"He doesn't study his record collection, he plays with it like a little boy playing with toy soldiers - and it's this sense of uninhibited delight that animates Adams' magnum opus, an effortlessly ambitious and seductive 70-minute epic of an album that begs to be divided into quarters and pressed on two 12-inch slabs of vinyl.
Taking as his primary references points the Band, Dylan and the Rolling Stones circa "Exile on Main Street," Adams continues his fruitful collaboration with Ethan Johns (son of legendary producer-engineer Glyn Johns), who not only nails the sounds of late-'60s/early-'70s recordings but also drums behind the beat like Charlie Watts and revives the lost art of rhythm guitar. With another second-generation ringer, Stephen Stills' boy Chris, on lead guitar, this inspired little combo adds Stax/Volt horn lines here ("Touch, Feel & Lose"), Left Banke harpsichord there ("When the Stars Go Blue") and "Music From Big Pink" textures throughout, while impersonating the Keith Richards-Mick Taylor guitar tandem to startling perfection on the rawkin', raucous "Street Walkin' Blues." While he's at it, the kid also comes up with a fever dream of an art song in "Sylvia Plath" that recalls Leonard Cohen at his most romantic and Randy Newman at his most cinematic. "Gold" secures Adams' place in the post-millennial rock pantheon and contends for album of the year."

(Bud Scoppa, All Music Guide)

"Nach den ersten Takten von „Lonely Girls“ wollte ich das Album eigentlich auch gleich abhaken, zu viele perfekte Töne an zu vielen perfekt polierten Stellen ...

Egal, ich habe „Essence“ dann ein paar Minuten mehr geschenkt, sie dann nochmal aufgelegt und dann nochmal. Das ist man einer alten Heldin ja schuldig. Und irgendwann hat es dann „klick“ gemacht, denn die Songs können ihre Wirkung einfach nicht verfehlen, auch wenn sie etwas zu großspurig und gefällig in Szene gesetzt wurden. Denn diese Songs haben noch die gleiche Seele wie die Songs vor zehn Jahren, stimmlich scheint sie gar noch gereift, klingt intensiver als früher. Irgendwann schälen sich auch richtige Klassiker aus dem Wohlklang – das klagende „Blue“ etwa, das elektrisierende „Out Of Touch“, der Gospel-Rocker „Get Right With God“, das vibrierende „Are You Down“ mit einem fast durchgängigen, 5 ½-minütigen J.J.Cale-style Solo, das countryeske „Reason To Cry“ oder das textlich herausragende, aber musikalisch ebenso schöne „Bus To Baton Rouge“.

Ausfälle gibt es keine, im Gegenteil, jeder Song gewinnt an Konturen und offenbart seine Klasse, je öfter das Werk im Player landet. Man merkt dem Album an, das sowohl das Songschreiben als auch die Aufnahmesessions eine stressfreie und organisch fließende Angelegenheit waren. Und irgendwann sind einem dann Produktionstechniken völlig egal..."(Glitterhouse)

“The Gunman and Other Stories is the logical and glorious apotheosis of Paddy McAloon's long-standing fascination with the mythology of America. Previous Prefab Sprout records have offered varying degrees of homage to such American totems as Elvis Presley, Jesse James, Frank Sinatra, Faron Young and Bruce Springsteen, but this is where McAloon well and truly rides off into the sunset. The Gunman & Other Stories, after all, is first and foremost a country record, albeit one that only McAloon could have recorded: fans may be reassured that the luxuriant arrangements and inventive instrumentation that might be expected are all present and correct. It starts with "Cowboy Dreams", previously a hit for popular groaning actor Jimmy Nail. It should go without saying that McAloon's reading of it is altogether more subtle; the wistfulness in his delivery of the "Yippee-aye-ay" coda is just about worth the price on its own. Elsewhere, McAloon serves up a space-age version of the standard "Streets Of Laredo", two perfect ballads that could and should be sung by George Jones ("When You Get To Know Me Better", "Blue Roses") and the finest rock & roll rural romance since XTC's "Love on a Farmboy's Wages" ("Cornfield Ablaze"). Meanwhile, closing track "Farmyard Cat", despite a close kinship with Rednex's "Cottoneye Joe" and Monty Python's "Lumberjack Song", manages to be curiously affecting.” (NME)

