Bounded by an elegantly moulded song construction and perfectly realised arrangements, The Bathers' majestic album is almost scuppered by its own penchant for poncification and pretension. The song titles alone (Venice Shoes, Pissoir, Via D'Oro, Ave The Leopards) are worthy nominees for Pseuds Corner. Chief Bather, singer and songwriter Chris Thompson somehow manages to brazen it out, and with the gentlest of nods to Van Morrison, Tom Waits and The Blue Nile delivers these sumptuous tunes with the born again soul intensity of a genuine Celtic troubadour, his octave-defying, swoony vocals cruise across a smoothly textured undertow of warmly caressed strings and mesmerising piano melodies on an LP which is quietly awesome.

Paul Davies Q Magazine (4 Stars)

Vom rührigen Mariana-Label - sonst ja eher dem Schottischen zugetan - kommt jetzt erstmalig ein deutsches Unterfangen. Jan Woelcke und Henning Fritzenwalder sind dabei im Geiste aber gar nicht mal soweit entfernt von Sachen wie SUGARTOWN oder COWBOY MOUTH. Melancholisch-relaxte, leicht jazzig-folkige Popsongs sorgen für eine irgendwie sorgenfreie Stimmung. Das Besondere an dem Duo ist die Schlagzeuglosigkeit des Tuns. Höchstens mal von zögerlicher Perkussion aufgemuntert, plätschern die Songs dahin. Leider kann man sich jedoch des Eindrucks nicht erwehren, daß mehr hier mehr gewesen wäre. Im Gegensatz zu den Texten ist die Musik allerdings voll in Ordnung (wenngleich eben nicht besonders mitreißend.

Hier zeigt sich aber, daß gerade der Verzicht auf Anspruchsdenken à la BLUMFELD oder die Abstinenz von aufrichtiger Naivität à la TOCOTRONIC bisweilen die üblichen Peinlichkeiten teutscher Textkonstruktionskunst hervorbringt ('Wunderbares Mädchen'). Gerade dann hilft es auch nicht, wenn die Sache so cool, routiniert und perfekt intoniert wird wie bei CAMPING. Schade eigentlich.

(Ulrich Maurer, intro.de)

The genesis of Waterpistol is one of the most convoluted in all of indie pop, and it's one of the genre's most legendary stories. The album was recorded in 1991, but (shades of Tater Totz's Alien Sleestacks from Brazil) the master tapes were destroyed when the studio caught fire. All was not lost, however, as producer Chris Allison had made a DAT safety copy before he left for an American vacation. Unfortunately, not knowing about the fire, Allison inadvertently left his DAT in his rental car. Amazingly, he was able to track it down with the help of the car rental company, but given that Shack's record company had gone under and the band had split up in the interim, the album didn't come out until the German label Marina Records rescued it in 1995. Like an acoustic-oriented version of the first Stone Roses album (or perhaps a less '60s-obsessed La's), Waterpistol mixes shimmering jangle pop tunes with leader Michael Head's alternately wistful and depressive lyrics. Melancholy without being overwhelmingly sad, Waterpistol includes a number of remarkably strong songs, like the relatively cheery "Mood of the Morning" and the achingly wistful ballads "Undecided" and "London Town," all of which top anything Head's previous combo, the Pale Fountains, managed. Though its non-release at the time was an exacerbating influence on Head's temporary descent into drugs and depression, Waterpistol is one of those rare "lost" albums that's actually as good or better than the hype suggests. This may actually be better than the more lauded H.M.S. Fable.

(by Stewart Mason, All Music Guide)

Kelvingrove Baby is a lovely, understated album of quiet, graceful and literate pop from the Bathers, highlighted by Chris Thomson's lilting lyrics.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Chris Thompson is the Bathers and Kelvingrove Baby is his fifth Bathers album. It seems to me to be the fulfillment of all the potential. Lush and tasteful production is the perfect setting for Thomson's voice that is David Bowie contaminated with a healthy slice of Leonard Cohen. Del Amitri's Justin Ciurrie and Love and Money's James Grant supply backing vocals to remind us that Kelvingrove is in Glasgow because the other place names have more to do with Europe than Scotland. Moody and almost jazzy wurlitzers and pianos are joined by violins and accordians as well as minimlist and perfectly placed percussion and acoustic guitar to create a hypnotic continental sound. Vienna at midnight. Where this album stands out from previous outings is in the cohesion of all the tracks. There are no shock shifts in style and there are always interesting things going on in the most subtle and beautiful ways. You wonder if Van Morrison was 20 years younger would Astral Weeks have sounded like this.

