Ära der Byrds. Timony beschreibt es als ein Lied, das direkt auf die Einsamkeit gesungen wird: »Ich habe mir die Einsamkeit als einen Hausgast vorgestellt, der ständig an deine Tür klopft. Ich dachte, es wäre witzig zu sagen, dass die Einsamkeit der Einzige ist, der immer wieder zurückkommt.«

»Untame the Tiger« verschmäht Timonys Ruf als Gitarrenheld nicht; im Gegenteil, »Summer« genießt ihn geradezu, ein geradliniger Knaller, den man fast als »schnörkellos« bezeichnen könnte, bis sein anfänglicher Garagenrock-Stomp in die unerwartete Glückseligkeit eines doppelten Gitarrensolos mündet. »Ich wollte, dass die Aufnahme die Energie der Kinks, der frühen Dio und Elf oder von Rory Gallagher hat«, erklärt sie. »Ich habe auch viel von Gerry Raffertys erstem Soloalbum gehört und war inspiriert, zwei gleichzeitige Gitarrensoli zu haben.«

Untame the Tiger nimmt den Faden auf, der sich durch Timonys Freak-Folk-erwartungsvolle Soloalben der frühen 00er Jahre zieht. Die Basis-Tracks wurden im Studio 606 in Los Angeles aufgenommen, wobei Timony von Dave Mattacks, dem Schlagzeuger der legendären britischen Folk-Rock-Band Fairport Convention, unterstützt wurde. »Mattacks ist ein Held von mir und einer meiner Lieblingsmusiker aller Zeiten. Er ist eine wahre Legende. Ich hätte nicht in einer Million Jahren gedacht, dass er sich bereit erklären würde, auf meiner Platte zu spielen«, sagt Timony. »Vor der Session hatte ich eine Panikattacke und musste mich alleine auf den Parkplatz setzen, Als wir dann anfingen, zusammen zu spielen, fühlte es sich so großartig an, dass die Angst nachließ und sich in Aufregung verwandelte. Sein Spiel fühlte sich sofort vertraut an, was Sinn macht, weil es die Grundlage vieler meiner Lieblingsplatten ist.«

Untame the Tiger wurde von Mary Timony, Joe Wong und Dennis Kane produziert. Das Album wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren im Studio 606, Magpie Cage, 38North und in Marys Keller aufgenommen. Die zusätzliche Technik stammt von J. Robbins (Jawbox, Burning Airlines). Zu den Musikern gehören Chad Molter (Faraquet, Medications), David Christian (Karen O, Hospitality), und Brian Betancourt (Cass McCombs, Devendra Banhart, Hospitality). Gemischt wurde das Album von Dave Fridmann (MGMT, The Flaming Lips, Mercury Rev), Dennis Kane und John Agnello (Dinosaur Jr., Kurt Vile, Waxahatchee).

.​.​.​die klare Klangdynamik kommt ebenso zur Geltung wie die perfekt abgestimmte Produktion.​ Das vorliegende transparent-pinke Exemplar sieht außerdem noch gut aus und passt hervorragend zum von Colin Burns designten Artwork.​

(MINT, April 2024)

Die Amerikanerin Mary Timony hat schon in sehr vielen Bands gespielt (Autoclave, Ex Hex, Wild Flag), ich lernte sie einst via Helium kennen. Solo hat sie es in den frühen 2000ern zu drei eigenen Alben gebracht (teils auf Matador), jetzt hat sie ein neues Werk am Start. Das überzeugt mich gleich mit dem herausragenden ersten Song „No Thirds“, ein stoisch-eleganter Sechsminüter von innerer Ruhe, getragen von einer ganz wunderbaren Gitarrenlinie (Riff wäre zu hart ausgedrückt). Mit Feelies-Vibe und eleganten Streichern (elektronisch?). Am Ende umspielen sich zwei munter plinkernde Gitarren sowas Schönes könnte ich ewig hören. Im Weiteren geraten manche Songs auch etwas schlichter im Sinn von unaufdringlich und wohlgeordnet. Die Gitarre ist durchgehend toll, angenehm unprätentiös aber doch sehr präsent ein bisschen fühle ich mich an Richard Thompson erinnert. Marys Gesang ist dagegen eher unauffällig, was aber kein bisschen stört. Der nächste Topsong heißt „Looking For The Sun“ und ist eine stoische Meditation auf der Basis einer akustischen Gitarrenfigur, teils mit kleinem Velvet Underground-Vibe. Die Gitarre verliert sich mal in elegischer Eleganz oder wird mit sparsamem Slide solide geerdet langweilig wird Mary Timonys Sechssaiter jedenfalls nie. Mein dritter Lieblingssong „Untame The Tiger“ erinnert gar deutlich an die jugendlich frische Joni Mitchell, was das Album endgültig zu einer souveränen Songsammlung einer gereiften Künstlerin abseits aller Trends und Genres macht. Am Schlagzeug sitzt erstaunlicherweise der legendäre Brite Dave Mattacks von Fairport Convention.

(Joe Whirlypop, www.glitterhouse.de)

Die 7fache Grammy Gewinnerin Kacey Musgraves veröffentlicht mit »Deeper Well« ihr 5. Studioalbum. Mit der gleichnamigen ersten Single stellt Kacey wieder ihr großes Talent für eingängige Melodien mit tiefgehenden Texten unter Beweis. Schon ihr letztes Album, das die Spitze der US-Charts erreichte zeigt Kacey, wie fließend die musikalischen Grenzen zwischen Pop, Americana und Country sein können und hat sich somit weltweit eine riesige Fangemeinde erschaffen. In den USA schon ein Megastart wird sie mit diesem Album nun auch den Rest der Welt erobern.

Faye Webster hat heute ihr neues Album »Underdressed At The Symphony« für bei Secretly Canadian angekündigt und teilt gleichzeitig ihre neue Single »Lego Ring (feat. Lil Yachty)«.

Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song, auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty zu hören ist.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und »Underdressed at the Symphony« dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs »But Not Kiss« und »Lifetime« zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in »Underdressed at the Symphony« wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. »eBay Purchase History« oder die Objekte, die sie bei »Lego Ring« begehrt.

»Underdressed at the Symphony« wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt ›Pistol‹ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren.

Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

Fünftes Studioalbum der hochgelobten US-Sängerin, Songwriterin und Musikerin als CD im Digisleeve sowie als LP mit bedruckter Innenhülle auf Légère Recordings.

Diane Birch blickt auf eine jahrzehntelange Karriere und eine große Palette musikalischer Einflüsse zurück. Über Südafrika und die USA bis nach England reichen die Stationen ihres Wirkens. Weltstars wie Prince, Daryl Hall, Mark Ronson, Dave Stewart, Questlove, Elvis Costello, Bryan Ferry oder Stevie Wonder gehören zu ihren Bewunderern.

Mit »Flying On Abraham« präsentiert sie zehn brandneue Eigenkompositionen, eine Hommage an die Sounds des AM-Radios der 70er Jahre. Soul, Jazz, klassischer Rock und Pop der 80er und 90er Jahre sowie R&B macht sich Birch in ihren Liedern zu eigen, mit beeindruckendem Selbstbewusstsein. Mit ihrer Stimme, einer Mischung aus rohen Emotionen und raffinierter Anmut, lässt sie das Erbe von Künstlerinnen wie Carole King, Carly Simon und Rickie Lee Jones neu aufleben. Ihre Vision - amerikanische Musik mit englischer Sensibilität zu machen - wurde von Paul Stacey (Noel Gallagher, Oasis, Black Crowes) in einer wunderbaren Produktion eingefangen. »Flying On Abraham« ist ein beeindruckend reifes und aufregendes Album!

Eindringlich melancholisch

Wenige Stimmen in der Musikwelt klingen so eindringlich und unverwechselbar wie die von Beth Gibbons. Auch auf »Lives Outgrown«, dem ersten Soloalbum der Sängerin von Portishead.

Ganze zehn Jahre hat die Musikerin an den Songs gearbeitet, die sie schließlich mit Lee Harris von Talk Talk in Form gegossen hat. Das Ergebnis ist ein melancholisches, wunderschönes Album, das jederzeit offen für Experimente ist.

Beth Gibbons veröffentlicht ihr erstes Soloalbum »Lives Outgrown« im Mai 2024. Das Album enthält 10 wunderschöne neue Tracks, die über einen Zeitraum von 10 Jahren aufgenommen wurden. Produziert wurde das Album von James Ford & Beth Gibbons mit zusätzlicher Produktion von Lee Harris (Talk Talk).

»Lives Outgrown« ist in gewisser Weise Beths bisher persönlichstes Werk, das Ergebnis einer Periode anhaltender Reflexion und Veränderung - »viele Abschiede«, wie Beth sagt. Abschiede von der Familie, von Freunden, sogar von ihrem früheren Ich. Es sind Lieder aus der Mitte des Lebens, wenn der Blick nach vorn nicht mehr so viel bringt wie früher und der Blick zurück plötzlich einen schärferen Fokus hat.

Die Lieder handeln von Mutterschaft, Ängsten und den Wechseljahren (die Beth mal als »massive Prüfung« und mal als »massiven Abstieg« beschreibt, der »dich in die Knie zwingt«) sowie zwangsläufig auch von der Sterblichkeit.

Aber nach diesem Jahrzehnt des Wandels und der Neuausrichtung hat Beth das Gefühl, eine neue Bestimmung gefunden zu haben. »Jetzt, wo ich am anderen Ende angekommen bin, denke ich einfach, dass man mutig sein muss«, sagt sie.

Nach einer 12-jährigen Pause melden sich Beachwood Sparks mit „Across The River Of Stars“ zurück, einer transzendenten und prägnanten Klang-Odyssee. Unter der leitenden Hand von Chris Robinson zeigt das Revival der Band ihr Wachstum und ihre musikalische Reife. Von ihren Indie-Wurzeln bis zu dieser himmlischen Rückkehr schlägt das Album eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und bietet eine Reise durch kosmische und erdige Landschaften. Mit seinen neun Songs lädt "Across The River Of Stars" die Hörer ein, Beachwood Sparks neu zu entdecken.

The Cleaners from Venus are these four 70 year-old guys in a band who dress the same and look a bit like each other. They have loads of tawdry adventures, usually with a group of over made-up women a few years younger than themselves. As a consequence they often spend their free time in prayer and quiet contemplation trying to atone for a shared guilt which they find very difficult to process.

(thecleanersfromvenus.bandcamp.com)

Fließen, bleiben, gehen

»Wir heißen dich willkommen, Endless Rüttenscheid«, singen International Music im Titelstück zu ihrem dritten Studio-Album, das am 6. September 2024 erscheint.

Rüttenscheid – So heißt der florierende Essener Stadtteil mitten in Europa, der im Ruhrgebiet für lukratives Wachstum, aber eben auch für die allseits bekannte Gentrifizierungs-Problematik steht. Aber wie bei International Music üblich, bilden solche gesellschaftspolitischen Sujets hauptsächlich Räume, um sich darin zu verlieben, zu träumen und sich wieder zu trennen, bloß um sich eines Tages wiederzusehen.

Pedro Goncalves Crescenti, Peter Rubel und Joel Roters haben seit ihrem Debüt-Album »Die besten Jahre« konsequent einen eigenen, so farbenfrohen wie minimalistischen Rock-Sound entwickelt, der zwischen 60ies Beat & Boogie, 70ies Krautrock, 80ies New Wave und 90ies Shoegaze und Postrock oszilliert. Also so ziemlich allea, was der Mensch in der Formation Bass, Schlagzeug und Gitarre zusammen an freudiger Musik herstellen kann.

»Hier nur Kraut und Rüben, drüben blühen Blüten«, heißt es im Opener »Kraut«, der genauso nach Can wie Canned Heat klingt. Und das ist das Faszinierende an dieser Band: Die besagten Dekaden, Genres und Sounds bilden im International-Music-Kosmos im Grunde Layers, die wie bei einer Doppelbelichtung übereinandergeschichtet werden und am Ende noch einmal durch den VHS- oder Super-8-Rekorder laufen. Die drei Wahl-Essener entwickeln mit großer Faszination für die unterschiedlichen Techniken und Gerätschaften aus mehr als 50 Jahren Rock- und Popgeschichte die eigene Musik stets weiter.

