Gestern noch Duo Duo, heute schon wieder flott im Quartett unterwegs. The Düsseldorf Düsterboys melden sich überraschend mit einer neuen EP zurück, deren erster Single-Vorbote »Sommer« mit seinem flotten Mersey-Beat ein echter Anwärter auf einen Sommer-Hit war.

»Sommer« pfeift für gute zwei Minuten auf all die Umstände of life und bringt uns dem guten alten Sommerloch-Gefühl ganz ohne FOMO ein gutes Stück näher: Von Balkonien bis zum Baggersee. Freie Plätze, freie Sicht! Lyrisch geht das alles natürlich noch viel tiefer. Wir sind hier schließlich bei The Düsseldorf Düsterboys. Und wie schon beschrieben, sind die Köpfe und singenden Gitarristen der Band - Peter Rubel und Pedro Goncalves-Crescenti - auf dieser EP wieder zurückgekehrt zur bewährten Quartett-Formation mit Fabian Neubauer an der Orgel und Edis Ludwig am Schlagzeug.

Für gleichzeitig mehr Schmiss und Andacht. Zeichnete sich auf der Winter-EP schon damals ein sanfter Übergang zum Sound der Duo Duo-LP ab, so neigt sich die Trommel-EP wieder eindeutig in Richtung »Nenn Mich Musik«-Langspielplatte. Hier schließt sich also erstmals ein Kreis. Wir sind darum schon sehr gespannt, wohin uns die Reise mit den Düsterboys, in welcher Formation auch immer, weiterführen wird. Im Oktober erscheint erstmal pünktlich zur 10" Vinyl-Veröffentlichung (streng limitiert auf insgesamt 1.000 Stück) das Titel-gebende Trommel-Stück als Single.

Damit wären auch schon alle Parameter dieser schönen Veröffentlichung auf einem Blatt niedergeschrieben. Wir wünschen allen einen schönen Rest-Sommer und trommeln nun schon einmal für den Herbst.

»Coin Coin Chapter Five: In The Garden« ist die neueste Folge des visionären Projekts der Komponistin, Improvisatorin, Saxophonistin und bildenden Künstlerin Matana Roberts, die die afroamerikanische Geschichte anhand von Vorfahren, Archiven und Orten erforscht.

Indem sie Elemente des Jazz, der Avantgarde-Komposition, des Folk und des gesprochenen Wortes miteinander verwebt, erzählt Roberts die Geschichte einer Frau aus ihrer Ahnenreihe, die an den Komplikationen einer illegalen Abtreibung starb. In einer Zeit, in der die reproduktiven Rechte angegriffen werden, bekommt ihre Geschichte eine neue Bedeutung. »Ich wollte über dieses Thema sprechen, aber auf eine Art und Weise, die ihr ein Gefühl der Befreiung vermittelt«, erklärt Roberts. Durch das Auspacken von Familiengeschichten und umfangreiche Recherchen in öffentlichen US-Archiven hat Roberts ein abgerundetes Porträt einer Frau geschaffen, die, wie es in ihren Texten heißt, »elektrisch, lebendig, temperamentvoll, feurig und frei« ist.

Jeder Teil von »Coin Coin« erkundet radikal unterschiedliche musikalische Settings, von den Free Jazz- und Post-Rock-Eruptionen des ersten Kapitels bis zur Solo-Noise-Collage des dritten Kapitels. Mit einem neuen Ensemble, das in Jazz, Improvisation, Neuer Musik und Avant-Rock verwurzelt ist und die Klangpalette des Projekts erweitert, bildet Kapitel fünf keine Ausnahme. Zu Roberts gesellen sich der Altsaxophonist Darius Jones, der Geiger Mazz Swift (Silkroad Ensemble, D'Angelo), der Bassklarinettist Stuart Bogie (TV On The Radio, Antibalas), der Altklarinettist Matt Lavelle (Eye Contact, Sumari), Pianist Cory Smythe (Ingrid Laubrock, Anthony Braxton), Sängerin/Schauspielerin Gitanjali Jain und die Schlagzeuger Ryan Sawyer (Thurston Moore, Nate Wooley) und Mike Pride (Pulverize The Sound, MDC). Der verstorbene, großartige Trompeter Jaimie Branch, der auf dem Album spielen sollte, erhält eine Anerkennung für »Mut«. Produziert wurde das Album von Kyp Malone von TV On The Radio, der auch Synthesizer beisteuert.

Als Komponist greift Roberts auf Strategien zurück, die mit der Nachkriegsavantgarde assoziiert werden, darunter die konzeptionellen Ansätze von John Cage und des Fluxus-Mitglieds Benjamin Patterson für Partitur und Performance. Ein weiterer wichtiger Einfluss ist die immersive Arbeit von Maryanne Amacher, in der »Klang und Körper fast zusammenarbeiten«. »Das ist für mich die Grundlage der Arbeit von Coin Coin«, erklären sie. »Es geht nicht nur um das Altsaxophon als Instrument im Jazzkanon, sondern um das Altsaxophon als Instrument, das eingesetzt werden kann, um den Körper zu beeinflussen.«

Der Hörer wird von Roberts' Fähigkeit beeindruckt sein, verschiedene Klänge zu einem zusammenhängenden Ganzen zu formen. Die gesprochenen Worte werden von treibendem Modal-Jazz auf »how prophetic«, minimalistischen Synthesizer-Loops auf »enthralled not by her curious blend« und galoppierenden Folk-Formen auf »(a)way is not an option« begleitet. Dazwischen finden sich Instrumentalstücke, die von avantgardistischer Abstraktion und schrillem Free Jazz bis hin zu Solo-Saxophon-Reflexionen und Mississippi-Fife-and-Drums-Blues reichen. Eine weitere Anspielung auf die amerikanische Roots-Musik ist das kraftvolle Gruppenarrangement von »but I never heard a sound so long«, das Roberts aus dem Wiegenlied »All The Pretty Horses« für die Plantage übernommen hat.

Während in diesem neuen Kapitel von Coin Coin eine weibliche Protagonistin im Mittelpunkt steht, ist dies in anderen Kapiteln nicht der Fall (Kapitel drei ist aus der Perspektive eines männlichen Vorfahren geschrieben), und Roberts beabsichtigt, in künftigen Kapiteln weiterhin die ganze Bandbreite des Geschlechterspektrums sowie ihr indianisches Erbe abzudecken. »Ich bin stolz darauf, dass die Leute sagen, dass das Coin Coin-Werk von einer Frauengeschichte spricht. Aber ich möchte sicherstellen, dass es seine Inklusivität beibehält, denn wir sehen nicht immer so aus, wie wir aussehen.« Dies spiegelt Roberts' eigene Erfahrungen als queere Person of Colour wider. In den verbleibenden Kapiteln von Coin Coin wird sich Roberts weiter mit Identität und Abstammung auseinandersetzen. »Erwarten Sie, dass es weiter in Richtung einer Befreiung des menschlichen Geistes geht.«

2022 kann man nicht mehr so genau sagen, wann, aber 2010 müsste es gewesen sein, als sich Moritz Krämer und Francesco Wilking zum ersten Mal in Berlin Prenzlauer Berg über den Weg gelaufen sind, nachdem sie einen (weiten) Steinwurf voneinander aufgewachsen waren und ein paar Jahre in Freiburg nebeneinander hergelebt hatten.

Wahrscheinlich machte es sowas wie ZOOM, KLICK oder KLONK, denn es genügte ein sanfter Schubs von ihren Konzertagenturen und die beiden standen gemeinsam auf der Bühne, begleiteten sich gegenseitig und sangen zweistimmig. Das war 2011 im Societaetstheater Dresden und Francesco und Moritz fassten auf der Rückfahrt von dort schon viele zukünftige Auftritte und eine dystopische Rockoper ins Auge. Die Konzerte wollten sie mit Freunden spielen, das erste mit Gisbert zu Knyphausen in Halle, das zweite mit Judith Holofernes in Berlin. Danach ließen sie die Gastsänger weg, spielten aber weitere Shows mit den anderen Livemusikern der ersten Shows: Max Schröder am Schlagzeug, der damals noch mit einem Bein bei Tomte war und Felix Weigt am Bass, der für Spaceman Spiff alle Instrumente spielte und bei den tollen Kid Kopphausen mitmachte.

Wir wissen nicht mehr, wann die Frage fiel: »Sind wir jetzt eine Band?«, aber es muss irgendwann im Prozess der Aufnahmen zur EP »Unzufrieden« gewesen sein. Dort hört man zwar noch den Feature-Ansatz - Gisbert und Judith singen auf »Vergangenheit« - aber vor allem hört man zum ersten Mal den Sound der Höchsten Eisenbahn: Ein-Finger-Casio, Chorus Gitarren, Pluckerbass, Rasseln und Handtuch auf der Snare. Dazu Geschichten von Losern namens Jan und anderen Leuten die zwischen jung und alt und Nacht und Tag ihre Anschlusszüge verpassten. Es ist 10 Jahre her, aber ein paar Sachen vergisst man nicht. Wie, dass sie eine ganze Nacht Chöre aufgenommen haben für »Die Uhren am Hauptbahnhof«, nur um sie morgens aus Versehen zu löschen. Oder dass Felix einige signature Keyboard-Lines im Liegen eingespielt hat. Das Schreiben der Songs und Aufnehmen ging ziemlich schnell, wie das Coverfoto mit dem Handy im Hof vom Proberaum. Die vier wussten, dass sie auf jeden Fall mehr Platten machen und Konzerte spielen wollten. Es folgten drei bunte Alben mit großen kleinen Songs und award winning live-Shows, aber so leicht ging ihnen nie wieder etwas von der Hand wie diese erste EP.

2022 erschienenes und 12 Songs starkes Studioalbum der UK Indie-Band um Guy Chadwick, deren Vorgängeralbum »She Paints Words In Red« 2013 erschien.

