Laura Veirs, die einzigartige Songwriterin aus Portland, Oregon, meldet sich im August mit ihrem neunten Studioalbum "Warp & Weft" zurück. Dabei erscheint das neue Werk noch kraftvoller und schöner, aber teilweise auch düsterer als das Vorgängerwerk aus 2010 "July Flame".

Die Aufnahmen zum neuen Album entstanden im März 2013 in Portland und waren fast schon eine Gemeinschaftsarbeit von Laura Veirs mit ihrem Langzeitkollegen und Ehemann Tucker Martine sowie Gastmusikern wie Jim James, KD Lang, Neko Case, Brian Blade und Mitgliedern der Decemberists. Veirs war im achten Monat schwanger als sie für "Warp & Weft" im Studio war. Eine besondere Situation, die das Album deutlich geprägt hat.

"I'm haunted by the idea that something terrible could happen to my kids but that fear pushes me to embrace the moment. This record is an exploration of extremes - deep, dark suffering and intense, compassionate love", so Laura.

---

Faszinierender Folk, Pop und Jazz der gezähmten Abenteurerin.

(Rolling Stone, September 2013)

---

After the sparse acoustic approach of 2010's July Flame and Tumble Bee: Laura Veirs Sings Folk Songs for Children in 2011, singer/songwriter Laura Veirs returns to her electric guitar on Warp & Weft and delivers a dozen new songs that wind through skillfully textured, slightly psychedelicized rock, pop, and Americana, covering everything from the fears and joys of motherhood -- she had her second child in 2012 -- to disillusionment to homages to heroes to gratitude and spiritual awareness. Produced by husband Tucker Martine, the pair enlist an all-star cast that includes drummer Brian Blade, My Morning Jacket, k.d. lang, Neko Case, Nate Query of the Decemberists, Jeremy Kittel, Rob Burger, and Karl Blau. "Sun Song," a shuffling country rocker, is a Veirs trademark, though its layered strings are an exotic touch amid the weave of ringing electric and nylon-string guitars. She celebrates the landscape and the emergence from a long winter with Case breezily backing her. The almost nursery rhyme-like melody of "Finster Saw the Angels" celebrates the late artist and mystic, and offers a prayer for guidance as Burger's accordion, Carl Broemel's pedal steel, and her own country picking underscore the harmony vocals with lang. The elliptical rocker, "Dorothy of the Island," borrows the chorus from the traditional "Motherless Children," but wraps it in a warm, post-psych elasticity that belies the song's lyric concerns; Case's transcendent backing vocal almost steals the show. "That Alice" is a straight-ahead rocker that celebrates the life, musical and spiritual contributions of Alice Coltrane; Case's backing vocals add a near Baroque pop quality that is blindsided by a screaming guitar solo from Broemel. "Sadako Folding Cranes," is a relatively sparse and poignant tome about Sadako Sasaki, the two-year-old who survived Hiroshima only to die a decade later of complications from leukemia. During her lifetime, she folded a thousand paper cranes in the wish that for world peace would be realized. Veirs and Jim James' harmonies meld seamlessly, creating an almost otherworldly quality. Set-closer "White Cherry" is musical acknowledgment of Coltrane's influence as it weds modal jazz -- complete with a sitar, upright bass, harp samples, and two drummers -- to Veirs' own expansive sense of melody; her lyric celebrates the middle way between nature, spirit, and flesh. Warp & Weft disp-lays Veirs' sophisticated songcraft (though "America" falls short for its obviousness) is adorned by diverse textures, expert musicianship, and a generous use of space; it's almost almost perfectly balanced.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Nach seinem fulminaten Erfolgsalbum 'Apokalypse' aus dem Jahr 2011 meldet sich der Wahl-Texaner aus Austin, Bill Callahan, mit seinem neuen Meisterwerk 'Dream River' zur�ck.

Wie der Titel schon verspricht, geht es um einen 'Fluss der Tr�ume', wo alles gute und alles schlechte organisch zusammen flie�t. Pantha Rhei - oder - Wir steigen in den gleichen Fluss und doch nicht in denselben, wir sind es und wir sind es nicht, oder kann man doch nicht zweimal in denselben Fluss steigen? Bills neue Songs sind wie kleine Flo�e, mit denen man auf eine Abenteuerreise mit genommen wird, und Callahan ist gleichzeitig der Kartograph und Erz�hler, der Ausschau nach Untiefen und gef�hrlichen Ufern entlang des Flusses h�lt. Und er erz�hlt mit seiner Baritonstimme wundersame Geschichten, die er mit seinen Augen gesehen oder vielleicht auch nur getr�umt hat, wer wei� es schon genau. Klartext-Passagen flie�en mit den poetischen zusammen und bisweilen sp�rt man auch einen leichten Sto� von etwas, was wir alle kennen: das Lachen. Am Ende des letzten 8. Songs flie�t der Traumfluss ins Meer, und der H�rer sieht pl�tzlich einen neuen unendlichen Horizont und ist wie verwandelt. Und er wei� auch sofort, dass er dieses Album immer wieder aufs Neue h�ren muss, aber nie wieder auf dieselbe Art und Weise. Traumwandlerisch sch�n!

---

13er. In herrlich warmer Atmosph�re zelebriert er seine Songs in aller Gem�tsruhe, v�llig relaxt, manchmal fast schl�frig (wozu seine sonore so ungemein angenehme Baritonstimme, die wie gewohnt absolut in sich ruht, nat�rlich bestens pa�t), beschleunigt jedoch ab und zu dabei �berraschend stark, intensiviert, bzw. streut in vielen Songs rhythmisch betontere, lebhaftere Phasen ein, verst�rkt z.B. durch eine umherschweifende Fl�te, v.a. aber durch die vielfach effektangereicherte (eine Menge Echo, Wah-Wah, Verzerrungen, Delay) generell gro�artige, bet�rende Gitarre von Matt Kinsey � enorm ideenreich auch im �berwiegend leisen/wunderbar filigranen/verwehten/unglaublich einf�hlsamen Spiel � welch ein Genu�, selbst in den ganz intimen Momenten! Die Stilistik ist dabei wieder einmal relativ egal, z.T. auch schwer bestimmbar, pendelt von Folk Rock sehr spezieller Sorte �ber ein hier und da leicht jazziges Flair (gerade in beschwingteren Passagen) resp. �Folk Jazz�, bis zu einer Art Country Soul, streift gar psychedelisches oder Latin-Terrain, zudem Americana. Dabei f�hle ich mich 2,3x ein wenig an Tim Buckley erinnert (rein musikalisch nat�rlich), kurz au�erdem an Lambchop und Terry Callier! Dicke Empfehlung, eh klar!

(dvd, Glitterhouse)

Im M�rz 1953 in London zur Welt gekommen hat Robyn Hitchcock mehr als 500 Songs geschrieben und aufgenommen. Darunter tummeln sich Klassiker wie 'Where Are The Prawns'; 'I Wanna Destroy You'; 'Balloon Man'; 'So You Think You're In Love?'; 'I Often Dream Of Trains'; 'Uncorrected Personality Traits'; 'Full Moon in My Soul'; 'Adventure Rocketship'; 'If You Were A Priest'; 'Madonna Of The Wasps'. Die Liste k�nnte endlos fortgesetzt werden. K�rzlich gesellte sich zum Kanon "There Goes The Ice" hinzu, dass Hitchcock 2008 auf einem Schiff mit KT Tunstall aufnahm, mit der er sich auf einer Umweltexpedition vor Gr�nland befand.

Seit der Gr�ndung der �u�erst beliebten und einflussreichen Art-Rock Band The Soft Boys im Jahre 1976 hat Robyn sich einen Ruf als beliebtester und ausdauerndster Songwriter und Performer im Alternative Rock aufgebaut. Im Laufe seiner Karriere hat er mit unz�hligen K�nstlern zusammengearbeitet und eine noch l�ngere Liste von K�nstlern und Bands beeinflusst. Robyn beschreibt seine Songs als �Gem�lde zum Anh�ren".

Sein neues Album �Love From London" feiert das Leben in einer Kultur, die stetig der Gefahr ausgesetzt ist, vom wirtschaftlichen und �kologischen Kollaps in die Tiefe gerissen zu werden. Angef�llt mit dem Zusammenspiel von smarten, eing�ngigen Hooks und exzentrischen Texten, die zum Markenzeichen Hitchcocks geworden sind, schicken sich diese zehn Songs dazu an, einen Ehrenplatz im weitreichenden Kanon Hitchcocks einzunehmen.

Laura Marling wurde 1990 in Eversley, einem Dorf zwischen London und Bristol, geboren. Ihr Vater unterhielt ein Studio f�r Musiker, die sich nach Abgeschiedenheit und Ruhe sehnten, und sie h�rte gern die Knisterplatten ihres Vaters. In der Schule galt sie als Au�enseiterin, weil sie Bob Dylan mehr mochte als Robbie Williams.

Und so klingt auch ihre Musik wie aus einer anderen Zeit. Marling wirkt wie eine Elfe mit ihrem strohblondem Haar und singt, meist mit geschlossenen Augen, mit einer glockenhellen Stimme. Ihre Musik ist schlicht und dabei so unglaublich sch�n.

Vor ihrer Solokarriere war Marling Mitglied der Folkrock-Band Noah and the Whale, die sie 2006 mitgr�ndete. Sie erhielt 2011 einen BRIT Award als 'Beste britische Solok�nstlerin'. Ebenfalls bekam sie im Februar des gleichen Jahrs vom New Musical Express einen NME Award als �Best Solo Artist�.

---

The new album, 'Once I Was An Eagle', was recorded at the Three Crows studio of regular producer and instrumentalist Ethan Johns (Kings of Leon, Ryan Adams, Vaccines), with Dom Monks on engineering duties and Marling's lifelong friend Ruth de Turberville on cello. It's a hugely ambitious record that reflects the dark themes of 'A Creature I Don't Know'.

This is Laura's fourth album - an achievement in itself for a 23 year old, the remarkable nature of her talent and career being underlined by the 2011 Brit Award for Best British Female Solo Artist, the two Mercury Music Prize nominations, and the NME Award for Best Solo Artist that she's received in the years since her 2007 debut 'Alas I Cannot Swim'.

(lauramarling. com)

... am Nachhaltigsten wirkt, wie Marling bei aller Kontrolle eine wunderbar suggestive, unruhige Spannung zwischen N�he und einer k�hlen Distanz h�lt.

(Rolling Stone, Juni 2013)

Garland Jeffreys letztes Album "The King Of In Between" versetzte Heerscharen von Kritikern in Verz�ckung. "Abgekl�rt, relaxt, energisch und beseelt" befand laut. de, und der Rolling Stone urteilte schlicht und einfach: "grandios". Die Auszeichnung mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik ' Bestenliste 2012' und der Charteintritt in die MC Charts waren fast nur noch eine logische Konsequenz.

"The King Of In Between" brachte Jeffreys zudem einen Auftritt bei Letterman und in der Harald Schmidt Show ein, sowie gemeinsame Konzerte mit Bruce Springsteen und Levon Helm.

All diese Erfahrungen haben den Musiker, der vor kurzem seinen 70. Geburtstag feierte, offensichtlich noch angespornt, was man auf "Truth Serum" in jedem Moment sp�ren kann. Es sticht als eines der feinsten Alben von Garland Jeffreys hervor, weil es die Weisheit und den Blickwinkel eines K�nstlers demonstriert, der sein Alter und seine Erfahrungen mit Leidenschaft und Courage zu kombinieren wei�, was ihn zu einem der wahren "Rock-and-Roll-Sch�tze dieser Stadt" (The New Yorker) - und nicht nur dieser Stadt - gemacht hat.

Dieses Album ist ein dringlicher Weckruf, eine Reflexion �ber die Welt, in der wir leben, und die Vision einer Welt, wie wir sie uns eigentlich schuldig sind.

---

Solide, nach Sch�nheit suchende Songs des gro�en Stilmix-Meisters."

(Rolling Stone, Oktober 2013)

---

(by ?, All Music Guide)

Vor 47 Jahren erschien mit "The Sophisticated Beggar" das Deb�talbum des damals 25-j�hrigen Roy Harper. Es ist eine lange und erfolgreiche Karriere, auf die der englische Folk-Rock-S�nger Harper zur�ck blicken kann. Egal ob Jimmy Page, Pink Floyd, Paul McCartney oder Kate Bush, die Liste von befreundeten Musikern, mit denen Roy Harper zusammen gearbeitet hat, ist endlos. Ein ereignisreiches Leben, dass das musikalische Bewusstsein vieler K�nstler j�ngerer Generationen stark gepr�gt hat.

In den letzten Jahren ist es dann aber doch etwas ruhiger um den mittlerweile 72-j�hrigen Harper geworden. Doch jetzt, 13 Jahre nach seinem letzten Studioalbum "The Green Man" ist Roy Harper mit neuem Material zur�ck. Auch dieses Mal fand er Unterst�tzung bei namenhaften Musikern, wie Jonathan Wilson, der einen Gro�teil der Songs auf "Man And Myth" mit Harper aufgenommen hat.

---

Herausgekommen ist durch die Zusammenarbeit ein wahre Wiedergeburt, die den Vergleich mit dem fr�heren Klassiker nicht scheuen braucht.

(Good Times, Oktober / November 2013)

---

13er, nach 13 Jahren das Studio-Comeback der Kultfigur. Ein geb�hrend au�ergew�hnliches! Nur 7 Songs, aber 44 Min. lang. 3x dezent rootsiger gro�teils elektrischer Songwriter-Rock: Entfernt an The Band erinnernd, handfest mit richtig aggressiver ungez�gelter Gitarre (Gast Pete Townshend!) und weitgehend eher sachte, feinst federnd, z.T. entz�ckend klangmalend und ein bischen Jam-artig, rhythmisch feinziseliert. Alles in gut. Ansonsten akustisch und noch besser: Teils frei und ungebunden folkig, linear und ohne besondere Struktur in aller Ruhe tiefenentspannt vorw�rtsschreitend, teils poetisch und emotional und von ungeheurer innerer Sch�nheit (January Man, prachtvoll!), die gleiche Qualit�t hat The Stranger, leiser lyrischer wie dynamischer kontrastreicher toller Folk (Rock) eigener Art (kurzzeitig fast wie akustische Led Zep, die ihn ja mit Hats Off To Harper verewigten); und Heaven Is Here hat epische Ausma�e (15 Min.), ebenfalls strukturell offen, mal etwas mystisch, mal spannende flie�end-vertrackte leicht Ethno-gef�rbte extrovertiertere Passagen, klasse Gitarrenspiel, ein brillanter schwebender Schlu�. Super! Kleine Streichergruppen, Piano/Orgel, Bouzouki, Banjo, Mellotron verfeinern. Klare Empfehlung!

(dvd, Glitterhouse)

Mindestens 13. Album des immer wieder �berraschenden, stets bereichernden Projekts um das kongeniale Paar Ira Kaplan und Georgia Hubley (andere Quellen/Z�hltraditionen sprechen gar vom 15.), auf jeden Fall das 2013er Vollwerk, vier Jahre nach den Popular Songs erscheinend. Oft sagt man, eine Band habe die jahrelange Pause zu Arbeiten am Album genutzt, hier h�rt man es � so voll und rund, vielf�ltig und abgekl�rt kommt das Zehn-Song-Opus daher, schwer zu schubladieren, aber recht einfach, um es zu lieben. Zwischen phantasievollem Post-Rock, gelassenem alternative Country, liebenswertem Lounge-Pop, filigranem Folk-Flie�en und schwelgerischen Klanglandschaften in Cinemascope-Breite explodiert die kreative Kraft, weicher wechselnder Gesang f�llt das harmonische Himmelreich und schlichte Song-Grenzen werden mitunter schlicht negiert, sich bietende M�glichkeiten zum rauschartigen Ausufern werden kunstvoll und mitreissend genutzt, w�hrend andere Songs schon jetzt daher kommen, als w�ren sie seit Jahren gecroonte Klassiker. All das wird in geschliffener Reife dargereicht, unaufgeregt und ausgelassen werden die Lieder zelebriert, und selbst s�ffiges Streicher-Schw�rmen und markige Bl�ser-Eins�tze tragen zur Vervollkommnung der Wohlklang-Visionen bei. Aufgenommen in Chicago in Zusammenarbeit mit John McEntire (Tortoise) ist Yo La Tengo mit Fade ein Meisterst�ck gelungen, bei dem man nicht nur die vier Jahre der Genese, sondern auch die Jahrzehnte der Band-Historie versp�rt. Ein Album wie ein breites L�cheln, luftige Leichtigkeit durch ruhige Reife.

(cpa, Glitterhouse)

---

At album number 13, Yo La Tengo are an institution unto themselves, having perfected their craft of slow-burning, unassumingly insular indie rock in incremental baby steps since their formation in 1984. Almost three decades of building a language of wistfully melodic guitar rock without becoming redundant is no small feat, and Fade rises to the unique challenge by striking a middle ground between new territory and recalling YLT's finest hours. Fade is the first album for the band not recorded with producer Roger Moutenot, who had worked with the group on everything they put to tape since their 1993 breakthrough, Painful. The ten songs here were recorded instead with Chicago scene veteran John McEntire (Tortoise, Sea and Cake, Gastr del Sol, etc.) at his Soma studios, and while his influence on the album isn't overwhelming, there are touches of his affinity for orchestration, such as the gleaming strings and horn arrangements on album closer "Before We Run" and the distant trombone on "Cornelia and Jane." Mostly, regardless of production, Fade comes across as almost self-referential before it recalls other reference points, coming closest to the sound and overall feel of their 1997 masterpiece, I Can Hear the Heart Beating as One. The whispery vocals and bed of guitar textures on "Stupid Things" and the extended percussive jamming of "Ohm" definitely seem informed by territory the band was exploring around that era, though the album on a whole lacks any of the spiky rockers that broke up the lush softness on ICHTHBAO. The gentle and romantic wash of sounds that characterizes much of Fade is more in keeping with the band's chilled-out 2003 album Summer Sun, with graceful exploration of different sounds all reined in before they spin into distortion or clamor. Even the slinky groove and weird wah-wah tones of "Well You Better" are subdued, offering a relatively mellow peak in energy. The album's lazy, sunshiny demeanor borders on sleepy at times, but those listening closely will pick up on the subtle shifts in instrumentation and colorful production shifts that the band has grown to excel at over the years. The fingerpicked acoustic guitar and harmonium drones of "I'll Be Around" fade into the spaced-out drum machine pulse of "Two Trains" without spectacle, and the entire album blends in a similar, pleasant way. This fluidity and cohesion is what drives the songs on Fade to stand stronger as a unified mood, and one that grows more satisfying with repeat listens. By this point, Yo La Tengo have developed not just a style, but a voice of their own so distinct that the deeper the details go determines how strong the album can be. Fade is rich with details and grows richer the closer one looks.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Zwei Jahre nach dem hochgelobten Debütalbum "Gentle Spirit", das weltweit Fans wie Kritiker gleichermaßen verzückte, meldet sich der Sänger, Songwriter, Multiinstrumentalist, Produzent und Gitarrengott Wilson mit neuem Material zurück.

"Fanfare" wurde innerhalb von neun Monaten in Los Angeles aufgenommen und wartet mit Gastauftritten von Graham Nash, David Crosby, Jackson Browne, Josh Tillman (aka Father John Misty) oder Wilcos Patrick Sansone auf.

Auch die britische Folk-Legende Roy Harper, der selbst gerade sein neues Album "Man And Myth" fertig gestellt hat, steuerte Ideen beim Songwriting dazu.

Ein musikalisches Ergebnis von musikalischen Freunden und der Familie.

willkommene R�ckkehr nach 6 Jahren mit edler G�steliste, z.B. Richard Thompson, ex-Fairport Dave Swarbrick, ex-u.a.-Steeleye Span Martin Carthy & John Kirkpatrick, Amy Helm, die famose Susan McKeown, Eliza Carthy, Tony Trischka (Peter Rowan, Alison Krauss etc.), John Doyle (Tim O�Brien usw.), David Mansfield. Viel traditioneller englischer (auch mal irischer/schottischer) Folk, wie er �hnlich in den 60ern/70ern zu h�ren war, gro�teils balladesk, in lyrischer anr�hrender und wundersch�ner Form, oft nur mit Ak.Gitarre bzw. anderen Saiteninstrumenten und mal zus�tzlich Geige resp. Cello, ab und zu ein klein wenig s�ffiger (incl. Harmony/Backing/Chor-Vocals). 3 Ausnahmen, 2 sehr aparte behutsam flie�ende Folk-Rock/Pop-St�cke, dezenter traditionell grundiert, und ein melodi�ser kraftvoller elektrischer etwas �modernerer� Folk-Rocker. Ein intimer und/oder melancholischer Zug liegt �ber vielen Songs. Neben den Originalen (co-) Songwriting-Credits von Sohn Teddy (der �fters mitmischt), Anna McGarrigle, Ron Sexsmith, plus 2 uralte Traditionals. Ein herzerw�rmendes phasenweise bet�rendes tolles Album, dicke Empfehlung!

(dvd, Glitterhouse)

---

Fabelhafte Produktion und Abmischung r�cken ihre Qualit�ten auch dort ins Zentrum, wo sie mit sich im Duett harmoniert. Das mit Junior Teddy geschriebene �Never The Bride� ist ein ganz superb produzierter Folk-Klassiker f�r die Ewigkeit, Akkordeon, Slide und Mandoline im Walztertakt schwelgend."

(Stereo, Januar 2014)

Mit "Bamnan And Slivercork" erschien 2004 ein sehr psychedelisches Deb�talbum, es folgte das 70's Soft Rock gepr�gte "The Trials Of Van Occupanther" und schlie�lich das vielumjubelte dritte Folk-Album "The Courage Of Others". "Antiphon" stellt nun einen weiteren logischen Schritt in der Diskografie Midlakes dar.

Das neue Album vereint viele Elemente der vorherigen Werke und pr�sentiert sich dennoch im neuen akustischen Glanz. Nach dem Ausstieg von S�nger Tim Smith im November 2012 musste sich die Band neu definieren und finden. Mit Gitarrist Eric Pulido als neuem S�nger und Frontmann klingen Midlake nun auf "Antiphon" entspannter als je zuvor, die neuen St�cke spr�hen vor Energie, und man sp�rt neben der altbekannten Midlake-Melancholie deutlich einen frischen Wind und ein befreiteres, fast euphorisches Aufspielen der zum Sextett angewachsenen Band aus Denton, Texas.

---

(...) klangen Midlake noch nie verwunschener, herbstlicher als auf "Antiphon", das eine Art somnambulen Progressive-Kraut-Folk bietet, den man so noch nicht geh�rt hat."

(Rolling Stone, November 2013)

Die herrliche Cherilyn MacNeil ist angekommen, auch wenn der angedachte Alleingang erfreulicherweise nicht ganz so allein geriet wie geplant. Die S�dafrikanerin mit Schaffensplatz in Neuk�lln (zum Gl�ck muss sie nicht pendeln) widmet ihren selbstproduzierten Drittling ihrer Heimat und Herkunft, und kleidet ihre ber�hrend-bewegenden Worte in eine Musiksprache, die in ihrer inzwischen gewonnenen Einzigartigkeit die Welten verbindet. Aber anstatt, wie anfangs angedacht, die Songs nur mit Piano, Perkussion und Gesang auszugestalten, f�llte sie nach und nach ihre Arrangements mit verschiedenerlei farbigen Klang-, Gesang-, Ton- und Stimm-Schnipseln, die sie im Studio zu einem funkelnden Ganzen zusammenf�hrte. Ihrem Plan folgend steht dabei das Klavier im instrumentalen Mittelpunkt, mindestens ebenso pr�gend, tragend und treibend wirkt aber die vielf�ltige, t�nende wie t�nzerische Perkussion, mit der Tindersticks-Schlagwerker Earl Harvin den bewegten Grund f�r die vielfarbigen Klang- und Stimmspielereien von Rivonia legt. Auf diese Basis h�ufte Cherilyn, unter der Misch-Mitwirkung von Eli Crews (Why?, Deerhoof etc.), einen bunt schillernden, auch in Momenten gr��ter F�lle noch delikat durchschimmernden Klang-Palast aus Streichern, Holz- und Blechbl�sern, Akkordeon, Gitarren und allerlei t�nendem Schlagwerk, wobei sie stets ein k�stliches Gleichgewicht aus Momenten intensiv-intimer Einsamkeit, kammermusikalischer Konzentration, exotischer Einladung zum Tanz und Phasen wahrer symphonischer Gr��e wahrt. Wundervollstes Instrument von allen aber ist Cherylins Stimme, die sie kunst- und gef�hlvoll in viellagigen Harmonie-S�tzen �ber-, mit- und gegeneinander setzt, im Gospel-Chor erstrahlen, in fast perkussiven Phrasierungen rhythmisch betonen oder in verletzlicher Einsamkeit zart-zerbrechlichen Zauber verstr�men l�sst. Seine markant-sonore Stimme leiht g�steweise auch Konstantin Gropper, und zur romantisch-tragischen Gr��e seiner Get Well Soon-Welt lassen sich auch leise Parallelen feststellen. Aber auch Geistesverwandtschaften zur eigenbestimmten Kate Bush oder gar zu Joe Jackson�s Body & Soul schimmern durch dieses kristallene Klang-Kaleidoskop, aber wirklich vergleichen l�sst sich Dear Reader nur mit Dear Reader.