Getragen werden diese Songs vom unverkennbaren Harmoniegesang von Peter Rubel und Pedro Goncalves Crescenti, die bekanntlich auch als The Düsseldorf Düsterboys ihr Unwesen treiben. Auf »Endless Rüttenscheid« treten sie erstmals aus ihren Hallräumen an die trockene Oberfläche und verleihen ihren Stimmen und dem Text somit eine neue Nähe.

In Roters stoischem Schlagzeug und den sich umspielenden Bass- und Gitarrenmelodien Rubels und Goncalves Crescentis steckt stets eine feine Melancholie – die International Music nach Belieben durch subtilen Humor zu konterkarieren oder eben zu verstärken wissen. Eine einzigartige Mischung, die Olaf Opals Produktion in ein zeitloses Gewand gepackt hat.

Robert Forster, erstwhile co-writer of The Go-Betweens, is a lanky, committed individual of Australian extraction with an occasional fondness for stage dresses, whose eclectic tastes can be enjoyed on this covers album. The lack of PC self-consciousness is applaudable - that Look Out Here Comes Tomorrow was written by Neil Diamond and recorded by The Monkees doesn't diminish its quality, and it's time Heart's mega-ballad Alone is recognised for its dizbusting beauty. Forster also preaches the virtues of more spiritually connected, folky laments like Guy Clarke's Broken-Hearted People, Bob Dylan's Tell Me That It Isn't True and Mickey Newbury's Frisco Depot. But, like Forster's last two solo albums, the atmosphere and instrumentation can be barroom slack for a man of his poise. A case in point is ex-Husker Du Grant Hart's 2541, where the original's frayed tension is dropped but not suitably replaced likewise Martha & The Muffins' Echo Beach. An eminently playable halfway house before the next record proper.

(Martin Aston)

Das Album, das früher unter dem Titel "I Had A New York Girlfriend" bekannt war. Nachdem Robert drei Jahrzehnte Zeit hatte, über das Album nachzudenken, nutzte er die Gelegenheit, um den Titel und das Artwork des Albums zu überdenken. "I Had A New York Girlfriend" war eine Entscheidung in letzter Minute, eine Zeile aus dem Modern Lovers Song "Old World". Der Arbeitstitel war immer "Beautiful Hearts" gewesen, eine Phrase, die von einem anderen Song, "For Those" von Tindersticks, übernommen wurde. Ohne den alten Titel machte auch das Artwork - eine New Yorker Straßenszene - keinen Sinn mehr. "Stattdessen", erklärt Robert, "gibt es ein zeitgenössisches Foto von mir, wie ich eine Gruppe von Musikern dirigiere, die in den Eröffnungssong des Albums 'Nature's Way' stürzen. Nun... das ist die Fantasie."

Neu gemastert in der Abbey Road.

Die gefeierte Can Live Serie wird mit einem Konzert in Paris mit Damo Suzuki fortgesetzt!

Can - »Live in Paris 1973« wird auf Doppel-Vinyl und Doppel-CD über Mute und Future Days (das neue EU-Label von Spoon Records) im Februar 2024 veröffentlicht.

»Live in Paris 1973« zeigt Can in magischer Form bei einem Auftritt, der am 12. Mai 1973 im Pariser L'Olympia aufgezeichnet wurde und bei dem erstmals Damo Suzuki am Gesang zu hören ist. Von 1970-73 wurde die Stammbesetzung von Irmin Schmidt, Jaki Liebezeit, Michael Karoli und Holger Czukay durch den japanischen Improvisator und Sänger Suzuki ergänzt. Sie lernten sich durch eine zufällige Begegnung kennen, als Suzuki als Straßenmusiker in München unterwegs war. Einige Monate nach dem hier veröffentlichtem Auftritt verließ Damo die Band.

Dieses neue Album in der Reihe ermöglicht es uns, die Band in einer besonders wichtigen Phase ihrer Karriere zu erleben, da zwei ihrer am meisten gefeierten Alben - Tago Mago und Ege Bamyasi, wobei letzteres in den Pariser Auftritt einfließt - erst kürzlich veröffentlicht wurden. Die Aufnahmen wurden von Gründungsmitglied Irmin Schmidt und Produzent/Sound Engineer René Tinner, die alle Alben dieser Reihe zusammengestellt und bearbeitet haben, aus Aufnahmen in den Archiven von Spoon Records und von hilfsbereiten Fans eingesandten Aufnahmen zusammengesetzt und für das 21. Jahrhundert aufgearbeitet.

Can, die in den späten 60er Jahren gegründet wurden und sich ein gutes Jahrzehnt später auflösten, haben sich mit ihrer beispiellosen und kühnen Verbindung von hypnotischen Grooves und avantgardistischen Instrumentalstrukturen zu einer der wichtigsten und innovativsten Bands aller Zeiten entwickelt, und diese Alben zeigen die Gruppe aus einer ganz anderen Perspektive. Man hört vielleicht vertraute Themen, Riffs und Motive, die auftauchen und sich durch diese Jams wälzen, aber es sind oft nur flüchtig wiedererkannte Gesichter in einer wirbelnden Menge. An anderen Stellen hört man Musik, die es nie in den offiziellen Albumkanon geschafft hat. Bei diesen Aufnahmen gehen Can in noch extremere Bereiche als bei ihren Studioarbeiten: von sanftem, atmosphärischem Drift-Rock bis hin zu Momenten, denen die Band den Spitznamen »Godzillas« gab. Und selbst wenn sie sich von Minute zu Minute dem Rhythmus anpassen und hinterher jagen, kann man die außergewöhnliche musikalische Telepathie hören, die ihre Mitglieder miteinander teilen.

Diese Veröffentlichung folgt auf »Can Live in Brighton 1975« [»Pure dynamite... keep them coming« - Mojo]; »Can Live in Stuttgart 1975«, [Uncut's »Reissue of the Year«, #2 in »Mojo's Reissues of the Year«, #7 in »The Wire's Archive Reissues of the Year«], und »Can Live in Cuxhaven 1976«, das ebenfalls in den »Reissues of the Year« stark vertreten war.