After a couple of reunion albums that presented a laid-back take on the noisy dream pop made by their original incarnation, the House of Love's leader, Guy Chadwick, cut all ties to the past, bar the band's name, for 2022's State of Grace. That means guitarist Terry Bickers is once again out of the fold, replaced by Keith Osborne of Idlewild. It also means that the band have shifted gears away from the melancholy jangle of previous comeback albums towards a more energetic, blues-rock-inspired, country-rock adjacent sound. Hearing banjos and harmonica on a House of Love album is something of a shock, and so is the idea of the very British Chadwick delving into the byways of Americana and wrapping his arching, sneering vocals around tunes that rollick and weep like the offspring of Lee Hazlewood and the Band. The opening "Sweet Loser" shuffles morosely, pushed along by biting guitars that growl and slide alongside a wailing harmonica and Chadwick's mean-tempered vocals. It doesn't sound like anything the band have attempted before, and it almost works. The same goes for the rest of the songs that dip a pale toe into blues-rock tropes. The strutting grind of "Melody Rose" is overdone; by the time the overdriven guitar solo wanders in, one is ready to move to the next track. Unfortunately, that one -- "Clouds" -- features cliched, burly guitar riffing matched with an underfed rhythm section. Much better are the songs that lean into C&W troubadour territory. "Light of the Morning" is the kind of maximalist attempt at the genre Primal Scream keeps trying that comes complete with gospel backing vocals, banjo, harmonica, and, luckily, some big, fat hooks. It's showy, a little silly, and, not coincidentally, a whole bunch of fun. So is the light-hearted rambler "Queen of Song." The more subdued forays into C&W storytelling are also successful, with Chadwick bringing some lightly weathered experience to the vocals, and the band displaying a lighter touch than they do on the plodding blues-rock tracks. "Just One More Song" even trips lightly into mid-'70s lachrymose barroom balladry with surprisingly decent results. The uneven returns of those explorations into new genres could have been avoided if they had just stuck to their guns and cranked out some more familiar sounds. The songs that work the best here are definitely those that stick closest to classic HOL territory. "Into the Laughter" pairs a nice melody with some circular, Bickers-like guitar swoon, and the title track has a propulsive beat, crashing guitars, and a chorus that has the catchiness their best work has always delivered. A couple more like this, and cut out all the blues-rock, and State of Grace might have been a solid entry in their CV instead of the misfire it is.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Nachdem COVID-19 im Jahr 2020 zum ersten Mal die Welt erobert hatte, fühlte sich MONO veranlasst, ein besonderes kleines Geschenk für die Weihnachtszeit zu machen. Die begleitende Botschaft war einfach: »Wir wünschen allen ein gesundes, glückliches und fröhliches neues Jahr.«

Ursprünglich zu Hause in Isolation produziert, bestand diese nur digitale Veröffentlichung aus zwei neuen MONO-Songs: »Scarlet Holliday« und »First Winter« Jetzt, zur Feier der Weihnachtszeit 2021, hat MONO Scarlet Holliday überarbeitet und zu einer ganz besonderen 3-Song-EP erweitert (jetzt mit dem brandneuen Song »Epilogue«). Aufgenommen zu Hause und bei Electrical Audio durch den langjährigen Mitarbeiter Steve Albini, neu abgemischt von John McEntire und gemastert von Bob Weston, wird Scarlet Holliday nun endlich auf limitiertem 10»-Vinyl und in allen digitalen Formaten veröffentlicht. In ihrer unerschütterlichen Entschlossenheit, Licht in die Dunkelheit zu bringen, erklärt MONO: ›Diese Songs wurden mit der Idee neuer Hoffnung für das neue Jahr geschrieben, da diese Zeit für viele in der Welt unvorhersehbar dunkel geworden ist.

Wenn die charismatische Italo-Berliner Ausnahme-Singer/Songwriterin sich mit Indie-Legende The Underground Youth zusammentut und vier Roy Orbison Klassiker neu interpretiert, sind die Erwartungen hoch. Und werden nicht enttäuscht: Komplett entschmalzt und auf ihre Essenz reduziert, erzeugen alle vier Songs anhaltende Gänsehautmomente in ihrer atmosphärischen Dichte und überirdlichen Schönheit.

Oliver Earnest ist ein zweisprachig aufgewachsener Musiker und Songschreiber aus München, der seine tiefgründigen und sensiblen Texte in umfassend schöne Musik kleidet. Er erforscht die Konflikte und Abgründe der Seele, ohne über seine Protagonisten zu urteilen, oder sie bloß zu stellen.

Aus einem Oeuvre von über 60 eigenen Songs wählten er und Produzent Florian Stepper (u.a. Lea Porcelain) zehn Tracks aus, die sie unter Mithilfe vieler befreundeter Musiker*innen (u.a. Victoria Hillestadt, Kevin Kuhn/Die Nerven und Philipp Koch/Heisskalt) zu einem beeindruckenden Songzyklus haben werden lassen.

Selten zuvor hat ein Debutalbum eine solche Tiefe und Ernsthaftigkeit der behandelten Themen mit einer so überbordend schönen Musik verbunden

Es ist erstaunlich, welche Referenzen einem so durch den Kopf gehen, wenn man das Debütalbum von Oliver Earnest zum ersten Mal hört. Omaha ist da sehr präsent, vor allem Bright Eyes und Cursive. Man denkt an die Mountain Goats und damit an John Darnielle und damit an einen der besten Songtexter aller Zeiten. Man grüßt im Geiste Isaac Brock von Modest Mouse. Wenn es mal ruhiger wird, sphärisch, fühlt man nicht weit von den Balladen der Fleet Foxes entfernt oder am Tisch bei Kerzenschein mit Iron & Wine. Wenn Oliver mal das Pathos in die Stimme lässt, ist man bei The Divine Comedy, und wenn man in die Texte eintaucht, gibt es einige wundervolle Alltagsszenen, die auch in einem Film von Jim Jarmusch passieren könnten. Tja, spätestens hier fällt dann auf: Gar keine deutschen Bands oder Künstler in dieser Liste? Und alles Großkaliber? Und fragt sich: Wie kann denn das eigentlich sein? Bei einem jungen Typen aus Stuttgart, der den Eingeweihten zuvor vielleicht mal als Mitglied der Post-Punk-Band Kaufmann Frust aufgefallen war?

Mit den anfangs genannten Referenzen liegt man dann gar nicht so falsch vor allem mit Bright Eyes: „Tatsächlich steht sein Album ‚I'm Wide Awake, It's Morning' ganz am Anfang meines Weges, Songwriter werden zu wollen“, gibt Oliver zu. „Vor allem diese eine Strophe aus ‚Road To Joy' habe ich immer wieder gehört. Wo Conor singt: ‚Well I could have been a famous singer / If I had someone else's voice / But failure's always sounded better / Let's fuck it up boys, make some noise!'“ Diese Mischung aus Trotz und Understatement habe ihn dazu gebracht, selbst mit dem Musikmachen und Singen anzufangen, „obwohl meine Stimme damals kaum der Rede wert war.“ Mittlerweile ist diese allerdings aller Rede wert vor allem in Verbindung mit immer wieder überraschenden Texten, die zwischen Melancholie, trockenem Witz und sehr genauen Beobachtungen changieren. Das hier ein Deutscher so versiert mit der englischen Sprache umgehen kann, überrascht nur, wenn man Olivers Biografie nicht kennt. „Als ich drei war, zog mein Vater für seinen Job mit der gesamten Familie nach Colorado. Wir lebten drei Jahre in den Staaten und ich ging dort in den Kindergarten. Damals hat sich unsere Familie sehr intensiv auf die amerikanische Kultur und die englische Sprache eingelassen. Wir haben zuhause meist Englisch gesprochen, Bücher und Filme im englischen Original gesehen. Deshalb habe ich diese Sprache so verinnerlicht, dass bestimmte Gedankenprozesse bei mir immer noch nur auf Englisch funktionieren.“

Um die Musik auf „The Water Goes The Other Way“ zu beschreiben, könnte man gut auf eine Songzeile von Oliver zurückgreifen. Die meint zwar im Lied was anderes, könnte aber auch als Empfehlungssticker auf dem Cover kleben: „Filling your ears with sound / More than the usual amount.“

(Glitterhouse)

Mit "Lass irre Hunde heulen", widmen der deutsche Singer / Songwriter Gisbert zu Knyphausen und der Pianist Kai Schumacher einem der größten Komponisten des 19. Jahrhunderts, Franz Schubert, ein ganzes Album. Mit einem Katalog von über 600 Werken gilt Schubert als Meister des romantischen Kunstliedes; 10 ausgewählte Tracks bilden den selektierten Querschnitt durch all seine Schaffensphasen, modern arrangiert und außergewöhnlich interpretiert. Eine Bandbesetzung aus Drums, Bass und Gitarren bildet das klangliche Fundament, das durch Streicher und Bläser ausstaffiert und von Gisberts eingängigem Gesang abgerundet wird. Die zwei musikalischen und biografischen Universen der beiden „Liedermacher“ verschmelzen dabei rückstandslos, gleichzeitig verpasst Gisbert zu Knyphausen den bekannten Liedern Schuberts seinen ganz eigenen Charme.

"Der Leiermann" ist die dritte Singleauskopplung dieses Albums und erscheint als streng limitierte 10‘‘ Vinyl-Single. Die B-Seite dieser Single beinhaltet den exklusiven Non-Album-Track "Schubert: Piano Sonata in A major, D. 959: II. Andantino". Der Auftakt zu einem der außergewöhnlichsten Alben dieses Jahres.

'Born Free' wurde im Januar 2020 aufgenommen und enthält alternative Akustik-Studio-Versionen von vier Songs aus Soul Asylums erfolgreichen Album' Hurry Up and Wait' aus dem Jahr 2020, die dem Hörer einen Einblick in die Entwicklung dieser Songs geben.

50-Jahre-Geburtstags-Reissue

Zum 50. Geburtstag der ersten Non-Album-Single von King Crimson dürfen sich Fans der Rocklegenden 2020 über zwei besondere Releases freuen: die CD und die 10"-Single »Cat Food« (50th Anniversary Edition).

Die Platte enthält neben den Originalsongs »Cat Food« (Single Version) und »Groon« (B-Seite) eine zusätzliche Live-Version von »Cat Food«, aufgenommen von der aktuellen Bandbesetzung in Toronto im September 2019. Zudem wartet eine neue Albumversion von »Cat Food«, die von Producer David Singleton für die KC50-Digital-Serie der Band gemixt wurde.

Das Ganze erscheint als CD und als 10"-Vinyl. Die Platte kommt in einer nachgemachten Single-Hülle mit dem Originalcoverartwork der ursprünglichen 7"-Single.

The Planet England EP was under construction for 13 years and marks the first release from Hitchcock since his 2017 self-titled album. It’s the first new album from Partridge since 2012.

“Rather than these two big planets and their similar odd gravities repulsing each other, as might be anticipated. I can cheerfully tell you that it’s been one rather beautiful crashing creative event…that I want to repeat,” Partridge says of the forthcoming EP. “Feels like being in a group again.”

(Andy Partridge)

“Andy and I are the same age and suffer from the same record collection, especially the B’s: Barrett, Beatles, Beefheart,” Hitchcock adds. “Andy is the only person that I can easily write songs with. They simply appear, as if we were at a seance. He’s perhaps more logical than me, but it’s not really a contest, is it? A lot of song-writing is solving a puzzle that you’ve set for yourself; I really enjoy going round to his place in Swindon and puzzling with him. I live just up the road, in Nashville…”

(Robyn Hitchcock)

Weiter so

Gut anderthalb Jahre nach ihrem letzten Album »Ich vs. Wir« melden sich Kettcar 2019 mit neuem Material zurück aus dem Studio.

»Der süße Duft der Widersprüchlichkeit (Wir vs. Ich)« heißt die EP, die, der Name verrät es bereits, an ihre letzte Platte anknüpft. Sie erscheint als 10“-Single auf mintgrünem Vinyl.