Steve Stockman Rhythms of Redemption

Marina Records präsentiert stolz die allerersten Vinyl-Ausgaben dreier klassischer Alben von Glasgow's finest, The Pearlfishers: »The Young Picnickers« (1999), »Across The Milky Way« (2001) und »Up With The Larks« (2007).

Young Picnickers is probably the least essential of the Pearlfishers' first three albums for Marina, which isn't exactly damning them with faint praise. It's still a lovely collection of pristine pop songs, complicated only by a burgeoning jazz/soul influence that often overshadows head Fisher David Scott's dual fixations on the Beatles and Beach Boys. At times, as on "Over and Over," the loungey, leisurely backing makes things too polite. Conversely, when it works -- and most of the time it does, especially on the giddy, harmony-drenched opener "We're Gonna Save the Summer" and the marvelous, R&B-tinged "We'll Get By" -- you have the best album Prefab Sprout never made. A side benefit of the more subtle backing is that it puts greater emphasis on Scott's lyrics, which sometimes ("Stella Painted Joy," full of clever lines) rise to the occasion. Brian McAlpine's keyboards take a more dominant role on this disc, but he departed afterward -- and Scott would manage to balance his jangly pop jones and more complex, jazzier influences more effectively on the masterful Across the Milky Way two years later.

(by Dan LeRoy, All Music Guide)

Marina Records präsentiert stolz die allerersten Vinyl-Ausgaben dreier klassischer Alben von Glasgow's finest, The Pearlfishers: »The Young Picnickers« (1999), »Across The Milky Way« (2001) und »Up With The Larks« (2007).

During the always-nostalgic '90s, any number of musicians paid homage to some combination of the Beatles, the Beach Boys, and Burt Bacharach, trying to channel those influences into perfect pop that could actually stand alongside the work of their heroes. From the gruff Fab Four cops of Oasis to the acidic easy listening of the Divine Comedy to even the angelic, surf-kissed harmonies of R.E.M.'s Up, you could hardly open your ears without some reminder of the divine three B's. But no one, perhaps, has been able to invoke the entire trio as effectively as the Pearlfishers' David Scott does on Across the Milky Way, a gorgeous album good enough not to send you immediately scurrying to your record collection for a taste of the real thing. Songs like the pastoral title track, something Brian Wilson might have conjured up if he'd been born in Scotland instead of California, and "New Stars," three blissful minutes of everything that's great about jangle pop, are the real thing, in fact -- and that's just the first two cuts. With help from a string section, horns, a pair of drummers, and even a banjo player, Scott isn't limited in his influences. A true student of pop, he nods here to everything from the Brill Building to sentimental '70s AM radio fare. But he always returns to those often-elusive touchstones, with impeccable results. Wouldn't Bacharach himself want to claim the heart-tugging, flügelhorn-flecked instrumental "The Vampires of Camelon"? Wouldn't Mike Love and company have loved to tackle the soaring chorus of "Shine It Out"? And couldn't the gentle "Paint on a Smile" pass for a McCartney offering from a mid-period Moptops album? To some, that probably reads like sacrilege, especially given that Scott's lyrics, while often evocative and never dumb, aren't the equal of his music. Then again, that would be a tall order indeed -- and after all, the words of Scott's idols are usually remembered far less often than their hummable, loveable, damn near-inescapable tunes. If those are what you're looking for, then Across the Milky Way sounds like an outing for the ages.