Live in Paris 1973 is the first official release of one of Can's most legendary performances, a May 12, 1973 set at L'Olympia. At this point, Ege Bamyasi had been out for about half a year, following the German chart success of the single "Spoon," and Damo Suzuki was merely months away from leaving the band and quitting music for a decade, while he devoted time to religion. This release of the concert was pieced together from several recordings found in the Spoon Records vaults, as well as tapes supplied by fans. In this sense, it's comparable to the editing process of the band's studio albums, which were crafted from hours' worth of improvised sessions. This live set is a largely unfiltered display of the band's powers when they were at their prime, with a few deft editing touches (such as a brief echo spiral in the middle of the 36-minute "Paris 73 Eins") seemingly applied to cover up breaks in the tape recordings, or other inconsistencies. Like the other Can live releases, the tracks are numerically titled, and generally seem like improvisations, but the group often riff off tunes from their albums, using them as launching pads instead of giving them straightforward readings. "Zwei" is based on the funky, time-shifting rhythm of "One More Night," and it's the set's purest distillation of Can's mastery of killer grooves. "Drei," based on "Spoon," starts out with murky fidelity but opens up after a few minutes, in time for the band to accelerate and really blast off. "Vier" expands on this volatile energy, and there's unbelievable chemistry between the rhythm section, Suzuki's impassioned howls, and Irmin Schmidt's volcanic keyboard eruptions. Finally, the group run through "Vitamin C," transforming it into an extended freak-out that probably lasted long after the tape cut off. Live in Paris 1973 is Can at their on-stage best, and easily the band's most essential live release.

(by Paul Simpson, All Music Guide)

Die vierköpfige skandinavische Soulband liefert warme, harmonische und nostalgische Tracks mit einem zeitlosen Gefühl. Beschrieben als das uneheliche Kind von Fleetwood Mac, Khruangbin, obskuren Motown-Singles, dem Hip-Hop-Duo Eric B & Rakim, gewürzt mit einer Prise Stevie Wonder, Selda Bagcan, Elis Regina und Ted Gärdestad, leihen sich Dina Ögon über Jahrzehnte, Länder und Genres hinweg aus und liefern letztendlich kohärenten und gemütlichen Retro-Pop aus einem entspannten nordischen Horizont. Mit zwei von der Kritik gefeierten Alben im Gepäck und der Unterstützung von Künstlern wie Tyler The Creator, vielen ausverkauften Tourneen und einem organischen Wachstum und Mundpropaganda auf globaler Ebene in nur zwei Jahren, bereiten sie sich darauf vor, ihr drittes Album »Orion« im Februar 2024 zu veröffentlichen.

Das sechste Real Estate-Album »Daniel« wurde in neun Tagen im RCA Studio A in Nashville mit dem GRAMMY-prämierten Produzenten und Songwriter Daniel Tashian (Kacey Musgraves) aufgenommen. In 11 zwanghaft melodiösen Songs verbinden sie das ungehemmte Staunen ihrer frühesten Arbeiten mit der verdienten Perspektive des Erwachsenseins.

Einige Tage vor den Aufnahmen diskutierten alle fünf Mitglieder von Real Estate über Albumtitel, als jemand »Daniel« vorschlug, weil es einfach witzig erschien, einer Platte einen menschlichen Namen zu geben. War es für Daniel Tashian? Vielleicht. War es eine Anspielung auf Tim von The Replacements? Möglicherweise. War es das Zeichen einer Band, die nun schon lange genug dabei ist, um ihre Musik ernst zu nehmen, ohne sich selbst oder ihre Wahrnehmung zu ernst zu nehmen? Auf jeden Fall.

New Jersey indie quintet Real Estate come full circle on their sixth album, Daniel, cresting the arc of maturation they've been building on for their last several records while returning to the charm and simplicity of their earliest days. Daniel arrives 15 years into the band's journey from post-college suburban melancholy to full-on adulthood, and the themes of growing up, worry for the next generation, and the weird and persistent washes of change that have been creeping into singer/songwriter Martin Courtney's work since he became a father, continue here. What's different about Daniel is how these themes get framed. The band changes course from the global influences and experimental textures they flirted with on previous albums and revert to concise, jangly pop tunes. Recorded in Nashville with producer Daniel Tashian (perhaps best known for his work on Kacey Musgraves' Grammy-winning 2018 album Golden Hour), tracks like the hook-filled "Water Underground" or "Flowers" are direct and to the point, with sculpted arrangements that add a subtle country-pop flavor in the form of airy pedal steel and wooden acoustic guitars dancing with more modernized synth sequences. There are nods to all the inspirations Real Estate has been moved by, from the bright power pop balladry borrowed from Big Star on "Interior" to the latter-day Feelies-isms of "Say No More" to touches of the spaced-out Grateful Dead-informed guitar noodling throughout. Tashian's gracefully layered production also brings in a feeling very specific to the best introverted folk-rock albums of 1992. There are overt lyrical references to Neil Young's Harvest Moon that reinforce the album's influence on Daniel's mellow country undercurrents, and moments like the cloudy ambience of "Airdrop" or the jumpy beauty of "Market Street" tap into the same combination of existential uneasiness and reflective joy R.E.M. embraced on Automatic for the People. Daniel re-centers Real Estate in a way that highlights their strengths without simply repeating past victories. The songwriting honors the stage of life Courtney and his bandmates are presently in, and the nuanced production replaces potential clutter with sparkle that sharpens the pop edges of the songs. This is Real Estate at their best, giving us the same bright and bittersweet indie perfection as always, only better with age and experience.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Die kanadisch-amerikanische Dichterin, Sängerin und Multi-Instrumentalistin Vera Sola macht zeitlosen, verblüffenden Sound, der Vergleiche mit Nick Cave, Nancy Sinatra, Leonard Cohen und PJ Harvey hervorruft.

Nach ihrem Debütalbum »Shades« (2018), das sie komplett alleine geschrieben, aufgeführt und produziert hat, erscheint ihr neues Album »Peacemaker« im Februar 2024 über City Slang.

Ihr Timbre ist dunkel, mystisch, die nachdenklichen Songs scheinen einer Welt schicksalhafter Erwartung zu entspringen.

(AUDIO + stereoplay, März 2024)

Ob samtig orchestrierte Gothic-Americana-Balladen oder treibender Outlaw-Rock, Aykroyd sitzt fest im Sattel [.​.​.​] mit einer Autorität und Eleganz, die Respekt einflößt.​ Ein Album mit Klasse.​ Und ein klasse Album!