Insgesamt fünf neue Songs haben die Hamburger Indierock-Pioniere um Sänger Marcus Wiebusch dafür aufgenommen, darunter die erste Single »Palo Alto«.

Neben Kettcar wartet auf »Der süße Duft der Widersprüchlichkeit (Wir vs. Ich)« zudem eine ganze Mannschaft hochkarätiger Kollegen. Im Song »Scheine in den Graben« sind Bela B (Die Ärzte), Schorsch Kamerun (Die Goldenen Zitronen), Felix Brummer (Kraftklub), Gisbert zu Knyphausen, Jörkk Mechenbier (Love A), David Frings (Adam Angst/Fjørt), Rapperin Sookee, Marie Curry (Neonschwarz), Jen Bender (Großstadtgeflüster) und Safi mit von der Partie.

Genauso kann es weitergehen: »Der süße Duft der Widersprüchlichkeit (Wir vs. Ich)« heißt die großartige Komplementär-EP von Kettcar.

Mehr als nur Outtakes

Erst im März veröffentlichten The Decemberists ihr aktuelles, mittlerweile achtes Studioalbum »I’ll Be Your Girl«, das an einigen Stellen eine Weiterentwicklung ihres typischen Folksounds in Richtung elektronischem Poprock zeigte.

2019 dürfen sich Fans der Band um Colin Meloy nun über weiteres Material freuen: Die »Travelling On EP« ist eine Sammlung von Songs, die sich aus den Outtakes der »I’ll Be Your Girl«-Sessions mit dem Produzenten John Congleton zusammensetzt.

Es handelt sich dabei um insgesamt fünf Stücke, in denen die Band jedoch eher ihrem gewohnten Stil treu bleibt.

Wie genau das klingt, verrieten The Decemberists mit der Singleauskopplung »Travelling On«.

Und die zeigt: Die »Travelling On EP« versammelt mehr als nur Outtakes. Sie ist ein weiteres kleines Highlight im Katalog von The Decemberists.

Jazz meets Electronics – das ist kein ganz neues Konzept, aber bislang ist es wohl noch nie so perfekt zum Leben erweckt worden wie auf »Tomorrow Comes The Harvest«, der ersten Zusammenarbeit von Afro-Funk- & Jazz-Legende Tony Allen und dem Detroiter Techno-Gott Jeff Mills.

»Perhaps the greatest drummer who has ever lived«, sagte Brian Eno mal über Tony Allen, der letztes Jahr mit einem Art-Blakey-Tribute brillierte. Da der Schlagzeuger aber nichts mehr hasst als sich zu wiederholen, überrascht er jetzt mit einer Kooperation mit Jeff Mills. Auf den spacigen, langen Tracks trifft Elektronik auf analoge »Muskelkraft« – mit explosivem Resultat!

A companion piece to First Aid Kit's January 2018 LP Ruins, the appropriately titled Tender Offerings presents four songs from the same recording sessions that were left off the album, mainly for thematic reasons. The Söderberg sisters still liked how the tracks turned out and wanted to share them, so they compiled this generally soft-spoken EP to follow eight months later. Not only are the songs worthy of their own release but, in most cases, quite moving, or even devastating, as in the case of "Ugly." A spare piano ditty that eventually adds a full band and vocal harmonies in the chorus, its early lyrics include "I thought if you found me pretty, then I'd be fine/I thought if you loved me, I'd be a person." It goes on to consider other attributes, like smarts and maturity, but they all get tangled up in misunderstanding and inadequacy (and eventually resilience). Like much of First Aid Kit's material, particularly the break-up album Ruins, its emotional anguish is offset by a catchy, lilting melody and vivid harmonies; it's sad and pretty. The unrequited-love ballad "I've Wanted You" also spotlights lyrics and Klara's poignant vocal delivery with an arrangement limited to arpeggiated acoustic guitar and light piano and organ. The title track goes on to encapsulate the spirit of the EP with the opening line "Perhaps I am bound to be restless/Always yearning, never satisfied." Still, the closer, "All That We Get" feels more uplifting, musically and lyrically, and without condescension; its decision to be grateful for what one does have is bittersweet. With four affecting, memorable songs, this is a release that fans and the folk-embracing discontented shouldn't overlook.

(by Marcy Donelson, All Music Guide)

Die UK-Alternative Veteranen James veröffentlichen mit der 4-Track EP »Better Than That« auf 10-Inch Vinyl die erste Musik aus den Studio-Sessions mit Produzent Charlie Andrew (alt-J, Wolf Alice). Mit ihrem Album »Girl At The End Of The World« von 2016 festigte die Band ihren Legendenstatus und enterte die britschen Album-Charts auf #2.

Wer sich für Folk und Americana interessiert, wird sicher registriert haben, dass Iain Matthews seine Kultband Matthews Southern Comfort mit verjüngter Besetzung reformiert und voller Spielfreude ein neues Album aufgenommen hat, das zum Frühjahrsbeginn 2018 veröffentlichte Werk »Like A Radio«. Zwei Songs daraus finden sich auf der EP »Bits And Pieces«, die als weißes Vinyl auf den Markt kommt: Neben dem Titelstück das Lied »The Thought Police«, beides Originalkompositionen. Die Rückseite enthält einen alternativen Mix des Welthits »Woodstock« aus dem Jahr 1970 sowie eine bislang unveröffentlichte Coverversion von Neil Youngs »I Believe In You«. Schnell zugreifen: Das Sahneteil ist auf 500 Exemplare limitiert.

Auf der neuen Veröffentlichung der Grotto Editions X We Jazz Serie, kommt Saxophonist Pauli Lyytinen mit einer EP aus vier Stücken an. Mit dabei sind auch der Trompeter Verneri Pohjola, Bassist Eero Tikkanen und der Schlagzeuger Mika Kallio. Den Leiter des Quartetts aus Helsinki kennt man von anderen Projekten wie Mikko Innanen 10+ (in welchem das gesamte Quartett vertreten ist), Raoul Björkenheim eCsTaCy und Elifantree.

Als Künstler des Jahres beim 2017 Pori Jazz Festival, Finnlands erster Adresse für Jazz Events, zeigt Lyytinen sein Können: Schreiben melodischer Musik mit einem sich ewig entwickelnden Schwung. Jedes der Gruppenmitglieder befindet sich derzeit in einer aktiven Periode ihrer jeweiligen Karriere: Pohjola erhält wohlverdientes Lob für sein letztes Album »Pekka«, Tikkanen arbeitet an einem neuen Album mit dem Mopo Trtio und Kallio spielt hochgelobte Shows bei denen er mit Percussions und einem Tänzer experimentiert.

Auf der neuen Publikation bringt das Quartett seine kreativen Ressourcen zusammen und bietet vier Originalkompositionen von Lyytinen dar. Sie verlassen sich auf ihre individuellen solistischen Stärken und legen durch das starke Zusammenspiel »weite Strecken« zurück. Ihr Sound dürfte Fans des Art Ensemble Chicago, Andrew Cyrille, Byard Lancaster und der Indie Label Free Jazz Bewegung der späten 60er und 70er Jahre ansprechen, um nur einige Richtungen zu nennen. Kurz gesagt, das Quartett strahlt darin persönliche Musik zu erschaffen, die einen starken Halt im Hier und Jetzt hat.

Die Musik auf diesem Album wurde für ein Projekt geschrieben, zu dem Motorpsycho als Teil einer Theater-Aufführung vom Trøndelag Theater im Herbst 2015 eingeladen wurden. Es handelt sich um das Stück »Begynnelser«. Das Spiel wurde von der unabhängigen Theatergruppe De Utvalgte geleitet, entworfen und dramatisiert, basierend auf einem neuen Text des norwegischen Autors Carl Frode Tiller.

Motorpsycho spielte bei jeder Aufführung mit einem erweiterten Line-Up. Es war ein langer Prozess und die Musik auf »Begynnelser« ist nicht in der Reihenfolge, in der sie im Stück verwendet wurde. Das Doppelalbum ist also mehr als ein Dokument dessen zu verstehen, das schließlich live umgesetzt, später als Soundtrack diente.

Die vergriffene und von Fans heiß gesuchte EP von 2017 - jetzt wieder aufgelegt!

Im April 2020 starb in Paris mit 80 Jahren der legendäre afrikanische Drummer Tony Allen, Mitbegründer des »Afro-Beat« und Jazzschlagzeuger par excellence.

2017 feierte Allen ein Aufsehen erregendes Comeback auf Blue Note Records mit der EP »A Tribute To Art Blakey And The Jazz Messengers«. Auf vier langen und gnadenlos groovenden Tracks verbeugte er sich vor seinem Vorbild Art Blakey.

Die limitierte EP war blitzschnell ausverkauft und wird jetzt auf vielfachen Wunsch neu aufgelegt.

Als bekannt wurde, dass Afrojazz-Legende Tony Allen einen Vertrag bei Blue Note Records unterschrieben hat, spitzten alle Jazzfans die Ohren. Bevor das heiß erwartete Album im Herbst erscheint, gibt Allen mit einer 10-inch-EP schon einmal ein aufregendes Lebenszeichen ab, das auch gleich klarmacht, wohin die Reise gehen wird: »A Tribute to Art Blakey and The Jazz Messengers«.

Ein Tribut von Drummer zu Drummer also. Schon als er in Lagos, Nigeria, aufwuchs, studierte Tony Allen die berühmten Blue-Note-Aufnahmen von Art Blakey. Jetzt, nachdem er sich selbst einen Namen in der Jazzwelt gemacht hat, verneigt er sich musikalisch vor seinem Vorbild mit vier heftig swingenden Blakey-Titeln: »Moanin'«, »The Drum Thunder Suite«, »Night In Tunisia« und »Politely«, aufgenommen mit achtköpfiger Band in den berühmten Pariser Midilive Studios. Auf das komplette Album darf man gespannt sein.

Die Münchner Formation Das Band kennt sich gut mit Vergleichen aus, denn schon ihr Debüt »Also Gut« wurde 2015 wahlweise mit The Fall, Wanda, Tocotronic, Velvet Underground und noch rund 23 anderen Bands verglichen.

Das dürfte auch beim zweiten Album »Eine andere Option« nicht anders werden. Man kann bei diesem Spiel mitmachen und sagen: Das Band hören sich an wie Blumfeld minus Kirchentag mal Borderline-Syndrom. Nichts davon ist falsch, zeigt aber nur, dass hier eine Gruppe einer Formel auf der Spur ist, die sich schwer einordnen lässt. Dabei ist es ganz einfach: Philipp Benke (Gesang, Gitarre), Mic Haarnagell (Bass, Gesang) und Thomas Bärnthaler (Schlagzeug) bilden eine deutsche Rockband, die sich durchaus einer Tradition verpflichtet fühlt.