(by Dan LeRoy, All Music Guide)

Marina Records präsentiert stolz die allerersten Vinyl-Ausgaben dreier klassischer Alben von Glasgow's finest, The Pearlfishers: »The Young Picnickers« (1999), »Across The Milky Way« (2001) und »Up With The Larks« (2007).

Bacharach-Perlen, Sunshine-Pop und Brill-Building-Sounds vom Mann aus Georgia.

Welcome back, Mr Cash! 2008 veröffentlichte der Mann aus Athens, Georgia, sein allenorten gefeiertes Debütalbum mit dem hintersinnigen Titel "How Will I Know If I m Awake". Der Multiinstrumentalist gönnte sich eine dreijährige Pause, um 2011 mit einem noch kunstvolleren Album aufzuwarten. "How Strange It Seems" überzeugt mit feinsinnigen Arrangements, vielschichtigen Gesangsharmonien, extravaganten Tonartwechseln und vertrackten Rhythmen. Cash wollte schon immer Songs "so wie früher aufnehmen". Es wurden weder Mühen noch Kosten gescheut, um die besten Musiker der Stadt anzuheuern und zu einem Orchester von immerhin 30 Musikern zusammenzuführen. Mit Erfolg: Das Ergebnis klingt wie ein vergessenes Popmeisterstück der 60er- und 70er-Jahre, als hätte Burt Bacharach noch einmal in die Archivkiste gegriffen, um ein paar unveröffentlichte Perlen rauszugreifen. Schönster Westcoast-Sound, brillante Brill-Building-Tunes und sonnigster Sunshine-Pop à la The Free Design oder The Swingle Singers. Und der Hidden Track überrascht gar mit einem funky Disco-Boogie-Hook!

It's probably not a surprise that the swooping and slow orchestral arrangement that kicks off How Strange It Seems could be from some prime Jimmy Webb or Bacharach/David-written piece from the 1960s -- or that Brent Cash's title for that first piece is "I Wish I Were a Song," which he sweetly and gently sings. Like his debut solo effort, How Strange is definitely an indulgence in a kind of pop that doesn't exist anymore, not just from one specific era but blended together into its own metastyle that's unable to escape the past and intentionally not wanting to do. The huge statement-of-purpose splashiness of the first song (which is also reprised as the last) almost overwhelms everything else, making it "just" easygoing indie pop with an understandably elegant edge, but it still works nicely enough, from the harpsichord breaks and Phil Spector drum beats on "It's Easier Without Her" to the piano-led "Don't Turn Your Back on the Stars." Cash's voice doesn't quite soar as much as it does on the album's signature, favoring instead the kind of tender whisper that suggests something rather than driving it home, though the contrast between that and the massed male choral vocals toward the end of "I Just Can't Look Away" become a moment of remarkable melodrama. The slightly more "rock" songs (as such) like the title track use electric guitar only as shading or framing for the main melody and performance, to enjoyable effect. There's also something perfect about the song title "Where Do All the Raindrops Go," a sentiment that works a variety of ways. The short instrumental of lush ocean-liner-lounge funk of "I Can't Love You Anymore Than I Do" is another fun nugget -- Chuck Mangione would appreciate both the trumpet and the wah-wah.

(by Ned Raggett, All Music Guide)

Geheimtipp Brent Cash

Ein luxuriöses Hobby namens Sunshine-Pop

Er hat keine mächtige Plattenfirma und kein Heer von Facebook-Freunden, er beschallt keine hippe TV-Serie und twittert nichts Aufregendes - also nehmen die Medien den soften Retro-Pop von Brent Cash kaum wahr. Welch' himmelschreiende Ungerechtigkeit!

In dem Hollywood-Film "High Fidelity" gibt es diese herrliche Szene, in der ein Plattenverkäufer ein Album der eher obskuren Beta-Band in seinem Laden auflegt und tatsächlich, wie von ihm prognostiziert, im Handumdrehen einen Schwung Beta-Band-Platten verkauft.

Jedes Jahr erscheinen viele tolle Platten, die kaum bemerkt werden, weil niemand das Publikum auf sie aufmerksam macht. Ein aktuelles Beispiel ist ein Amerikaner mit dem klangvollen Namen Brent Cash. Dessen neues Album "How Strange It Seems" ist seit vergangener Woche zu haben, und die Wahrscheinlichkeit, dass es überhört wird, ist bestürzend groß.