25 Jahre kennen sich der Bluesgitarrist und Tom Waits schon. Auf Hammond´s `92er Album „Got Love...“ gab es schon mal einen Waits Song und auf dem letztjährigen „Mule Variations“ Album von Tom Waits war Hammond als Gitarrist zugegen. Nun arbeitete man zusammen.
Hammond war schon immer auf Fremdmaterial für seine Alben angewiesen und für „Wicked Grin“ schöpfte er mit beiden Händen im Waits´schen Fundus. 12 der 13 Songs stammen aus der Feder des Grantlers (der auch produzierte), einzig „I Know I´ve Been Changed“ ist ein Traditional (bei dem Waits einen Gesangs/Gitarren-Auftritt hat), das von Wolfgang Doebeling als „spirituelle Nachgeburt“ bezeichnet wurde. Zwei der Waits-Songs, „2:19“ und „Fannin Street“, sind zudem bislang nie auf einem Waits-Album erschienen. Für die kongeniale Umsetzung sorgt eine erstklassige Veteranen Band, die hier glorios drauflos musiziert: Augie Meyers an den Keyboards, Larry Taylor (Canned Heat) am Standbass, Stephen Hodges (Fabulous Thunderbirds) bearbeitet die Felle und Charlie Musselwhite bläst die Harp. (Glitterhouse)

"Nicht zum ersten Mal widmet sich Return To Sender dem Schaffen der zeitweiligen Folk-Queen, die wie kaum jemand anderes einem Majordeal zum Opfer gefallen ist. Nach Lehrjahren als Punkfrau in den Avengers stieg sie mit dem 88er Album Birdboys zur Ikone der San Francisco-Folk-Szene auf, bestach mit wunderschönen Songs in voll-akustischen Settings, verband Country, Folk, Swing, Jazz, Blues und Chanson zu etwas Neuem, Eigenem und vor allem unwiderstehlich Poppig-Sanftem. "Sie macht den wunderschönsten Akustik-Pop, den ich je gehört habe, und der es verdient, weit über die Zirkel einifger weniger Eingeweihter hinaus gehört zu werden", schwärmte die Spex über die Platte The Whole World.
Aber mit Cut You, ihrer ersten Arbeit für die WEA, gings dann erdrutschartig bergab. Ob ihr die Gefolgschaft die Treue ob des Verrats aufgekündigt hatte? Jedenfalls verschwanden sowohl ihr WEA-Debut als auch das zweieinhalb Jahre später folgende "Tongue" nahezu spurlos in kurzer Zeit aus den Ohren der Öffentlichkeit. Dabei fehlte es ihnen nicht an den notwendigen Houston-Ingredienzien, sanfter Stimme, stilistischer Vielfalt bei akustischem Schwergewicht. Aber irgendwie war halt der Wurm drin.
Abgesehen von einer schönen Best Of-/Raritäten-Sammlung auf ihrer alten Labelheimat Normal Records war es dann, zumindest hierzulande, recht ruhig geworden um die zarte Akustik-Königin. Was sie unter anderem in der Zwischenzeit gemacht hat, kann man jetzt erfreut nachvollziehen. "Loners, Stoners And Prison Brides" bietet Live-Material von verschiedenen Gelegenheiten aus den Jahren 1999 und 2000, Mitschnitte fürs KPFA-Radio und Konzert-Aufnahmen. Und auf einmal ist alles wieder gut: Denn die 10 Tracks geben dem Fan genau die Penelope, die sie vielleicht in jüngster Vergangenheit vermisst hatten: Sanft singend, begleitet vorwiegend von akustischer Gitarre, hervorragend unterstützt von Katherine Chase als Zweitstimme, deren Mitwirken zum Beispiel "Waterwheel" an die akustische Seite von Hazeldine erinnern macht. Eine großer Teil der Aufnahmen wurden im Trio Houston (voc, melodica, autoharp), Michael Pappenburg (guitar) und Katherine Chase (guitar, bass, voc) eingespielt. Die 6 Dreier-Besetzungs-Stücke präsentieren auf fast bilderbuchhafte Weise die Stärken der Sängerin und Autorin, auf einfache Mittel reduzierte Lieder, die von ihrer leichten Melodie, den Harmonien, ihrer Geschichte leben, und zudem die schlichte Schönheit der Stimme herausstreichen. Besonders schöne Momente sind die zweistimmigen Harmonien von Houston und Katherin Chase, deren Stimmen sich wundervoll ergänzen.
Zwei weiteren Stücken verleiht Dawn Richardson mir Schlagwerk und Sample-Beiträgen Arrangement-Tiefe; wobei sich zeigt, dass auch The Ballad Of Happy Friday And Tiger Woods vom jüngsten Album Tongue ein weiterer wertvoller Bestand des Houston'schen Werks ist. Die letzten beiden Songs, New Day und Hunderwasser 967, werden in Bandstärke intoniert. Stephanie Finch (keyboards), Steve Bowman (drums) und Chuck Prophet (guitar) gesellen sich hinzu, um mit dem Karmal Apple-Titel New Day erst zaghaft, mit Hundertwasser 567 dann richtig zu rocken. Und man darf sich von ihrer betonten Sanftheit nicht täuschen lassen: Das kann sie auch.
Und doch: Am liebsten sind mir die fast filigranen Folk-Feinheiten, die den Großteil dieser Live-Compilation ausmachen. Mit Songs aus all ihren Solo-Schaffensperioden - auch ein neues Stück ist darunter - zeigt sie ihre Kraft, die ohne Zweifel in ihrer leisen Tiefe liegt. Zu Recht ist dies die Inkarnation der Ikone, die ihr die engsten und treuesten Freunde einbrachte." (Glitterhouse)