Die gereizte, kantige Grundstimmung ist am Postpunk der 1970er- und 80er-Jahre geschult – die Ironie und das Spiel mit der Uneigentlichkeit ebenfalls. Hinter Benkes stoischem Lausbubencharme versteckt sich etwas zutiefst Münchnerisches – nämlich die Gewissheit, dass gegen die Zumutungen des Alltags nur die tägliche kleine Rebellion hilft. Dabei geht der Sound direkt in Hirn, Herz und Beine. Mal frei flottierend, mal federnd groovend, mal stoisch-widerborstig.

Ein Album, das verbindet

Thundercat ist zurück. Mit seinem neuen Album »Drunk« präsentiert der Bassist und Musikproduzent aus Los Angeles 2017 den Nachfolger zu seinem Minialbum »The Beyond / Where The Giants Roam« aus dem Jahr 2015. »Drunk« ist bereits der dritte Longplayer des Künstlers.

Und dafür arbeite Thundercat einmal mehr mit dem »who is who« der amerikanischen Musikszene zusammen. Schon in der ersten offiziellen Singleauskopplung »Show You The Way« sind keine Geringeren als Sänger, Gitarrist und Songwriter Kenny Loggins und Michael McDonald von den Dooblie Brothers als Gastvokalisten zu hören.

Ebenfalls mit von der Partie auf »Drunk« sind die Rapper Kendrick Lamar, Pharrell und Wiz Khalifa, der Tenorsaxofonist Kamasi Washington und der DJ und Produzent Flying Lotus.

Gemeinsam mit ihnen und alleine wagt Thundercat auf »Drunk« eine insgesamt 23 Songs dauernde Reise durch Jazz, Funk und Soul, Hip-Hop und Elektronica. Wie das klingen kann, verriet der Musiker vorab bereits mit den Songs »Bus In These Streets« und »Them Changes«.

»Drunk« ist sowohl als CD als auch auf Vinyl erhältlich. Für alle Schallplattenliebhaber hat sich Thundercat aber etwas ganz Besonderes ausgedacht. Statt auf einer herkömmlichen LP gibt es »Drunk« nämlich als Limited-Edition-Box-Set mit insgesamt vier 10″-Singles, und zwar auf rotem Vinyl.

Er verbindet verschiedene Stile wie kein anderer. Mit seinem neuen Album »Drunk« stellt sich Thundercat 2017 einmal mehr als unglaublich vielseitiger Fusion-Künstler heraus.

Ganz große Klasse: Die Steely Dan des Electronica-Zeitalters.

(Rolling Stone, 8.03.2017)

Mit ihrem vielseitigen, sowohl durch aktuelle, wie auch ältere Songs beeinflussten Sound sind die Londoner quasi überall gern gesehene Gäste. Mit einem großen Sympathiefaktor und musikalischer Versiertheit ausgestattet, veröffentlichte die Band knapp 20 Alben seit 2004. Ihre große Affinität für Blues und amerikanischen Rock'N'Roll der 50er und 60er Jahre ist zu so etwas wie ihrem Markenzeichen geworden, denn genau diese Einflüsse spiegeln sich auch in ihrem Songwriting wider.

Seit jeher nennt die Band dabei Wilco Johnson (Dr. Feelgood) als wichtigen Einfluss. »Canvey Island Baby« ist nun ihr Tribut an diesen großartigen Künstler. Der Name leitet sich natürlich vom Geburtsort Johnsons ab und enthält fünf großartige Coverversionen plus einen neuen, exklusiven Wave Pictures Song. Uneingeschränkt empfehlenswert!

A stunning bit of spiritual jazz from the Finnish scene � a record that's produced by Teddy Rok, who's also part of the trio as well! Rok (aka Teppo Makyen) plays drums � and his sound here is a huge evolution from the music that first grabbed us by the Teddy Rok Seven about 15 years ago � much more complex, and perfect for the work of bassist Antti Lotjonen and tenorist Logan Richardson � whose lines spiral out wonderfully over the work of the group! Antti was the bassist in the wonderful Five Corners Quintet � and the sound here is as if the soulful 60s sound of that group moved into more open, 70s spiritual territory. Titles include "Dunstan", "Super Slavic", and "After A While".

(� 1996-2017, Dusty Groove, Inc.)

Der finnische Saxofonist Mikko Innanen stellt sein massives Ensemble Mikko Innanen 10+ auf dieser Grotto X We Jazz Ver�ffentlichung vor. Dort werden vier St�cke vorgestellt, die von Innanen komponiert wurden und live auf dem Moers Festival in Deutschland im Mai 2015 aufgenommen wurden.

Die neue EP zeigt wie 10+ sowohl die rohe Kraft als auch eine bemerkenswerte Finesse an den Tag legt. Innanens Art und Weise das gro�e Ensemble und seine begabten Solisten zu nutzen zeigen Innanen's gro�e Visionen und sein K�nnen als Komponist und Arrangeur. Die Besetzung besteht nur aus Musikern der ersten Riege Finnlands, vom Trompeter Verneri Pohjola bis hin zum Pianisten Seppo Kantonen und Schlagzeuger Mika Kallio, um nur ein paar wenige zu nennen. Das minimalistische und kraftvolle Cover der Grotto X We Jazz Serie wurde von der in Stockholm sitzenden Grafikk�nstlerin Johanna Lundberg kreiert.

A record with a very plain cover, but a wonderfully colorful sound � as the set features a flurry of fantastic tones from a very hip large ensemble! The group's led by Mikko Innanen � who blows both alto and baritone � and features Jukka Eskola on trumpet, alongside a host of other contemporary Finnish jazz musicians � working together here in a mode that's very freewheeling � kind of an avant take ont he sound of the big band, as we might have heard from the hippest corners of the German or Scandia scenes at the start of the 70s! The reeds really get a lot of action � with standout solos from most members � atop rhythms that draw a lot from double basses and drums. The performance was recorded live at the Moers Festival � and titles include "Looking For Love", "They Are Watching Us", "KF 501", and "Song For A New Decade".

(� 1996-2017, Dusty Groove, Inc.)

Nach seinem im August 2016 erschienenen siebten Studioalbum »Partners« schließt Peter Broderick das Jahr 2016 mit der außergewöhnlichen EP »Grunewald« ab, die wie gewohnt via Erased Tapes veröffentlicht wird.

Für alle die Hall mögen, ist »Grunewald« ein wahrgewordener Traum. Die fünf Tracks entstanden in nur einer Nacht in den majestätischen Räumen der etwas abgelegenen Berliner Grunewald-Kirche. Sie erkunden die faszinierende Partnerschaft zwischen der Raumakustik und Brodericks Solo-Darbietungen auf dem Klavier und der Violine. Während des Mischens der Aufnahmen wurde kein künstlicher Hall oder Delay benutzt, nur der natürliche Klang des epischen Kirchenraumes kommt zur Geltung.

Die Größe des Kirchenraumes und dessen natürliche Interaktion mit den genutzten Instrumenten wiederspiegelnd, ist die »Grunewald«-EP zugleich auch eine Hommage an einen ungewöhnlichen Ort, der Zufluchtsstätte für eine ganze Generation zeitgenössischer Komponisten geworden ist. Tatsächlich war die Kirche zwischen 2008 und 2011 ein Hotspot für eine bestimmte Künstlergruppe um Nils Frahm.

Composer Peter Broderick has spent the past ten years crafting consistently strong post-classical music, but on last August’s piano-only Partners he seemed to uncover a new gravitas and substance in his limpid, clear language. The inherent challenge with producing minimalistic music is figuring out how to infuse humanity and new ideas into work with only a handful of notes, and to avoid a reliance on vacant “prettiness.” On Partners, Broderick’s music remained stirring and evocative, but there was something new in it: a deeper injection of his personality, and a larger sense of how that plays into his relationship with his own compositions. Now, just a few months later, he returns with follow-up EP Grunewald, but rather than continue to expand on Partners’ developments, it sees him returning to the less vital, more ephemeral work of his past.

To be clear, Grunewald is less of a regression for Broderick than an amiable walk down memory lane. This graceful-but-slight release collects five tracks previously issued across two discs (one Japanese, one Taiwanese) that were taken from a single day’s live recording in Berlin. Grunewald takes its name from a beloved local church which functioned as a hub for other Berlin-based experimentalists from the Erased Tapes label constellation like Nils Frahm, seeming to provide inspiration for all those who passed its door, including Broderick here. As a result, Grunewald is Broderick’s way of marking the importance of both the place and time in the lives of him and the other musicians who’ve been impacted by it.

Like Partners, Grunewald is an entirely solo effort, featuring Broderick unaccompanied on piano, violin, and—on the opener “Goodnight”—a bit of vocals. Broderick’s use of his voice on Partners provided one of that album’s highlights, an arresting cover of Irish folk singer Brigid Mae Power’s “Sometimes.” On “Goodnight,” one of four piano-only numbers, he doesn’t quite sing as much as moan and coo on top of slow, plaintively struck chords. Broderick’s instincts for when to use vocals to enrich his minimalist performances are strong—sometimes he will even drop in a snippet of conversational speech, such as on Partners’ “Sometimes.” But the instrumentation of “Goodnight” is so bare and simple as to make it a trivial confection, more ambience than song. “Violin Solo, No. 1,” positioned as the middle of five tracks, provides another nice textural break amidst the four piano tracks, but is no more than advertised—a nice and brief minor key solo on violin.

The dark-night journey “Low Light” and the reflective “Eyes Closed and Traveling” offer entrancing melodies and more depth than “Goodnight,” but Grunewald’s clear highlight is “It’s a Storm When I Sleep.” Buoyed by Broderick’s thundering take on Alberti-style bass, he produces a cacophonous-yet-soothing drone that carries on for nearly eight minutes. A shorter version would have been interesting on its own, but stretched out here, it becomes formidable, challenging, and meditative. Though marooned amidst the lighter pieces here, it is suggestive of some of the new directions Broderick would take in making the leap from “pretty” to “profound.”

(www.pitchfork.com)

Das Jukka Eskola Soul Trio kommt für den zweiten Teil seiner Debutexkursion bei Grotto Editions X We Jazz zurück. Auf ihrer zweiten EP, die dort weitermacht, wo die Erste endete, präsentiert sich das Trio ohne Gäste und kommt zurück zum Kern des Soul-Jazz mit viel Herz.

Die drei Originalstücke des Trompeters Jukka Eskola und des Schlagzeuger/ Produzenten Teppo Mäkynen werden durch eine geschmackvolle Lesung von »More (Theme from Mondo Cane)« von Ortolani & Oliviero vervollständigt. Wieder wurde das Cover von der schwedischen Grafikerin Johanna Lundberg erschaffen.