(VISIONS, Februar 2024)

2024 feiert Pete Astor sein 40-jähriges Plattenjubiläum - ein passender Zeitpunkt, um Bilanz zu ziehen und auf Songs zurückzublicken, die zuerst auf Platten von Astor-geführten Combos wie den Creation Records-Vorreitern The Loft und The Weather Prophets und den Matador-Künstlern The Wisdom of Harry erschienen sind, sowie auf eine Auswahl von Soloalben, die auf Labels wie Danceteria und Static Caravan veröffentlicht wurden. Astors Motivation für »TS&NR« ist vielschichtig.

Einige Songs werden effektiv neu untersucht, so wie man über einem resonanten Bild aus einer Schachtel mit alten Fotos verweilt - und sich mit der Essenz eines jüngeren Selbst verbindet. Andere Lieder werden in weiseren und nachdenklicheren Tönen neu aufgenommen, während andere einfach nur eine Exhumierung aus einer absichtlich undurchsichtigen Lo-Fi-Nichtproduktion verlangen. Die ausgewählten Songs sind nicht die offensichtlichen - hier gibt es kein »Up the Hill and Down the Slope« oder »Almost Prayed« - sondern wurden aus interessanteren, oft esoterischen Gründen ausgewählt.

Auch in ihrem neuen Glanz bestechen die Lieder durch Astor-typische behutsame, filigrane Arrangements sowie in den Texten durch eine feine Beobachtungsgabe und hintersinnigen Humor.​

(GoodTimes, April/Mai 2024)

Die ehrwürdige Super-Group The Immediate Family liefert auf ihrem neuen Studioalbum "Skin In The Game" ein herausragendes Set zeitlosen Rock 'N' Rolls.

Dieses zweite Studioalbum der legendären Musiker ist eine gekonnte Kombination aus Power und Präzision, Spaß und Introspektion, mit schwebenden Harmonien und einem Hauch von R&B mit der reinen Essenz des Rock'n'Roll!

Die 14 Tracks von "Skin In The Game", die von der Band selbst produziert wurden, zeigen die bemerkenswert vielseitigen musikalischen Fähigkeiten aller fünf Mitglieder von The Immediate Family: die Sänger, Songwriter und Gitarristen Danny Kortchmar, Waddy Wachtel und Steve Postell sowie eine der bekanntesten Rhythm-Sections der Rock-Geschichte, Russ Kunkel und Leland Sklar.

Das eingespielte Quintett wurde zunächst durch die Zusammenarbeit mit einigen der größten Namen des Rock bekannt, darunter Keith Richards, Linda Ronstadt, James Taylor, Carole King, Jackson Browne, Stevie Nicks, Don Henley, Billy Joel, David Crosby und Joni Mitchell, um nur einige zu nennen - doch jetzt haben sie ihre eigene Identität als The Immediate Family gefestigt.

»Bright Future« ist das zweite Solo-Album von Adrianne Lenker, bekannt als Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band Big Thief, auf 4AD. Ihr erstes eigenes Album seit »Songs & Instrumentals« aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und entstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte.

Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von »Bright Future«, Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen.

Das Ergebnis ist, dass »Bright Future« die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird, was somit immer wieder ein Erlebnis ist und deutlich macht, warum Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs »Vampire Empire«, der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel »Bright Future« einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.

Mit dem aus den beiden Alben »Acoustic Space« (2019) und »Spells« (2022) bestehenden, als Trilogie angelegten Werk »The Invisible Light«, hatte sich Grammy- und Oscar-Gewinner T Bone Burnett in Zusammenarbeit mit den Kollegen Jay Bellerose und Keefus Ciancia an einer Verschmelzung von Trance, elektronischer, Folk-, Tribal- und Weltmusik in Form eines »experimentellen Liedzyklus» versucht. Die beiden elektronisch geprägten Alben beschäftigten sich mit der These, dass unsere Gesellschaft über ein Jahrhundert lang elektronischer Programmierung, einer sogenannten »Programmierpandemie«, unterworfen wurde, die dazu führt, dass wir unsere Fähigkeit verlieren, Fakten von Fiktion zu unterscheiden.

Anstatt den düsteren und von hochintellektuellen Gedanken und Thesen durchzogenen Zyklus zu beenden, hat sich T Bone Burnett jetzt allerdings während der Arbeit an »The Invisible Light Vol. 3« einem anderen Projekt zugewandt, »The Other Side«, einem humaneren, seinen Hörern mehr zugewandten Projekt, das statt elektronischer Klänge den Weg zurück zu traditionelleren Blues-Sounds findet: »The Other Side«.

Mit Gast-Sänger/innen wie Rosanne Cash und Lucius veredelt, präsentiert das Album einen zugänglicheren T Bone Burnett, der allerdings verspricht, seine Trilogie über moderne Technologie und ihre Auswirkung auf den Menschen demnächst zu beenden.

.​.​.​Gänsehaut pur: Klassische Americana, die Burnett als Gegenpol zu seinen letzten beiden Ambient-Alben versteht – eben ›The Other Side‹.​

(AUDIO+stereoplay, Mai 2024)

Dies ist das 2024 erscheinende Sequel zum letztjährigen Album »The Hypnogue«, das neue Songs enthält, die die Geschichte und den Mythos des The Hypnogue-Albums erweitern und bisher nur bei Konzerten erhältlich war.

Das Schwesteralbum »Eros Zeta & The Perfumed Guitars« führt das Thema des letztjährigen, von der Kritik hochgelobten Erfolgsalbum "The Hypnogue" fort und erzählt die Geschichte in 15 neuen Songs weiter. 15 großartige neue Songs von The Church, die uns weiter in den Kaninchenbau von Antarctic City führen.

.​.​.​wechseln Glitzer-Rock- mit Prog-Rock oder düsteren Gothic-Momenten, die dann von Folkballadartigem oder Synthie-Pop- Anlehnung gebrochen werden.​ The Church stehen auch nach 40 Jahren immer noch für eine ganz eigene Klangästhetik.

(GoodTimes, Juni/Juli 2024)

Die schottisch-dänische Komponistin Clarissa Connelly präsentiert ihr erstes Warp-Album. Im Laufe der Jahre hat Clarissa heilige Stätten und Mythologie erforscht und sich dabei von der keltischen und nordischen Kultur inspirieren lassen.