„Am Soul haben sich die Tindersticks schon früher abgearbeitet, haben Otis und die Four Tops gecovert. Jetzt nutzen sie sein ganzes dämonisches Potenzial, am mächtigsten in "Sweet Release", einer Klage, wie sie weder Mensch noch Tier hinbekommen, nur die Hammond-Orgel. Staples, der vom eigenen Herzen erdrückt zu werden scheint, ringt um Worte: "It's too late to love me", süße Erlösung muss kommen, im Orgasmus oder im endgültigen Loslassen. Alle Stimmen, die in seinem Kopf gegeneinander brüllen, sind zu hören, die zirzenden Geigen, die beschwichtigenden Bläser. Ein Exorzismus. (...) Welcome back.“ (Rolling Stone. 4 ½ Sterne)

by Zac Johnson

Earthy husband and wife singer/songwriters Buddy & Julie Miller offer more rootsy, countrified folk music on their self-titled 2001 release, this time with a full, more rock-influenced sound. While the two have made involved appearances on each others' albums, Buddy & Julie Miller marks their first release as a true duo. The leadoff track, "Keep Your Distance," is a full and lush stomper, humming with rich Hammond organ and rattling tambourine, while the breathy trembler "You Make My Heart Beat Too Fast" is a bluesy throwback to late-'70s era Rolling Stones, with heavy electric guitar and throbbing drums. Fans of the Millers' traditional folk love songs needn't worry; the achingly bittersweet "Forever Has Come to an End" is on par with the honest American folk on their previous releases, and the dark murder ballad "Rock Salt and Nails" is as gripping and chilling as Gillian Welch's gritty recordings. The harmonies of Julie's sweet, girlish singsong and Buddy's gruff, dark voice still remain their strongest trademark, with their honest songwriting following closely behind. Buddy & Julie Miller continue to grow and experiment with their sound, and while this may ruffle the feathers of folk purists, Americana fans will certainly embrace this new direction wholeheartedly.

At its release, Soul Rush was widely compared to Van Morrison's Astral Weeks, both for the sound and for the idea of using a jazz band, in this case Esbjörn Svenssons Trio, for playing rock. And just like in the case of Astral Weeks, the result is brilliant. The orchestra manages to create an incredibly organic sound, and even if some tracks include strings, horns, and piano, they all sound simple and easy, in a strictly positive sense. This sound builds up to the ecstasy that is the chief mode of the album, sneaking into even the sad songs, becoming almost triumphant on the title track. There are more similarities to Morrison as well, like the bending of vocals on "Dr Zhivago's Train" -- not to mention the repeated use of the phrase "just like a train" in the same song -- and the soulful drive of "Something New." But in spite of these, Dunger mixes genres in such a skilful way that the album should not be restricted to comparisons with one single album or artist. The main connection to Morrison is simply that parts of this album are blue-eyed soul with a big portion of country. In fact, it does not even sound like anything Dunger himself has done before. Here he has left the winding melodies and long improvisations of earlier albums and, while still twisting every word before letting it go, he sings in a more audible way. And Dunger's voice is one of his biggest assets, from the warm humming of "Pass the Chains" to the slightly shrill shouting of "Ballad of a Relationship." (by Lars Lovén, AMG)

"Neues/drittes Album der fingerfertigen Supergroup (Tony Rice, Larry Rice, Chris Hillman, Herb Pedersen). Wie gehabt spielen sie brilliant auf, ohne das sich jemand zu sehr profiliert, das relaxte Ensemblespiel ist es, was hier die Magie erzeugt. Wie das in den letzten Jahren so üblich ist, wird über die Bluegrass-Grenzen hinaus nach Material geschaut, sodaß neben einigen Songs folgende Coverversionen ihre Bearbeitung finden: die Reise geht von der Westküste (Stephen Stills's "4 + 20") ein Stück landeinwärts nach Bakersfield (Buck Owens' "Take Me Back Again"), runter nach Tennessee ("You're Running Wild" der Louvin Brothers) und über den Teich nach Liverpool (Lennon/McCartney's "Things We Said Today"). Alles ganz entspannt, mit herzerwärmenden Gesangssätzen von alten Kämpen, die niemandem mehr etwas beweisen müssen und hier ganz für sich allein musizieren." (Glitterhouse)