A hell of a great little trio – one that features the fantastic Jukka Eskola in the lead on trumpet – who you'll know from a range of other funky jazz and hardbop albums over the past decade or so! But Jukka's not the core element here, as the trio's a very equally balanced one – and features the great Teppo "Teddy Rok" Makynen on drums, and Mikko Heleva on organ – in a wicked blend of trumpet and keyboard that's unlike anything you might have heard recorded back in the day! Both Eskola and Rok have really grown a lot over the years – strongly finding their own voices, after years of digging with respect for older American musicians – and here, the lean format really lets us hear that growth – while still digging a sound that's overflowing with soul. Titles include "Soft Drop", "Martha's New Moment", "For Anne Lee", and a version of "More".

(© 1996-2017, Dusty Groove, Inc.)

Mitte der achtziger Jahre im nordrhein-westfälischen Recklinghausen ins Leben gerufen, avancierten The Multicoloured Shades mit ihrem Orgel-dominierten Mix aus Psychedelic- / Space-Rock und Garage zu einer der angesagtesten Neo-Sixties-Formationen des Landes.

So gehen zwischen 1984 und 1990 neben diversen Singles, darunter der Hit »Teen Sex Transfusion«, vier von Fans und Kritikern hochgelobte Studioalben auf das kreative Konto der Formation um den 2002 tragisch verstorbenen Frontmann Pete Barany.

Die nun vorliegende 4-Track-EP »The Lost Tapes« präsentiert die letzten Aufnahmen, die der charismatische Pete Barany kurz vor seinem Tod zusammen mit Michi Döring (Bass), Hans-Werner Maleike (Gitarre) und Drummer P. Podlasky einspielte.

Das höchst überzeugende Ergebnis sind düster-flirrende, hypnotische Songs, die erneut die Richtigkeit des Bandprädikats »Helden des Underground« unter Beweis stellen.

Neben der gewohnten Psychedelia-Note gibt es hier sogar vorsichtige Annäherungen an Punk und Hard Rock zu hören – allesamt mit hypnotischer Wirkung, wie es im Begleittext des Labels treffend heißt. Wieder mal eine höchst hörenswerte Rarität, die Sireena hier dankenswerter Weise aufwändig wie limitiert zugänglich macht!

(Good Times, Dezember 2016 / Januar 2017)

"The Lady With The Golden Stockings" is a propulsive, forthright groove -- a decisive, deep-space, pre-dawn party jam, emitting golden sparks from the black hole center which begat "Africa" and "Watusa." Quantum-elasticity of temporal equations, bubbling bass, trumpet dancing on light waves, tenor sax serenade across the galaxy, signaling yonder... vessels... beings... femaliens... Pure poetry in sublime, delicate, rhythmelodic motion becomes "Spontaneous Simplicity." A centerpiece among the gently blissful, tender works in the Sun Ra canon, heard here in a "missing link" super rare, compact version freshly excavated from the '58-'59 era -- this is the first appearance of the tune (pre-dating by a decade the stretched-out live version first known from Pictures of Infinity). Ra's electric piano bass and the roots-heavy organic beats characteristic of the seminal Nubians sessions providing ballast, Marshall Allen's flute flutters butterfly wings, guiding the ship steadfastly beyond the eternal, to the everpresent; the other side of the end of time. The title "Love in Outer Space" first appeared in 1962 on the Saturn album Secrets of the Sun. The backing track here is from the intimate Night of the Purple Moon, originally a 1970 album instrumental, with David Henderson's vocal overlaid and issued on a Saturn 7-inch 45 in 1975. Henderson (known for 1960s work with Umbra collective and the Black Arts movement, performance on Ornette Coleman's Science Fiction plus early scholarship on Jimi Hendrix), provides his own lyrics, singing: "Sunrise in Outer Space, Love for Every Face." With the emergence of this vocal version and the ascension of the Sun Ra Arkestra's mid-seventies popularity, onstage the tune became a quintessential Ra anthem, a vehicle for frenzied acrobatics and organ-asmic drum-orgies of hyper ecstatic proportion. Utopian yearnings of space commune Sun Children, escape velocity. On gold vinyl!!

(www.modernharmonic.com)

Only a 10" album, but one that packs plenty of punch – thanks to the soulful sounds of trumpeter Jukka Eskola and his trio! The group here is actually a sextet – as the core combo gets guest help from Timo Lassy on saxes, Magnus Lindgren on flute, and Ville Herrala on bass – who really expand the trio's wonderful groove – a mode that's partly soul jazz, but with very rich flavors of its own – hardly any sort of easy copycat of old American modes! Teppo Makynen – aka Teddy Rok – plays drums, alongside Mikko Helava on organ – and while the album shows all the respect for soulful jazz traditions that we've heard in previous music from Rok, Eskola, and Lassy – the sound is also very different, fresh, and quite original! Titles include "Hong Thong", "Railyard Boogie", "Subterranean Variations", and "Jumpin Punkins".

(© 1996-2017, Dusty Groove, Inc.)

Sacklimitierte zweite Vinyl-only-EP-Begleiterscheinung zur Lieblingsfarben-LP, bietet neben dem titelgebenden EOC-Beitrag zum Weimarer Tatort noch drei weitere Exklusivit�ten: You�re Gonna Need Somebody On Your Bond (Blind Willie Johnson-Cover, mit Bierflasche statt Zange), Damals Hinterm Mond (Neufassung des alten Eigen-Klassikers) und das g�nzlich neue Immer Noch Liebe In Mir.

(Glitterhouse)

Nachschlag zum national wie international mit Kritikerlob �berh�uftem �The Spirit� Album. F�nf neue Songs, in einer weltweit auf 1.000 Exemplare limitierten 10� zusammengefasst, die dort, wo �The Spirit� raumgreifend und atmosph�risch Schwerpunkte setzte, den rauhen, dreckigen Kern der Musik von Hugo Race & The Spirit deutlicher herausarbeitet.

Im gleichen Studio in Melbourne aufgenommen, wie �The Spirit� geht der Song �Poor Boy� auf Hugo�s Kollaboration mit dem Jeffrey Lee Pierce Sessions Project zur�ck und basiert auf einem nie fertig gestellten Gun Club Songfragment. Das hypnotische �Hematite� mit seinem rollenden Sahara-beeinflu�ten Rhythmus wurde zusammen mit der Garagen-Legende Don Rogall (u.a. Earl Zinger & Don Rogall) geschrieben, die d�stere Delta-Blues Nummer �Magnetic Girl� besticht durch das atmosph�rische Gitarrenspiel Patrick Brown�s von The Hellhounds, W�hrend �Lip Service� und das Titelst�ck �False Idols� zu den intensivsten Songs z�hlen, die Hugo Race mit The True Spirit je aufgenommen hat. Die False Idols EP ist, wie Hugo sie sehr treffend beschreibt, �a wild ride�. Die f�nf Songs erz�hlen eine eigene und eigenst�ndige Geschichte und geben den Blick frei auf die d�stere Seite der Musik und Seele von Hugo Race & The True Spirit. Perfekt passend hierzu das Cover Artwork von Michelangelo Russo, �Man become Beast�.

(Glitterhouse)

Mit der EP �Theater Island� startete S�ley Stef�nsd�ttir ihre Solo-Karriere im Jahr 2010. Schon da deutete sich an, dass bei der sympathischen Isl�nderin Vielseitigkeit gro� geschrieben wird. Ein Eindruck, den die Klavierspielerin, Gitarristin und Komponistin mit dem 2011er-Deb�talbum �We Sink�, ihrer zweiten EP �Kr�mantik� (2014) und dem Album �Ask The Deep� in diesem Fr�hjahr aufs Attraktivste best�tigen konnte. Und nun zeigt uns S�ley, dass auch in Sachen Produktivit�t immer mit ihr zu rechnen ist, denn mit der neuen 10'' �Don't Ever Listen� steht bereits ein Albumnachfolger in den Startl�chern.

Dieser vereint f�nf �u�erst charmant geratene Songwriting-Miniaturen. Eigentlich waren die schon f�r �Ask The Deep� gedacht, doch im Rahmen des Albums erschienen ihr die St�cke zu gitarrenlastig. Die Tracks entstanden sozusagen �on the fly� 2012 auf der irischen Insel Inis Oirr sowie in S�leys isl�ndischem Zuhause. Entsprechend zeichnet sie ein sehr intimer Lo-Fi-Charakter aus. Spannend: S�ley plant bereits zwei weitere EPs, bei denen als Instrumente das Akkordeon bzw. die Orgel im Mittelpunkt stehen und die eine Trilogie mit �Kr�mantik� bilden sollen.

F�nf bislang unver�ffentlichte und rare Tracks aus der Aufnahmesession zu �What A Terrible World, What A Beautiful World�, dem 2015er-Erfolgsalbum der amerikanischen Folkrock-Band, verspricht die EP �Florasongs�. Sie erscheint auf 10-Inch-Vinyl.

Es ist ann�hernd egal, was Torpus & the Art Directors spielen, um welche Uhrzeit und an welchem Ort. Eines ist dabei stets gleich: Band wie Zuschauer werden eine verdammt gute Zeit haben, viel lachen, mitwippen, vielleicht tanzen. Und sich gemeinsam an dem Moment erfreuen � und an der guten Musik, die man h�rt. Torpus & the Art Directors spielen, und damit ist die Welt mal f�r einen Moment halbwegs in Ordnung.

Mit dieser Haltung, ihrer Qualit�t, Menschen einfach zu erfreuen mit ihren wunderbaren, gedankenvollen und zugleich irre belebenden Indie-Folk-Pop-St�cken, hat sich das Quintett seit 2009 einen deutschlandweiten Ruf erspielt. Auf Grand Hotel van Cleef ver�ffentlichte die Band um Frontmann S�nke Torpus die beiden Alben �From Lost Home To Hope� (2012) und �The Dawn Chorus� (2015), spielten zahlreiche Deutschland-Tourneen und auf so ziemlich jedem Open Air, das sich finden lie�. Dabei sammelten sie flei�ig treue Fans ein, die zu sch�tzen wissen, was Torpus da tun: etwas Handgemachtes, Warmes, Authentisches und f�r einen derart artifiziellen Prozess der Musikerzeugung auch au�ergew�hnlich Empathisches.