Für ihr jüngstes Werk »The Voyager« (2021) wanderte sie durch die skandinavische Landschaft und kanalisierte Melodien aus alten vorchristlichen Stätten. Das Album erhielt weltweite Anerkennung und wurde mit dem renommierten Nordic Music Prize ausgezeichnet. In »World Of Work« erkundet Clarissa Themen wie Akzeptanz und Wachstum, indem sie eine traumhafte Synthese aus Nordic Folk, mittelalterlichen Gesängen und modernem Pop schafft, das einem kraftvollen Zeugnis ihrer Produktions- und Kompositionsfähigkeiten gleichkommt.

Kettcar sind zurück

Gute Nachrichten für alle Indie-Fans: Kettcar veröffentlichen nach sieben Jahren endlich ihr neues Album »Gute Laune ungerecht verteilt«.

Die Hamburger um Sänger Marcus Wiebusch bestätigen hier ihren Status als Institution der handgemachten Musik mit Herz und Hirn. Die neuen Songs stecken voller Energie, sind abwechslungsreicher denn je und beweisen, wie sehr Kettcar dem deutschen Gitarren-Pop in den letzten Jahren gefehlt haben.

Familienangelegenheit

Die Texaner von Khruangbin besinnen sich auf ihrem neuen Album »A La Sala« ganz auf sich selbst und haben so ihr homogenstes Werk seit langem erschaffen.

Dabei gehören Zusammenarbeit, interkultureller Austausch und Verständigung durch Musik seit jeher zur DNA des Chill-Funk-Trios. Allein in den letzten Jahren stehen zwei gefeierte EPs mit dem Neo-Soul-Sänger Leon Bridges und das Album »Ali«, eine Kollaboration mit Vieux Farka Touré, für Khruangbin zu Buche.

Auf »A La Sala« sind nun ausschließlich Gitarrist Mark Sperr, Drummer Donald »DJ« Johnson und Bassistin Laura Lee Ochoa zu hören. Zum ersten Mal überhaupt auf einem Khruangbin-Album gibt es keinerlei Gäste. Ein bewusst familiärer Ansatz, der sich auch im Titel der vierten Platte des Trios wiederfindet. Der lässt sich sehr frei mit »Alle ins Wohnzimmer« übersetzen, dem Ausruf mit dem Laura Lee als Kind ihre ganze Familie für gemeinsame Aktivitäten im Zentrum des Hauses zusammentrommelte.

Die erste Single »A Love International« unterstreicht mit ihrem wehmütigen Gesang und einem treibenden Gitarren- und Bass-Duett diesen nachdenklichen und feierlichen Charakter von »A La Sala«. Darüber hinaus sind die musikalischen Berührungspunkte in Khruangbins entspannten Instrumental-Funk gewohnt vielfältig. Ob Spaghetti-Western-Filmmusik (auf »Fifteen Fifty-Three«), westafrikanische Disco (auf »Pon Pón«), G-Funk-Fantasien (»Todavía Viva«) oder sogar Ambient-Found-Sounds (auf »Farolim de Felgueiras« und im gesamten Album auftauchend) – auch ohne Gäste haben diese zwölf Stücke jede Menge Abwechslung zu bieten.

Gerade einmal 40 Minuten dauert das Album, und wer danach die Repeat-Taste drückt, merkt vor allem eins: Nicht die individuellen Melodien bleiben im Kopf, sondern die Stimmung.​

(VISIONS, April 2024)

Kürzlich kündigte Shabaka Hutchings an, seine Bands Sons Of Kemet, Shabaka And The Ancestors und The Comet Is Coming sowie sein Saxofon für einen nicht näher definierten Zeitraum ruhen zu lassen. Sein erstes Solo-Album ist eine bewegende Suite aus in erster Linie instrumentaler, meditativer Musik, auf der Shabaka auf einer Vielzahl verschiedener Flöten zu hören ist. Als Gäste hat er Künstler wie Andre 3000, Lianne La Havas, Moses Sumney, Floating Points u.a. hinzugeladen. Shabaka spielt verschiedene Flöten, Klarinette und Shakuhachi.

Charmant hüftsteifer Synthie-Diskurspop mit Punk-Attitüde.

Offiziell ist SCHLACHTRUFE BRD eine EP, aber in den acht Songs spannt Stefanie Schrank ein breites Spektrum an Stimmungen auf. Der Titelsong ist eine Hommage an die gleichnamige Deutschpunk-Compilation aus den 90er-Jahren, in der Schrank Wut und Verzweiflung in eine strenge Kühle ummünzt.

Nichts klingt wie das andere, aber alles klingt ganz eindeutig nach Stefanie Schrank

Auf der anderen Seite: ihre Version von „All Out Of Love“. Die Künstlerin und Locas-in-Love-Bassistin verwandelt den Kuschelrock-Klassiker von Air Supply in einen unaufgeregt tuckernden Synthie-Popsong, erhält seine Gefühligkeit und tilgt dessen Schmalz. Die Methode ist zwar dieselbe, aber die Ausgangspunkte sind dermaßen verschieden, dass sich SCHLACHTRUFE BRD trotz eines spartanisch-elektronischen Sounddesigns sehr viel disparater anfühlt als das Schrank-Debüt UNTER DER HAUT EINE ÜBERHITZTE FABRIK, das Dancefloor-Beats je der Tanzbarkeit entkleidete.

Ein exotisches und doch hüftsteifes Instrumental, eine gitarrenlose Zeitlupenversion von „Dude, What The Fuck…?“ von der Punkband Kaput Krauts, eine atonalexperimentelle Gothic-Ballade: Nichts klingt wie das andere, aber alles klingt ganz eindeutig nach Stefanie Schrank.

(forum.musikexpress.de)

Facettenreich

Ihr gefeiertes Debütalbum »Salt« brachte der Lady mit der warmen Altstimme seinerzeit noch Vergleiche mit dem Pop-Jazz von Norah Jones ein. Wahrlich keine schlechte Referenz für eine Newcomerin. Über die Jahre kamen mit jedem Album neue Einflüsse und Klangfarben hinzu. Folk, Singer-Songwriter, R&B und den Gospel-Gesang ihrer US-Südstaaten-Herkunft ließ Lizz Wright nach und nach in ihre Musik einfließen. Mit »Fellowship« widmete sie dem Gospel sogar ein ganzes Album mit Coverversionen.