(Glitterhouse)

---

Das dritte Album unserer Berliner Lieblingss�dafrikanerin Cherilyn MacNeil, besser bekannt als Dear Reader. Es hei�t Rivonia und ist eine wilde Mischung aus Folk, Pop, Musical, Shapenote-Ch�ren, Afrobeats, Holzbl�sern und Stimmen. Immer wieder Stimmen. Gesang und Ges�nge in allen Formen und Schattierungen: ausufernd, abgeschnitten, Fetzen, Schnipsel, Fugen. Alles gesungen. Durch diesen ungew�hnlichen Einsatz von Gesang hebt sich die Musik meilenweit vom g�ngigen Folk Kanon ab wie, ja, ca. so weit wie James Blake sich von j�hem Dubstep entfernt aufh�lt.

Dear Reader gelingt hier eine sehr untypische und pers�nliche Klangsprache. Da rauschen urpl�tzlich ganze Chor-W�nde auf den H�rer zu, dass es eine wahre Freude ist. Und trotzdem bleibt jeder Song bei aller Sanges- und Spielfreude immer ganz bei ihr. Das Resultat ist eine Dear Reader-Platte, die auf v�llig andere Art und Weise als ihre Vorg�nger in sich ruht und wie nichts anderes klingt, was wir hier bei City Slang jemals hatten...

---

Ein weiteres Mal bet�rt die in Berlin lebende S�dafrikanerin Cherilyn MacNeil alias Dear Reader mit herbstlichen Klavieret�den.

(Rolling Stone, April 2013)

Mehr als 13000 Kilometer entfernt von ihrer Heimat ist Dear Reader mit RIVONIA ein Meisterwerk gelungen.

(musikexpress, Mai 2013)

Die S�ngerin Alela Diane markiert mit diesem neuen & vierten Studioalbum ihren Neuanfang: Intimer, reduzierter, direkter. Denn in den Songs verarbeitet sie die Scheidung von ihrem Mann und Musikerkollegen Tom Bevitori.

Der Durchbruch in Europa gelang mit �The Pirate�s Gospel�. Urspr�nglich bereits 2004 entstanden, kam das Album knapp drei Jahre sp�ter in England auf den Markt und fand vom �NME� bis zur �Times� gro�e Beachtung. Als �Alela Diane & Wild Divine� ging die S�ngerin gemeinsam mit ihrem Vater, Ex-Mann Tom und weiteren Musikern auf Welttournee und trat zuletzt im Vorprogramm der �Fleet Foxes� auf.

Nach der Trennung kehrt die S�ngerin musikalisch zu ihren Wurzeln zur�ck: �About Farewell� (erscheint bei BelieveDigital / Soulfood) kombiniert einfache Gitarren-Arrangements mit einem direkten und einnehmenden Gesang.

Die sehr pers�nlichen Texte handeln von fr�heren Beziehungen und nat�rlich auch von Alelas Scheidung.

Die Produktion fand in ihrer Heimatstadt Portland / Oregon statt. Unterst�tzung holte sich die S�ngerin von befreundeten Musikern, u. a. von Heather Broderick (Efterklang). Entstanden ist ein intimes Album mit einer zentralen Botschaft: Jedes Ende hat auch einen Anfang.

---

Pers�nliche Pein bringt die amerikanische S�ngerin zum Folk und zu ihren St�rken zur�ck.

(musikexpress, August 2013)

Der 2-fach GRAMMY-nominierte Songwriter Richey hat schon Lieder f�r Brooks & Dunn, James Morrison, Mindy McCready oder die Dixie Chicks geschrieben.
G�ste hier: Pat Sansone (Wilco), Carl Broemel (My Morning Jacket) and Trisha Yearwood.

---

Guests include Pat Sansone (Wilco), Carl Broemel (My Morning Jacket) and Trisha Yearwood. Twice GRAMMY nominated songwriter Richey�s songs have been cut by Brooks & Dunn, James Morrison, Mindy McCready, Dixie Chicks and more. Kim Richey has never been afraid to go where the inspiration is. Early on, the Zanesville, Ohio native thrived on the progressive side of mainstream country, her albums (1995�s Kim Richey, 1997�s Bittersweet and 1999�s Glimmer, all on Mercury) showcasing twang-pop sensibilities, a rich, rounded vocal tone and effortlessly sophisticated songwriting that other discerning performers - Radney Foster, Trisha Yearwood and Pam Tillis to name a few - coveted for their own recordings. In the years since, Richey has made a subtly psychedelic album, Rise (Lost Highway), in Los Angeles with producer Bill Bottrell, flown to London to enlist the help of Giles Martin, emerging with the crisply orchestrated Chinese Boxes (Vanguard). Richey turned to her Nashville-based bandleader and frequent co-writer Neilson Hubbard to conjure the earthy feel of Wreck Your Wheels (Lojinx) and to complete her latest masterpiece of smart, sensual understatement Thorn In My Heart. The array of top-tier guests on the album include Jason Isbell, Wilco�s Pat Sansone, My Morning Jacket�s Carl Broemel, Will Kimbrough and Trisha Yearwood, who was, for the first time, returning the armony-singing favor. And the dozen songs themselves show that Richey�s still dreaming up fetching melodies that arc and bend in unexpected ways, and still discovering fresh angles from which to articulate matters of the heart.

Die Idee, dass es nichts Neues unter der Sonne geben kann, mag sowohl Fluch als auch Segen f�r Musiker sein. Einerseits spart sich der K�nstler damit den nagenden Zweifel daran, ob das neue Material wirklich eine Neuerfindung des Rads ist. Andererseits l�sst es aber auch die Erfindung von wirklich Neuem als Aufgabe f�r einen Narren dastehen. Chris Cheveyo, Songwriter aus Seattle, richtet sich mit dem Segen ein, stellt sich aber mit seinen Mitstreitern von Rose Windows auch gegen den Fluch.

Die Band folgt mit ihren Instrumenten der westlichen Tradition und bedient sich der Werkzeuge der vergangenen Jahrzehnte in der amerikanischen und der britischen Rockmusik. Elemente des folkigen Rocks von The Band, die Orgelpsychedelia von The Doors und den bluesigen Trauerm�rschen von Black Sabbath blinken auf dem Rose Windows Deb�t �The Sun Dogs� hervor. Doch die Neugier der Band reicht �ber den Classic Rock hinaus. Rose Windows haben sich mit persischer, indischer und osteurop�ischer Musik befasst und in ihren Sound �bersetzt.

�The Sun Dogs� stellt die Annahme infrage, dass s�mtliche kreativen Territorien aufgezeichnet und ausgebeutet sein. W�hrend die Band kein Interesse daran hat, die Musik der Zukunft zu erfinden, so war ein Kritiker doch klug genug zu bemerken, dass �ein Sound wie dieser in keiner anderen Zeit� funktionieren k�nne.

Alles begann 2010 in einem Haus im Kern von Seattle, in dem es Cheveyo langweilig dabei wurde, die immer gleiche Palette seines Post-Rock Projekts zu bedienen. Was mit ihm und einigen Demos begann, wuchs mit Musikern aus dem Freundeskreis schnell zu Rose Windows. Die Band begann damit, aufzutreten und teilte sich in der einen Nacht B�hnen mit Underground Art Metal Bands und in der n�chsten mit bekannten Indie Americana Bands. Im November 2011 begann f�r Rose Windows mit dem Produzenten Randal Dunn ((Sunno))), Boris, Earth, Master Musicians Of Bukkake) die Arbeit an �The Sun Dogs�. Dunn passte perfekt zur Band: Dynamiken wurden ausgeweitet. Grenzen wurden �berschritten. Die Kombination von musikalischer Neugier und k�nstlerischer Ambition l�sst das Album noch breiter erscheinen.

---

Die Schwere des t�glichen Blues lauert am Boden dieser Folk- und Psych-Rocksongs.

(musikexpress, August 2013)

()

Grenzenfrei ausufernde, rauschhaft treibende, die Sinne ebenso erf�llende wie raubende R�ckkunft der Skandinavier zu alten St�rken. Nicht nur, dass die Jungs nach langen Jahren wieder in die Geburtsst�tte solcher Mammutwerke wie Demon Box oder Timothy�s Monster, den Trondheimer Brygga Studios, zur�ckkehrten, um dort das 2013er F�nf-Epen-Opus einzuspielen, nach dem faszinierenden, aber von den Wurzeln wegtragendem Death Defying Unicorn-Projekt sind die �bersch�umenden, bruch- und wechselreichen, vor Phantasie platzenden Eggplant-Epen bei aller ihrer flirrenden F�lle doch weit song-orientierter als die konzeptunterworfenen St�cke des Vorg�ngers. Dabei spiegeln die Songs, die die 10-Minuten-Grenze spielend �berspringen, die ganze Breite dieses einzigartigen kreativen Kosmos wider, wird der Klangraum ungebremst und energiereich mit bluesgetr�nktem Hard Rock klassischer Pr�gung, tonnenschwer hypnotischem Stoner-Groove, sinnevernebelnd-endlosen Gitarren-Exkursionen, wechselhaft-vielfarbiger 70�s-gef�rbter Progressiv-Phantasie und psychedelisch zerfasernden Instrumentalexkursionen gef�llt, immer wieder gekr�nt von mehrstimmigem Gesang, dessen Harmonien CSN-G�te atmen. Ein sicherlich bereichernder Faktor der Eggplant-Aufnahmen war das musikalische Mitwirken von Reine Fiske (Dungen), der vor allem als Gitarrist und genialer Gegenpart zu Hans Magnus Ryan St�cken wie Ratcatcher eine zus�tzliche Ebene verleiht. Ein Album wie ein einziger berauschender Raumflug, mit Momenten mauernzerst�render Macht, reinigender H�rte, ungebremster kreativer Kraft, erbauender Gr��e und bet�render Sch�nheit. Ein Motorpsycho-Album, eben.

(Glitterhouse)

These days, the words "English folk music" can easily conjure a certain UK quartet hooting and stomping their way across arenas worldwide and scaling the literal sound of their efforts to match. Suffice to say there are countless other approaches, both new and old, and the Horse�s Ha, a long-running if rarely recorded collaboration between Eleventh Dream Day/Freakwater stalwart Janet Bean and journeyman singer/guitarist James Elkington, showcase several on their second album, Waterdrawn.

In contrast to their sprawling first effort, 2009�s Of the Cathmawr Yards, Waterdrawn is a more focused, stripped down collection. The band here is less an ensemble led by Bean and Elkington and more the two core performers-- though strings do still play a role throughout. On first blush it's easy to note the performers� clear and open love of noted singers like Shirley Collins-- there�s that sense of immediate, focused performances done with little fuss, Bean and Elkington�s voices matched in close harmony without overt finesse. Similarly, their guitar performances seem unadorned and steady, bespeaking their experience by means of calm understatement.

But again, that�s on first blush. Though there�s nothing as immediately striking as breaking into a bossa nova-tinged number like Of the Cathmawr Yards' �Left Hand�, the Horse�s Ha are less about revivalism then they are the employment of their own easy-going aesthetic. For instance, the sudden punctuation of guitar at the start of the title track leads into a brisk arrangement that�s a kissing cousin of Nick Drake�s �Cello Song� but with a queasy string secton that feels like a snippet of a raga alongside a sudden swirl of flutes. And it's anything but simple cheery good times, even while Bean and Elkington�s vocals establish a feeling of calm restraint.

Bean�s opening line on the first song �Conjured Caravan�, �Lately I don�t try to linger,� sounds equally at home in Appalachia as in Cumbria, while the sudden shift away from the sprightly guitar to a single violin towards the song's end adds subtle drama to an already strong number about starting something up and hitting the road. Bean�s differently cast lead on the following song, �Willing Hands�, helps introduce the careful variety throughout the album, as does the song�s shifts between waltzing paces, steady fingerpicking, and sudden stops and hushes. (That one of the loveliest tracks on the album is called �Stick Figure Waltz� makes perfect sense.)

Bean has general pride of place on much of the performances, usually singing first and in a couple of cases taking sole lead, but Elkington�s role never feels secondary. It�s more the sense of a well-matched performer happily contributing to a whole. Sometimes, as on the easy going counry-tinged �A Stony Valentine�, Elkington�s vocals are the perfect extra element: Hearing him sing a line of the chorus by himself then returning to back Bean at the song's conclusion is one of those punch-in moments as thrilling as the right pedal stomp or bass drop.

Track for track, the basic approach may remain generally the same, but something�s always changing, whether it�s pace, lyrical focus, or simply the core sonic texture (often within the same song). The stateliness that begins and drives �Contenders� starts with banjo, builds up with guitar, adds strings, and reaches a long pause for Bean�s singing, then continues while the strings glide serenely in the mix, a background, genteel tension that�s its own treasure of a moment. When the building moment is repeated later, the extra elements become a soft click of percussion and quick guitar filigrees, neatly avoiding a repetition within the song itself. The Horse�s Ha are clearly anything but slapdash here, and that�s the key for Waterdrawn as a whole, a wonderful treat from artists at their best.

(pitchfork.com)

Irgendwo zwischen Pop und Folk und ja - Country kann man "Yasmine Tourist", den Erstling des gleichnamigen Stuttgarter Sextetts verorten. Muss man aber nicht, denn hier findet man 40 Jahre Musikgeschichte eingedampft auf eine gute Stunde feinsten Singer / Songwritertums, die nicht zuletzt dank der altmodischen Besetzung mit Pedal Steel und Klavier einfach nur Freude macht! Ihre gro�e St�rke ist neben dem vielseitigen Klangspektrum vor allem auch die gro�e Liebe zur Spontanit�t, was sie als hervorragende Liveband auszeichnet und in ausufernden Songs wie "A Thousand" beeindruckend zur Geltung kommt. Das feine Gesp�r f�r ansprechenden Pop, gef�hlvolles Songwriting und die Stilsicherheit dieser jungen deutschen Band belegt au�erdem die Verbeugung vor zwei Gr��en des Genres. Mit ihrer Hommage an die Calexico / Iron&Wine Kollaboration "He Lays In The Reins" legen Yasmine Tourist ihre Einfl�sse offen und lassen zudem ganz kurz in den bandeigenen Plattenschrank blicken, in dem sich au�erdem Helden wie Wilco, die kriechende Staubigkeit von Giant Sand oder auch die selbstgestrickte d�stere Anmut eines Bonnie 'Prince' Billy wohlf�hlen.

Nach 15 Jahren sind die schottischen Indie-Pop Pioniere The Pastels jetzt mit einem neuen Album auf Domino zur�ck!

Seit dem Release der LP "Illumination" im Jahre 1997 wurde es ziemlich still um The Pastels. Umso mehr freuen wir uns �ber "Slow Summits", das brillante neue Album der Band.

In der Zwischenzeit ging die Band anderen Projekten nach, unter anderem entstanden verschiedene Theaterst�cke, ein Film-Soundtrack (The Last Great Wilderness, Geographic, 2003), au�erdem kam eine Zusammenarbeit mit den japanischen Tenniscoats zustande.

Auf "Slow Summits" flie�t dieser Erfahrungsschatz in der Musik zusammen - einem soundverliebten, lebendigen Strom von Instrumentals, Pop Songs, Slow-Motion Passagen und pl�tzlich hereinbrechenden, fr�hlich-optimistischen Melodien.

Kathryn Williams ist ohne Zweifel eine der authentischsten Singer / Songwriter-Stimmen in UK.

"Crown Electric" ist ihr zehntes Studioalbum, ihr erstes in fast vier Jahren. Das Album wurde im Bryn Derwen Studios in Snowdonia aufgenommen und schickt sich an, Kathryn auf eine neue Stufe der Songwriter-Liga zu bef�rdern.

In vierzehn Jahren ihrer musikalischen Karriere hat Kathryn Williams Mercury-Preis Nominierung eingeheimst und arbeitete mit zahlreichen angesehenen Musikern wie John Martyn, Tom McRae, Chris Difford, Teddy Thompson, Robyn Hitchcock, Badmarsh und Shri, Thea Gilmore und Sandie Shaw.

---

Noch eine sch�ne Platte (es ist schon die zehnte) von der Songschreiberin und S�ngerin Kathryn Williams.

(Rolling Stone, Oktober 2013)

"Way To Blue: The Songs Of Nick Drake" ist ein tolles 'Tribute To Nick Drake'-Album, live aufgenommen in London (als BBC Live Session) in The Barbican im Januar 2010 und in Melbourne im Elisabeth Murdoch Hall / Recital Centre im November 2011.

Die f�nfzehn Songs wurden von Joe Boyd, dem legend�ren Nick Drake-Produzenten von "Five Leaves Left" (1969) und "Bryter Layter" (1970), produziert. Feat. Teddy Thompson, Vashti Bunyan, Green Gartside, Robyn Hitchcock, Lisa Hannigan, Scott Matthews, Krystle Warren, Danny Thompson u. v.a., arrangiert wurden die Songs von Robert Kirby und Kate St. John

"Coming Out Of The Fog" ist das f�nfte Album der Band aus Baltimore um Bandleader Dave Heumann, der einst mit Bonnie Prince Billy in Anomoanon gemeinsame Sache machte. Unbeirrt von aktuellen Rock-Trends geht es ihnen um poetische Texte und langsamen, kontinuierlichen Aufbau, nicht um die schnelle Befriedigung. Arbouretums Musik steht im krassen Gegensatz zu einer Kultur, in der es mehr um Video-und Track Placement als um Kritik und Diskurs geht.

Dieses Album ist das fokussierteste und am besten aufgenommene Album bis dato. Heumanns Gesang ragt �ber seine Gitarrensoli und Corey Allenders knackige Basslines. Alle Songs bleiben unter der 7 Minuten-Grenze. Heumann, Allender, Brian Carey (Schlagzeug) und Matthew Pierce (Keyboard, Synthesizer, Schlagzeug), machen stilistisch da weiter, wo die pr�genden Platten "The Gathering" und "Song Of The Pearl" aufgeh�rt haben: bei den schleppenden, coolen Balladen, den "fuzzed-out burners" und der Heavyness, die den der Band eigenen Sound definieren.

---

It is a well-worn joke in rock circles, "they are big in Japan." Rather than spending their time searching for fame, Baltimore�s Arbouretum has instead concentrated on honing their craft. It just so happens that the muse that guides them is completely outside of current rock trends. Like Richard Thompson�s work from the mid-70s, the band�s poetic lyrics and slow, heavy build are not stuff of the quick fix. Their music stands in stark contrast to a culture that is more about video and track placement than criticism and discourse. As such, it should come as no surprise that they have found success in the United Kingdom, Thompson�s birthplace. Arbouretum has been praised in Mojo 4 star reviews that end with phrases like �It just does not get much better,� a Guardian piece proclaiming that they are �One of the most distinctive voices around� and an Uncut 4 star review calling the music �Dense, thrilling and literate.�

Coming out of the Fog continues Arbouretum�s journey as their most focused and best-recorded album to date. Dave Heumann�s vocals soar atop his guitar solos and Corey Allender�s crunchy bass lines. Arbouretum have reigned in some of their maximalist tendencies, with every song coming in under 7 minutes. Heumann, Allender, Brian Carey (drums), and Matthew Pierce (keyboard, synthesizer, percussion), continue to mine the same breadth of styles made familiar on The Gathering and Song of the Pearl, notably the languid ballads, fuzzed-out burners, and heavier songs that have defined the group�s unique doom laden folk-rock sound.

Throughout Coming Out of the Fog, Heumann�s vocals take on a meditative quality, melodies unraveling effortlessly over Carey�s steady grooves. Syncopated rhythms come to the fore on �The Promise,� building tension, and leading to a climax of synth swells and chromatic guitar lines. Elsewhere, on �Oceans Don�t Sing,� guest musician Dave Hadley�s plaintive pedal-steel guitar lays a bed for some of Heumann�s most impassioned singing set to tape. Spending time on pre-production allowed for a more detailed approach to recording. Carey�s drums were tuned specifically for almost every track on the album, and tape was used to achieve the warmth only found in analog.

When taken as a whole, the lyrical theme of an individual�s relationships and struggles with forces larger than one�s self emerges. In �The Long Night,� a protagonist is faced with a metaphysical blackness, a dark night of the soul. �Renouncer� was inspired by Colin Dickey�s book The Afterlives of the Saints. It references the story of Saint Simeon, who traveled into the Syrian Desert and lived perched on a column for 36 years, living a life of death in an attempt to become closer to God. Bolstered by Heumann�s naturalistic imagery, �Oceans Don�t Sing� reflects on humanity�s powerlessness in the face of time�s steady passing. An exception to much of the record�s darkness, the title track is calming and reassuring, carried by Pierce�s affecting, sparse piano lines. Coming Out of the Fog is a well-crafted thing of beauty, an album that reveals itself more with every listen and whose lyrics take the listener out of themselves.

(thrilljockey. com)

---

Die Doom-Folk-Stoner-Rocker aus Baltimore finden Gefallen an Z�gelung und liefern ein Album ab, das sich gut f�r den Einstieg in ihre Welt eignet.

(musikexpress, Februar 2013)

Mit 10 Songs und nur einer knappen halben Stunde Laufzeit ein eher kurzes Vergn�gen, aber: Ein Vergn�gen. Mit der eigensinnigen Cohen-Chansonette Binki Shapiro hat der dickk�pfige, gern �bertreibende, stets zum Wohlklang strebende ehemalige Neo-Folk-Ikonist Green seine kongeniale Geistesschwester gefunden, und gemeinsam tanzen sie eine luftig-leichte Traum-Chaussee entlang, die sie in den Harmonie-Himmel tr�gt. Definitiv r�ckw�rtsgewandt drehen sich die musikalischen Ideen des delikaten Duos vorwiegend um Themen der blumigen 60er, gebettet in ein flirrend buntes Klang-Kaleidoskop aus vielerlei akustischem und elektrischem Saiten- und Tastenklang, das sich gleichermassen aus Country-, Pop-, Folk- und Chanson-Elementen speist, lassen die beiden Pop-Protagonisten ihre beiden Stimmen sich umgarnen, und treffen sich dabei in der Mitte zwischen Gainsbourg/Birkin und Hazelwood/Sinatra. Mit leichtem Hall und reich-bunten Arrangements verneigt man sich auch produktionstechnisch vor den 60ern, vereint nebenbei bunte Synthie-Spielereien mit twangenden Gitarren, Cembalo und Hammond-Orgel, und s�uselt sanft-melancholische Melodien, die die Seele salben.

(cpa, Glitterhouse)

---

Since his start with Moldy Peaches, Adam Green has taken the long road to respectability, slowly moving from out of tune anti-folkie to recording this thoroughly adult-oriented album for the august folk label Rounder. Here he teams with Binki Shapiro (former vocalist for Little Joy) on an album of duets that hit the sweet spot between the off-kilter weirdness of Nancy Sinatra's work with Lee Hazlewood and the sexy swagger of Serge Gainsbourg's duets with his pick of ladies. Green and Shapiro's voices blend like a nostalgic dream -- hers smooth as silky stockings, his as rumbling and dry as a desert wind --- as they sing songs of broken hearts, messed up dreams, and sticky situations. The songs are bereft of any of the humor Green usually brings to his work; instead he and Shapiro sound deadly serious and thoroughly disillusioned with love. Despite the gloomy nature of the words, the melodies are always super catchy and the duo, along with producer Noah Georgeson, wrap the songs in warm arrangements that are built around a very '60s-influenced folk-rock sound, but expand into some gently orchestral territory at times. The songs would have worked fine as acoustic duets, but the care and feeding they give them really helps the record stick. So do the great vocal performances from Shapiro (especially on the doo wop-inspired ballad "Casanova"), the bouncy pop songs that sound like they could have been radio hits in 1968 ("Just to Make Me Feel Good," "I Never Found Out"), and the overall sense of satisfaction that comes from hearing the result of two writers at the height of their craft telling it like it is about love and life. Hopefully, Green and Shapiro realize the creative gold they�ve struck here and make this more than just a one-off project. Even if they quit after this, the album will stand as one of the best duet records of the era.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Die beste Band Manchesters mit einem brillanten neuen Album!