Das wäre ein Jammer, denn "How Strange It Seems" zählt zu den beglückendsten Alben dieses Frühsommers. Gut, es ist keine Platte, die die Welt aus den Angeln hebt, aber immerhin außergewöhnliche Musik, die über die Distanz von elf Songs hinweg elegant und verspielt ihre Hörer bezirzt. So entrückt wie die Mädchen, die auf der Plattenhülle mit ausgebreiteten Armen am Strand tanzen, klingen die Songs von Brent Cash: Schwelgerisch und virtuos inszeniert er Tagtraum-Retro-Pop, zusammengesetzt aus geschmeidigen Streichern, Bläsern, Vibraphonen, Harfen und der samtenen Stimme des Künstlers.

Dass das umwerfend klingt, ist der Erbschaft einer Tante zu verdanken, die möglich machte, dass nichts am Computer generiert, sondern alles tatsächlich eingespielt worden ist. Ein Reiz dieser Musik liegt auch darin, dass sie aus der Zeit gefallen scheint, wie ein verschollenes und wiederentdecktes Meisterwerk der frühen siebziger Jahre. Das erinnert mal an alte TV-Serien-Melodien und überrascht mal mit einem Hauch von Disco. Aber vor allem ist es eine Sammlung erstklassig geschriebener Songs.

Atemberaubend unmodern

Damit reiht sich Brent Cash ein in ein sonniges amerikanisches Genre, das Spezialisten Sunshine-Pop nennen und zu dessen Helden The Carpenters, Burt Bacharach, Paul Williams, Roger Nicols, Todd Rundgren, Swingle Singers, Harry Nilsson und Brian Wilson zählen. Alles Spezialisten für sanft melancholische Wohlklänge, alte Meister, die von Kritikern in diesem Jahrtausend gern zu Vergleichen herangezogen werden. Nachwuchskräfte wie Brent Cash hingegen werden von den Medien kaum wahrgenommen.

Das mag daran liegen, dass einer wie Cash von allen hippen Genres der Gegenwart Lichtjahre entfernt ist. Er hat auch kein Heer von Facebook-Freunden, twittert nichts Aufregendes, ist also atemberaubend unmodern. Cash muss obendrein ohne Medienkampagnen auskommen, zu ihm werden keine Journalisten geflogen, es werden keine Plakate geklebt, und in coolen US-TV-Serien wird seine Musik schon gar nicht platziert.

Dass man mit Siebziger-Jahre-Soft-Pop in diesem Jahrtausend dennoch punkten kann, bewies im vergangenen Jahr Rumer mit ihrem exzellenten Debüt-Album. Doch hinter der Britin steht der mächtige Warner-Konzern. Um Brent Cash kümmern sich dagegen nur zwei Idealisten aus Hamburg-Eimsbüttel, die dort das kleine Label Marina Records betreiben. Statt viel Geld haben sie nur Leidenschaft zu bieten. Damit haben sie sich weltweit einen so exzellenten Ruf erarbeitet, dass Brent Cash vor einigen Jahren eine Demo-CD aus Athens, Georgia, nach Hamburg schickte.

Via E-Mail lässt er nun wissen, dass ihm kommerzieller Erfolg nicht besonders wichtig sei. Er habe einen richtigen Job, und die Musik sei sein luxuriöses Hobby. "Sie macht mich glücklich." Daran sollten mehr Menschen teilhaben.