Gemeinsam mit ihrem Produzenten und langjährigen musikalischen Weggefährten Chris Bruce (u. a. Seal, Sheryl Crow) hat die Sängerin aus Georgia auf »Shadow« nun all ihre Stärken gebündelt. Dafür hat Lizz Wright fünf grandiose eigene Songs geschrieben und diese mit tollen Interpretationen von Klassikern ergänzt.

Candi Statons Soul-Song »Sweet Feeling« zum Beispiel wird hier zur getragenen Blues-Nummer. Schließlich ist Wright in der Blues-Stadt Chicago zu Hause. »Ich bin begeistert davon, mehr Blues zu singen als bislang. Er hat eine gewisse Kühnheit, aber er ist auch beruhigend. Den Blues in Chicago zu singen ist so, als würde man den Saft in einem großen alten Baum finden. Der Blues liegt im Geist der Stadt.«

Wie genau das klingt, findet ihr auf Lizz Wrights neuem Album »Shadow« am besten selbst heraus.

.​.​.​Cocktail aus Jazz, Soul, R’n’B Folk – und Gospel [.​.​.​] ›Shadow‹ hat aber auch Blues-Appeal.​ Streicher, Harfe, Akustikgitarren und Orgel verleihen dem Werk einen schimmernden Akustikglanz.​

(AUDIO+stereoplay, Mai 2024)

Lizz Wrights samtiger, dunkel getönter Gospelstimme kann man sich einfach nicht entziehen.​ Ihr Credo: Ehrlichkeit verpackt in Pop, Folk, Blues oder Jazz.​

(Stereo, Mai 2024)

62 Jahre Musik, Liebe, Verluste, lange Sommertage und längere, dunkle Nächte werden von »unserem größten lebenden Songwriter«, Michael Head und The Red Elastic Band lebendig in Erinnerung gerufen, wenn er auf seinem neuen Album Loophole flackernde Szenen aus seinem Leben spielt.

12 stimmungsvolle und autobiografische Songs werden durch das geschriebene Wort begleitet.

“I’m just loving the future” Mick Head announced in MOJO 365, a singer-songwriter finally parlaying 40 years of cultish and critical acclaim into something akin to success. Nevertheless, this fairly swift follow-up to 2022’s Dear Scott more often negotiates with the past, as Head memorialises formative Liverpool events and Shack-era road tales, revisiting old musical touchstones as he goes. Love, of course, remain sine qua non (Ciao Ciao Bambino, the especially superb Ricochet), but there’s a bossa-adjacent throwback to his ’80s band The Pale Fountains too (You Smiled At Me), and a new curio in You’re A Long Time Dead that’s roughly Rhapsody In Blue, Dixieland-style.

It all makes for a scrappier and less cohesive set than Dear Scott, but possibly a more characterful one, with even better songs. Start with Merry Go Round, elegiac psych-baroque co-written by Shack alumnus Pete Wilkinson that impressionistically mentions Mussolini, Thatcher and, perhaps more positively, Echo & The Bunnymen’s Will Sergeant.

(www.mojo4music.com)

Visionärer Sound

Jazz-Visionär Kamasi Washington veröffentlicht sein lange erwartetes neues Album »Fearless Movement«.

Auf dem kennt der imposante Saxofonist natürlich immer noch keine Grenzen und zaubert aus Funk, Avantgarde, Hip-Hop und Spiritual-Jazz seinen ureigenen Kamasi-Sound. Unendlich kreativ und absolut tanzbar. Als Gäste sind unter anderem André 3000, Funk-Ikone George Clinton und Thundercat mit von der Partie.

Washington bezeichnet »Fearless Movement« als sein Tanzalbum. »Es ist nicht wörtlich zu nehmen«, sagt Washington. »Tanz ist Bewegung und Ausdruck, und in gewisser Weise ist es das Gleiche wie Musik - man drückt seinen Geist durch seinen Körper aus. Das ist es, was dieses Album vorantreibt.«

Tanz als verkörperte Ausdrucksform bedeutet für Washington eine Verlagerung des Schwerpunkts. Während sich frühere Alben mit kosmischen Ideen und existenziellen Konzepten beschäftigten, konzentriert sich »Fearless Movement« auf das Alltägliche, eine Erkundung des Lebens auf der Erde. Diese Veränderung ist zu einem großen Teil der Geburt von Washingtons erstem Kind vor einigen Jahren zu verdanken.

»Vater zu sein bedeutet, dass der Horizont deines Lebens plötzlich auftaucht«, sagt Washington. »Meine Sterblichkeit wurde mir deutlicher vor Augen geführt, aber auch meine Unsterblichkeit - ich erkannte, dass meine Tochter weiterleben und Dinge erleben wird, die ich nie sehen werde. Ich musste mich damit abfinden, und das wirkte sich auf die Musik aus, die ich machte.«

Auf dem Album sind Washingtons Tochter - die die Melodie zu »Asha The First« während einiger ihrer ersten Experimente am Klavier schrieb - sowie eine Reihe neuer und alter Mitstreiter zu hören. André 3000 spielt Flöte, George Clinton leiht seine Stimme, ebenso wie BJ The Chicago Kid, der Inglewood-Rapper D-Smoke und Taj und Ras Austin von Coast Contra, die Zwillingssöhne der Westcoast-Legende Ras Kass. Washington hat außerdem lebenslange Freunde und Kollaborateure wie Thundercat, Terrace Martin, Patrice Quinn, Brandon Coleman, DJ Battlecat und viele andere hinzugezogen.

Auf dem Album ist auch »The Garden Path« zu hören, ein Song, den Washington bei seinem Debüt im Spätfernsehen in der »The Tonight Show Starring Jimmy Fallon« zum ersten Mal überhaupt präsentierte.

.​.​.​hymnische, manchmal ekstatische, dicht arrangierte und Wuchtig produzierte Musik.​

(AUDIO+stereoplay, Juni 2024)

Neues Album der australischen Pop-Rock-Band Crowded House. Crowded House haben weltweit über 15 Millionen Tonträger verkauft und wurden mit einem Brit Award, 13 australischen ARIA Awards und einem MTV VMA ausgezeichnet. Die Band hat Milliarden von Streams generiert, beständig ausverkaufte Tourneen auf mehreren Kontinenten absolviert und fesselt ihr Publikum seit fast vier Jahrzehnten. Ursprünglich von Neil Finn, Nick Seymour und dem verstorbenen Paul Hester gegründet, wurde das selbstbetitelte Debüt der Gruppe 1986 mit Platin ausgezeichnet, angeführt von den Welthits »Something So Strong« und »Don't Dream It's Over«, die von Miley Cyrus, Ariana Grande und U2 gecovert wurden.