Nachdem I Am Kloot einen ziemlichen Anlauf genommen haben, bevor sie auch in Deutschland von vielen mit ihrem letzten Album "Sky At Night" entdeckt wurden, legt das Trio aus Manchester nun wieder ein traumhaftes neues Album vor, das abermals von Guy Garvey (Elbow) produziert wurde. Die zehn Songs auf "Let It All In" kn�pfen nahtlos an den f�r den Mercury Music Prize nominierten Vorg�nger an und zementieren den Ausnahmestatus, den diese Band inne hat. I Am Kloot sind nicht eine dieser halbgaren UK Indie Bands - I Am Kloot sind wie ein guter Whiskey, der erst mit dem Alter das volle Aroma entfaltet. So verwundert es auch nicht, dass Pete Doherty I Am Kloots John Bramwell f�r den besten (wenn auch meist untersch�tztesten) Songwriter des Vereinigten K�nigreich h�lt. G�nsehautplatte!

---

13er. Beim letzten Album schrieb ich von ihrer �intelligenten melodisch so reizvollen Art, Pop individuell und hochwertig zu gestalten, ohne R�cksicht auf Zeitgeist� � das ist immer noch so. Welch exquisites Songwriting! Aber die Arrangements haben sie wieder reduziert, die St�cke basieren auf Gitarren (z.T. incl. akustischer), hier und da kommen Orgel/Keyboards, Piano, Akkordeon, Bl�ser oder Streicher hinzu, das Klangbild ist klar, transparent und direkt, die Stimme unangestrengt emotional, ausgesprochen angenehm � eine runde organische Sache von unaufdringlicher Klasse und Tiefe! Edel-Pop im besten Sinne, einige Folkeinfl�sse, mal kurz jazzig-bluesig, gern relaxt (schwingend/federnd), dann wieder kontrastreich und �u�erst eindringlich/intensiv, schwelgerisch/melodramatisch oder wunderbar atmosph�risch. Melancholisch sowieso. Und das tolle These Days Are Mine klingt hypnotisch spannungsvoll, sehr eigen. Vergleiche sind schwierig, dennoch ein paar punktuelle Assoziationen: Beatles (2x), Steely Dan, beste Nits, Mike Scott, Don McLean. Dicker Tip!

(dvd, Glitterhouse)

Widowspeak ist eine amerikanische Band bestehend aus Molly Hamilton und Robert Earl Thomas, die bekannt ist f�r ihre tr�umerische, Western-angehauchte Version des Rock'n'Roll. Ihr selbstbetiteltes Deb�t wurde f�r seine and�chtige Weite gelobt, f�r die eindringliche Stimme von Hamilton und die Gitarrenlinien von Thomas, die in ihrer D�sternis an Morricone erinnerten.

Auf ihrem zweiten Album "Almanac" erforscht das Duo die tieferen Arrangements und neues Soundterritorium, von Rhythmen aus der Sahara bis zu Melodien, die von den Appalachen inspiriert wurden, die allesamt mit einer stoischen Selbstbeherrschung vorgebracht werden. Benannt nach den j�hrlichen Sammelb�nden, die Landwirtschaftsweisheiten, Wetterdiagramme und astronomische Ph�nomene zusammenstellen, verfolgt "Almanac" exakt auf diese Art und Weise das Leben und den Tod der Jahreszeiten, Jugend, Liebe und das Zyklische in allen Dingen.

Das Album wurde von Kevin McMahon (Swans, Real Estate) in einer hundert Jahre alten Scheune im Tal des Hudson River aufgenommen. In der Produktion mit McMahon weitete Thomas die Demos der Band aus und erschuf Schichten von Gitarre, Piano, Orgel und Harmonium.

---

Instead of trying to re-create previous highs like "Harsh Realm," Widowspeak take the spooky allure of their debut album in a more traditional direction on Almanac. With a fuller, more polished sound courtesy of producer Kevin McMahon, Molly Hamilton and Robert Earl Thomas go beyond the Hope Sandoval and Mazzy Star influences of Widowspeak and instead draw inspiration from one of rock's original dark princesses, Stevie Nicks. There's a strong Fleetwood Mac influence throughout, whether it's the soft drama of "Dyed in the Wool," a song whose gauzy prettiness evokes Nicks' chiffon getups, or the steely guitar licks on "The Dark Age." The band embraces its classic rock leanings most winningly on "Ballad of the Golden Hour," a lament about the fleetingness of everything that finds Hamilton's whispers at their most urgent, a feeling echoed in the song's surprising, arena-size coda. Later, on "Sore Eyes," Hamilton sings "ashes to ashes to ashes," and while it's not entirely clear whether she dreads or accepts the end of things, she makes it sound entrancing. From its dreamy '70s-tinged album artwork on down, a smoky haze drifts over most of Almanac, particularly on "Thick as Thieves," which plays like a cross between an ancient sea shanty and West Coast hippie jazz. This misty quality serves most of the album well, particularly on "Storm King," which expands on the spare beauty of Widowspeak, and the nostalgic pop of "Spirit Is Willing." However, when Hamilton and Thomas venture into the mantra-rock of "Locusts" or the strutting "Devil Knows," it's hard not to want more bite from their sound. Still, Almanac proves that Widowspeak can embrace more traditional sounds without feeling stuffy, as well as make music that's much more eclectic than might have been expected.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Nick Cave & the Bad Seeds release their fifteenth studio album

"Well, if I were to use that threadbare metaphor of albums being like children, then Push The Sky Away is the ghost-baby in the incubator and Warren?s loops are its tiny, trembling heart-beat." (Nick Cave)

At the heart of Push the Sky Away is a naturalism and warmth that makes it the most subtly beautiful of all the Bad Seeds albums. The contemporary settings of myths, and the cultural references that have time-stamped Nick?s songs of the twenty-first century mist lightly through details drawn from the life he observed around his seaside home, through the tall windows on the album?s mysterious and ambiguous cover.

The songs on this album took form in a modest notebook with shellac covers over the course of almost a year. The notebook is a treasured analogue artefact but the internet is equally important to Nick: Googling curiosities, being entranced by exotic Wikipedia entries "whether they're true or not". These songs convey how on the internet profoundly significant events, momentary fads and mystically-tinged absurdities sit side-by-side and question how we might recognise and assign weight to what?s genuinely important.

Push the Sky Away was produced by Nick Launay and recorded at La Fabrique, a recording studio based in a 19th Century mansion in the South of France, where the walls of the main studio are lined with an immense collection of classical vinyl.

"I enter the studio with a handful of ideas, unformed and pupal; it?s the Bad Seeds that transform them into things of wonder. Ask anyone who has seen them at work. They are unlike any other band on earth for pure, instinctive inventiveness." (Nick Cave)

On this album it?s not always apparent what instruments the band is playing: they may be traditional musical instruments but other sounds are clearly generated by objects unrelated to musical instruments. What?s being created is a collective musical language that?s rich and complex.

Push the Sky Away has a clarity and sweet strangeness that's built upon the refusal to accept limitations, whether they be the traditional uses and sounds of musical instruments, lyric styles, or diminished spiritual horizons.

"I don't know, this record just seems new, you know, but new in an old school kind of way" Nick Cave

(nickcave. com)

---

Ein ruhiges, beinahe meditatives Album voller Streicherzucker, zart gezupfter Gitarren und leicht grollendem Bass, das durch Caves faszinierenden Sprechgesang einen hypnotischen Sog entwickelt.

(stereoplay, M�rz 2013)

---

It's been nearly five years since Nick Cave & the Bad Seeds issued the manic, intense rock cabaret that was Dig, Lazarus, Dig!!! Since then, the formation and breakup of Grinderman yielded two studio offerings, and Cave and Warren Ellis have composed a few film scores. Push the Sky Away, produced by Nick Launay, is painted with a deliberately limited sonic palette by Ellis. The album's sequencing makes it feel like a long, moody suite. While most of these songs contain simple melodies and arrangements that offer the appearance of vulnerability and tenderness, it is inside this framework that they eventually reveal their sharp fangs and malcontent. Opener -- and first single -- "We No Who U R" is reminiscent of "Your Funeral, My Trial" in its intent, but musically Ellis' sparse loops, flute, and a backing vocal chorus lend it an elegiac feel that belies the threat in the lyric. "Water's Edge," with its rumbling bassline, eerie piano, and Ellis' droning violin loops, is more overt in its sinister menace. Its protagonist, full of rage at seeing the dance of romance among the young, warns: "It's the will of love/It's the thrill of love/It's the chill of love/Comin' on." "We Real Cool" uses that thrumming bassline too. Instantly taut, one awaits an explosion that never arrives -- musically. Here, and elsewhere on this recording, the listener is exhorted to walk an emotional tightrope between the human qualities in Cave's characters as speaking subjects and the more distasteful, disgusting traits that make them objects of repulsion. He doesn't judge. "Finishing Jubilee Street" features Ellis' electric guitar in bluesy resonance as it drones atop a strummed 12-string acoustic before layered strings begin marching toward a dramatic catharsis. "Higgs Boson Blues," the set's longest cut, uses the drum kit and electric guitars in a similarly long, formless blues that displays Cave in near rant mode; his black humor is evident inside sociological observations with Miley Cyrus and Hannah Montana as characters. "Mermaids" employs humor too; from the start nearly obscene, it moves beyond its joke and becomes both a love song and a romantic elegy about the disappearance of the place of myth in Western spiritual life. Cave's protagonist believes in them all and laments them like an abandoned lover. The title track rises from the ether, driven by guest (and former Bad Seed) Barry Adamson's bassline and Ellis' eerie organ, which takes the foreground. It's a paean of determination in the face of grievous loss. Push the Sky Away is the first Bad Seeds record without Mick Harvey; the inherent lyricism and relative lushness in his musical arrangements are missed here. Despite excellent songs, this album feels more like an extension of Cave and Ellis' cinematic work than a classic Bad Seeds record. The sonic sea change is deliberate; but historically, given their vastly musical nature, this more economical approach is jarring, though seductive.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Lisa Germano - dieser Name ist wohl unweigerlich mit dem 4AD Label in den 90ern verkn�pft - vom Deb�t -Happiness- angefangen bis hin zum Spin-Magazin Lieblingsalbum der 90er -Geek The Girl-. Doch auch als Begleitmusikerin machte sich Germano einen Namen - unter anderem spielte sie f�r und mit Eels, David Bowie, Crowded House, Philip Selway (Radiohead), Indigo Girls, John Mellencamp und Giant Sand.

-No Elephants- hei�t Germanos neues Album. Komponiert und getextet von Lisa Germano, unterst�tzt von Bienen, Mobiltelefonen und diversen Tierger�uschen; Candiloro hat Drumloops entwickelt, Sebastian Steinberg den Akustikbass gezupft. Die Multiinstumentalistin Germano spielt auf ihren eigenen Alben den Gro�teil der Instrumente allesamt selbst und schafft es so, den H�rer noch mehr in ihren Bann zu ziehen - wie in einem Grimmschen M�rchen ist unter der Oberfl�che der Geschichte oftmals eine tiefere Bedeutung versteckt.

-No Elephants- zu h�ren, verlangt dem H�rer einiges ab, ist aber ebenso wie ein Buch von Beginn an zu lesen. Aber wer sich drauf einl�sst wird belohnt werden. Das verspricht Lisa Germano: "Ich kann eine Platte einfach nicht anders angehen, umsetzen und dann ver�ffentlichen als so, wie ich es mit dem neunten Album in Folge tue ..."

Das war knapp: Kurz nach Fertigstellung der Aufnahmen zu seinem Album "Now" setzte eine Muskelentz�ndung die Stimmb�nder unseres Protagonisten matt. Der S�nger hatte seine Stimme verloren, doch, um das Happy End vorwegzunehmen: Tim Neuhaus hat seine Stimme wieder und singt und klingt so sch�n wie eh und je.

2011 kam Neuhaus wie aus dem Nichts mit dem Song "As Life Found You". Es folgt ein Video mit Spielfilmregisseur Dietrich Br�ggemann, eine Einladung zu "Inas Nacht" und ein Duett mit der Gastgeberin Ina M�ller, das zu einer gemeinsamen Neuaufnahme des Songs f�hrte. Zwei Jahre sp�ter erscheint das zweite Album des rothaarigen S�ngers und seiner Band The Cabinet.

Eine knapp 50-min�tige Werkschau, die zeigt, wie sch�n und schlau und doppelb�dig Popmusik sein kann. Zu den schon bekannten Zutaten (angenehm international-skandinavische Vibes, Harmonieges�nge, einzigartiges Gitarrenspiel) mischen sich auf "Now" erstmals auch elektronische Elemente in den Sound, wie etwa auf der ersten Single "Now" oder auf dem wundervoll an Phoenix erinnernden "Crashing Through Roofs".

---

Anmutige, feine Lieder vom kaum bekannten Singer / Songwriter." (Rolling Stone, April 2013)

Richard Thompson hat f�r die Aufnahmen zu seinem neuen Album "Electric" Buddy Miller (Robert Plant Band Of Joy, Solomon Burke, Emmylou Harris, Patty Griffin) als Produzenten gewinnen k�nnen. Das Album wurde in Millers Studio in Nashville aufgenommen. Unterst�tzung erhielt er erneut vom Schlagzeuger Michael Jerome und vom Bassisten Taras Prodaniuk, die auch schon Teil der Band waren, die den Vorg�nger "Dream Attic" (2010) eingespielt hat und mit ihm auf Tour war.

Zu den G�sten auf "Electric" geh�rt Alison Krauss, die bei dem Song "The Snow Goose" dabei ist, w�hrend die englische Singer / Songwriterin Siobhan Maher Kennedy (ex-River City People und jetzt in Nashville wohnhaft) auf mehreren Songs singt. Auch der gro�artige Fiddler Stuart Duncan, einer der f�hrenden Bluegrass Musiker Amerikas, spielt auf dem Album. Er ist sicherlich vielen Fans durch seine Zusammenarbeit mit Robert Plant, Alison Krauss und Elvis Costello bekannt.

Richard Thompson selbst kommentierte sein neues Werk: "Wir haben es in unglaublich kurzer Zeit aufgenommen. Aber es h�rt sich toll an. Es stellte sich als �berraschend funky heraus, wir haben wohl ein neues Genre kreiert: Folk-Funk. Es ist ziemlich flott und schmissig, irgendwo zwischen Judy Collins und Bootsy Collins."

---

The title is artless and blunt but it gets the job done: it makes it clear that after a decade or so of concentrating on his acoustic guitar, Richard Thompson has returned to his electric. Not that Electric is entirely recorded on a Stratocaster -- he plucks away at an acoustic for "The Snow Goose" and there are other songs where the Strat is tucked away in its case -- but Electric crackles with an amplified energy, even when the instrumentation is decidedly quieter. Much of this is due to Thompson's decision to record the album at Buddy Miller's intimate home studio in Nashville, as Miller favors a speedy solution to recording, favoring vibe over perfection. As such, there's atmosphere and air to spare on Electric -- it's music that breathes, never feeling suffocated -- and there's plenty of room for Thompson to spin out spiraling guitar leads, but the focus isn't on his peerless playing or even his sharply crafted songwriting, which is once again finely observed and richly detailed. No, the distinguishing character of Electric is its feel, how Miller creates a wide-open space for Thompson, a vista that showcases his crackling musicianship and sharp songs. And Thompson has yet another strong set of songs here, highlighted by the big-footed stomp of "Stony Ground," the lacerating wit of "Sally B," the sardonic resignation of "Good Things Happen to Bad People," and the gentle lilt on "Salford Sunday." As good as the songs are, the distinguishing characteristic of Electric is its atmosphere, how the music jumps and breathes, how Miller has given Thompson his liveliest album in years and, on just sheer sonic terms, his best in a while, too.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Schon auf zwei vorangegangenen Alben hat Brasiliens Singer-Songwriter- Legende, zur �berraschung aller Puristen, hervorragend mit der jungen Rockgruppe BandaCe harmoniert. Auf Abracaco setzen die vier Musiker jetzt ihre mal nostalgisch-melodische, mal Indie-rockige Mischung aus Samba, Bossa Nova, Funk und Rock fort. Gleich in der ersten Nummer mit dem doppeldeutigen Titel A Bossa Nova e foda (was sowohl f�r Die Bossa Nova ist Schei�e als auch Die Bossa Nova ist spitze stehen kann) stellt Caetano klar, dass brasilianische Musik nicht immer sanft und relaxed sein muss. In dem Song vergleicht er Bossa-Erfinder Joao Gilberto k�hn mit brasilianischen Martial-Arts-K�mpfern. Ich m�chte nicht das Klischee bedienen, dass die Bossa Nova immer etwas S��es und Weiches ist, verr�t Caetano. Zum Beweis seiner These h�re man Abracaco, staune und genie�e Velosos neue intelligent-sperrige Brasil-Perlen!

Tim Hardin geh�rt zu den tragischen Musiklegenden der Popgeschichte. Er durchlebte eine langj�hrige Rauschgiftabh�ngigkeit, die ihn oft im Wege stand. Und obwohl er viele geniale Songs wie "If I Were A Carpenter", "Red Balloon", "Misty Roses" oder "Reason To Believe" abgeliefert hat, wurde er nie vom Popmusik-Establishment als Star anerkannt. Dennoch ist sein Deb�talbum von 1966 ein Meilenstein der modernen Popmusik. Hier verbinden sich Blues, Folk, Country und Soul.

Vor allem in den sp�ten 1960er Jahren ver�ffentlichte er eine beeindruckende Anzahl an Arbeiten in den Stilrichtungen Blues, Jazz und Folk, ohne jemals bei der breiten Masse gro�en Erfolg zu haben. Viele seiner Songs, oft langsam und sehr gef�hlvoll, wurden sp�ter jedoch von zahlreichen Stars wie Rod Stewart, Wilson Phillips, Cher, Lobo, Johnny Cash, Ian & Sylvia, Bobby Darin, Glen Campbell, Joan Baez, Bobby Darin, Robert Plant, Small Faces, Paul Weller, Schott Walker u. a. gecovert.

Mit seinem Verm�chtnis besch�ftigt sich auf dieser Full Time Hobby Tribut-Compilation eine neue Generation von Musikern, dazu geh�ren u. a. Mark Lanegan, Diagrams, Alela Diane, Okkervil River, The Magnetic North u. a.

---

Schon verbl�ffend, zu welcher Form sich fast alle aufrafften!"

(Stereo, M�rz 2013)

Gro�artig gelungenes, rundes, reifes Balladenwerk des britischen Barden, eingespielt mit einem ehrfruchtgebietenden Quintett, einf�hlsam naturnah produziert von Joe Henry. Einem Dutzend bleibender Balladen zwischen akustischem Folk-Feinwerk, karg-knarzendem Country, saftigem Roots- und sattem Heartland Rock hat der sanft-sonore S�nger in wenigen Tagen in Henry�s kalifornischem Studio gelassen-l�ssiges Leben eingehaucht, umringt und unterst�tzt von Jay Bellerose (Schlagwerk), David Piltch (E- und Kontra-Bass), Patrick Warren (Piano, Pump-Organ, Keyboards) und Greg Leisz (akustische & elektrische Gitarren, Mandoline & Mandola, Lap & Pedal Steel), die allein schon dieses reife Roots-Werk zu einem bleibenden Ereignis machen. Aber es ist die Seele dieses Albums, die zeitlos werten Songs um Bindungen und Trennungen, Abschied, Liebe und Schmerz, die es einzig werden l�sst. Scheinbar m�helos reiht der Mann mit fast schon Lee Hazlewood�schem Charme eine Song-Perle an die andere, erf�llt bewegende Melodien mit W�rme und Herz, kn�pft musikalisch an seine Mermaid Avenue-Americana-Erfahrungen an, und l�sst ein zeitlos wertes Balladen-Werk entstehen, das einen ebenso tiefen wie bleibenden Eindruck hinterl�sst. Dem Freund des wahren, werten Songs mit Nachdruck ans Herz gelegt.

(Glitterhouse)

Die j�ngste Inkarnation von Crime & The City Solution besteht aus den Mitgliedern der klassischen "Berlin-�ra-Band" Simon Bonney (vox.), Bronwyn Adams (Violine) und Alexander Hacke (Gitarre), sowie der bildenden K�nstlerin Danielle de Picciotto, Jim White (Schlagzeug - Ex-Dirty Three, Cat Power), David Eugene Edwards (Gitarre - 16 Horsepower, Wovenhand), Troy Gregory (Bass - Witches) und Matthew Smith (Moog / Keyboards - Outrageous Cherry, Volebeats).

---

Ihre St�rken spielt die achtk�pfi ge Gruppe in den langen, getragenen St�cken wie �The Colonel (Doesn�t Call Anymore)� oder �Domina� aus, wo Bonney durch die Abwechslung von laut und leise Raum bekommt, seine Texte im pathetischen Stile des sp�ten Jim Morrison zu rezitieren. Es ist zu w�nschen, dass es nicht wieder zu einer so langen Sendepause kommt. Eine Europatour ist f�r Fr�hling/ Fr�hsommer angek�ndigt.

(Good Times, April / Mai 2013)

---

Irgendwie das richtige Comeback zur richtigen Zeit. Neulich noch die mehr als Appetit machende Retrospektive (�An Introduction To� A History Of Crime�), dann die erfreuliche Meldung, dass neuerdings Glitterhouse-Held David Eugene Edwards (16 Horsepower, Woven Hand) als fester Gitarrist an Bord ist, und jetzt das erste Studioalbum der ehemaligen Australier und Berliner seit 23 Jahren, neuerdings sind sie in Chicago beheimatet. Von alten Besetzungen sind neben Mastermind Simon Bonney auch Bronwyn Adams (Violine) und Alexander Hacke (Gitarre, Ex-Einst�rzende Neubauten) dabei, dazu kommen Danielle De Picciotto, Drummer Jim White (Ex-Dirty Three, Cat Power), Troy Gregory (Witches) und Matthew Smith (Volebeats). Auf den ersten neuen Songs klingt das dann auch ausgesprochen dicht und breitwandig, mit mehreren Instrumenten- und Gesangslagen �bereinander geschichtet. Aber schnell sch�lt sich dann der br�chig-postmoderne Blues heraus, wie ihn in einer parallelen Karriere ja auch Nick Cave mit den Bad Seeds inszenierte. Crime & The City Solution sind aber dreckiger, sumpfiger und expressiver. Der Vibe ist gewohnt dunkel und dramatisch, am sch�nsten fallen die melancholischen Balladen aus, die mich ein wenig an Nikki Sudden erinnern, der einst mit dem verstorbenen C&TCS-Gitarristen Rowland S. Howard ja ein wirklich epochales Album aufgenommen hat. Sie k�nnen aber auch Rumpel-Punk mit brachialem Mot�rhead-Bass, gar kein Problem. Comeback klar gelungen, was sind schon 23 Jahre.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Gegr�ndet wurde Daughter von S�ngerin Elena Tonra und Igor Haefli 2010 w�hrend ihrer Zeit an der Musikhochschule. Dort trafen sie auch Remi Aguilella, der sp�ter das Line-up komplettierte.

2011 ver�ffentlichten sie in Eigenregie die EP "His Young Heart" und wenig sp�ter "The Wild Youth" und in der Folge erspielten sich die drei eine gro�e Fanbase in England. Auch auf dem Kontinent konnten sie bereits �berzeugen: Beim Hamburger Dockville-Festival spielten Daughter 2012 vor �ber 5000 Zuschauern. Die im Herbst folgenden Konzerte in Hamburg und Berlin waren dann schon im Voraus ausverkauft - kein Wunder, bet�ren Daughter das Publikum doch mit ihrer zauberhaften Musik.

Mit "If You Leave" ist der Band nun ein eindrucksvolles Deb�talbum gelungen, dessen intime Atmosph�re mitunter an das erste Album von The XX erinnert.