Dass sie tats�chlich so ziemlich alles spielen k�nnen, belegt die nun erscheinende Ten Inch �Being Discovered� (Vinyl und Download / Stream only. Keine CD.) Denn sie enth�lt ausschlie�lich Coversongs, f�nf an der Zahl. Es sind Songs, die die Bandmitglieder schon seit langer Zeit begleiten, die sozusagen zum bandinternen Must-Love-Kanon geh�ren. Und die von ihnen derart neu und eigen interpretiert wurden, dass man sich verwundert die Augen reibt. Oder eben auch nicht, weil man ja wei�, dass dieser F�nfer eben einen ganz eigenen Stil verfolgt, der ebenso eruptiv wie durchdacht, urspr�nglich wie ausformuliert ist. Oder, wie S�nke Torpus es ausdr�ckt: �Coverversionen, die dem Original in Arrangement und Instrumentierung �hnlich sind, hielten und halten wir f�r irrelevant, weil sie in der Form nie an ein Original heranreichen werden. Also haben wir uns zur Aufgabe gemacht, diese Nummern anders zu verpacken, in unserem eigenen Stil, mit einem Fokus auf Details, die vielleicht im Original nicht sofort ins Auge beziehungsweise Ohr springen.�

Los geht�s mit �Time to Pretend� von MGMT. �Bei der Nummer stehen die wundersch�ne Melodie und der herrlich ironische Text im Vordergrund, die Band h�lt sich hier gerne im Hintergrund. Wir fanden, dass gerade dem Text eine besondere Aufmerksamkeit geschenkt werden muss, der unsere Sicht auf Ruhm und das Rockstartum ziemlich gut widerspiegelt.� Am Ende l�sst sich sagen: So hat man einen MGMT-Song noch nie geh�rt. �Big Jet Plane� von Angus & Julia Stone ist ein weiterer Band-Favorit, schon weil, wie S�nke sagt, �wir wohl selten eine sch�nere Liebeserkl�rung geh�rt haben als 'I'm gonna take her for a ride on a big jet plane'. Das hat uns schon oft ins Schwelgen und Schmachten gebracht.�

Schmachten darf man auch bei ihrer Version noch, aber der Fokus ihrer Interrpretation lag darin, das enorm S��e des Originals etwas aufzubrechen und frecher, fordernder zu klingen. Was ausgezeichnet geklappt hat. �hnlich verhielt es sich mit dem Cardigans-Song �I Need Some Fine Wine and You, You need to be nicer�: Wo das Original schon derart perfekt auf den Punkt gebracht ist, macht eine Coverversion nur Sinn, wenn sie ganz andere Akzente setzt. Am besten selber h�ren.

Und wo wir gerade bei frech waren: Es geh�rt schon eine gewisse Chuzpe und Unverfrorenheit dazu, eine derma�en runde Popnummer wie den Keane-Song �Everybody's Changing� so ins R�pelhafte, ja fast dreckig Rockige zu ziehen. Mit Vorsatz, wird erkl�rt: �Da diese Melodie einfach unkaputtbar und sch�ner nicht zu singen ist, fanden wir es spannend, eine klassische 'Schei�-Drauf'-Rocknummer draus zu machen.� The Beauty and the beast in einem Song. Muss man erst mal machen. Abgerundet wird die EP durch den Robert Palmer-Klassiker �Johnny and Mary�, der im Original nur bedingt gut altert, weil er doch die typischen Merkmale der damaligen Klang�sthetik in sich tr�gt. Torpus fanden auch hier den Text besonders bedeutsam und stellen ihn klanglich deshalb in einen ganz neuen Kontext, in dem er atmen und sich entfalten kann � und damit ein neues Gewicht und h�here Aufmerksamkeit erlangt.

Schon an der Stilbreite der ausgew�hlten St�cke l�sst sich erkennen, dass Torpus & the Art Directors in keiner Weise festgelegt sind. Was z�hlt, ist, dass es gute Musik ist. Und das war auch der Hauptantrieb hinter dieser Ten Inch, wie S�nke erkl�rt: �Es geht generell um die Idee, wie unterschiedlich Lieder wirken k�nnen, je nachdem worauf der Fokus gelegt wird. Mal die sch�ne Melodie, dann der Text, dann der Bruch von Sch�nen und Unsch�nen, jedes Mal wirkt das Lied anders. Bei den Proben f�r diese Platte haben wir festgestellt: Egal, auf welche Art du es spielst - ein gutes Lied bleibt ein gutes Lied. Beruhigend, erstaunlich und sch�n zugleich.�

Bei all diesem Gerede um Interpretation und Auseinandernehmen der Sache an sich darf aber vor allem nicht in Vergessenheit geraten, dass es ihnen in erster Linie sehr viel Spa� gemacht hat, diese Lieder einfach zu spielen und umzuarrangieren - und in Zukunft auch in ihre Konzerte einzubauen. Womit der Spa� und die Freude an ihren Konzerten noch mal ein kleines bisschen steigen d�rfte. F�r Band und Zuschauer gleicherma�en.

F�r Euch, die Ihr keine Zeit zum Lesen habt, machen wir es kurz: Eines der gelungensten Alben aus der CSN-Nachlassenschaft der vergangenen Jahrzehnte. Eine einzige filigrane, flie�ende, frenetische Freude. Ein Alterswerk ohne Alter, vielleicht sein bestes Solo-Album, sicher aber sein geschlossenstes, im Ganzen gelungenstes Werk. F�r alle anderen ein paar W�rter mehr: So pr�gend und in uns allen nachhallend Schaffen und Stimme Crosby�s ist, so �berschaubar ist die Zahl seiner Solo-Alben, das letzte Studiowerk mit eigenen Songs liegt so lange zur�ck, dass es kaum noch wahr ist. Anstatt aber wie andere Altersgenossen auf No. Sicher zu gehen (Live-Dokumente aus besseren Zeiten hervorkramen/eigene Klassiker neu einspielen/ein Album mit Coverversionen aufnehmen/sich mit anderen gro�en Namen kurzerhand zu einer eher belanglosen Super-Gruppe zusammentun), schenkt uns der alte Querkopf mit der engelsgleich weichen Stimme ein Album mit elf neuen Crosby-Kreationen und damit das Beste, was er (und andere Altersgenossen) seit langem geschaffen hat. Wurden aber zum Beispiel die immer noch erinnernswerten Ver�ffentlichungen des CPR-Trios nicht nur von ehernen Verehrern in erster Linie als Crosby-Alben verstanden, so ist im Gegenzug Croz das Werk einer kongenialen Kreativ-Cooperation, pr�gt Sohn James Raymond als beindruckender Vielinstrumentalist das komplette Werk, sorgen Alt- und Junggef�hrten wie Shane Fontayne und Marcus Eaton und Steve DiStanislao als durchgehend feste, bemerkenswert versiert agierende Band f�r den glasklaren genre�bergreifenden Country-Rock-Kosmos, in dem sich Crosby�s Gesang h�rbar wohlf�hlt. Die Songs tragen s�mtlich die leis versponnene, meisterlich melodie-m�andernde, flirrend-frei flie�ende Handschrift des Meisters, immer wieder verweisen himmlische Harmonie-Chors�tze auf seine glorreiche Geschichte, auserw�hlte G�ste wie Mark Knopfler, Wynton Marsalis, Steve Tavaglione und Leland Sklar setzen Zeichen, hinerlassen Spuren, ohne den Crosby-Kern zu verf�lschen, helfen dem Freigeist beim Spielen mit den Stilen. Zur�ckgelehnt, gelassen-ausgelassen zelebriert der w�rdevolle Schnurrbart-Tr�ger seine oft und gern ausufernde Art, Songs in formsprengenden, flie�enden Spannungsb�gen zu arrangieren, er�ffnet himmlische Harmonie-Horizonte, nimmt uns mit auf eine von Stil-Str�mungen und Musikmoden unbel�stigte Reise durch die Zeit, getragen von meisterlichem Musik-Handwerk, gebettet in kristallklarer Produktion, und gekr�nt von grandiosem Gesang, der kein Alter zu kennen scheint. Welch eine wundervolle R�ckkehr!

(cpa, Glitterhouse)

It's been 20 years since David Crosby released a collection of new songs, but he's hardly been quiet in those two decades. His occasional reunions with Stephen Stills, Graham Nash, and sometimes Neil Young get the most attention, but he also appeared on David Gilmour's 2006 album On an Island and, more notably, often worked with his son James Raymond on a band called CPR. Raymond is David's chief collaborator on Croz, a skillful evocation of Crosby's early-'70s haze as filtered through early-'90s professionalism. As always, Crosby is supported by a cast of heavy-hitters, but where 1993's A Thousand Roads sometimes seemed weighed down by cameos (an emphasis on covers also helped shift the spotlight away from the man at the center), Croz is tastefully decorated with sly solos by Mark Knopfler and Wynton Marsalis, the focus forever remaining on Croz himself. At the age of 72, his voice remains sweet, sometimes airy, and he and Raymond take advantage of both qualities, occasionally conjuring ghosts of CSN's early-'80s soft rock ("Radio" could easily have slipped onto Daylight Again), but usually allowing the music to amiably drift and linger, sometimes settling in the conscious, sometimes dissipating. Even with songs as spare and haunting as "If She Called" -- nothing more than an electric guitar and voice there -- Croz is too dedicated to tasty, in-the-pocket grooves and cleanly sculpted digital production to truly be an heir to If I Could Only Remember My Name, but it's the only other solo record of Crosby's that attempts to reckon with similar emotions and sounds. That Croz prefers certainty to the untrammeled melancholy of If I Could Only Remember My Name is a reflection of where he stands in 2014: he's aware he's building upon a past he sometimes pines for, yet he's restless enough to forage ahead into new territory, but only when he's surrounded by cozy, familiar settings.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Das dritte Volumen des akustischen Tryptichons soll am 21. November ver�ffentlicht werden und beinhaltet eigensinnige Coverversionen von Lucifer Rising II, Careless Whisper, Oh My Love, Always The Sun, Rocket Man und Til I Die. Ober-Obacht: Die drei Vinyle sind wirklich extremst limitiert und wir bef�rchten, h�chstens eine kleine Handvoll zugeteilt zu bekommen.

(Glitterhouse)

Folge 2 der b�s limitierten Vinyl-EP-Dreierfolge erscheint am 14.11. und ist eine musikalische Verneigung vor dem literarischen Werk Arnold Stadlers und liefert die dunkel-romantische akustische Untermalung f�r dessen Buch �Der Tod und ich, wir zwei�.

(Glitterhouse)

Sacklimitierte Trilogie von Konstantin-Kunst-Kurzformen auf City Slang, ausgew�hlte Song-Folgen, die in ihrer Unterschiedlichkeit den stilistischen Rahmen eines einzigen, einzelnen Vollwerks gesprengt h�tten, aber die EP-Form pr�chtig f�llen. Vol. 1 erscheint am 7.11. und bietet in f�nf Songs die ganz eigene Gropper�sche Lesart des College Rock-Begriffs. Incl. The 4:3 Days, A Night At The Rififi Bar, The Pope Washed My Feet In Prison, Sci-Fi Gulag, Staying Home.

(Glitterhouse)

�Lieblingsfarben und Tiere� hei�t die erste Single aus dem gleichnamigen neuen Element of Crime Album. Das Sch�ne: alles wie immer. Das noch Sch�nere: doch nicht. Alles wie immer: Perfekt komponierter Song, dessen Perfektion beil�ufig und naturgegeben klingt.