"Neon Golden schwankt zwischen Hitsong und knirschendem, (l/r)eibhaftigem Postrock mit dem Klang ungeölter Türen Weilheim’scher Provenienz. Der Acher/Gretschmann Clan geht seit einiger Zeit sehr verschwenderisch mit seiner Kreativität um, in diversen Nebenprojekten ist des einen oder anderen Handschrift zu spüren. Einiges schleift sich da ein, so sehr man für das Main-Projekt noch mal einen draufsetzen mochte, ist das Ergebnis in puncto Innovation etwas enttäuschend. Es gibt da kein Entkommen vor der heranwalzenden Konkurrenz. Die Aufrüstung mit akustischem Instrumentarium vom Banjo bis hin zur authentischen 20er Jahre Dobro sind noch kein Wert an sich. Was hebt? Nun ja, ganz sicher hat man sich für die besondere Gelegenheit des Notwist-Albums Nr. 5 einige wirklich brillante Songs aufbewahrt und geschrieben. Die sollten wohl so richtig zur Geltung kommen, weswegen man mit noisigen Querschlägern sparsam umgeht." (Glitterhouse)

„Steeped in influences as diverse as Tom Waits, New Orleans jazz and The Flaming Lips, Harcourt had already written over 300 songs by the time his introductory mini-LP Maplewood was released last year. Not bad for someone barely out of his teens. Two tracks from that record are included here – the winsome Hanging With The Wrong Crowd and bluesy Apple Of My Eye – along with nine more examples of Harcourt´s irrepressible and enterprising talent. From the shimmery piano-pop lilt of She Fell Into My Arms to the errie, keening gloom of Wind Through The Trees, every song an expertly-faceted gem in which Harcourt´s story-telling lyrics reveal both a surreal sense of humour and infathomable sadness. Superb.“ (Mojo)

Aus der Amazon.de-Redaktion
Aus Manchester stammt das Trio, welches einen neuen Lichtblick in der Popwelt Großbritanniens darstellt. Filigrane und doch starke Meisterwerke -- Warm, dunkel und schmerzlich ehrlich geben sie sich auf Natural History die Klinke in die Hand. Sänger, Texter und Komponist des Trios, John Bramwell, lebte einige Jahre in verschiedenen europäischen Metropolen auf der Straße und komponierte und textete viel auf seinen Wegen. Um so lebensnaher sind die Songs, die Texte tranchieren die Existenz förmlich. Hinzu kommt eine Stimme, die einem in die Seele schneidet, und ein warmweicher Baß, der dies ohne Schmerzen zulässt. Diese Musik berührt tief im Inneren, auch wenn sie einmal laut wird, Melancholie wird perfekt in Melodien eingefangen, vor denen man auf die Knie geht. I Am Kloot haben mit ihrem Debüt wunderbares geschaffen: Songs wie die Singleauskopplungen "Twist" und "86 TV's" oder die präpsychotische Ballade "Storm Warning" haben der Welt zwar nicht gefehlt, aber sie hat sie verdient. --Felix von Vietsch

"Gemeinschaftsprojekt von Beth Amsel, Erin McKewon, Jess Klein und Rose Polenzani, die jede für sich für feines Singer-Songwriterinnentum stehen und deren jeweilige Debut-Alben (u.a. Distillation von McKeown oder Draw Them Near von Klein) schon frische Perlen in der Flut von Neuveröffentlichungen darstellten.
Diesmal trafen sich die vier in den Indre Studios in Philadelphia, wo Rykodisc-Gründer George Howard die Aufgabe zukam, ihr Zusammenspiel in Live-Athmosphäre mitzuschneiden. Man spielte abwechselnd eigene Werke, wobei die Kolleginnen stimmlich und instrumental Unterstützung boten. Dabei bleibt der instrumentale Hintergrund dezent unaufdringlich, selten mehr als ein, zwei Gitarren liefern die Basis für die Feinarbeit der unterschiedlichen und sich dabei perfekt ergänzenden vier Stimmen; zweite und dritte Stimmen heben die ehemaligen Solo-Stücke in andere Sphären. Und wenn es dann gar a capella und vierstimmig wird, schmilzt man einfach nur noch dahin. Jedem ans Herz gelegt, der noch ein solches für das Gute, Wahre & Schöne hat." (Glitterhouse)