Purer Balsam für von Hektik und Wandel gebeutelte Seelen, wehmütiges Wiedertreffen alter Weggefährten, Objekt der reinen Freude für die Freunde des Guten, Wahren und Bleibenden. In Szene gesetzt vom Langzeitweggefährten Brian Ahern, der wohl ihre besten und bleibenden Alben produzierte, begibt sich die einzigartige Sängerin und Gralshüterin der amerikanischen Musik-Traditionen gemeinsam mit dem Gitarristen der ersten Hot Band-Stunden auf den klassischen Country-Pfad, begleitet von einer auserwählten Mannschaft aus gestandenen Roots-Recken und festen Freunden wie Stuart Duncan, Vince Gill und Bill Payne. Und so ahlen sich die beiden Reife und Erfahrung atmenden Stimmen - abwechselnd im Leadgesang, in gefühlvollen Duetten, in bewegenden Wechselgesängen, als harmonischer Hintergrund für den jeweils anderen - in einer abgeklärt gepflegten Melange aus allerlei Country-Spielarten, zwischen Ballade und Honky Tonk, wehmütigem Walzer und Swing, zwischen Appalachen-Folk und Swamp-Boogie-Groove, gebettet in ein perfekt gerichtetes Lager aus Fiddle, Klavier, Akkordeon, Bass, Schlagwerk und vor allem der ganzen Palette des Saitenklangs – voller Twang, Slide und Pedal Steel. Die Hommage an die reine Countrey-Kunst speist sich dabei song-seits aus neuen Originalen der Protagonisten, gewachsenen Standards und selteneren Perlen gleichermassen, wobei es diese beiden besonderen Stimmen sind, die bei aller umgebenden musikalischen Meisterschaft Songs wie Hanging Up My Heart, Invitation To The Blues, Spanish Dancer, Open Season On My Heart, Black Caffeine, Bluebird Wine, Back When We Were Beautiful, Bull Rider und Old Yellow Moon (erneut) zu Klassikern werden lassen. Keine Überraschungen, keine Neuerungen, keine Gratwanderungen – allein das, was die Vereinigung dieser beiden Namen verspricht.

(cpa, Glitterhouse)

---

Seit fast 40 Jahren sind sie bereits partner in music: Emmylou Harris und Rodney Crowell, der als Gitarrist und Duett-Partner neben James Burton, Glen Hardin, John Ware und Emory Gordy Jr. zur Erstbesetzung von Harris‘ legendärer Hot Band gehörte. Mit Old Yellow Moon gibt es nun endlich ein offizielles gemeinsames Album der beiden Songwriter, an dem sie zu gleichen Teilen beteiligt sind. Denn das 12 Songs starke Duett-Album Old Yellow Moon enthält gleich vier Kompositionen Crowells, der schon einen expliziten Ruf als eigenständiger Songwriter besaß, als er zur Hot Band stieß. Was lange währt, wird eben endlich gut, und so stellt Old Yellow Moon die besten Qualitäten beider Songwriter heraus, die - musikalisch gesehen - als wahres Traumpaar der Country-Duette gelten. Überdies fanden sich viele Hot Band-Mitglieder zu den Sessions zu Old Yellow Moon in Nashville ein, neben gewichtigen Gästen wie Violinist Stuart Duncan , Gitarrist und Sänger Vince Gill und Little Feat -Keyboarder Bill Payne . Old Yellow Moon wurde von Brian Ahern produziert.

Auch wenn der Titelsong des Albums, Old Yellow Moon, der letzte Song auf dieser ersten Full-Length Zusammenarbeit ist, bildete er den Startblock für das, was dann noch kommen sollte. „Wir saßen an Aherns Küchentisch, um ein paar Songs auszusuchen,“ erinnert sich Emmylou Harris. „Brian hatte seine außergewöhnlichen Mikrophone an den Computer angeschlossen, damit wir ein kleines Demo machen konnten. Wir sangen spontan drauflos, und irgendwie kam ich auf Old Yellow Moon von Hank DeVito und Lynn Langham.“ Ihre Stand-Up-Performance stellte sich als so berührend und natürlich heraus, dass Producer Ahern entschied, einen ganzen Track darum zu bilden. „Das ist eigentlich eine Küchentisch-Aufnahme“, lacht Harris. „Brian hat Lynn später eingeladen, um das Piano dazu zu spielen, denn sie hatte das Gefühl, nur sie selbst könne unserer Version gerecht werden. Wir fügten noch dies und das hinzu, und so wurde es zum Titelsong des Albums.“ Und nach einer kurzen Pause erklärt sie: „Ich liebe es, wie dieses Album geboren wurde!“

Old Yellow Moon ist Emmylou Harris‘ direkter Nachfolger zu ihrem Album Hard Bargain , das sich im vergangenen Jahr in die Top-20 der Billboard 200 spielte. Die Associated Press nannte es „hinreißend“ und bestätigte, dass Harris‘ „silberner Sopran in guter Form“ sei, während USA Today schrieb, es sei „exquisit… ihr unverwechselbarer Sopran, gleichzeitig körnig und ätherisch, legt sich immer noch wie die feinfühlige Wärme eines Engels um die Texte.“

Seit über 40 Jahren ist Emmylou Harris ein fester Bestandteil der amerikanischen Folkszene und gilt mit über 15 Millionen verkauften Alben als eine beständigsten Künstlerinnen ihres Genres. 12 Grammys kann die Grande Dame des US-Songwritings verbuchen, die am 2. April ihren 66. Geburtstag feiert. Als Interpretin und Songwriterin hat Emmylou Harris über 25 Alben veröffentlicht, zudem genießen Harris’ Kooperationen mit Gram Parsons, Neil Young, Roy Orbison, Linda Ronstadt und Dolly Parton den Status historischer Glanzleistungen. Wegweisend war auch ihre Arbeit mit Connor Oberst (Bright Eyes), Mark Knopfler und Daniel Lanois. Im Jahre 2008 wurde sie in die Country Music Hall Of Fame aufgenommen.

Auch Rodney Crowell ist ein mehrfacher Grammy-Gewinner. Einige seiner Songs fanden ihren Weg in das Repertoire von Johnny Cash, Norah Jones, Etta James, Grateful Dead und anderen. Sein 1988 veröffentlichtes Durchbruchs-Album Diamond and Dirt enthielt fünf US-No. 1-Singles und sorgte für einen Grammy für den Song After All This Time . Seinen hochgelobten Alben The Houston Kid , Fate’s Right Hand , The Outsider und Sex and Gasoline folgte im Jahr 2010 die Veröffentlichung seiner Memoiren mit dem Titel Chinaberry Sidewalks . In diesem Jahr erschien KIN: Songs By Mary Karr and Rodney Crowell . Das Album debütierte auf Position 1 der Americana and Country Rock Album-Charts und hielt sich drei Wochen auf Platz 1 der Americana Charts. Zu den Ehrungen, die ihm zuteil wurden, gehören u. a. der ASCAP Lifetime Achievement Award und die Mitgliedschaft in der Songwriters Hall Of Fame.

---

The 12-track duets album features four songs written by Crowell as well as interpretations of songs such as Hank DeVito’s “Hanging Up My Heart,” Roger Miller’s “Invitation to the Blues,” and Allen Reynolds’ “Dreaming My Dreams,” among others.

Produced by Brian Ahern (Johnny Cash, George Jones, Roy Orbison), Old Yellow Moon is the first official collaboration from the duo since Crowell joined Harris’ Hot Band as guitarist and harmony singer in 1975. In addition to Harris and Crowell, the album features world-renowned musicians including Stuart Duncan, Vince Gill, and Bill Payne, as well as members of the original Hot Band.

Harris says of the collaboration, “I first heard Rodney on a demo tape in 1974 and knew immediately from his voice and lyrics he had the right stuff. We met soon after, becoming band-mates in the Hot Band and starting a friendship that has continued and grown over the years. I always hoped we would someday do this record, and now I can finally cross it off my bucket list!”

Crowell adds, “The record’s overall tone calls to mind that Southern California blend of country music and rock and roll pioneered by Linda Ronstadt, The Flying Burrito Brothers, Gram Parsons and, of course, Emmylou and The Hot Band.” Old Yellow Moon is the follow up to Harris’ acclaimed 2011 release, Hard Bargain, which debuted in the top 20 on the Billboard 200 chart. Associated Press called it “gorgeous” and said Harris’ “silvery soprano is in fine form,” while USA Today called it “exquisite… her unmistakable soprano, at once grainy and ethereal, still wraps itself around a lyric with an angel’s delicate warmth.”

A 12-time Grammy winner and Billboard Century Award recipient, Harris’ contribution as a singer and songwriter spans 40 years. She has recorded more than 25 albums and has lent her talents to countless fellow artists’ recordings. In recognition of her remarkable career, Harris was inducted into the Country Music Hall of Fame in 2008.

Crowell is a multi-Grammy Award winner whose songs have been recorded by Johnny Cash, Norah Jones, Etta James and Grateful Dead among others. His 1988 breakthrough Diamonds and Dirt, generated five #1 singles and a Grammy Award for the song “After All This Time.” His critically acclaimed works The Houston Kid, Fate’s Right Hand, The Outsider and Sex and Gasoline were followed by the 2010 release of his memoir, Chinaberry Sidewalks. Earlier this year, Crowell released KIN: Songs by Mary Karr and Rodney Crowell. The album made its debut at #1 on the Americana and Country Rock album chart and spent 3 weeks at #1 on the Americana album chart. His honors also include an ASCAP Lifetime Achievement Award and membership of the Songwriters Hall of Fame.

(nonesuch. com)

---

„Es gibt legendäre Country-Sängerinnen - und es gibt Emmylou Harris : ein atemberaubender Höhepunkt an Ausgeglichenheit und Eleganz, eine Künstlerin, die mit jeder neuen Veröffentlichung wieder überrascht“

(Time Out New York)

---

„Crowell ist ein romantischer Auslöser für Jubelschreie, mit knapp rockenden, sich ungestüm entwickelnden Songs voller Sensibilität, die zu gleichen Teilen aus Rauheit und poetischer Perfektion bestehen.“

(Huffington Post)

---

"Ein souveränes, unprätentiöses Werk der beiden Country-Meister."

(Rolling Stone, März 2013)

Schon sein Vater war in den 60ern als Produzent u. a. f�r die Eagles, Rolling Stones und die Beatles t�tig! Also scheint es im Blut zu liegen, denn auch Ethan Johns ist bisher als Produzent bekannt und sehr, sehr erfolgreich. Er war f�r Ryan Adams t�tig, oder Kings Of Leon, Ray LaMontagne und Vaccines!

Und nun hat er sich an sein erstes eigenes Album gewagt und es sind 10 wundersch�ne Pop-Songs in grandioser Singer / Songwriter-Traditon geworden. Feat. Ryan Adams!

---

Mit allen Wurzel- & Wohlklang-Wassern gewaschenes Singer-Songwriterwerk-Debut, ein Erstling, der vor Erfahrungsreichtum nur so strotzt. Denn was der Mehrfachinstrumentalist, S�nger und vor allem viel-berufene Produzent hier so entspannt-gelassen aus dem �rmel sch�ttelt, ist in seiner beeindruckend l�ssigen Leichtigkeit sicher ebenso seiner Herkunft wie seiner Profession geschuldet. Der Sohn von Glyn Johns (welcher bei Alben der Beatles, Stones und Eagles mit an den Reglern sa�) hatte seine Produzenten-Finger in wundervollen Werken von Ryan Adams, Whiskeytown, Rufus Wainwright, Ray Lamontagne, Tift Merritt und den Jayhawks und so mag es nicht v�llig verwundern, dass der gute Geist der Vorgenannten sp�rbar durch die 10 Johns-Originale flie�t. Der Mehrfachinstrumentalist und S�nger mit sonorer Stimme wei� seine Songs pointiert und pr�gnant mit h�ufig nur wenigen Mitteln darzureichen, oft reicht die akustische Gitarre, das solit�re Klavier oder die deftig-dreckig agierende Swamp-Blues-Combo, um seinen nat�rlichem Melodien das rechte Zuhause zu geben. Der Singer-Songwriter-Gedanke h�lt die meisterliche Mischung aus Folk, Alternative Country, Roots-Rock, Garage Beat und Blues zusammen, und Stimme wie Songwriting lassen das Werk in der reifen Mitte zwischen Ryan Adams-Americana, Tom Petty-Highway und akustischem Springsteen spielen. Den finalen Segen erh�lt das trotz zur�ckhaltender Arrangements verbl�ffend vielf�ltige Werk durch die wohlgesetzte Beteiligung von Ian McLagan (Organ), Dave Swarbrick (Fiddle), Melvin Duffy (Pedal Steel), Laura Marling (Gesang), und drei ausgesuchter G�ste am Bass: Ryan Adams (auch Gesang & Schlagwerk), Danny Thompson und Bill Wyman. Manchmal hilft das richtige Elternhaus eben doch �

(Glitterhouse)

"Quercus" bedeutet im Lateinischen "Eiche" - und die Wurzeln dieses speziellen Baums reichen tief in die britische Folkmusik hinab, seine Zweige und Bl�tter aber richten sich aufw�rts, um jazz-inspiriertes lyrisches Improvisieren zu umfassen.

Das Trio featured die geachtete englische S�ngerin June Tabor, die mit ihrer dunklen Stimme die emotionale Essenz einer Ballade auf fast schon unheimliche Art zu verst�rken vermag: "Je �lter ich werde, desto mehr verstehe ich die Tiefe der Sorgen und Freuden, die einen Song ausmachen", hat sie einmal gesagt. Tabor, die k�rzlich mit einem BBC Folk Award als S�ngerin des Jahres ausgezeichnet wurde, arbeitet im Projekt Quercus mit dem walisischen Jazzpianisten und Komponisten Huw Warren und dem englischen Saxophonisten Iain Ballamy zusammen, die ECM-H�rern als Co-Leader der Band Food wohl vertraut sind. Dies ist das erste Quercus-Album, das Trio entwickelt seine einzigartige, idiomatische Musikmischung allerdings schon seit sieben Jahren.

---

Faszinierend, wie sich Ballamys weiches Tenorsaxofon an June Tabors Stimme schmiegt, wenn beide a cappella Shakespeare "singen", bis das Klavier einsteigt ("Come Away Death").

(Stereo, Juni 2013)

---

Frisch Komponiertes s�umt den Weg, aber auch Klangkunst mit Jahrhunderte alten Wurzeln. ... die drei Feingeister aus Gro�britannien haben die Harmonie nicht nur ganz oben auf ihre musikalische Werteskala gesetzt. Sie besitzen auch das Geschick, dieses Ziel mit Leben zu f�llen. Ein Balladenprogramm von ungew�hnlichem, zeitlosen Zauber ist das Resultat.

(stereoplay, Juni 2013)

---

Folklore, Sp�trenaissance, Romantik, Jazz und Pop flie�en auf spektakul�r unspektakul�re Weise zusammen. Diese Lieder sind einfach da und bed�rfen keiner Erkl�rung. Sie sind einladend, hypnotisch und sch�n. Was will man mehr?

(Jazzthing, Juni - August 2013)

Klasse Qualit�tsware eines Mannes, der schon so lange im Gesch�ft ist, dass er genau wei�, wie man solch hochwertige Vorlagen pr�sentieren muss.

(Good Times, April / Mai 2013)

Ganz schlicht, ganz altmodisch und ganz gro�artig interpretiert Boz Scaggs auf dem j�ngsten Longplay Eigenkompositionen und handverlesene Fremdtitel aus den Genres Soul, R&B und Blues.

(Stereo, April 2013)

Sein erstes Album nach zehnj�hriger Pause z�hlt zur Kategorie "gut abgehangenes Sp�twerk".

(Audio, April 2013)

Mit 68 Jahren hat Boz Scaggs nun in Memphis gearbeitet. Die zw�lf Songs atmen den Soul-Blues-Markensound der Stadt und wurden fein an die Crooner-Stimme angepasst.

(stereoplay, April 2013)

Aufgenommen in Willie Mitchell's Royal Studios in Memphis handelt es sich hier zum grossen Teil um Blues-Soulige Coverversionen von Songs wie Rainy Night In Georgia, Corinna Corinna oder Willie DeVille's Mixed Up Shook Up Girl. Mit dabei Charlie Musselwhite, Keb Mo, Spooner Oldham, Willie Weeks, die Memphis Horns und andere. Soll leider eher smooth als erdig geworden sein.

(Glitterhouse)

Was lange w�hrt, wird immer besser. Oder: Wenn dies der Honky Tonk-Himmel ist, dann bin ich gerne reif f�rs Paradies. Dem einmal mit American Central Dust eingeschlagenen Pfad konsequent weiter folgend, in wehm�tigen Walzern wiegend, wenig elektrische Gitarre au�er der alles in sanft singendes Strahlen tauchende Pedal Steel gestattend, badet Farrars einzigartig herzw�rmende Stimme in Melodien von zeitloser Nat�rlichkeit, w�hrend um ihn herum Weggef�hrten wie Mark Spencer (die bereits erw�hnte segnende Steel, Orgel, Klavier, Bass und Produktion) und Dave Bryson (Schlagwerk) ein edel-meisterliches Country-Gewand schneidern, zu dessen herausragenden Merkmalen die bewegenden Zwillings-Fiddle-Feinheiten z�hlen. Die Rezensenten sind sich einig, dass Farrar hier den klassischen Bakersfield Honky Tonk pflegt, und werden nicht m�de, auf die N�he zu Country-Legenden wie Buck Owens und Merle Haggard hinzuweisen. Mit meiner in diesem Bereich eher durchschnittlichen Repertoire-Sicherheit leite ich diese Empfehlungen gern an den Kenner weiter, ich selber lehne mich derweil zur�ck und ergehe mich im Genuss dieser reinen, klaren, durch nichts getr�bten Country-Purit�ten, irgendwo zwischen wahrhafter Wurzelpflege, Americana-Anleihen und Cosmic American Music, deren Tempo nur selten �ber ein sanftes Wiegen hinaus gesteigert wird, dargereicht von begnadet erfahrenen H�nden, die in der bewundernswerten Lage sind, eine Elf-Bald-Klassiker-Kollektion innerhalb von nur zwei Wochen in Farrar�s Studio in St. Louis glanzvolle Gestalt annehmen zu lassen. Farrar selbst spendet seinen stimmlichen Segen, der sich mal schmeichelnd, mal sanft schneidend seinen Weg direkt ins Herz bahnt, um dort auf Dauer zu verweilen, und erf�llt mit seinen Geschichten die s�ffig-sanfte Wehmut dieser Honky Tonk-Hymnen mit einem leisen, liebevoll l�chelnden Leuchten, die auch den entr�ckten Puristen l�cheln l�sst. Walzer-Wohlklang, steel-begl�nzte Shuffle-Sch�nheit und twangende Traditionspflege, Slow Food f�r den Country Connaisseur, Balsam-Balladen und wehm�tige Weisen f�r die Ewigkeit. Das gut abgehangene, fast abgekl�rte Werk eines wahren Meisters.

(cpa, Glitterhouse)

---

Das Album von Son Volt pr�sentiert elf Songs, die den klassischen Honky-Tonk aus Bakersfield atmen und dabei erstaunlich lebendig und frisch klingen. Nach dem von der Kritik gefeierten letzten Album "American Central Dust" erscheint mit "Honky Tonk" das erste Album von Son Volt seit vier Jahren. Bandleader und Songwriter Jay Farrar betont: "Honky-Tonk-Musik handelt von Herzschmerz, gebrochenen Herzen und der Stra�e. Ich wollte allerdings, dass die Songs zeitgem��er klingen. Strenges Festhalten an Methoden aus der Vergangenheit gab es nicht." Seit seinen fr�hesten Aufnahmen als Gr�ndungsmitglied von Uncle Tupelo ist Jay Farrar ein scharfer Beobachter der amerikanischen Landschaft: ihre Sch�nheiten und Trag�dien, ihr Seelenheil und ihre Vergiftungen. Zwei Jahrzehnte des Lebens auf Tour haben dieses Talent noch weiter vertieft und verschaffen sich auf Son Volts sechstem Studio-Album eindringlich Ausdruck. Das Album "Honky Tonk" ist ein bodenst�ndiges und zeitloses Dokument seiner andauernden Reise mit der erl�senden Kraft der Musik.

The album features eleven new Son Volt songs that are inspired by the classic honky tonk sound of Bakersfield. Bandleader Jay Farrar observes, �Honky tonk music is about heartache, heartbreak, the road.� Honky Tonk stays true to what�s so appealing about honky tonk music, while stretching out its familiar contours into new shapes and spaces.

---

Farrar sees Honky Tonk as a record moving forward on the path toward a more acoustic-based music that Son Volt took on its last record, 2009�s American Central Dust (also on Rounder). �The record is a continuation of what was happening with American Central Dust,� observes Farrar. �Once again, I didn�t play much if any electric guitar.�

Like American Central Dust, Son Volt recorded Honky Tonk in Farrar�s studio in St. Louis, with Mark Spencer (who also plays bass guitar, pedal steel and keyboards) at the recording helm. Dave Bryson provided drums and other percussion. Most of the songs on Honky Tonk were written in a two-week burst, and many of its compositions mine a more thematic lyrical vein inspired by a traditional country music aesthetic, which Farrar first explored on the band�s previous record.

�I was always averse to using certain words in songs,� recalls Farrar, �including �love� and �heart.� But I started using them on [American Central Dust] and now I guess the floodgates have opened.�

(sonvolt. net)

---

"Ich wollte, dass die Songs zeitgem��er klingen. Strenges Festhalten an Methoden aus der Vergangenheit gab es nicht�, erkl�rt Farrar weiter und �berrascht dar�ber hinaus mit Texten, wie man sie noch nie von ihm geh�rt hat. Worte wie �Herz�, �Schmerz� oder gar �Liebe� zu verwenden, war ihm bisher zuwider, jetzt wurden Schleusen ge�ffnet."

(Good Times, April / Mai 2013)

Mit Live Skull und Come ging sie in die Indierock Geschichte ein und auch die Soloalben danach sorgten trotz eher bescheidener Verk�ufe f�r viel Respekt im inneren Zirkel. Und nun ein neues Album, so wie es sich anf�hlt mehr oder weniger improvisiert und live im Studio eingespielt. Daf�r spricht auch die gerechte Aufteilung der Credits in Sachen Arrangements. Thalia Zedek spielt die Gitarren, der von Willard Grant bekannte David Michael Curry entlockt seiner Viola geradezu ekstatische Ger�usche, dazu gibt es einen Pianisten und eine gut eingespielte Rhythmusgruppe. Vielleicht h�tte man die Vocals noch einmal overdubben sollen, denn die Stimme klingt doch sehr muffig und ist zudem oft im Mix begraben. Was meiner Meinung nach ein Fehler ist, denn das Organ von Frau Zedek ist ein Trumpf, mit dem man wuchern sollte. Via klingt oft wie eine fr�he Velvet Underground Aufnahme (die Viola!), bei der Grace Slick f�r die erkrankte Nico einsprang. Oder nach Horses, dem Deb�t von Patti Smith. Trotz einiger M�keleien am Sound ist Via eine m�chtige Lawine, die den Zedek Fan mitreisst, ob er nun will oder nicht.