Und wie immer ein Text, der nur jemandem einfallen kann, der nebenbei ein gro�er Schriftsteller ist und wei�: seit 200 Jahren m�ssen die wahren Romantiker mit jedem Satz den Krieg gegen die Sentimentalit�t gewinnen. Mit Worten das mit Worten Unsagbare sagen. Und alles ist auch ganz anders? Nicht ganz, aber doch: Die Instrumente befreien sich h�ufiger vom Zentrum des Songs, sie probieren mehr aus. So klingen die Songs musikalisch komplexer, angenehm zerzauster als zuletzt, aber � Entwarnung � nie doof experimentell, falsch ambitioniert oder pr�tenti�s. Es ist immer Element of Crime. Es ist immer die Musik, die Fans brauchen, wenn der Himmel grauer ist als erlaubt.

Die 10 inch enth�lt neben dem Singletrack noch drei wunderbare Coverversionen.

Zweieinhalb Jahre nach ihrem UK-Nummer-Eins-Album "Velociraptor!" ver�ffentlichen die britischen Superstars Kasabian am 6. Juni 2014 ihr mittlerweile f�nftes Studioalbum. Der Longplayer, der von Gitarrist und S�nger Sergio Pizzorno im Alleingang produziert wurde, ist dabei buchst�blich die Summe seiner Einzelteile - zum Ausdruck gebracht wird dies u.a. im Albumtitel, der sich aus der Gesamtspielzeit der 13 Songs (von 48 Minuten und 13 Sekunden) ergibt: "48:13".

"48:13" ist dennoch unverkennbar Kasabian, ein faszinierendes Destillat ihres Trademark-haften Sounds. Es ist das Ergebnis einer fortw�hrenden Entwicklung und des musikalischen Experimentiergeistes einer Band, deren Karriere mittlerweile zehn Jahre und vier Alben umfasst. Neben dem begehrten Headline-Slot beim Glastonbury-Festival am 29. Juni und ihrer l�ngst ausverkauften Homecoming-Show in Leicester in der Woche zuvor (21. Juni) wird die Band auch bei zwei Festivals in Deutschland auftreten: bei "Rock im Park" und "Rock am Ring".

Klotzen statt kleckern: Indie-Brit-Rock, der keine Zweifel kennt.

(Rolling Stone, Juni 2014)

... impften Kasabian ihrem Mix aus HipHop, Elektro und Sixties-Rock eine gesunde Mischung aus einer gewissen Kunsthaftigkeit und einem ,,Weniger ist mehr"- Prinzip ein.

(Audio, August 2014)

Sacklimitierte Doppel-10"-Ausgabe des 2014er Albums, eigens zum Record Store Day im Sonderformat angefertigt.

Trotz im deutschsprachigen Raum bislang nur als Import erh�ltlichen Ver�ffentlichungen seiner ersten drei Alben (�Blaudzun� (2008), �Seadrift Soundmachine� (2010), �Heavy Flowers� (2012)) in Indie-Kreisen vor allem dank diverser Festivalauftritte (Eurosonic-, Lowlands-, Pinkpop-, Orange Blossom Special-, Rolling Stone Weekender, oder dem Reeperbahn Festival) bereits hoch gesch�tzt, ver�ffentlicht Blaudzun nun erstmals auch in hierzulande. H�chste Zeit, sich von einem der au�ergew�hnlichsten K�nstler dieser Tage gefangen nehmen zu lassen:

Johannes Sigmond (aka Blaudzun, der Name ist eine Hommage an den d�nischen Radrennfahrer und ehemaligen Weltmeister (1966) im Mannschaftszeitfahren, Verner Blaudzun) zelebriert seine Liebe f�r Indie-Folk und Art-Rock schon seit 2007. Nach Vergleichen mit internationalen Gr��en wie Arcade Fire, Ryan Adams oder Antony & The Johnsons, ausverkauften Clubtouren in den Niederlanden und Belgien, dem kommerziellen Durchbruch mit �Heavy Flowers�, welches sich seit sage und schreibe 70 Wochen in den niederl�ndischen Album-Charts tummelt und dort gerade Gold-Status erreicht hat, nach Auszeichnungen wie u.a. dem �Dutch Public Broadcasting Award for Best Album of the Year 2012�, dem �Best Male Artist at the Dutch Edison Awards� (der holl�ndischen Grammy-Entsprechung) und dem �Best Alternative Act at 3FM�, freut sich Glitterhouse mit �Promises Of No Man�s Land� auf die Ver�ffentlichung einer gro�artigen und vielseitigen Platte im M�rz 2014, die durch eine ausgedehnte Clubtour begleitet wird.

Soweit die n�chternen Fakten, aber kann man Blaudzun und seiner Musik �berhaupt mit solch formellen Zeilen gerecht werden? Selbstredend nein. Denn Johannes Sigmond ist vor allem eines: Ein Magier, ein Soundvision�r der besonderen Art. Mit seiner bis zu 9-k�pfigen Band entwickelt er ein faszinierendes Klanguniversum, dass seinen komplexen, ungew�hnlichen und doch sich gleich im Hirn festsetzenden Songs eine Sch�rfentiefe gibt, wie man sie in dieser Form derzeit nirgends sonst findet. Dazu eine Stimme, die man nicht vergisst, die einen einsaugt, gefangen nimmt, die echt, tiefgr�ndig, ausdrucksstark, gleicherma�en unendliche Trauer wie unbeugsame Kraft widerspiegelt. Und, vor allem: Songs. Alles, was hier vorher geschrieben wurde, w�re obsolet, w�rde nicht Johannes Sigmond�s Songwriting genau diesen Qualit�ten mehr als gerecht. Das war schon auf den vorherigen Alben so, aber auf �Promises Of No Man�s Land� erreicht er nochmal ein anderes Level. Vom zart/zerbrechlichen Opener �Euphoria� angefangen �ber den packend-treibenden Titelsong mit unwiderstehlicher Hookline, dem die nachfolgenden �Too Many Hopes For July� und �Hollow People� in nichts nachstehen, bis zum m�chtigen, alles umblasenden Orkan von �Halcyon� oder dem sanften, vers�hnlichen Abschlu� mit �Wingbeat�, Blaudzun�s neues Album hat die Songs, die Sounds, die Dramaturgie und die Vision eines monolithischen Klassikers.

(Glitterhouse)

The first ever solo album from Dean Wareham (Galaxie 500, Luna, Dean & Britta). Produced by Jason Quever (Papercuts). Includes the single �Love Is Colder Than Death�, as premiered on Pitchfork. �Emancipated Hearts� is a downbeat collection that suggests Galaxie 500 playing bucolic folk-rock. As if to underline this comparison, there�s a cover of The Incredible String Band�s �Air�.

�I know they can be a bit silly, but they can be hilarious too,� says Dean. �Our version was recorded in Jason�s living room, just him and me.� Before this almost light-hearted conclusion, however, the album explores much darker territory, something that is evident from just the titles of the songs. It�s not so much political as politicised, as Dean explains: �Each of these songs started with a line or phrase I borrowed from a poem or film or newspaper headline. The idea is you steal a line and then build your own song around it��

Between 1987 and 1991 Dean Wareham was singer / guitarist/ songwriter with Galaxie 500, who recorded three albums for Rough Trade (now available on Domino). His next band, New York-based quartet Luna, recorded seven studio albums for Elektra and Beggars Banquet between 1992 and 2004. He has released three albums with his wife Britta Phillips as Dean & Britta. Their most recent release was a soundtrack to accompany their multi-media show �13 Most Beautiful: Songs For Andy Warhol�s Screen Tests.

Voller Bewunderung schrieb der bekannte britische Journalist Ralph Traitor mal �ber einen Panther Burns Gig in den 80ern: �If you have ever curiously regarded a pile of toenail clippings and wondered what they might actually sound like�� Bei dem Auftritt w�re ich gerne dabei gewesen. Wie Fussn�gel klingt Tav Falco und seine Kohorten im Jahr 2011 nat�rlich nicht, aber wie Flie�band Rock & Roll sicher auch nicht.

Im September 2011 machte sich die Memphis Legende auf den Weg nach London, noch immer voller Kampfkraft, Hoffnung und Visionen. Der Gig im legend�ren 100 Club erwies sich als schlecht organisiert, was den Helden nicht davon abhielt, im ersten Set das famose Behind The Magnolia Curtain Deb�t vehement zu pr�sentieren. Einen Streifzeug durch das restliche Repertoirewurde im 2. Set unternommen. Panther Burns bestand in dieser Nacht wie gewohnt aus Gr�goire Garrigues (Gitarre), Laurent Lanouzi�re (Bass) und Giovanna Pizzorno (Drums). Man ist �ber Europa verstreut und kann nur so viel �ben, um die Songs, die der All Music Guide �a raw and shambolic fusion of rockabilly, blues, and fractured noise� nennt, einigermassen in Balance zu halten. Sie taumeln, aber sie fallen nicht. What�s new?

Hier nun das Dokument. Rhythmn and Rock, rough und immer leicht neben der Spur. 16 Songs in 60 Minuten. Nur auf Vinyl, Doppel-10� eben, und auf 500 St�ck limitiert. Und nur HIER gibt es eine CD-Version dazu (bedruckte CD-R im Vinylreplika-Faltblatt Cover). Ooeee, Baby!

(Glitterhouse)

Der Sohn der Samba-Legende Ivor Lancelotti mit einem faszinierenden Solo- Album zwischen Indie, Pop, Soundtrack und Latin. Produziert von Mario Caldato Jr. (Beastie Boys, Jack Johnson, Beck)

The words "cine privê" conjure up late-night skin flicks for Brazilians, but the more appropriate meaning of the album title is closer to its literal translation: private cinema. Domenico writes and co-writes all the songs, sings, plays guitar and designs the rhythmically adventurous soundscapes heard on Cine Privê. Built on consistently intriguing rhythms and sonic textures, Cine Privê is reminiscent of the meditative yet swinging quality of Joao Donato's mid-seventies albums (Quem É Quem & Lugar Comum) as filtered through the indie aesthetic of Yo La Tengo, Pavement or Stereolab, sans the in-your-face avant-garde-isms. True to his intentions, many of Domenico's songs come across like soundtracks to lost films, for instance: the falling-in-love montage in an Italian rom-com starring Roberto Benigni ("Su Di Te") or the Spaghetti Western set in the Brazilian Northeast.

Auch schon seit zehn Jahren around: James Yorkston aus Schottland, seit Jahr und Tag bei Domino Records zuhause und dort der wohl filigranste Songschmied im Haus. Gestartet als Proteg� von John Peel, John Martyn und Bert Jansch, fand Yorkston einen ganz eigenen Stil zwischen Kammer-Pop und Folk, der auf spielerischer Basis Elemente von Pentangle (das Stiloffen-Luftige), aber auch von Tim Buckley (die flirrende Leichtigkeit) eingemeindet. Im Zentrum steht Yorkstons weiche, warme und eher leise Stimme, begleitet von sanfter Akustikgitarre, Upright Bass, einigen Piano-Tupfern und den extrem sparsam eingesetzten Drums des vorz�glichen Luke Flowers (Cinematic Orchestra). Dazu kommen eine verlorene Klarinette (selten) und einige (zu seltene) Harmony Vocals von Jill O�Sullivan und Sarah Scutt. Auch wenn einzelne Songs tats�chlich auch mal etwas lauter werden, dominiert hier doch weiterhin die melancholische und kontemplative Ruhe, die man von Yorkston gewohnt ist, und die ihn zu einer britischen Komplement�rkraft zu K�nstlern wie Will Oldham und Sufjan Stevens macht.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Dominos Lieblings-Singer/Songwriter James Yorkston ist mit seinem bisher st�rksten Album zur�ck!