(Christoph Dallach, 03.06.2011, www.spiegel.de)

Nach etwa fünf Jahren Veröffentlichungspause bringt Brent Cash via Marina sein drittes Album heraus. Man ist geneigt, das mit einem "endlich" zu quittieren - so überwältigend schön gerieten die beiden Vorgänger von "The New High". Schon das opulente Debüt "How Will I Know If I’m Awake" (2008) des Multiinstrumentalisten, Sängers und Songschreibers aus Athens, Georgia, tönte mit Anklängen an Brian Wilson, Burt Bacharach, den Carpenters und die Mamas und Papas wie ein verlorenes Meisterwerk aus vergangenen Epochen. Und auch auf dem aufwändig inszenierten Album "How Strange It Seems" (2011) war praktisch jeder Song in einen goldenen Sonnenschein getaucht, der so nur in Kalifornien existiert. Mit feinsinnigen Orchesterarrangements, tollen Rhythmen, vielschichtigen Technicolor-Harmonien und heilloser Romantik verwöhnt uns Cash auch auf dem brillanten "The New High", das von der ersten bis zur letzten Note zum Träumen einlädt. Das ist kitschig und ziemlich "Retro", macht aber verdammt glücklich. Übrigens: Ganz im Stil eines Todd Rundgren hat Cash hier - mit Ausnahme der Streicher - sämtliche Instrumente selbst eingespielt. Grandios!

... David Scott gehen die Ideen nicht aus, wie dieses neue, überwältigend romantische Album zeigt. (...) ›Love & Other Hopeless Things‹ ist ein fantastisches Album. Unbedingt hörenswert.

(Audio, Mai 2019)

Ladies & gentlemen - get ready for something truly special: Scotland's best jazz musicians meet one of the greatest songwriters ever. The Colin Steele Quartet plays the music of Joni Mitchell. It sounds like a marriage made in heaven - and it is. The music of Joni Mitchell gets the royal jazz treatment in exciting new arrangements. Timeless classics from the Mitchell songbook - »Blue«, »Both Sides Now«, »Hejira«, »A Case Of You« etc. - sparkle with fresh energy in a classic jazz quartet setting.

Mitchell always had a deep affinity with jazz - working with Charles Mingus on her album »Mingus« (1979) and many other jazz luminaries like Herbie Hancock and Wayne Shorter. Her songs are just perfectly suited for getting re-interpreted in a jazz setting. Listen to the album - and experience how well it works. Colin Steele adds his very own sound with his warm, melodic playing to Joni's songs and transports them into another musical territory. The results are simply gorgeous. Colin Steele from Edinburgh, one of UK's leading jazz trumpeters, is accompanied by the same top-notch musicians as on his »Diving For Pearls« album (MA 82, 2017), his beautiful take on the Pearlfishers songbook: Calum Gourlay on double bass, Alyn Cosker on drums and pianist Dave Milligan who also arranged the album brilliantly. Dedicating an album to just one composer is a great jazz tradition: Miles Davis did it with Gershwin's »Porgy & Bess« ('58) and Chet Baker with »Plays Lerner & Loewe« ('59). And now we have the CSQ playing Joni. »Joni« was recorded in just one day - like many classic jazz albums - at Scotland's famous Castlesound studios (The Blue Nile, Orange Juice, R.E.M.). Masterfully engineered by Stuart Hamilton. You really get the »in-the-room-with-the-artist« feel. This is most certainly one of the best Marina releases ever.

Nach einer fünfjährigen Pause kehren The Pearlfishers, Glasgow's Finest, mit ihrem neunten Album für Marina zurück - wahrscheinlich ihr bisher bestes und unmittelbarstes.

Angetrieben von David Scotts außergewöhnlichem Songwriting und ausgefeilten Arrangements ist ›Making Tapes For Girls‹ eine Goldgrube an Pop-Perlen - voller witziger und farbenfroher Texte über die bejahende und heilende Kraft von Musik und Pop-Eskapismus. Der Titeltrack weckt Erinnerungen an die Zeit, in der man eine C-30/60/90 für den Liebsten oder die heimlich Angebetete zusammenstellte: ›I didn ‹t know how to say the right thing / So I left it to Joni and Paul...«. Diese Mixtapes, die direkt aus dem Herzen und der Seele kommen - »the nub of it, the truth of it, the ›you‹ of it.«

Es ist ein weiterer Pearlfishers-Klassiker in der Art von My Dad The Weatherfan und Even On A Sunday Afternoon und auch David Scotts Anspielung auf Terry Halls The Colour Field.