(Glitterhouse)

Endlich. Zwei Jahre nach seinem sehr sp�ten Deb�talbum ist jetzt das zweite Album des gr��ten lebenden Soul-S�ngers da. Wieder auf Daptone, wieder mit Producer Thomas Brenneck und der famosen Menahan Street Band eingespielt. Nur zur Erinnerung: 2011 erschien mit �No Time For Dreaming� das tats�chlich erste echte Album des damals schon 63-j�hrigen vom Leben gebeutelten Soulshouters, der sich u.a. als James Brown-Imitator durchschlagen musste. Er lie� sich aber nicht unterkriegen und schaffte via Daptone doch noch den sp�ten Karrieresprung. Seither tourt er triumphal durch die Welt und jeder liebt Charles Bradley � ein Mann mit riesigem Herz und ganz viel Seele. Ich durfte ihn letztes Jahr live erleben, ganz klar mein Konzert des Jahres. Jetzt also das neue Album. Stimmlich ist er tats�chlich noch besser geworden. Was f�r eine raue Deepness, Dramatik, rohe Kraft � ganz unglaublich. Damit rettet er auch die ersten Nummern des Albums, die mich noch nicht so ganz packen wollen. Zur Albummitte kommt dann aber etwas Neues (Altes) ins Spiel, n�mlich Psychedelic Soul im authentischen Curtis Mayfield- und Norman Whitfield-Stil, wie einst bei den Temptations oder Undisputed Truth. Wow, das klappt hervorragend! Bleibt aber auch nur eine Episode, bis dann in der zweiten Albumh�lfte ein Highlight das andere jagt. �Love Bug Blues� mit Chorm�dels und Fl�te und im supertighten und ultratransparenten Menahan Street-Sound � was f�r eine sagenhafte Band! � auch im feinen kleinen �Dusty Blue�-Instrumental. Noch besser sind dann �Where Do We Go From Here�: dunkel-dr�uend, mit schwerer Acid-WahWah im Hintergrund, dann kommen zum Break diese verehrungsw�rdigen Bl�ser und Mister Charles Bradley ins Spiel � G�nsehaut pur. Und erst �Hurricane� � im unwiderstehlichen unteren Midtempo-Groove, diesen magischen Gitarrenlicks namenloser James Brown-Gitarristen, inbr�nstigem Gospel-Vibe und Handclaps. �Victim Of Love� ist das erhoffte wie erwartete Meisterwerk, an dem sich jedes Soulalbum in diesem Jahr messen lassen wird.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Zwei Jahre nach dem Meisterwerk "Kiss Each Other Clean", das auf Platz zwei der amerikanischen Billboard-Charts einstieg, erscheint mit "Ghost On Ghost" das f�nfte Album von Sam Beam, besser bekannt als Iron And Wine.

W�hrend die US-Ausgabe des "Rolling Stone" in Beams letztem Album etwas entdeckte, das "die Popmusik seit den besten Zeiten Cat Stevens� nicht mehr gesehen" hatte, und Pitchfork es mit Alben wie "Astral Weeks" und "Goodbye Yellow Brick Road" verglich, spricht Beam von einer "unruhigen Anspannung" innerhalb der letzten beiden Alben. Sich davon zu l�sen war einer der Antriebe bei der Entstehung von "Ghost On Ghost". Das Album wurde in New York aufgenommen und von Beams langj�hrigem Mitstreiter Brian Deck (u. a. Modest Mouse) produziert. Als G�ste waren Mitglieder des Tin Hat Trios, der Jazz Passengers, von Sex Mob sowie der Bands von Bob Dylan und Antony And The Johnsons mit dabei.

Mit "Ghost On Ghost" ist Beam einmal mehr ein Glanzst�ck gelungen: sanfter Gesang, exzellent orchestriertes Songwriting und Texte, die starke, symbolhafte Bilder heraufbeschw�ren.

---

Ghost on Ghost is the fifth release from singer-songwriter Sam Beam, using the pen name Iron and Wine. The album was produced by Beam�s longtime associate Brian Deck (Modest Mouse, Califone, Fruit Bats) and follows 2011�s Kiss Each Other Clean, which debuted at #2 on the Billboard chart to critical acclaim. Listen to the album track "Lovers' Revolution" below. Iron and Wine will support the new release with tour dates throughout 2013, to be announced soon. A special pre-order at ironandwine. com also will be announced soon; see the album track list below.

Rolling Stone said of Kiss Each Other Clean that �pop music hadn�t seen anything like it since the heyday of Cat Stevens,� while Pitchfork said it �more closely resembles the lush, gold-toned singer songwriter records of the late 60s and early 70s�Astral Weeks, Goodbye Yellow Brick Road.�

For Ghost on Ghost, Beam sought to move from what he called the �anxious tension� of his two previous records. �This record felt like a reward to myself after the way I went about making the last few,� he says.

Helping achieve Beam�s vision was a group of stellar musicians including Rob Burger, Steve Bernstein, Brian Blade, Curtis Fowlkes, Tony Garnier, Marika Hughes, Briggan Kraus, Maxim Moston, Tony Scherr, Doug Wieselman, Kenny Wolleson, and Anja Wood. Burger (Tin Hat Trio) has worked with Beam intermittently through the years and handled arrangements for strings and horns on Ghost on Ghost. For the album�s cover, Beam, who is also a visual artist, chose an image from the series �Private Views� by noted photographer Barbara Crane.

The first three Iron and Wine albums, released on Sub Pop, were The Creek Drank the Cradle (2002), Our Endless Numbered Days (2004), and The Shepherd�s Dog (2007).

(nonesuch. com)

---

Beam l�uft in diesen zw�lf Songs zur Hochform auf, seine Musik besitzt heute die Ausgeschlafenheit der besten Steely-Dan-Songs, sie erinnert an die Verschwendungssucht eines Todd Rundgren in den fr�hen 70er-Jahren und findet mit sch�ner Regelm��igkeit wieder zu sich selbst zur�ck.

(musikexpress, Mai 2013)

---

Ein wundersch�ner, vielseitiger Grenzgang zwischen Folk, Pop, Jazz und Country, weich und entspannt im Klang - und mit mehr Sonne und Liebe getr�nkt als ein kalifornischer Sommer.

(stereoplay, Juli 2013)

---

"Ghost On Ghost" ist sonnengefluteter Wohlklang (...). Jeder Bl�sersatz sitzt wie ein guter Anzug, die Streicher flirren dezent, aber wirkungsvoll (...). Ein Highlight.

(Audio, August 2013)

... nimmt sich McNally den ausgew�hlten Liedern mit so viel Verve und Empathie an, dass auch die eine oder andere etwas holzschnittartige Instrumentation nur zu geringen Abz�gen in der B-Note f�hrt.

(Rolling Stone, Juli 2013)

David Lemaitre wurde in Bolivien geboren, aber er lebt seit einigen Jahren in Berlin.

"Latitude" ist das wunderbare Debutalbum dieses hoch talentierten jungen Mannes, das sich musikalisch irgendwo zwischen Jose Gonzalez, Sufjan Stevens oder Nicolas Jaar bewegt. Dabei handelt es sich nicht um den x-ten Singer / Songwriter, sondern um brillantes Songwriting mit schwerem Pop Appeal - so wurde die erste Single "Megalomania" ad hoc bei u. a. 1Live geplaylisted.

David Lemaitre ist bereits bekannt �ber seine fantastische TV Noir Session und war bereits als Support bei den letzten Tourneen von Get Well Soon und Jose Gonzalez mit dabei. Von diesem K�nstler wird noch zu h�ren sein! Rezensionen

---

Der Songwriter verzaubert mit zarten Melodien und Grooves.

(Rolling Stone, Mai 2013)

In the fall of 1991 Eleventh Dream Day was at the crossroads.

Not the Robert Johnson meet-the-devil crossroads (although they may have been willing to negotiate if they could have found those crossroads), but a juncture where break-it seemed more inevitable than make-it in the dichotomy.

Eleventh Dream Day had a lot going for them. The "Lived To Tell" record had built on the success of their Atlantic Records debut "Beet," making many critical top ten lists including the New York Times and Chicago Tribune. The subsequent touring season found them at a crest, even after Wink O'Bannon replaced original guitarist Baird Figi following the initial East Coast leg. The band alternated headlining spots with Yo La Tengo in Europe during the spring of 1991 with both bands reaching their largest audiences to date.

The air, however, seemed to be escaping from the balloon. Just before the release of "Lived To Tell," the entire "Alternative" branch of Atlantic, including department head Peter Koepke and Bettina Richards (who was responsible for signing them), jumped to London Records. The band was left aboard the sinking ship, no one at the label was interested in forming a search party, and interest for the record from the Phil Collins/Debbie Gibson branch of the label was virtually nil. The band had to make their own video after being told that MTV wasn't going to show videos anymore. They asked the band to remix a single with a producer who had disco hits. The real drag was how things went down in Europe, where they had built an enthusiastic and large audience dating back to their independent years. "Lived To Tell" was released without any thought (or care) on how to market it. Fans at sold out shows complained that none of the independent record shops carried the record, only the big chains. The band wasn't even able to sell the album at shows! After getting back to the States and finishing off their most popular West Coast trip ever, Eleventh Dream Day felt they had done all they could do - ripping it up live, getting great reviews, and doing whatever the label asked. But "Lived to Tell" barely outsold "Beet."

During the early days of the fall of 1991, when things had died down and Eleventh Dream Day was in the first phase of the write/record/release/tour cycle, the band realized that things weren't just quiet, they were dead quiet. Atlantic, still in flux from the departure of Richards and company, had almost no communication with the band, and most importantly had not sent the required letter that legally bound them to release their contracted third record. Management contacted the label to point out that the band no longer was tied to their contract, which the label acknowledged.

Eleventh Dream Day was free.

The material that appears on "New Moodio" was recorded on their own dime, with the intent to find a new label to put it out. Recorded at Idful Studios in Chicago with Brad Wood at the dials (Liz Phair recorded "Exile In Guyville" with Wood there just months later), these songs were being shopped around when Danny Goldberg - who now was running Atlantic - came to Chicago and made his pitch to the group over lunch. The band was impressed by what he had to say, and made the inference that if he went to this effort to get the band back, he and the label must really care. He urged Eleventh Dream Day to start over with a new producer, and the band spent the better part of 1992 working on what would become "El Moodio," their third and final major label record.

It did not work out as planned. Promotion was pulled quickly for "El Moodio" after it failed out of the gates to light up the charts. In regard to the single "Making Like a Rug" featuring lead vocals by Janet Bean, the band heard the explanation, "Women were not big that month."

Eleventh Dream Day eventually returned to the independent ranks where they continue to make records including their most recent album, 2011's superb "Riot Now" on Thrill Jockey.

The songs on "New Moodio" have stayed in the vaults for twenty years, forgotten.

A comment on Facebook sparked the memory that set the gears in motion to dig them up. So what do we have on this LP? Three songs ("Thinking Out Loud," "Where is My Saint," "Everywhere Down Here") have never appeared anywhere previously, one ("Dakota"), found its way onto the compilation "Milk For Pussy," "Sunflower" was re-recorded as an "El Moodio" cd single extra, and the rest were re-recorded in 1992 with Jim Rondinelli in New York for the "El Moodio" cd - never released on vinyl in the U.S.

"New Moodio" is Eleventh Dream Day's "lost record," a parallel world version of "El Moodio." It is also the snapshot of a band at its peak. Recorded and mixed in just a few days, there is an urgency and excitement that courses through these songs played by a band empowered by freedom and possibility.

Comedy Minus One

Raised bilingually in Aberystwyth, West Wales, Georgia�s haunting voice has earned her favorable comparisons with the melancholy folk sirens of the late 60s. Her unusual fingerpicking style of playing the harp was inspired more by the guitar on Bert Jansch, Meic Stevens and old folk revivalist records than by the classical method she was taught as a child.

Yet �Week of Pines� is not just a tribute to these. Inspired by a recent return to Wales, following time living in Brighton and London, the album represents something of a homecoming trajectory for Georgia. From the motorik drive of the title track, to the darker Eno-like string arrangements, the stark joyfulness of a Welsh sea shanty accompanied by wheezing reed organ, or the more wistful folk ballads: this is a varied and intriguing collection of songs. �Having grown up with dad�s Merchant Navy sea stories (he once met Jacques Cousteau onboard the Calypso), a sea shanty was somewhat inevitable� This one, �Codi Angor�, was popular amongst the Welsh sailors in the Liverpool docks and if the album is a homecoming of sorts, this conveys the opposite: the excitement of leaving, of sailing out to sea. �Dovecote� � with its clanging bells and mists � maintains the theme, but on a more abstract level: this is the leaving of old love. �Old Blue� is the Appalachian song, included in Harry Smith�s anthology, made popular by Joan Baez. �Winter�, with its slow-march rhythm and redemptive lyrics, brings the album to a fitting close.

�Week of Pines is a record about joyfulness, and coming home. And reclaiming things presumed gone. And grace, after making mistakes, that element of forgiveness and calm has been integral to this record.�

The album was recorded and produced by David Wrench over six days last August at Snowdonia�s Bryn Derwen studios. Her band features members of acclaimed country-folk outfit Cowbois Rhos Botwnnog and, for the album, includes a very special contribution from Lleuwen Steffan.

Georgia regularly plays in ex- Gorky�s Zygotic Monkey member Richard James� band and appears alongside him in his new project �Pen Pastwn�. She will also be appearing on the Guillemots� forthcoming album, having recorded parts for it in the summer of 2012.

The album has received a grant for The Arts Council of Wales�s Music Industry Development Fund to assist with the marketing campaign.

(www.gwymon.net)

Wilderness, the tenth long-player from the New Mexico-based husband-and-wife team of Brett and Rennie Sparks (the Handsome Family) lives up to its ecological moniker with a 12-track set that invokes both nature and nurture, with an emphasis on the shady bits in between. Once again, Brett handles the melody side of things while Rennie conjures up the stories, and oh what diabolical tales they are. Each song is named for a beast, bird, amphibian, reptile, or insect, and like a Kafka short story or a Michael Sowa painting, they occupy that strange, ill-defined moment between a particularly vivid dream and the cruel bleat of the alarm clock. Standout cuts like the galloping, Beatlesque "Octopus," the funereal "Glow Worm," and the remarkably affecting "Wildebeest," the latter of which compares the death of Stephen Foster, the oft-cited father of American music, who bashed his head against a water basin in a fit of fever and later died from infection, to a crocodile-savaged "wildebeest gone crazy with thirst pulled down as he tried to drink," feel less like the warm, composed, bedroom country-folk hymns that they are and more like the vision quest-induced fever dreams of a modern day Carlos Castaneda chasing a particularly elusive spirit animal.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

Vor drei Jahren erschien mit "One-Armed Bandit" das letzte regul�re Studioalbum des norwegischen Kollektivs Jaga Jazzist, die uns ein humorvolles episches Meisterwerk zwischen Prog-Rock, Jazz, Afrobeat und elektronisch angehauchtem Post-Rock servierten.

Mit "Live With Britten Sinfonia" erscheint jetzt ihr erstes und l�ngst �berf�lliges Live-Album. Aber Jaga Jazzist �berraschen uns nicht mit einem konventionellen Live-Album, sondern kollaborieren mit dem britischen Sinfonia Orchester und liefern uns einen astreinen psychedelischen Soundtrack irgendwo zwischen Bond und Lalo Schifrins "Black Widow", verfeinert mit Einfl�ssen aus Afrobeat, Jazz, Prog und Elektronik. Mit fantastischen Live-Versionen von "One-Armed Bandit" und "Bananfluer Overalt"!

---

Neue E-Musik und Rock stehen hier gleichberechtigt neben improvisiertem Jazz. ... zwischen aufbrausenden Tutti und lyrischen Pausen wei� der H�rer eigentlich nie, was im n�chsten Takt auf ihn zukommt. Spannend!

(stereoplay, Juni 2013)

---

Given the depth of Jaga Jazzist's sophistication and their wide-ranging musical vision that encompasses everything from free jazz to hip-hop, from techno to funk, from rock to modern composition, this Norwegian ensemble is a natural partner for a collaboration with the internationally renowned Britten Sinfonia under the direction of Christian Eggen. The material was chosen from JJ's catalog (particularly from the One-Armed Bandit album, which they were touring in support of), and is beautifully arranged, performed, and recorded. While the lengthy treatment of "One-Armed Bandit" opens with strings, brass, and winds playing something that resembles a cadenza from one of the Sinfonia's namesake's symphonies, it quickly quiets down into the nearly pastoral for a few minutes before JJ enters with a persistent beat-head pulse, and the piece morphs into a symphonic, progressive jazz workout with a fantastic array of colors. The plucked strings and bass clarinet that introduce "Kitty Wu" set up a compelling juxtaposition that expands to include synths, loops, breaks, and a contrapuntal dialogue between electric guitars, brass, organic and synthetic rhythms, striding strings, and expansive winds. Not all of this gig works, however. At nearly 11 minutes, "Bananfluer Overalt" reveals surprisingly little in terms of contrast, dynamic, or adventure -- even with its killer rock guitar solo -- and "Toccata" says more about the Sinfonia than it does JJ; the winds shine brighter than the brass-heavy, Euro-big-band chart. Neither of these pieces is dull, it's just that the earlier part of the album creates great expectations. Thankfully, those are met on the set's last two pieces, the formidable rock and sonic effects fireworks that color the orchestra's pulsing energy on "Music! Dance! Drama!," and the beautifully articulated tonal and textural journey that transforms this reading of "Oslo Skyline." While Live with the Britten Sinfonia may be too formal to provide the wild, free-ranging ride that one might expect from this adventurous lot, it is dazzling in its own right and in almost all the right ways.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Valerie June spielt so etwas wie "Organic Moonshine Roots Music", den Soundtrack f�r Partys, bei denen sie Gitarre spielt und derbe Delta-Blues- und Country-Verse singt, irgendwo zwischen Dolly Parton und Billie Holiday. Oder ist es doch eher Shirley Goodman, die 1974 so frappierend Disco-like "Shame Shame Shame" sang?

Die Selfmade-Musikerin aus der 8000-Seelen-Kleinstadt Humboldt, Tennessee, fr�nt einem erstaunlich variablen Sound, inspiriert von Gr��en wie Leadbelly, Whitney Houston, Van Morrison, Woody Guthrie, Nico, Nina Simone, Bob Dylan, Nick Drake, Leonard Cohen, Joni Mitchell, Tracy Chapman, Elmore James und Blind Willie McTell.

Zusammen mit den Produzenten Dan Auerbach (The Black Keys) und Kevin Augunas (Edward Sharpe & The Magnetic Zeros, Florence & The Machine) hat Valerie June in den Easy Eye Studio von The Black Keys in Nashville eine aufregende, authentische Mixtur aus Blues, Folk, Gospel, Bluegrass und Soul erschaffen.

Witmer stammt aus einem Kreis sehr talentierter Zeitgenossen wie The innocence Mission, Sufjan Stevens, My Morning Jacket und Rosie Thomas, getourt ist er mit allen, und einige von ihnen schauen auf seinem neuen Album als Gast vorbei.

Alle die “Are You A Dreamer?” liebten werden “Denison Witmer” vergöttern und sich darüber freuen, dass Sufjan Stevens, William Fitzsimmons und Devin Greenwood mit auf diesem Album vertreten sind.

---

Fein arrangiert: Der Songwriter besinnt sich auf seine Stärken.

(Rolling Stone, Juni 2013)

---

13er, aus Pennsylvania, die Stimme eher sanft, einfühlsam, zugleich ausdrucksvoll, souverän, einige schöne Harmony Vocals. Ausnahmslos wunderbar laidback, vorzugsweise balladesk, z.T. strahlend vor innerer Wärme, manchmal melancholisch tropfend oder leicht verträumt, total atmosphärisch oder fast ein wenig entrückt. Die Stilistik ist hier eigentlich völlig egal, klar könnte man das phasenweise klassischen (balladesken) Songwriter-Pop nennen, sind diverse Stücke unbestimmt folkig, geht mal eines in Richtung zeitloser Americana, oder es taucht sogar mal eine Art (nur ein Hauch) blue eyed Soul auf – wichtig ist das Songwriting. Und das ist ganz ganz hervorragend! Nicht ein schwächerer Track! Reihenweise Höhepunkte! Getragen von sehr aparten tendenziell filigranen teils verwehten akust. und E-Gitarren sowie Piano und/oder (leiser) Orgel (und mehr). U.a. mit Sufjan Stevens, William Fitzsimmons, Devin Greenwood (Norah Jones, Joseph Parsons, Sufjan). Klare Empfehlung!

(dvd, Glitterhouse)

Elektrisch! Rock �n� Roll! Sound! Der US-Songwriter l�sst sich von Dylan motivieren.

Nicht weniger als das beste Album seit "Rattlesnakes" (1984), dem bahnbrechenden Deb�talbum mit den Commotions, verspricht Lloyd Cole mit dem Album "Standards". Es entstand zusammen mit dem deutschen Produzenten Olaf Opal in Los Angeles, New York und in Coles Heimatort Easthampton in Massachusetts. Alle Songs stammen von Cole, au�er "California Earthquake" vom US-Folks�nger John Hartford.

Inspiriert wurde Cole durch Bob Dylans 2012er-Album "Tempest": "F�r mich war das wie ein Tritt in den Hintern." Das Ergebnis dieses Motivationsschubs ist ein elektrisches Rock�n�Roll-Album, das u. a. mit Joan "As Police Woman" Wasser am Klavier und Backgroundgesang entstand. "Ich wollte eine Platte mit einer fest umrissenen Klangpalette, wie Van Gogh, wie ,Highway 61�", sagt der Songwriter und Gitarrist, der in den vergangenen Jahren meist als akustischer Musiker in Erscheinung trat. Jetzt zeigt er sich von einer sehr elektrischen Seite: mit E-Gitarren und -B�ssen, lautem Schlagzeug, Klavier, Synthesizer. Ein Album, "nicht monochrom, aber auch nicht im steten Wechsel: Es hat Sound".

---

Inspiriert und zielgerichtet wie schon lange nicht mehr gelingt ihm in brillanten Songdichtungen der Balanceakt zwischen knackigen Sounds und geschliffener Literatensprache. Rock und Poesie im Einklang.

(Stereo, Juli 2013)

---

"Standards" ist im Klang (...) direkt, geradeaus, druckvoll. Intelligente Texte, guter Rockpop, irgendwie zeitlos."

(stereoplay, Juli 2013)

---

Coles beste Alben sind (...) die, die er mit einer Band eingespielt hat. (...) STANDARDS ist wieder so ein Band-Album."

(musikexpress, Juli 2013)

---

... die Songs wirken geradlinig, und die Gitarren klingen grimmiger, je l�nger das Album dauert.

(Rolling Stone, Juli 2013)

�No Games with Names� hie� eine der eisernen Grundregeln im Stilbuch der Financial Times Deutschland � und an die halten wir uns auch weiterhin. Und ersparen dem Leser damit all jene abgegriffenen klimatischen Musikbeschreibungen, die einem angesichts des �Subtropic Arkestra� so in den erhitzten Sinn kommen k�nnten. Schlie�lich bieten die Band und ihr f�hrender Kopf Goran Kajfes gerade mit ihrem neuen Projekt �The Reason why� Ansatzpunkte genug f�r Betrachtungen jenseits hei�er Musik: Unternehmen der schwedische Trompeter und sein Ensemble doch eine Reise in die Vergangenheit, als die Grenzen zwischen Jazz und Rock eingerissen wurden. Damals, Ende der 60er Jahre, als in solchen Begegnungen ein neues Terrain erobert und neue Sounds geboren wurden.

Wer nun in solch einer Zeitreise ein Revival reichlich alter Titel vermutet, liegt richtig � und doch falsch: Denn wer kennt schon ein psychedelisches Rockst�ck wie �Yakar Inceden Inceden� von Edip Akbayram oder Afrofolklore aus der Feder des verstorbenen Celestine Ukwu? Dass solche Entdeckungen indes am Ende doch anders � mal kompakter, mal spaciger � als im Original klingen, ist das Verdienst der furiosen Bl�ser und der nicht minder mitrei�enden beiden Schlagzeuger. Und beweist, dass elektronische und Welt Musik keineswegs unvers�hnbar sind. Mag diese Befriedung auch keine neue Entdeckung sein, viel entscheidender ist am Ende das Ergebnis: Und hier gelingt dem virtuosen Trompeters mit den kroatischen Wurzeln, der schon vor mehr als einem Jahrzehnt auf seinem Deb�talbum den instrumentalen Minimalismus der 80er oder auch die Wah-Wah-Sounds bem�hte und an den Miles Davis der 70er ankn�pfte, einmal mehr der Br�ckenschlag in die Gegenwart. Was uns gespannt in die Zukunft schauen l�sst: Denn dass eine Fortsetzung dieser Schatzausgrabungen folgen wird, ist mit dem Hinweis �Volume 1� klar � wir sind gespannt, was Kajfes Plattensammlung noch so alles an Sch�tzen hergeben wird.

(www.aboutjazz.de)

---

Von der zweiten H�lfte der 1960er bis zur Mitte der 1970er Jahre herrschte im Grenzbereich zwischen Jazz und Rock eine ansteckende Aufbruchsstimmung. Man experimentierte mit neuen Stilverbindungen, erkundete neugierig so noch nicht geh�rte Ausdrucksformen.