Dies ist ein Live-Album, das auf der Tour für Ytilaer aufgenommen wurde. Songs neigen dazu, zu mutieren, nachdem sie aufgenommen worden sind. Diese Songs veränderten sich schneller als sonst. Wie das, was mit Bruce Banner im Labor passiert ist - ich wusste, dass diese Songs Superkräfte bekommen würden. Für mich war klar, dass diese Veränderung dokumentiert werden musste. Das Beste daran, etwas zu dokumentieren, ist, dass es dem Schöpfer die Erlaubnis gibt, weiterzumachen, wenn er das möchte. Ich ziehe es normalerweise vor, weiterzuziehen. Diese Songs wurden in Chicago, dem Herzen Amerikas, aufgenommen. Und in einem der besten Clubs des Landes - ich versuche, nur mit Veranstaltungsorten zu arbeiten, die nicht mit LiveNation/Ticketmaster verflochten sind. Thalia Hall, Baby. Bleibt frei. Der Termin lag in der Mitte der Tournee, also wusste ich, dass wir so heiß sein würden, wie es nur geht. Nicht zu grün, nicht zu braun. Da war der Gedanke: ›Lass uns diese Gelegenheit nutzen, um sie zu etwas Besonderem zu machen‹. Also nutzten wir die Vorteile der leicht zugänglichen Musiker in Chicago - wir holten Nick Mazzarella als Altsaxophonisten für einen Song, Pascal Kerong von der Vorband als Sänger für einen Song und Nathaniel Ballinger als Pianist für einen Song - und ich konnte mir die Gelegenheit nicht entgehen lassen, Joshua Abrams und Lisa Alvarado einzuladen, auf ›Natural Information‹ zu spielen. Das Schwierigste an der Platte war, Songs herauszuschneiden - es hätte ein Dreifach-Album werden können. Aber ich weiß nicht, vielleicht hätte die Show so kurz sein sollen?

(Bill Callahan)

High Llamas präsentieren Hey Panda - ein modernes Popmusik/Deep Listening-Erlebnis, das nur aus ihrem persönlichen Quadranten der Galaxie stammen kann. Hey Panda ragt gefühlvoll durch eine entnervende Abstraktion der heutigen populären Musik; der Klang der stattlichen Melodien und ausdrucksstarken Liedchen der Llamas wird aufgedeckt - glückselig zerbrochen - mit Schlagzeug und Gesang, die verschiedene, brennende Klänge treffen, und zeitgenössischen Produktionswendungen, die das Ohr auf Schritt und Tritt mitreißen.

In den letzten Jahrzehnten haben High Llamas mit zeitgenössischen Pop-Sounds gehandelt, die sich eher am avantgardistischen Ende des Spektrums orientierten, als nicht. Aber hier war die Botschaft klar. Llamas-Komponist Sean O'Hagan war entschlossen, loszulassen. Hey Panda tut genau das, mit einer Reihe von Liedern, die auf mehreren Ebenen reflektieren, wie sich Definitionen im Laufe eines Lebens verändern, und die einen Optimismus ausstrahlen, der sich aus den verschiedenen Problemen der heutigen Zeit ableitet.

Acht Jahre nach ihrer letzten Veröffentlichung, dem Pop-Musical »Here Come The Rattling Trees«, haben sich High Llamas wieder neu erfunden und mischen auf Hey Panda ihre unvergleichliche harmonische Stimme mit dem, was Sean als »außerordentlich guten« Produktionssound von heute bezeichnet. Sean hat sich entschieden, nicht auf die goldenen Zeiten früherer Llamas-Ären zurückzublicken, sondern sich stattdessen von den Klängen der Musik öffnen zu lassen, die seine erwachsenen Kinder ins Haus bringen, und von den Klängen, denen er bei Sessions begegnet, für die er kürzlich Arrangements geschrieben hat.

Neben seinen eher traditionellen Beiträgen zum Album »Sea of Mirrors« von The Coral und seiner Filmmusik für die Filmproduktion Funny Pages der Safdie-Brüder aus dem Jahr 2022 hat sich Sean durch die Zusammenarbeit mit Fryars, Rae Morris, King Krule, Pearl und The Oyster inspirieren lassen, während er auch die Arbeit von Tierra Whack und der Pivot Gang aus Chicago aufgesogen hat und von seinem langjährigen Bewunderer Tyler The Creator aus der Ferne angefeuert wurde. So hat sich Seans Produzententätigkeit erneut weiterentwickelt, mit Upgrades, die erstmals in seinem 2019er Solowerk Radum Calls, Radum Calls zu hören sind.

Mit einem Cover von Billie Eilishs »Wish You Were Gay«, das für Bill Callahan und Bonnie Prince Billy's Blind Date Party arrangiert wurde, sowie seiner COVID-Ära-Solo-Single »The Wild Are Welcome« hat sich Sean immer weiter gesteigert, was zu den delirierenden Enthüllungen von Hey Panda führte. Die große Reichweite von »Hey Panda« wird unterstützt durch zwei Co-Texte von Bonnie »Prince« Billy (der sich mit Sean während der Schreibsessions über die gemeinsame Liebe zum Gospel-Soul verband), Gastvocals von Rae Morris und Seans Tochter Livvy, Produktionsänderungen von Fryars und die unerschütterliche, flexible Präsenz von High Llamas.

Trotz seiner Aufbruchstimmung ist Hey Panda eine Bewegung im Oeuvre der High Llamas, die schon lange in der Entwicklung ist. Aspekte der Soul-Musik wurden bereits bei Can Cladders aufgegriffen, ebenso wie Aspekte der elektronischen Tanzmusik in den späten 90er Jahren, als Cold and Bouncy entstand. Aber nichts hat die Musik von High Llamas bisher so vollständig neu ausgerichtet. Sean O'Hagan und High Llamas leben mit Hey Panda fröhlich im Neuen und im Jetzt und lassen sich dabei unter anderem von Steve Lacy, SZA, Sault, No Name und Ezra Collective inspirieren - ganz im Sinne von Miles Davis und Quincy Jones.