Doch viele der Ausfl�ge in unerforschtes Terrain wurden damals nicht zu Ende gef�hrt, so manche k�hne Versuchsanordnung musste mangels finanzieller Mittel und fehlender Unterst�tzung seitens der Labels vorzeitig abgebrochen werden. Der schwedische Trompeter Goran Kajfe� greift den Faden jetzt wieder auf, er f�hrt die Klangmodelle von damals zeitgem�� ins 21. Jahrhundert. In der Planungsphase zum j�ngsten Album durchforstete der Schwede seine Plattensammlung, um am Ende des Sichtens acht St�cke auszuw�hlen, die er mit seinem Subtropic Arkestra bearbeiten wollte.

Die handverlesenen Titel verkn�pfen seine breit gef�cherten Vorlieben miteinander und verweisen zugleich auf zentrale Einfl�sse in seiner K�nstlerbiographie. Kajfe� hat hierf�r fantastische Sch�tze ausgegraben, die wohl kaum ein H�rer von heute kennen wird. Hier gibt es zuhauf spannende Rarit�ten zu entdecken, wie z. B. von Edip Akbayram, Bo Hansson, Soft Machine, Arthur Verocai, Cluster u. a.!

---

Der Tausendsassa der skandinavischen Musikszene

(Arte)

---

Die zehnk�pfige Truppe mit gleich zwei Schlagwerkern, Orgel und Moog-Synthesizer serviert kraftvolle Sounds zwischen Jazz und psychedelischem Rock.

(Jazzthing, Juni - August 2013)

---

In solidem Sound f�chern Kajfe� & Co. das Genre in seiner m�glichen Vielfalt auf: (...). Auf "Vol. 2" darf man gespannt sein.

(stereoplay, Juli 2013)

Dear Mark J. Mulcahy, I Love You� ist die erste Studiover�ffentlichung des gefeierten amerikanischen Singer / Songwriters seit �In Pursuit Of Your Happiness� von 2005. Bewaffnet mit seiner geliebten Epiphone und seinem wundervoll gef�hlsgeladenen Gesang nahm Mark Mulcahy sein neues Album mit Henning Ohlenbusch in Northhampton auf. �Dear Mark�� wurde vom Grammy-geschm�ckten Produzenten Paul Q. Kolderie gemischt, der in einige der wichtigsten Platten der letzten beiden Jahrzehnte von Radiohead, The Pixies, Hole, Morphine, Uncle Tupelo, Warren Zevon und Dinosaur Jr. involviert war.

Mulcahy ist der ehemalige S�nger von Miracle Legion, einer amerikanischen Rockband der sp�ten 80er Jahre. Nach dem Ende der Band begann die Solokarriere von Mark mit �Fathering�, einem Album, das von allen Seiten mit Lorbeeren beh�ngt wurde. Darauf folgten �Smilesunset� und �In Pursuit Of Your Happiness�, einige Tourneen durch UK und Europa, zahllose Radiosessions und Berge von Lob f�r sein Songwriting und seine bemerkenswerte Stimme. 2008 stellte er alles zur�ck, um sich nach dem tragischen Tod seiner Frau um die Kinder k�mmern zu k�nnen.

Als Unterst�tzung nahmen Fans aus der Musikindustrie 2009 das Album �Ciao My Shining Star� auf - darunter Michael Stipe, Thom Yorke, Frank Black, Mercury Rev, Dinosaur Jr und The National.

---

Mark Mulcahy's truly extraordinary voice infuses these subtly crafted, jauntily off-kilter, mostly self-played songs with a spirit simultaneously life-affirming and ever so slightly heart-tearing.

(METRO)

... a singer songwriter to be filed alongside Tim Buckley, Neil Young or Jackson Browne.

(ESQUIRE)

Nach ihrem erfolgreichen Album "And Then We Saw Land" aus dem Jahr 2010 �berrascht uns die britische Electro-Folkband Tunng wieder mit einem exzellenten Sci-Fi-Pop-Album!

"Turbines" ist eine warmes, mond�nes Album. Bewegend und s�chtig machend, in seiner musikalischen Vielfalt stets besonders. Trotz der allt�glichen, geographischen Trennung der Bandmitglieder strahlt es einen starken und �berraschenden Zusammenhalt aus.

Zum ersten Mal waren alle sechs Mitglieder an allen Aufnahmeprozessen beteiligt, laut Mike Lindsay ein Grund f�r den hinrei�enden Charme der neun Songs: "Wir sind eine Familie. Wir haben gemeinsam eine Menge durchgemacht, tolle und auch nicht so tolle Orte gesehen ... Jetzt ist es an der Zeit dies fortzuf�hren!". Oder um es mit Phil Winter zu sagen: "Es ist pr�zise. Es sind die wesentlichen Element von Tunng auf den Punkt gebracht.".

"Bis hierhin war es ein aufregendes Abenteuer, dass uns einmal um die Welt gebracht hat. Ein fantastische Reise", sagt Mike Lindsay, Gr�ndungsmitglied von Tunng, und erg�nzt: "In den letzten Jahren ist in dieser Band so viel passiert, Kinder wurden geboren, die Mitglieder haben sich auf verschiedene Orte verteilt, sich verliebt, sind in andere L�nder gezogen, ihr Horizonte erweitert ... vielleicht ist dies unsere coming-of-age-Platte!".

---

Den Briten ist ein wunderbar flie�endes Album mit Verbindungslinien zu Folk und Pop gelungen, so relaxed wie komplex."

(musikexpress, Juli 2013)

Mit seiner einzigartigen Arbeit als Solo-Musiker, man denke nur an das aufr�ttelnde, hymnenartige Portr�t einer Trennung in "2541", ebnete Grant Hart sich seinen Weg durch den Dschungel der letzten drei Jahrzehnte Musikgeschichte.

Mit seinem neuen Album, welches Mitte Juli auf Domino erscheint, hat Grant nun seine gro�artigsten Errungenschaften noch einmal �bertroffen! Das Doppelalbum basiert auf John Miltons epischem Gedicht "Paradise Lost". Grant Hart destilliert daraus seine Essenz und tr�ufelt sie auf das Rock- und Popgebr�u. "The Argument" setzt sich aus der Historie der Musik des 20. Jahrhunderts zusammen - von Irving Berlin und David Bowie bis zu H�sker D�.

---

Der Ex-Schlagzeuger von H�sker D� zeigt sich in H�chstform.

(musikexpress, August 2013)

Made Up Mind ist das lang ersehnte zweite Album der Tedeschi Trucks Band, die 2011 f�r ihr Deb�talbum mit einem Grammy ausgezeichnet wurden. Ihre beispiellose Musikalit�t und der zeitlose, authentische Sound von Made Up Mind sind Zeuge einer einmaligen Entwicklung der 11-k�pfigen Band. Es ist ein Album, in der alle instrumentalen, gesanglichen und kompositorischen F�higkeiten des Musiker-Ehepaares und ihrer herausragenden Kollegen grandios ineinander greifen. Ein besonderes Highlight ist die Single-Auskopplung "Part of Me". Es erinnert an klassischen R&B, der in den 60ern und 70ern aus dem Soul von Memphis und Muscle Shoals hervorging. Der Titelsong "Made Up Mind" ist ein hochkar�tiger Soul-Rock. Wenn Tedeschi ihr ungeheures Stimmenvolumen in �berragenden Tracks wie dem funkigen "Misunderstood" demonstriert oder sich in ergreifenden Balladen wie "Calling Out to You" und "Idle Wind" verliert, wird immer deutlicher, dass sie sich zu einer der f�hrenden S�ngerinnen der Musikszene entwickelt hat. Auf der andern Seite ist Derek Trucks zu einem der einflussreichsten Gitarristen von heute gereift, der in Songs wie "Made Up Mind" seine Licks mit meisterhaften slides und leads ausf�hrt.

---

How can a band that�s merely three years old sound so timeless? That�s a question you will undoubtedly ask yourself when listening to the Tedeschi Trucks Band�s Made Up Mind, due from Sony Masterworks August 20th. Their third full-length release, Made Up Mind is the highly anticipated follow-up to 2011�s Grammy-winning debut Revelator and last year�s scorching live collection, Everybody�s Talkin�.

But the answer to the above question is simple: When the dynamic vocalist and guitarist Susan Tedeschi and her guitar virtuoso husband Derek Trucks merged their talents and constructed a new, 11-piece juggernaut, they were pooling many years of experience and collective musical knowledge. Derek�who has also been a mainstay of the legendary Allman Brothers Band for more than a decade, and leader of The Derek Trucks Band�first slung a guitar over his shoulders at age 9 and is currently ranked number 16 on Rolling Stone�s 100 Greatest Guitarists of All Time list. Susan is a roots music powerhouse who was nominated for five Grammys on her own, including Best New Artist in 2000, before the formation of TTB (as their fans have come to know them). Made Up Mind is where all of the instrumental, vocal and songwriting prowess of music�s greatest power couple�and that of their superb bandmates�truly meshes in a big way.

�We knew we wanted to be a little bit bolder with this record, not be afraid to do whatever we felt was really great,� says Tedeschi, who first met Derek in New Orleans in 1999 when her previous band was opening for an Allman Brothers Band tour. �We�re all friends and family. Now we�re finally making the music we want to make. It�s really an exciting time.�

Adds Trucks, �What I noticed most while making this record was there was more confidence. On Revelator everyone was still feeling each other out. Then, after a few years on the road, with a live record along the way, everyone unleashed and played a little freer. We didn�t want to force the sound and tell it what it was going to be. We wanted to see where it took us. Once we hit the studio for Made Up Mind, we didn�t even have to think about it.�

Made Up Mind is nothing less than a quantum leap forward for TTB. If Revelator and Everybody�s Talkin� were all about finding their way, the new effort is where they emerge as a fully formed band for the ages. Throughout the course of the album it becomes increasingly apparent that Susan Tedeschi has evolved into one of the most dauntingly commanding vocalists in contemporary music, her serious lung power exploding on standout tracks such as the �ber-funky "Misunderstood" and just as convincingly digging into the core of poignant, tender acoustic ballads like "Calling Out to You" and "Idle Wind". Derek Trucks has indisputably matured into one of the monster guitarists of our time, tearing up barnburners like the title track �Made Up Mind� with his masterful slide and lead licks while showcasing his easier, more subtle touch on the bluesy �Do I Look Worried�.

Co-produced by Jim Scott (Johnny Cash, Red Hot Chili Peppers, Wilco) and Trucks�Made Up Mind was recorded in the band�s home base of Jacksonville at Derek and Susan�s Swamp Raga Studios. Working closely with Scott, who also engineered and mixed the album�and with whom Derek co-produced Revelator�Trucks� ever-expanding expertise as a studio production whiz is displayed continually and definitively in the choices he made throughout the sessions. For Trucks, the studio has become another instrument to master, and Made Up Mind leaves no doubt that his skills as a producer now rank right alongside his expertise as a player and songwriter.

Although Tedeschi Trucks Band bears the names of its co-leaders, each of its components�Kofi Burbridge (keyboards, flute), Tyler Greenwell (drums, percussion), J. J. Johnson (drums, percussion), Kebbi Williams (saxophone), Maurice Brown (trumpet), Saunders Sermons (trombone & vocals), Mike Mattison (harmony vocals) and Mark Rivers (harmony vocals)�is operating at full throttle on Made Up Mind. There are no weak links�everyone here is contributing equally. Those keeping count will notice that that adds up to 10 musicians�the new release marks the first time that TTB has recorded since the departure of its original bassist, Oteil Burbridge. Rather than replace him immediately, the group has utilized the services of several bass players on the album (Pino Palladino, Bakithi Kumalo, George Reiff and Dave Monsey), and has been rotating bassists at their gigs as well.

Most of the tracks on Made Up Mind were penned by Tedeschi and Trucks with various co-writers�including Doyle Bramhall II, Eric Krasno, Gary Louris and John Leventhal, all of whom also contributed to TTB's debut Revelator. The maiden single from the album, �Part of Me,� a vocal duet between Susan and trombonist Sermons, stands out as a particular highlight, reminiscent of the classic R&B emanating from the Memphis and Muscle Shoals soul scenes of the �60s and �70s. The title track �Made Up Mind�, authored by Tedeschi, Trucks and Oliver Wood, is a balls-out soul-rocker in the tradition of early Bonnie Raitt and Delaney & Bonnie. This one, says Susan, �is an empowerment song: I know you want to see me, you want to do this, but I�m on my own and I�ve branched out now. It could be anything from a child growing up and getting out to a woman moving on, or the kind of thing where this person has made a change. It�s sort of a rebirth.�

Or, as Derek adds, it could be about the current state of TTB: �It makes a statement that this band knows what it wants to do and is here to stay. Take it or leave it, this is what it is,� he says.

With their increasingly articulate and affecting songcraft, unparalleled musicianship and an honest, gutsy sound that incorporates multiple stylistic influences and can only result from hard work and openness to ideas, it�s a given that many more will make up their minds to take Made Up Mind than to leave it.

(SonyMasterworks. com

---

Ein w�rdiger Nachfolger f�r "Revelator", das 2011 verdient einen Grammy in der Kategorie "Bestes Blues Album" eingeheimst hatte.

(K. Reckert, Gaesteliste. de)

---

Energischer Blues und Soul ... vom US-Ehepaar.

(Rolling Stone, September 2013)

---

...dass man dieses Album ohne Einschr�nkungen empfehlen kann.

(Good Times, Oktober / November 2013)

---

Ein famoser Nachfolger des 2011-Albums "Revelator" in authentisch-klarem Klang, echt und inspirierend.

(Audio, Oktober 2013)

---

Southern Soul in bester Stax-Tradition (,,Part Of Me") bietet die Platte genauso wie Balladen ("Idle Wind", "It's So Heavy"), f�r die Ms. Tedeschi den Bonnie-Raitt-Ged�chtnispreis verdient.

(Stereo, November 2013)

Freunde, stellt euch vor, Daft Punk w�ren mit Danger Mouse, Tom Petty und Ingo Insterburg im Studio gewesen, um William Faulkners ,,The Sound and the Fury" zu vertonen. Keine Angst: Alles wird gut denn es gibt ein neues Album von Thees Uhlmann und das pfeift auf Vergleiche. Stattdessen rei�t es die Brooklyn-Bridge ein, begleitet die SPD-Basis beim Wahlkampf, f�hrt Panzer an der Elbm�ndung auf, enth�lt einen makellosen 18-Silben-Reim und eine Single, die nicht weniger als geballte westdeutsche Geschichte zum Kopfnicken und Mitsingen bietet. Will meinen: Es ist randvoll mit Dingen, die noch nie jemand auf Platte gemacht hat, Selbst Thees Uhlmann nicht.

Thees Uhlmann, das ist dieser in Jeans, T-Shirt und Lederjacke gespuckte Besessene, dieser aufrechte Maulheld mit den h�ngenden Schultern. Dieser norddeutsche Hooligan der Herzen, der seine Band Tomte �ber eine Dekade lang mit der Peitsche ungez�gelter Leidenschaft von Club zu Club und von Platte zu Platte gejagt hat, um dann 2011 mit seinem ersten, selbstbetitelten Solo-Album den ganz gro�en Wurf zu landen. Es stieg von Null auf vier in den Media Control Charts ein, hielt sich ganze neun Wochen in den Top-100, die Single ,,Zum Laichen und Sterben ziehen die Lachse den Fluss hinauf" lief im Radio rauf und runter und die Presse k�rte Uhlmann zum Bruce Springsteen von Niedersachsen. Das ist es wohl, was Plattenfirmen-Manager meinen, wenn sie die Floskel vom ,,gro�en Durchbruch" bem�hen. Nicht, dass diese Menschen bei Uhlmann viel mitzureden reden h�tten: Thees ver�ffentlicht seine Platten in gewohnter DIY-Manier weiterhin bei seinem eigenen Label Grand Hotel van Cleef.

Obwohl ununterbrochen auf Tour, hat Thees jede freie Minute genutzt, um Songs zu schreiben. Auf der B�hne und im Studio immer dabei: Gitarrist und Produzent Tobias Kuhn. "Wir sind eine Krude Mischung aus altem Ehepaar und junger, wilder Liebe. Im Studio schreibe ich in erster Linie f�r ihn. Wenn Tobias zufrieden ist, dann wei� ich, dass es gut ist", beschreibt Thees die gemeinsame Arbeit, die nun, gerade mal zwei fahre nach dem Deb�t, in #2, Thees' zweitem Solo-Album m�ndet. Und Kuhn hat die Messlatte f�r das Album verdammt hoch gelegt. "Du darfst einen Song �ber die Liebe und einen �ber die Abwesenheit von Liebe singen. Beim Rest muss was Anderes her", lautete die harsche Pr�misse, die Tobi ausgab. Dementsprechend ungew�hnlich ist das Themenspektrum auf #2 geraten, das noch mehr als schon das Deb�t von seinen Kontrasten und Ambivalenzen lebt. Den Spannungsfeldern zwischen Stadt und Land, N�he und Distanz, Krieg und Frieden, zwischen dem am Piano komponierenden Songwriter und der Gitarrensaiten schreddernden Rampensau, Und die eindringlichsten Nummern dieses Albums sind jene Hymnen, die sich aus den Tiefen der dazwischen klaffenden Abgr�nde in den Himmel emporschwingen.

Ein Paradebeispiel daf�r ist der Opener "Zugv�gel", der mit klirrenden New-Wave-Gitarren und d�ster dr�uenden Keyboard-Akkorden beginnt bevor Tribal-Drums den Startschuss f�r eine mit der Sehnsucht des Zur�ckbleibenden intonierte Powerpop-Ode an die Freiheit geben. Beim zweiten Song, "Die Bomben meiner Stadt", wird dann noch einmal kr�ftig an der Kontrastschraube gedreht. Mit dem Ergebnis, dass der verzerrte Bass der Gitarre ihre Vorherrschaft streitig macht und sich ein enervierendes Tauziehen mit den trunken swingenden L�ufen des Bar-Pianos liefert, bevor die drei lautmalerischen Detonationen aus dem Chorus den Duktus f�r einen in bester Clash-Manier agitierenden Big-City-Rocker setzen, der sich auch an der Kneipentheke oder im Fussballstadion prima machen w�rde. Allerdings ohne auch nur f�r ein einziges Oh-Ho-Ho-Hoh zum tumben Gr�hlrock zu mutieren. Denn obwohl Uhlmanns Songs gern mal die Faust recken, entbehrt selbst ein so gnadenloser Ohrwurm wie die erste Single-Auskopplung "Am 7. M�rz" - um die zu beschreiben man sich dringend eine angemessene deutsche �bersetzung f�r das britische W�rtchen "uplifting" ersehnt - schon rein inhaltlich nicht einer gewissen Sentimentalit�t.

Thees bekennt sich auf weiten Strecken des Albums hingebungsvoll zur Kunst des Storytellings, klammert aber das Private niemals ganz aus: In Songs, wie dem pumpenden, Glamrock zitierenden "Es brennt" oder der wundervoll d�mmrigen, Reverb-getr�nkten Wien-Hommage "Zerschmettert in St�cke" ist immer wieder von gebrochenen Beziehungen und alten Freundschaften, von Abschied und Aufbruch die Rede. Dabei macht Thees es sich nie so leicht, das Erlebte auf launige Halbstarken-Anekdoten oder Tagebuchsentimentalit�ten herunter zu brechen um ihm die Schwere zu nehmen. In dem ber�hrenden,,lm Sommer nach dem Krieg" geht er gar so weit, es in eine rauchgeschw�rzte Vision seiner geliebten norddeutschen Heimat zu verlegen, deren Setting genau so gut in einer siebzig Jahre zur�ckliegenden Vergangenheit wie einer gar nicht so fernen Zukunft angesiedelt sein k�nnte.

�berhaupt ist Uhlmann lyrisch in absoluter Bestform. Er verwebt Realismus und Fantasie, Geschichtsbuch und Tagesschau zu Erz�hlungen, die in ihrem Bilderreichtum so dicht und glaubw�rdig sind, dass sie den H�rer mit gnadenlosem Griff an der Kehle packen, Wenn er zum Beispiel in "Wei�e Kn�chel" vom tristen Ringen und der gnadenlosen Determiniertheit im Alltag eines kleinen Wahlkampfhelfers singt dann hat das zweifellos einen gewissen Springsteen-Moment: Jemand, der so selbsverst�ndlich den weltumarmenden Gestus des US-Westcoast-Rock der klaustrophobischen deutschen Piefigkeit entgegensetzt, macht auch vor der letzten, allein von Blockfl�tenkreisen und Funpunk gehaltenen Bastion der Popul�rmusik nicht halt: dem Volkslied. Umso tiefer geht es unter die Haut, wenn Thees zum Schlusspunkt des Albums ein altes St.-Martins-Lied fleddert und der eigenen Laterne das Licht ausbl�st. Womit er zur Vollendung bringt was sich wie ein roter Faden durch die nebelbedeckten Felder, verwaisten Pensionen, Klinkerh�user und Minigolfpl�tze des Albums zieht, und sich augenzwinkernd als freewheelin' Thees Uhlmann, als am amerikanischen Vorbild geschulter, Gitarrenschwingender Volks- und Heimatdichter inszeniert. Einer, der nicht nur f�r seine Tochter, seine Musik und seinen Fussballverein brennt.

Auf #2 ist entsprechend viel von Feuer, Licht und Explosionen die Rede. An allen Ecken und Enden wird gez�ndelt. Oder besser: an allen Anf�ngen und Enden - Thees hat seine Lunte immer schon gerne von zwei Seiten angez�ndet. Auch auf der B�hne. Und auch dort ist Tobias Kuhn derjenige, der sicherstellt, dass der Mann nicht sein ganzes Pulver auf einmal verschie�t. Das dringend n�tige Korrektiv. Wer Thees Uhlmann und seine Band - von der er sagt, sie, "sie f�hlt sich so sehr nach einem homogenen, konzentrierten Mob an, dass ich mir zur Zeit einfach nichts vorstellen kann, was sch�ner, nat�rlicher und befriedigender ist - je live erleben durfte, der kennt das: Diese Menschen brauchen keine Knalleffekte, sie sind ihre eigene Pyro-Show.

---

Von Bomben und Br�nden: M�chtige Rockmusik von einem, der keine Angst davor hat, gro�e Worte in den Mund zu nehmen.

(Rolling Stone, September 2013)

13er, 2. Album der Nebenband von Justin Vernon � und diesmal Bon Iver viel �hnlicher als das Debut � f�r mich in Teilen sogar reizvoller, spannender! Einfalls- und ideenreich, zudem recht originell. Die Stimme wechselt zwischen Normal- und Falsett-Lage (z.T. auch innerhalb der Songs), die Musik (allm�hlich oder pl�tzlich/in stetem Hin und Her) zwischen ruhig/folkig und rockig/handfest, zwischen diffizil/leise/herrlich verspielt und vollmundigem Pop, behutsam/flie�end (aber unter Spannung) und s�ffig-rockig, spartanisch und dramatisch, feinf�hlig und hymnisch, oder sie verdichtet, intensiviert sich best�ndig� stets in Bewegung, ein regelrechtes Markenzeichen! In den besten Momenten entwickelt sich ein hypnotischer Sog. Toll: Das ganz langsam frei schwingend/dr�uend anschwellende Keel, total faszinierend; und Alaskans, sachte, feingeistig, leicht schwebend � wundersch�ner (Songwriter-) Folk. Meist akustisch/elektrisch gemischte Instrumentierung (Saiten/Tasten). Unerwartet gut!

(dvd, Glitterhouse)

Das Projekt "Orquesta Bossa" begann im Januar 2012 mit einem Live Gig, bei dem Jukka Eskola die Chance hatte, ein Konzert mit einem Quintett plus einem Streicher Quartett auf die Bühne zu bringen. Das Material bestand aus Jazz und Bossa Standards, nichts ungewöhnliches. Der Sound der Combo setzte sich aber in seinem Kopf fest. Er liebte den traditionellen Bossa Sound der Rhythmus Sektion, kombiniert mit den Bläsern und dem Streicher Quartett, die einen etwas moderneren Blickwinkel mitbrachten. Die Musiker auf dem Album sind die Creme de la Creme der finnischen Jazzinstrumentalisten und der klassischen Musiker, wenn wir bei den Streichern ankommen.

Die Aufnahmen liefen sehr traditionell ab. Alle 9 Musiker spielen 100% der live Takes in dem selben kleinen Raum. Wir nutzen alte 50’s und 60’s Tube Mikrofone und nahmen auf einem analogen 8-Track Tape Recorder auf.

45 Jahre Guru Guru - 50 Jahre Mani Neumeier auf der B�hne!

Als Guru Guru 1968 im Jahr der Studentenrevolte gegr�ndet wurden, h�tte jeder ein m�des L�cheln geerntet, der vorausgesagt h�tte, dass ausgerechnet Guru Guru nach 45 Jahren immer noch bestehen, bzw. die Musikszene in dieser Zeit ganz entscheidend mitgepr�gt haben.

Heute z�hlen Guru Guru neben den Rolling Stones zu den dienst�ltesten Bands unseres Planeten und Mani Neumeier und seine Gurus stehen f�r eine Rockmusik, die alles Trends und Moden �berlebt haben und die auch heute noch Grenzen �berschreitet. Das klingt spannend und ist es auch, denn Guru Guru b�rgen f�r H�rabenteuer, was sie nach 45 Jahren auch auf dem neuen Album wieder unter Beweis stellen.

Auch auf ihrem neuesten Werk (das 30. in der langen Bandgeschichte) ziehen Guru Guru wieder alle Register und lassen sich in keine Schublade stecken. Dabei sind 10 neue Songs entstanden und Mani hat dabei mit Hellmut Hattler und Ax Genrich 2 alte Weggef�hrten ins Studio eingeladen.

Mit ihren Songs zeigen Guru Guru, dass sie immer noch zu den Urgesteinen der progressiven Rockmusik z�hlen. Und wer geglaubt h�tte, dass Mani Neumeier (inzwischen 72 Jahre alt und seit 50 Jahren auf den B�hnen der Welt unterwegs), der Mitbegr�nder des legend�ren Krautrock & Enfanterrible der deutschen Rockmusik die F��e im altgedienten Ruhesessel hochlegen wird, der hat sich gewaltig get�uscht. Auch im nunmehr 45-zigsten Jahr ihrer Bandgeschichte gehen Guru Guru abseits vom Mainstream unbeirrbar ihren eigenen Weg, den sie aber schon immer gegangen sind.

Guru Guru � sie waren nicht nur � nein � sie sind nach wie vor einmalig.

---

Getragen von World / Ethno-Beats, groovt ihre Musik immer noch ungemein, immer noch darf der Humor nicht zu kurz kommen, immer noch gelingt Guru Guru eine eigenst�ndige Soundmixtur, die sonst keiner im Programm hat!

(Good Times, Oktober / November 2013)

17 Jahre Warten haben sich gelohnt: das musikalisch wundervolle Jahr 2013 beschert uns auch ein neues Album der Kultband Mazzy Star!

Mazzy Star gr�ndeten sich 1990 aus den noch rauchenden Tr�mmern der SST/Rough Trade-Helden Opal. Hope Sandoval trat in die Band ein und ver�ffentlichte in den folgenden sechs Jahren zusammen mit ihrem Partner David Roback drei ph�nomenale Alben. Seit 1996 wurde es still um sie. Doch Hope gilt nach wie vor als das US-Indie-Darling schlechthin, Mazzy Star ist - vielleicht auch wegen dieser langen Pause - eine echte Indiefolk-Kultband. Seit Hopes 2009er US-Rolling-Stone-Interview gab es immer wieder Ger�chte um eine Reunion und ein neues Album. 2011 erschien dann mit "Common Burn / Lay Myself Down" eine grossartig und mysteri�se Single. Und nun ist es soweit: das Comeback-Album "Seasons Of Your Day" erscheint.

Eingespielt wurde es von der Urbesetzung von Mazzy Star, als G�ste dabei waren Colm O'Ciosoig (My Bloody Valentine) und Bert Jansch mit einer seiner letzten Aufnahmen.

---

L�sst man sich (...) auf dieses �berraschend unverhangene Album ein, h�rt man ein sehr einnehmendes, fast traditionalistisches Werk. Und nat�rlich ist Sandovals Stimme das noch immer gro�e Plus.

(Rolling Stone, Oktober 2013)

---

Das wunderbare kalifornische Duo lebt weiter in seiner eigenen Traumwelt.

(musikexpress, Oktober 2013)()

Eine der frischesten und stilistisch glaubw�rdigsten No Depression / Alt. Country Rock-Scheiben der Saison kommt nicht aus Austin, Minneapolis, Portland, Raleigh oder Louisville, sondern aus...Edinburgh, Schottland! Diese 4 Typen m�ssen schon ihre P�sse vorzeigen, damit man ihnen ihre Herkunft abnimmt � so uramerikanisch klingen sie mit ihrem gut abgehangenen Gebr�u aus klassischem Country Rock der 70er, luftigem Gitarrenrock mit ein paar Popelementen aus den 80ern und jener Genreneuauflage, die in den 90ern mit dem Schlagwort No Depression belegt wurde und heute allgemein als Americana gehandelt wird.

Produziert von Andrew Taylor, der auch zus�tzlich Keyboards, Mandoline, Banjo und Percussion spielt, bedeutet das aktuelle Werk einen gro�en Schritt nach vorne. Der etwas verstaubte 90er Sound vom Deb�t ist einer zeitgem��en (Alt.)Americana Rock-Produktion gewichen, die vor allem durch die sorgf�ltig angeordneten Gitarrenspuren von Iain Sloan und die erstklassigen, ausgefeilten, bis zu dreistimmigen Harmony Vocals besticht. Musikalisch baut man zwar grunds�tzlich auf den bew�hrten Stil vergangener Jahre, konzentriert sich aber deutlich weniger auf den Countryanteil in Country Rock und verfolgt eine frische, dynamische DIY-�sthetik, ausdr�cklich auch auf einigen, vielleicht manche Fans �berraschende Balladen: Das Eagles-�hnliche, herrlich dahinschlurfende �Whatever It Takes�, das rein akustische, mit Klavier- und Streicherduobegleitung leise untermalte �Curtain Call� oder das abschlie�ende �Change Of Heart�, ein anspruchsvoller, fast epischer 6-Minuten-Slow Song, komplett mit Pedal Steel, Streichern und wundersch�nem Duettgesang von Dolly Varden�s Diane Christiansen, zugeschaltet aus Chicago. Hier trifft ein fr�her Neil Young nach Harvest-Art auf den Elton John von Tumbleweed Connection.

Ansonsten dominieren die schnelleren Sachen wie der geradezu enthusiastisch vorgetragene Opener �Driveaway� (mit dem �Life In The Fast Lane�-Verweis im Refrain), das von einer Byrds-typischen 12-String Rickenbacker Guitar gepr�gte �Canada� und das nicht nur formal im Zentrum stehende �Tide� mit seinen Wilco-haften Twin Guitars, dem schleppenden Crazy Horse-Beat und klasse Harmonien frei nach CSN! Nicht von ungef�hr haben viele Songs der Wynntown Marshals mit Reisen und Fernweh im direkten und �bertragenen Sinn zu tun, so auch �Low Country Comedown� im charmanten Jayhawks-Modus. Der Weg ist das Ziel, das �Roll� in Rock�n Roll ist das was z�hlt - The Long Haul!

---

Auf ihrer zweiten CD nach dem 2009er-Deb�t ,,Westerner" lassen S�nger Keith Benzie & Co. mit luftigen Rickenbacker-Riffs, leuchtenden Harmonien und sehns�chtigen Melodien erneut ihr Faible f�r US-Musik Marke Jayhawks, Wilco, Uncle Tupelo und Son Volt aufflackern.

(Audio, Dezember 2013)

---

... eher lose, gebrochen romantisch, schwankend sehns�chtig und �berm�det gl�ckstrunken. Sehr sch�n.

(Rolling Stone, Februar 2014)

---

Dazu ist �The Long Haul� ein Album, das mit jedem H�rdurchgang w�chst, neue Feinheiten entdecken l�sst und mit dem sich die Schotten auch mit den Kollegen jenseits des Atlantiks messen k�nnen. Wieder mal eine echte Perle aus dem Hause Blue Rose.

(Good Times, April / Mai 2014)

Die Platten dieses Songwriters aus Gro�britannien habe ich vom ersten Ton an geliebt und entsprechend besprochen � nachzuverfolgen im Glitterhouse Webshop. Das erinnerte mich immer ein wenig an Nick Drake (den hatten wir ja lange nicht mehr zum Vergleich bem�ht, als darf der mal wieder ran), gerade wegen der �hnlichen Stimmlage und der Art, wie Fink akustische Gitarre spielt. Auch die Stimmungen der Fink Platten sind nicht weit von Five Leaves Left oder Pink Moon entfernt. Und vielleicht h�tte Nick Drake, h�tte er nur lange genug gelebt, ebenfalls mal ein Album mit einem Orchester aufgenommen?!? F�r diese Aufnahme wurden die Songs von Fink von einem gewissen Jules Buckley f�r das Amsterdamer Symphonieorchester arrangiert und der Bursche geht sehr ambitioniert an die Aufgabe heran. Da wird nicht nur begleitet, das Orchester f�hrt ein Eigenleben. Und das muss man, gerade wenn man die reduzierten Songs von Fink favorisiert, schon m�gen. Opulent, sch�n mit Laut und Leise spielend, ein echter Trip. Die CD kommt im hochwertigen (biegefesten?) Digipak mit 20 Seiten Fotobooklet.

(RH, Glitterhouse)

"We Were Wrong, Right?" ist das dritte Album des schwedischen Sextetts aus Malm�. Und es ist mehr als lediglich die Kombination aus schepperndem Indie-Rock, delikater und intimer Lo-Fi-Anmutung und dem tanzbaren Teil des Folk-Rocks. Ihre Songs und Melodien, die gleichzeitig Atem nehmen, Freude spenden und melancholische Grandezza verstr�men, haben eine Golden Kanine-typische Aura. Man mag dazu weinen. Oder tanzen. Oder k�mpfen.

Sie starteten einst als eine laute, gitarrenbasierte Indie-Rock-Band. Ihre Musik hat sich seit ihrem ersten Album aus dem Jahr 2009 organisch ver�ndert, ging und geht voran, experimentiert mit weitreichendem Instrumentarium und besinnt sich doch immer auf den Kern. Sie lassen stets Melancholie und Lebensfreude auf das Interessanteste kollidieren. Auf "We Were Wrong, Right?" r�hren sie liedgesteuerten, opulenten Indie-Pop an, der indes stets nach vorne dr�ngt, immer nerv�s aus der Spur zu springen bereit ist. Viele Instrumente, feine Songs - sich darin suhlend zwei angenehm br�chige Stimmen. Mitrei�end und taumelnd, tief und bet�rend, ist ihr Songwriting noch gewachsen. Nenn sie eine laute, intime Band. Oder nenn sie eine intime, laute Band.

Die Aufnahmen f�r "We Were Wrong, Right?" zogen sich �ber ein ganzes Jahr hin. Das Resultat ist... wundersch�n. Die Welt steht Golden Kanine offen.

Golden Kanine verm�gen es wie kaum eine andere Band, den H�rer, w�hrend sie ihn mit jubilierendem Crescendo mitnehmen, gleichzeitig positiv zu verwirren. In den mitrei�endsten Passagen verstecken sich gerne die finstersten Botschaften, da droht Ungl�ck und Seelenpein - und pl�tzlich, wenn der musikalische Aplomb in weniger nachdr�ckliche, ruhigere Gefilde �bergeht, so dass man textlich auf jedwedes Tr�nental vorbereitet ist, pl�tzlich kommen da fast fr�hliche Silben aus ihren M�ndern und Kehlen. Man fiebert mit ihnen, man folgt ihren Schlenkern zwischen lauthalsiger Dynamik und verzweifelter Nabelschau. Das Resultat ist eine einzige, mitrei�ende Versuchung. "We were wrong, right?" fasst in elf Titeln zusammen, was man sich von Musik nur w�nschen kann. Ein bisschen Eskapismus sei erlaubt, aber gerne eingeholt von brodelnder Tiefe. Mit Bl�sern und Banjo, mit Mandoline, Tasten und Percussion verfeinert, ist ihr ehemals purer Indie-Folk-Rock nun derart umfassend, dass die Programmank�ndigungen ihrer Auftritte sie teils etwas hilflos als "Folkiger Post-Rock" (nunja...) kategorisieren. Was nicht weiter st�rt, denn sie gingen und gehen ihren Weg: Unz�hlige Clubs und viele Festivals haben sie beehrt (darunter Haldern-Pop, Orange Blossom Special, Hurricane, Southside, Weinturm, Fusion), wurden einem gr��eren Publikum im Vorprogramm der Tour ihrer Landsleute Mando Diao bekannt, der WDR lud sie zu ihrer legend�ren Fernseh-Sendereihe "Rockpalast" ein. Personelle Wechsel folgten, weitere Tourneen schlossen sich an, in deren Verlauf neue Songs dem Live-Test unterzogen werden. "No Fun" oder "Oh They Caught You, Too" werden, obwohl den Fans zuvor unbekannt, im Nu zu Live-Favoriten.

(Glitterhouse)

---

Eins vorweg: Zimmertemperatur ist okay. Sogar sehr okay, im Verh�ltnis zu klirrender K�lte. Ein Bier von 22 Grad bei 40 Grad in der Sonne ist fast schon gigantisch. Aber so ganz ohne Relativierungen ist Zimmertemperatur eben nur lauwarm. So wie die neue Golden Kanine LP.

Eine Stimme a la Chris Martin in mitten eines Arcade Fire-Instrumenteninfernos � das sind Golden Kanine live. Inbr�nstig befeuerten sie im letzten Herbst ihr Publikum mit ihren schwerm�tig aber tanzbaren Indierock-/Folksongs von den letzten beiden Alben. Neben schwitzenden Achseln durften die Besuchenden auch zwei teasende Ohrw�rmer vom damals noch unver�ffentlichten Neuling �We Were Wrong, Right?� mit nach Hause nehmen. Besagte Songs �No Fun� und �Oh they cought you too� �berzeugen mit Dynamik, Gitarrenpr�senz und Singalongtauglichen Passagen, die sich hinterh�ltig ins Trommelfell brennen. Der Song �Plans� fesselt in der Mitte des Langspielers mit einer verspielten Leichtigkeit und sanftem Gesang. Das war�s dann aber auch schon.

�We Were Wrong, Right?� nimmt uns mit in d�stere Gef�hlsw�lder, in denen Mord und Totschlag w�ten (�Steve I�m sorry that we killed you, I really really am.�) und die Gespenster Frustration und Resignation toben (�take whatever and leave me nothing �cause I need nothing� in �I know I had a heart once�). Die vielversprechende Illusion von Gl�ck und einem einfachen Leben wird zerfetzt, um der Realit�t tr�ber Alltagsgefechte, bitterer Abrechnungen und Melancholie galore Platz zu machen. Da wird nichts sch�ngeredet. We call it Weltschmerz. Das Album punktet mit einer herrlichen Instrumentierung, mit Mandoline, Banjo, Bl�sern und Streichern. Aber der Leichtsinn und die Euphorie, mit denen Golden Kanine auf den letzten beiden Alben noch gl�nzten, kommen eindeutig zu kurz. Okay, der Song �Jennifer� geht einigerma�en voran, �Madeleine� ist h�bsch arrangiert und bietet ein nettes Konzept. Aber zu m�chtig schweben der Tr�bsinn und die Gleichg�ltigkeit �ber dem gesamten Album, die alle potentiell reizvollen Ecken und Kanten glatt b�geln. Dazu kommen absolut unspannende Songs, die textlich jede Emocore-Band erblassen lassen und das Endorphinlevel ordentlich drosseln. Ein tolles Album f�r den geplanten Selbstmord. So gesehen ist das aber nichts, was man einem gro�en Live-Publikum zumuten sollte, liebe Schweden!

Auch wenn sie das traurig dahinpl�tschernde Album verpatzt haben, ist die kommende Tour sehr zu empfehlen. Mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit wird sie eher der Herrlichkeit eines 20-Grad-Biers in der W�ste entsprechen - Golden Kanine sind eben eher eine Liveband. Was �We Were Wrong, Right?� angeht, bleibt zu sagen, dass sich das zauberhaft gestaltete Cover in jeder Plattensammlung gut macht. Und nach dem drei�igsten H�rdurchgang findet man mit Durchhalteverm�gen und gutem Willen doch noch seine Freude an dem Album. Neben den drei Krachersongs, den drei okayen Songs, entdeckt man noch ein paar gut versteckte Reize in den anderen Liedern, sofern man sich nicht von den ersten H�rdurchg�ngen abschrecken l�sst. Insgesamt nett, aber nichts Au�ergew�hnliches. Der Golden Kanine�schen Lethargie erlegen, k�nnte man sagen �Die besten Songs sind halt schon geschrieben� . Klar, ein gutes Folkalbum muss mehr leisten als Bierkrug-Pub-Lagerfeuer-Stimmung und Schw�rmerei. Mehr als trauriges Dahingepl�tscher sollte aber schon drin sein.

(Julia Kindel, motor.de)

Neues Album der Band um Kevin Barnes, aufgenommen quasi live im Studio, um einen �hnlichen Vibe wie in den sp�ten 60ern zu erreichen.

(Glitterhouse)

---

Though Kevin Barnes had always used Of Montreal to build a strange, often beautiful world of complex personal thoughts and visions, his albums grew increasingly manic (musically and psychologically) throughout the mid-2000s. Over the project's lengthy career, Barnes had taken his muse from sweetly lo-fi bedroom twee beginnings to bouncy disco-pop heights, landing in some bizarre, wounded state of indie R&B dementia by the time of albums like 2010's False Priest, with his lyrics growing increasingly raw and scattered. 2012's almost impenetrably dense Paralytic Stalks found Barnes' hyper-personal self-analysis and quickly changing psychedelic pop reaching a saturation point for many listeners, and reviews were mixed. Lousy with Sylvianbriar is a complete about-face from the cast of multiple personalities and sonic mood swings of Barnes' recent past, offering a refreshingly straightforward collection of songs under the unlikely influence of '60s and '70s FM radio roots rockers like Dylan, Neil Young and the Stones. Instead of the usual process of Barnes playing all the instruments himself and layering his own vocals with endless digital recording, the sessions for LwS took place in an almost entirely live analog studio setting, with session musicians quickly working on their parts and going direct to tape. The resultant recordings have the same loose yet lucid feeling as Dylan's Blonde on Blonde, or early albums by the Band; the songs deep in a classic rock vein while still touched with Barnes' ever-obtuse lyrical spirals. Beginning with the slide guitar twang of album-opener "Fugitive Air," almost all of the indie-electro postures that defined the band before vanish, replaced with a Mick Jagger sway circa "Jigsaw Puzzle," updated with Barnes' penchant for vivid lyrical imagery equal parts gorgeous and grotesque. This rootsy swaggering continues on the Dylanesque "Belle Glade Missionaries" and "Hegira �migr�," matching greasy Highway 61 Revisited boogie rock rhythms with glowing harmonies and deceptively dark lyrics. Vocalist Rebecca Cash shows up throughout the album, lending bright lead vocals to the Emmylou Harris/Gram Parsons-modeled country ballad "Raindrop in My Skull." Barnes taps into these unexpected influences without submitting to them completely, trying each one on like a flimsy costume not quite capable of covering the core elements of his songwriting personality. The unsettling imagery, buttery basslines, and meandering key changes that have been Of Montreal staples since the start, fit surprisingly well into the dusty traditional rock framework of LwS, offering a breath of fresh air from the pleasant but convoluted rush of the past several albums. Swapping out the sonic and mental clutter for a host of centered, unconfused rock tunes is a curveball move, for sure, but the end product is the most memorable, lasting, and relatable albums in Of Montreal's extensive catalog, and easily one of the best.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

As Sonic Youth's members explored their individual careers during the band's hiatus, it was fascinating to hear their projects develop. Between the Times and the Tides allowed Lee Ranaldo's more pastoral, mystical side to flourish, and it's in even fuller flower on Last Night on Earth. This is also the debut of Ranaldo's group the Dust, and while two of the group's key players, Alan Licht and Steve Shelley, appeared on his previous album, these songs feel like the work of a full-fledged band. Ranaldo and company sound more confident; where he tried a little bit of everything on Between the Times and the Tides, here he and his band concentrate on expansive songs filled with shimmering melodies and epic solos. "Lecce, Leaving" begins the album by defining this approach, with quickly shifting tempos and subtly changing moods that flow over elaborate buildups and breakdowns before drifting to a close; "The Rising Tide"'s psychedelia is so expansive that it flirts with acid rock. It was always assumed that Thurston Moore was Sonic Youth's main classic rock fan, but Ranaldo's solo work also shows an affinity for the sounds of the '60s and '70s. "Key/Hole"'s sweet, breezy melody could be avant-garde soft rock as it moves from tender to tempestuous, while the lyrics' clever parallel rhyming structure is a reminder of what an accomplished songwriter Ranaldo is. Throughout Last Night on Earth, he and the Dust achieve an alchemy where experimental rock, classic rock, and even hints of prog sound made for each other. All of this is especially true of "Ambulancer," one of the album's more urgent tracks. While its searing guitar work has roots in Ranaldo's Sonic Youth days, its acoustic flourishes feel more modern as well as timeless. Last Night on Earth leaves room for a few tangents, such as the pretty chamber pop vignette "Late Descent #2," that end up heightening the album's rainy-day moodiness. If possible, these songs have even more of a feeling of moving on and letting go than Ranaldo's debut did; the 12-minute album closer "Blackt Out" is at once mournful and exhilarated as it ponders being freed from a longtime lover. An album in the old-school sense, with expansive tracks and detours that still add up to a cohesive whole, Last Night on Earth offers more proof that Ranaldo's music is just as satisfying, if not more so, on its own as it was as part of one of alternative rock's supergroups.

(by Heather Phares, All Music Guide)

tindersticks feiern ihr 20j�hriges Bestehen. �ber sechs Schaltjahre erstreckt sich bereits die Karriere der tindersticks.

Auf "across six leap years" vereint die Band verloren gegangene Songs aus diesen Jahren - Songs die bisher nicht zu dem wurden, was sie eigentlich h�tten sein k�nnen. Im Fr�hjahr 2013 nahmen die tindersticks diese Songs im legend�ren Studio 2 von Abbey Road erneut auf. Teils feierlich, teils reflektierend verliefen die Aufnahmen; immer erkennend, dass die live erneut aufgenommenen Songs mit so viel neuem Leben gespielt wurden, dass sie zusammengefasst einen geb�hrenden Nachfolger zum 2012er Erfolgsalbum 'the something rain' bilden.

Eine Band und ihr Sound auf der H�he der Zeit. Die Band tindersticks ist heute bei weitem aktiver, kreativer und facettenreicher, als sie sich das sicherlich 1993, im Jahr ihrer Deb�t-Ver�ffentlichung, auszumalen gewagt h�tten - im Laufe des Jahres 2013 realisiert die Band mehr Projekte als so manch anderer K�nstler im Zeitraum von 20 Jahren

The Wood Brothers are hard to pin down -- they play a sort of Americana version of jazz, or country with an edge, or folk with some rhythmic bite, or maybe secular gospel with a touch of swing. At their best, they create the best blend of vernacular American roots music since the Band folded, and while there are a lot of neo-Americana bands out there who critics keep claiming sound like the Band, well, these guys actually do. The Buddy Miller-produced The Muse is their fourth album, and while the previous three releases were pretty darn great, this one is arguably even better, a step forward into a fuller, rounder, and more complete sound, anchored, as always, by Chris Wood's wonderful acoustic basslines (his day job is playing bass for Medeski, Martin & Wood) and Oliver Wood's backwoods vocal style and sharp, literate songwriting skills. This album is a gem, opening with the best song yet by the Band that wasn't written or recorded by the Band, "Wastin' My Mind," and continuing the feel with "Neon Tombstone," "Honey Jar," "Sweet Maria" (a bit of folk cabaret, really), the barroom ballad shuffle "I Got Loaded," and the set closer, "Firewater," which comes complete with a boozy horn section that makes it sound like an outtake from the Band's Rock of Ages. The Wood Brothers aren't the second coming of the Band, of course (such a thing will most likely never happen), but they draw on the same wellspring of blues, gospel, folk, country, and R&B to arrive in a similar place, suggesting a rural America where myths are born and made real with music, a place where current fashion is useless, a place where a trip to the local juke for some backwoods jazzy honky tonk gospel blues is nigh near a trip to Heaven.

(by Steve Leggett, All Music Guide)

Ein neuerlicher Howe-Hakenschlag, und wieder steht man zun�chst verst�rt vor dem Dargebotenen. Dabei ist dieser Solo-Spaziergang, diese radikale Reduzierung auf minimale Mittel streng genommen der schon fast notwendige Gelb-Schritt nach der Opulenz seiner gigantischen Gian Giant Sand-Oper. L�ssig-leger kommt der Coincidentalist daher, vieles klingt scheinbar verspielt, mancher Song wirkt zun�chst wie eine schiere Skizze, aber nach der anf�nglichen Verunsicherung folgt fast beil�ufig das Verst�ndnis, erlaubt das wiederholte Abtauchen die Einsicht in Tiefen, die man zun�chst nicht f�r m�glich hielt. Denn versteckt in den �berschaubaren Arrangements, in den mal in Club-Besetzung, mal im Alleingang dargebotenen St�cken entfaltet sich fast nebenbei die Essenz des bislang Erreichten, sieht man mal im flammenden Vordergrund, mal in lapidaren Randbemerkungen, in leisen Nuancen die Glanzlichter der Gelb-Geschichte vor�berziehen, roh twangender Alternative Country, Gospel-Untiefen, weher W�stenwind, Garage-Americana, mexikanisches Saitenspiel, l�ssiger Swing und verrauchter Bar-Jazz, ohne dass es den charmant croonenden Tonh�hen-Ignoranten h�rbare M�he kostete. Zwischen anheimelnd verstimmtem Standklavier und perfekter Steel Guitar, zwischen tastend-tupfendem Bass, roh verzerrter E-Gitarre, sanft gebestem Schlagwerk und den perfekt passenden Gaststimmen von Bonnie Prince Billy und KT Tunstall entfaltet sich die Vision eines einzigartigen Karg-Country-K�nstlers, der die roh-urspr�ngliche Kraft des Moments, die elementare Energie des Entwurfs einmal mehr der prallen Perfektion vorzieht. Und genauso, wie man beim wiederholten Abtauchen die Feinheiten der Gelb-Kunst entdeckt, die vers�hnlichen Kl�nge hinter der anf�nglichen Verst�rung, so gewinnen die elf Songs schlie�lich das Herz, bemerkt man das beif�llige Beinwippen, die R�hrung der Seele, die der kratzig-knarzige Crooner einmal mehr zu erreichen wei�. Konzentration auf den kargen Kern, Reichtum in der l�ssig-kunstvollen Verknappung, Reduktion als zwangsl�ufige Reaktion auf den Tuscon-Bombast. Der Gelb-J�nger folgt offenen Auges, wohl dem, der sich einlassen kann.

(cpa, Glitterhouse)

In Zeiten, in denen Trends kurzlebiger und mannigfacher denn je sind, die digitale Revolution l�ngst Alltag, ja, Schnee von gestern ist und auch sonst das Faktum der immer k�rzer werdenden Aufmerksamkeitsspanne wohlfeil beklagt wird, tut dieses Album, diese Musik gut. Entschleunigung, in sich Ruhen, Zeitlosigkeit. Und auch: Tiefe. Charisma. Melancholie. Wut. Aber: dennoch Optimismus, der Glaube an Gef�hle, v�llig unpr�tenti�s, in herrlich entspannter Form, nat�rlich, als sei es das Selbstverst�ndlichste der Welt, auf knapp 45 Minuten in acht beeindruckende Songs gebannt.

Terry Lee Hale hat eine lange Reise hinter sich. Den geb�rtigen Texaner (San Antonio) verschlug es nach Seattle zu Zeiten vor und w�hrend des Grunge-Hypes, sein erstes Lebenszeichen auf Tontr�ger kann man heute noch auf der legend�ren �Sub Pop 200� Compilation von 1988 nach h�ren, zudem ihn Bruce Pavitt und Jonathan Poneman als einzigen Nicht-Grunge Act einluden. Mit Ver�ffentlichung seines ersten Albums �Oh What A World� im Jahr 1993 wurde er zum Vorzeige-K�nstler der damals hippen Singer/Songwriter/Americana Szene, in Frankreich (seiner heutigen Wahlheimat) rollte man ihm den roten Teppich aus, Le Monde k�rte sein Debut zum �Album of the Year�, T�l�rama adelte ihn mit dem Satz, dass seine besten Songs die Qualit�t eines Townes van Zandt erreichen, der legend�re Pariser Plattenmogul Patrick Math� (New Rose, Last Call) nahm ihn unter seine Fittiche und in Deutschland war zu der Zeit Glitterhouse schon einmal Heimat f�r den Rastlosen.

Aufgenommen unter der Regie von Bob Coke (Ben Harper, Black Crowes) und in intimer, kleiner Besetzung eingespielt, faszinieren Gitarrenspiel und die wettergegerbte Stimme Terry Lee Hale�s ebenso, wie die exzellente (baskische) Rhythm Section Frantxoa Errecarret an den meist mit Besen gespielten Drums und Nicholas Chelly (Kontrabass). Dazu gesellen sich bei Bedarf Gastmusiker wie Jon Hyde (Laura Veirs, Jim White) an der Pedal Steel, Glenn Slater (The Walkabouts) an den Tasteninstrumenten oder sein alter Weggef�hrte Jack Endino (Bass). Um aus dieser musikalischen Ausgangsposition etwas so besonderes zu machen, wie �The Long Draw� bedarf es allerdings einer weiteren wichtigen, elementaren Zutat: Herausragendem Songwriting. Und das findet sich auf diesem Album im �berma�. Terry Lee Hale hat sich l�ngst von seiner Alt.Country-Historie emanzipiert, sein musikalisches Universum permanent erweitert, einen �ber mehr als vier Jahrzehnte organisch gewachsenen, eigenen Stil entwickelt, der sich jenseits von Kategorisierungen findet. Dazu ist er ein sehr genauer, einf�hlsamer Beobachter des allt�glichen Scheiterns in all seinen Facetten, voller Empathie f�r seine Protagonisten, sein Blickwinkel ist speziell, platte Lebensweisheiten seine Sache nicht.

Terry Lee Hale ist ein Songpoet der Extraklasse, eine singul�re Erscheinung in der Musikwelt, dessen Kraft und Ausdrucksst�rke -bei aller Zur�ckgenommenheit- mit den Jahren gereift sind, wie ein 20 Jahre alter Single Malt der Insel Islay, mit allen Ecken und Kanten. Es ist Zeit, Terry Lee Hale neu zu entdecken.

(Glitterhouse)

Manchmal stimmt einfach alles.

Da setzt man sich nicht nur an den Frühstückstisch, sondern man setzt sich an den Frühstückstisch, auf dem die Teller zu den Tassen und die Servietten zur Tischdecke passen, auf dem Eier stehen, die weder zu hart noch zu weich sind und Brötchen, die beim Draufbeißen vor Frische knacken.

Genau so verhält es sich mit „Schau In Den Lauf Hase“, dem ersten Album von Die Höchste Eisenbahn. Da stimmt einfach alles. Da hört man nicht nur ein Album, sondern man hört ein Album, auf dem die Melodien zu den Texten und die Sänger zu den Instrumentalisten passen, auf dem die Message weder zu platt noch zu verkopft ist. Manchmal sind es kleine musikalische Momente, die beim Hören glitzern, manchmal verliebt man sich in ganze Strophen. Francesco Wilking textet mit Moritz Krämer um die Wette, und wer Francesco aus Tele- oder Moritz aus Solo-Zeiten kennt, der weiß, was das heißt. Beste deutschsprachige Songtextkunst. Sofort und ohne Abstriche als Gedichtband abdruckbar. Felix Weigt (u. a. Kid Kopphausen) und Max Schröder (u. a. Der Hund Marie, Tomte) bringen die episch-ehrlichen Geschichten zum Klingen, lassen sie sich in den Zuhörern ausbreiten. Die Bahn verpassen war immer schon doof – ist bei der Höchsten Eisenbahn nicht anders. Ganz im Gegenteil.

---

Schlüpfrige Protestsongs, zu denen man auch noch tanzen kann ..."

(musikexpress, Dezember 2013)

---

Endlich ist das Platte geworden, was seit langer Zeit als liebenswertes Gerücht in den hinteren Reihen von 'Ja, Panik'-Konzerten weitergeflüstert wurde. Mit Francesco Wilking, Moritz Krämer, Max Schröder und Felix Weigt hat sich tatsächlich eine Art Songwriter-Supergroup geformt und nach ein paar verheißungsvollen Häppchen jetzt was Großes gemacht. Der Tod von Nils Koppruch vor einem Jahr hatte dem Genre einen Dämpfer verpasst, obwohl das bittere Ende, das Aufgeben ja durchaus tonangebendes Sujet all dieser empfindsam musizierenden, schlaksigen Herren war. Da macht 'Schau in den Lauf, Hase' (Tapete Records) keine Ausnahme. Es ist ein bittersüßer Liederreigen geworden, den die schön nebensächliche Stimme von Francesco Wilking und das herzcrackende Wunderwesen Moritz Krämer angenehm stoffelig vortragen. Ihr Sound ist Landstreicher-Pop, warm wie ein Kuchen, der vor zehn Minuten aus dem Backofen kam und der liebevoll von Felix Weigt mit Keyboard-Rosinen und anderem Zuckerkram garniert wird. Der wave-ige Saxofon-Einstieg von 'Egal Wohin' ist nur wie ein Trommelwirbel, es folgen Light-Folk und viele dunkle Kammerpop-Arrangements, wie das herrliche 'Raus aufs Land'. Musik für alle, die am ersten Tag des Winters schon frösteln. Keine große Sache, aber viel kleines Glück.

(Max Scharnigg, Süddeutsche Zeitung)

Mit ihrem dritten Album vereinen die Mannen um ihren Mastermind Josef Wirnsteiner aus Traunstein erneut Leichtigkeit und Souver�nit�t mit �berzeugendem Songwriting, aber auch klangliche Opulenz, Tiefgang und Gewicht. Die Strophen sind gedrechselt, die Refrains sind geschnitzt! Musik, die ganz und gar dem Song verpflichtet ist.

---

Auf seinem dritten Album spielt Josef Wirnshofer stoisch-k�hle Lieder, in denen etwas Erhabenes, Sch�nes steckt.

(Rolling Stone, Dezember 2013)

---

Wir feiern einen neuen Pop-Souver�n: Der Chiemgauer singt seine Lieder mit den Stillen und Verzagten in die Nacht.

(musikexpress, Dezember 2013)

---

Der Marble Man fesselt mit nachdenklichen Moritaten, deren raffinierte Sound-Details sich erst bei mehrmaligem H�ren erschlie�en. Dann allerdings will man sie nicht mehr missen.

(stereoplay, Januar 2014)

---

Wunderkind h�rt sich jetzt ein bisschen bl�d an, aber dieser junge Mann war bei seinem erstaunlich reifen Deb�talbum �Sugar Rails� vor sechs Jahren gerade mal vollj�hrig. Dass der noch immer junge Josef Wirnshofer aus Traunstein im Chiemgau jetzt noch erwachsener klingt, kann man sicher nicht behaupten � das geht wohl auch kaum. Der Bursche ist ein ausgesprochen kunstsinniger Singer/Songwirter mit edlen, pianolastigen Arrangements � aber auch mit kleiner Band, getragen von zumeist schwerbl�tiger Stimmung und gesungen mit einer angenehm knarzigen Stimme. Als Vergleichsgr��en fallen mir Maximilian Hecker oder Phantom Ghost ein, der Marble Man liefert aber gleich selbst seine Referenzen zu jedem einzelnen Song mit: die Einfl�sse reichen von Hochkultur (Bartok, Goethe) und Literatur (Rainald Goetz), �ber Rockklassiker (Bowie, Beatles, Nick Cave, Leonard Cohen), eher abseitige Bands (Neubauten, Elliott Smith, Popol Vuh, Yo La Tengo, Missouri, Flowerpornoes) bis zu Kino (Sunset Boulevard, Achternbusch, Werner Herzog) und aktuellen TV-Serien (Game Of Thrones, The Closer). Macht insgesamt ein atmosph�risch dichtes und unanstrengend kunstinniges Album mit k�nstlerischem Eigensinn und hypnotischer Tiefe.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

In seiner 3-Sterne-Besprechung des letzten Supergroup-Albums �Vol. 2� hatte sich der Musikexpress auf eine Fortsetzung im Jahr 2015 gefreut � nun, die Franken unterbieten das locker und kommen bereits 2013 mit dem konsequenterweise �Vol. 3� betitelten Nachfolger aus dem Kreuz. Der Bandname ist dabei nat�rlich augenzwinkernde Ironie, wenngleich die drei Bandmitglieder samt und sonders Urgesteine der s�ddeutschen Alternativrock-Szene sind und u. a. bei Throw That Beat In The Garbage Can oder The B-Shops ihren Dienst versahen.

Das Trio hat diesmal auf Gastmusiker verzichtet, musiziert ganz bei sich � elf Mal feinste Gitarrenmusik amerikanischer Pr�gung, aber gelegentlich auch mit einem gewissen krautrockigen Fluss, anzusiedeln etwa zwischen Neil Young in seinen entfesselten Momenten und Yo La Tengo.

Matthew Sweet and Susanna Hoffs continue their parade through pop's past with Under the Covers, Vol. 3, a third volume that brings the duo into the '80s. This just so happens to be the decade when both singers began their professional careers. Hoffs went supernova with the Bangles in 1986, the same year Sweet released his debut Inside on Columbia, and while it'd be another half-decade before Matthew experienced his own flush of success, the two are steeped in the underground pop culture of the '80s, where the records of the '60s were celebrated and refracted through the Paisley Underground, R.E.M., and even the one-hit-wonders dotting the landscape of MTV. Under the Covers, Vol. 3 pays tribute to all these sounds and more, balancing MTV hits ("Save It for Later," "They Don't Know," "Our Lips Are Sealed," "Trouble") with songs that were staples on college radio in the '80s: R.E.M.'s "Sitting Still," the dB's "Big Brown Eyes," the Bongos' "The Bulrushes," XTC's "Towers of London," the Smiths' "How Soon Is Now," and Echo & the Bunnymen's "Killing Moon." Sweet and Hoffs remain true to the sweet, slightly wistful, guitar-heavy aesthetic they etched out on the earlier albums and it fits these robust melodies, placing an emphasis on the songcraft and the duo's harmonies. While they never reinterpret the songs -- sometimes the arrangements are stripped-down, as on Roxy Music's "More Than This," but the attitude remains the same -- Sweet & Hoffs identify why each of these tunes remains beloved, by audiences large or small, and the faithful, heartfelt nostalgia combined with the pair's participation in the scene makes Under the Covers, Vol. 3 the best trip down memory lane the duo has yet made.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Vor etwas mehr als zwanzig Jahren war ich das erste Mal in Harney County, nachdem ich die Memoiren des Schriftstellers William Kittredge gelesen hatte. Das Buch hei�t "Owning It All" und es war f�r mich ein sehr einflussreiches Werk. W�hrend Kittredge die Breitwand-Landschaft dieses W�sten-Countys im s�d�stlichen Oregon feiert, kritisiert er gleichzeitig den r�cksichtslosen Verbrauch der Landschaft durch mehrere Generationen Viehzucht seiner Familie. Es ist eine tragische und zur Vorsicht mahnende Geschichte, die uns daran erinnert, dass das Land, von dem wir denken dass es uns geh�rt, sich gegen uns wenden kann. Wir alle sind den Kr�ften der Natur ausgeliefert, mehr als wir zugeben wollen. Es ist ein Buch �ber gescheiterte Tr�ume an einem Ort rauer Sch�nheit. Als ich es zu Ende gelesen hatte, wusste ich, dass ich dieses Land mit eigenen Augen sehen musste, �ber das Kittredge so schonungslos geschrieben hatte. Es wurde eine Art Zwang, und seitdem bin ich viele Male dorthin gereist.

Nach der R�ckkehr von dieser ersten Reise schrieb ich einen Song namens "Death At Low Water", der auf dem Chris & Carla-Album "Life Full Of Holes� landete. Der Song schien mir inspiriert durch die Landschaft und die staubigen St�dte, die ich gerade besucht hatte. Die Texte rufen Sehensw�rdigkeiten in und um Harney County in Erinnerung, wie Steens Mountain und Denio, die s�dliche Grenzstadt in Nevada. Es ist ein irgendwie brutaler Song, aber es ist auch ein Lied �ber Glauben, Familie und das Festhalten an den wirklich wichtigen Dingen. Schon damals dachte ich, ich sollte eines Tages eine Sammlung von Harney County-Songs schreiben und singen. Mit diesem neuen Album bin ich endlich dazu gekommen, genau das zu tun. Die meisten der Songs auf diesem Album wurden lebendig, als ich an den Sounds und Texten des letzten Walkabouts-Albums �Travels In The Dustland� feilte. Sie haben in gewisser Weise dieselben Wurzeln wie die �Dustland�-Songs, geh�rten aber in einen anderen Zusammenhang. Sie handeln weniger von musikalischen Gesten als davon, was tats�chlich gesungen wird. Die Songs f�r "Travels In The Dustland" waren ebenfalls W�sten-Songs, sie handelten aber von abstrakten und mythischen Landschaften. Hier sind die Ereignisse und Charaktere zwar erdacht, die Orte aber umso realer, ebenso wie die Stra�en, auf denen ich selbst gefahren bin. Ich habe die Anstiege und Biegungen dieser Stra�en in bester Erinnerung. Ich kann Steens Mountain in der Ferne hoch �ber dem Alvord Desert sehen, wie auch die verstreuten Trailer-Parks und Ranches. Diese spezifischen Landschaftserinnerungen sind die Urspr�nge dieser Musik und der Grund, warum ich das Album "Harney County" genannt habe.

Die gro�en Beifu�-Steppen, die windigen Berge und sumpfigen Ebenen (wo manchmal riesige Vogelschw�rme beobachtet werden k�nnen) des Countys sind Orte, wo Menschen klein und oft bedeutungslos wirken. Die Winter sind lang und das Land versinkt unter Massen von Schnee, w�hrend im restlichen Jahr die Sonne gnadenlos brennt. Diese erbarmungslosen Elemente werfen einen langen Schatten auf die Charaktere in den Songs. Sie k�mpfen darum, ihr Bestes zu tun � in einer Gegend, wo Sch�nheit und M�hsal einander begleiten.

Ich wollte bei den Aufnahmen zu diesem Album ein Gef�hl von Rohheit und Zur�ckhaltung. Mir schienen diese Qualit�ten bereits in den Songs zu liegen, die Musik sollte dies reflektieren. Kontrabassist �iga Golob und ich spielten die Songs zwei Tage lang live ein, in einem weitl�ufigen, verhallten Studio am Stadtrand von Prag. Der Aufnahmeraum bietet Platz f�r ein 80-k�pfiges Orchester, und da standen wir beide uns nun gegen�ber, winzig und von der Umgebung auch ein wenig eingesch�chtert. Angesichts der Songinhalte f�hlte sich das durchaus passend an. �iga gab den wesentlichen Ansto� zu diesen Aufnahmen, und ich h�tte das Album nicht ohne ihn machen k�nnen. Milan Cimfe stie� als Toningenieur und auch als Gelegenheitsschlagzeuger zu uns. Meine Frau Anda sang Backing Vocals bei zwei Songs, Paul Austin spielte E-Gitarre bei "The Carnival Smoke", und mein alter Freund Terry Lee Hale spielte die verfremdete Mundharmonika von "Many Moons". Urspr�nglich dachte ich, dieses Album sollte wie "Nebraska" als Dub-Album klingen. Das haben wir dann nicht ganz erreicht, ich m�chte aber doch meinen, dass kleine Reste jener Idee bleiben. Was bei dieser Musik weggelassen wurde, ist wohl wichtiger, als das, was hinzugef�gt wurde. Es gibt f�r die Geschichten also reichlich Raum zum Atmen.

Und jetzt, wo das Album fertig ist, kann ich den n�chsten Ort meiner Obsessionen finden.

(Chris Eckman/Ljubljana/Sept. 2013, Glitterhouse)

Knapp ein halbes Jahr nach dem Release von "The Terror" melden sich die sagenhaften Flaming Lips mit neuem Material zur�ck. Die EP "Peace Sword" wird am 13.12. auf Vinyl erscheinen und enth�lt sechs neue St�cke. Der Titelsong "Peace Sword (Open Your Heart)" wurde exklusiv f�r die Filmadaption von Orson Scott Cards Roman "Ender's Game" geschrieben und zusammen mit Thomas Fec von Black Moth Super Rainbow aufgenommen. Inspiriert von dem Buch, setzte die Band um S�nger Wayne Coyne die Aufnahmen fort und ver�ffentlicht nun insgesamt sechs neue Songs.

---

Nach dem f�r diese Band doch sehr d�steren Album THE TERROR f�hlt sich PEACE SWORD richtig gut an.

(musikexpress, Februar 2014)

W�rde sich der Song �Purple Birds� auf dem j�ngsten Paul-McCartney-Album befinden, die Weltpresse w�rde sich �berschlagen: Endlich! Er kann es wieder! Brillantes Songwriting, exzellenter Vortrag, ein echter Hit! Danke, Paul!

Allein, der Verantwortliche hei�t nicht Paul McCartney, glei�ender Stern �ber dem gesamten Globus, sondern Klaus Paul, sanft schimmernder Komet �ber Stuttgart, Germany. Und dabei ist �Purple Birds� nur eins von 14 Kunstst�cken auf VILLA BERG.

Lange hat sich der Loretta-Gitarrist, Bach-Exeget und Barfu�wanderer Klaus Paul f�r dieses, sein zweites Album, Zeit gelassen. Warum? Gegenfrage: Warum nicht? Wo keine Welt�ffentlichkeit wartet, darf Sch�nes in aller Ruhe wachsen, sich wandeln, reifen, werden: zu Wundersch�nem.

Beweise? Der wolkenteilende Sonnenstrahl von �Low/High�. Das m�andernde Mysterium von �The Dawning�. Der pastorale Trost von �Judy Says�. Wo man auch hinh�rt, aus jedem der 14 Zimmer in der VILLA BERG erklingt eine andere, bet�rende Melodie. Fast ist es, als w�re man zu Besuch in einer Wohngemeinschaft aus lauter guten Bekannten: Elliott Smith, Paul Simon, Burt Bacharach...

Dass die VILLA BERG trotz vieler Einfl�sse und mancher G�ste (u. a. Musiker von Nena, Loretta, Tramontana, Miss Kenichi) als homogenes Ganzes erscheint, ist dem typischen Klaus-Paul-Sound zu verdanken: schlank, transparent, unpr�tenti�s, tiefenentspannt. Und, gar nicht zu vergessen: hochmusikalisch. Tja: Er kann es eben! Danke, Klaus Paul!

(Andrej Trelkovsky, 13/12/2013)

Er gilt als einer der gr��ten Songwriter des letzten gro�en Popzeitalters, dem man eine Genialit�t attestiert, die heute nur noch selten zu finden ist - Paddy McAloon.

1977 gr�ndete er die Band Prefab Sprout als Frontmann, heute IST er Prefab Sprout als alleiniges Mitglied. Gesundheitliche Gr�nde lie�en ihn f�r eine Weile in der Versenkung verschwinden doch die letzte Ver�ffentlichung �Let�s Change The World With Music� wurde so euphorisch gefeiert wie auch das letzte offizielle Studioalbum �Andromeda Hights� von 1997. Danach wurde es wieder still um den heute 56-j�hrigen Nordengl�nder bis pl�tzlich dieses Jahr im Internet 10 brilliante Songs auftauchten bei denen die Experten um deren Echtheit r�tselten. Die einhellige Meinung, nachdem die Songs genauso pl�tzlich wieder verschwunden waren war eindeutig, es sind tats�chlich neue Songs von Prefab Sprout, genauer gesagt von Paddy McAloon.

Diese Songs, die sehr wohl aus der Feder dieses au�ergew�hnlichen Songschreibers stammen, werden nun unter dem Albumtitel Crimson / Red am 04.10.13 in Deutschland ver�ffentlicht. Eine exquisite Mischung zeitloser Songs die mit makelloser Eleganz �berzeugen und an die beste Phase dieser Band erinnern.

Nach 16 Jahren erscheint somit ein neues Studioalbum was eindeutig zeigt, das die au�ergew�hnliche Karriere von Prefab Sprout und Paddy McAloon noch lange nicht zu Ende ist

---

Der gro�e Tr�umer Paddy McAloon kehrt mit neuen Preziosen zur�ck."

(Rolling Stone, Oktober 2013)