"I Was A Cat From A Book" ist James Yorkstons erstes Album seit "When The Haar Rolls In". Sein neuestes Schaffenswerk ist voller Energie und absolut gro�artiger Musikalit�t - und au�erdem voll mit Yorkstons bisher st�rksten und gleichzeitig �berraschendsten Songs. Die Band, mit der das Album eingespielt wurde, besteht unter anderen aus alten Weggef�hrten, aber auch aus Mitgliedern von so illustren Gesellen wie Lamb und The Cinematic Orchestra. Produziert wurde es von Yorkston und Dave Wrench, nachdem es an f�nf Wintertagen in den Bryn Derwen Studios in Nord Wales aufgenommen wurde. Seit der Ver�ffentlichung von "When The Haar Rolls In" war der Songwriter flei�ig. So publizierte er unter anderem ein Buch ("It's Lovely To Be Here"), kollaborierte mit The Big Eyes Family Players auf dem Album "Folk Songs" und ver�ffentlichte eine Jubil�ums-Edition seines Meilenstein-Deb�ts "Movin Up Country".

7,99 Euro f�r rund 25 Minuten Musik und sechs Tracks, die den Geh�rgang des Rezensenten mit schwerem, schwarzem (also etwas d�sterem), aber jederzeit hochwertigem Country-Soul-Samt auskleiden. Geigen, Klavier, Orgel, Slide-Gitarre (dargeboten von Session-As Greg Leisz) und immer wieder diese k�nstlerische N�he zu van Morrison, Paul Weller und Joe Cocker kennzeichnen ein sehr akustisches, erdiges Album, das textlich mit jede Menge Pathos und den wirklich gewichtigen Dingen des Lebens aufwartet. S�mtliche Songs versuchen eine Gratwanderung zwischen feiner Americana-Tradition einerseits und einer geh�rigen Portion Mainstream-Radiotauglichkeit andererseits. Bestes Beispiel ist 'Simple Things', das �ber dreieinhalb Minuten perfekte Popmusik zelebriert. Dagegen traditionell und mythisch zugleich die wundersch�ne Ballade 'May I Remind You'. Calexico-Frontman Joey Burns (Calexico-Partner John Convertino sitzt hier �brigens an den Drums) hat exzellente Arbeit geleistet und produzierte einen Amos Lee, der nach der gro�artigen Mission Bell (2011) noch einen drauflegt. Allerdings lauschen wir - h�rt! h�rt! unerh�rt! - angeblich sechsmal Ausschussware, denn wie zu erfahren ist, ist die "As The Crow Flies"-EP im Grunde hochwertige Resteverwertung. Es handelt sich n�mlich um Material, das w�hrend der "Mission Bell"-Sessions entstand , es aber - aus welchen Gr�nden auch immer - nicht auf den Longplayer schaffte. Das nennt man dann wohl "Kollateral-Musik" - im Falle des Countryisten Amos Lee ein echtes Luxusproblem, denn ein wirklicher Qualit�tsverlust gegen�ber dem vergangenen Longplayer ist im Grunde nicht auszumachen. Der Flug der Kr�he bleibt trotz eines Qu�ntchens "Zuviel-Gef�lligkeit" zweifellos ein weiterer H�henflug in der noch jungen Karriere des Amos Lee. Ein gesch�tzter Netzkollege brachte es in seiner Abhandlung zu dieser EP ziemlich treffend auf den Punkt, als er zu "As The Crow Flies" schrieb: "Eine radiotaugliche Angelegenheit f�r Fernfahrer und Folkm�dchen, denen Bonnie Prince Billy zu schrullig und Johnny Cash zu tot sind. Meistens erinnert mich Amos an die m�nnliche Norah Jones, die in den K�rper eines Bob Dylan geschl�pft ist und den Kn�delteig roh isst."

(Kundenrezension bei amazon von "CDsoph")

With a haunting sound and acoustics that will bring chills to your entire body, Amos Lee has managed to once again be a true trailblazer of his trade. He isn�t the typical sound when it comes to country music. He is the leader of the modern �roots� sound that is becoming more and more popular every day. The first track off of his latest six song EP, �As The Crow Flies� is called, �The Darkness.� Its contents shine dimly on the fact that being alone is never a good feeling. Even when both sides give it their all, it doesn�t always work out. �Say Goodbye� is a personal favorite on this entire EP. It has that �old fashioned� feeling when it comes to the musical aspect, however the lyrics cut deep as the main character takes a deep look into his relationship and comes to terms with the fact that it is over. The funny thing is it doesn�t seem to bother him that much. �May I Remind You� and �Mama Sail To Me� are both great tunes, but �There I Go Again� really hits home in so many ways. There is a nice �blues� edge and Amos Lee�s raspy voice will leave you begging for more. Although this is a shorter album with only six songs, there is no denying it is great. The only thing wrong with it is that there aren�t six more songs to be able to enjoy.

(Scott Sexton, www.todayscountrymag.com)

2012er Vinyl-only-Ver�ffentlichung auf Yep Roc, ein Zweit-Zwischendurch-Werk der Singer-Songwriterin aus Louisville, trotz 6 Songs und 22:16-Minuten Laufl�nge so voll wie manches Album nicht in der doppelten Spielzeit. Die beeindruckende Vielinstrumentalistin und mitreissende S�ngerin, die bereits mit Bonnie Prince Billy aufnahm und mit Daniel Martin Moore die B�hne teilte, bleibt dem vielschichtigen Alternative-Folk/Rock-Begriff treu, den sie bereits auf dem Debutalbum Before Lately definierte, aber schafft es, in sechs neuen eigenen Songs gleich sechs verschiedene Facetten ihrer Kunst strahlen zu lassen. Ob h�chst ansteckend allein zu fein verzahnter Hand-Werk-Perkussion singend, Lisa Germano-gleich sanft durch den Psycho-Wald irrend, rhythmisch betont zum Piano auf Feist- und Carole King-Pfaden t�nzelnd, mit charmant �berschlagender Stimme zu Gitarren-getriebenem Rock Breeders-Energie verspr�hend, auf verzerrtem E-Gitarren-Grund erfolgreich in P.J. Harvey�s Teichen fischend oder auf exotischen Gesangs-Wolken �ber psychedelisch flie�endem Desert-Drone fliegend � nur sechs Songs reichen Cheyenne, um ein derart farbenreiches Kaleidoskop zu f�llen. Fast unn�tig zu erw�hnen, dass sie bis auf das Drumkit s�mtliche Saiten-, Tasten- und Perkussions-Instrumente allein spielt und beherrscht. Eine echte Entdeckung.

(Glitterhouse)

Mit �We Don�t Need� durchbricht Cheyenne Marie Mize auf subtile Art und Weise das vorgefertigte Bild einer Singer / Songwriterin. Ihre Deb�t-LP �Before Lately� (von der New York Times als �s�� ohne zu verkleben� und �mit offenen Augen, aber dennoch nicht hoffnungslos� beschrieben), war eine langsame, in sich gekehrte, meditative Sache.

�We Don�t Need� weitet die Soundpalette weiter aus und reichert sie mit dynamischer Stimmung, Instrumentierung und Experimenten an. Mize will, dass sich ihre H�rer dar�ber im Klaren sind, dass �die Songs auf �We Don�t Need� eher als einzelne Kunstwerke denn als ausufernde Teile eines organischen Ganzen zu genie�en sind. Jeder Song hat seinen eigenen Character und geh�rt zu verschiedenen Launen. Als Ganzes ist �We Don�t Need� sicherlich eklektisch, doch in jedem einzelnen Teil verbirgt sich eine Idee dar�ber, was uns sonst noch erwartet.� Tats�chlich l�sst sich �We Don�t Need� nicht einfach in eine Schublade stecken.

�We Don�t Need� erscheint schlussendlich doch als Ganzes, zusammengehalten von einer Stimmer, die Daytrotter als einen Ton beschreibt, der �es Dir erlaubt, in deinem Kopf dorthin zur�ckzureisen, wo deine letzte gro�e und wahre Liebe sitzt und sich zu f�hlen, als w�re sie niemals verschwunden.�

Erstmalig sorgte Cheyenne Marie Mize international f�r gespitzte Ohren, als sie die 10� �Among The Gold� mit Bonnie �Prince� Billy aufnahm und amerikanische Salonmusik des 19. Jahrhunderts neu interpretierte. Mit Benn Sollee und Daniel Martin Moore spielte sie auf der �Dear Companion�-Tour der beiden, die zu ihrem kollaborativen Release auf Sub Pop geh�rte.

Meine Fresse, welch ein Sound! Harmonica und Gesang kommen fast durchweg leicht angezerrt und die John-Lee-Hooker-Ged�chtnis-Gitarre legt entweder sture Boogie-Riffs auf eine Dampflok von Rhythmusgruppe oder sie stichelt spindeld�rre Licks aus einer Fender Combo. Die kurzen Soli verlieren sich regelm�ssig im allgemeinen Vorw�rtsdrang - no ballad-shit here!

Das macht aktuell keiner besser als das Quartett aus London und das ist der kick-ass-Sound, wegen dem ich Stag-O-Lee dereinst gegr�ndet habe. Das klingt vintage, dreckig und swampy, ist aber alles andere als angestaubt, das hat Dampf und Druck und Schwei� und Seele. Straighter Rhythm & Blues-Killershit!

Hier finden sich die von der Band ausgew�hlten besten 8 Tracks (nur 8, damit es ordentlich kracht) der vor zwei Jahren erschienenen Deb�t-CD (von der es kein Vinyl gibt), im geschmackssicheren 10� Format. Und da es nur 500 St�ck davon gibt, kann ich nur eins raten: jetzt zugreifen!

(rh, Glitterhouse)

Matana Roberts gilt zu Recht als eine der bekanntesten Vertreter kontemporärer Afrikanisch-Amerikanischer Experimentalmusik. Ihre weltweit geachteten Skills auf dem Alt-Saxophon, kombiniert mit engagierter Neudefinition amerikanischer Jazztraditionen kanalisieren sich auf dem vorliegenden Album mit einer Wucht, wie sie Jazz heute selten auszulösen imstande ist. Diese Veröffentlichung ihres Projekts Coin Coin, an dem sie bereits seit Mitte der 2000er Jahre mit wechselnden Musikern arbeitet, ist eine vollständig live eingespielte Session. Constellation lud die Musikerin mit Freunden und Partnern ein, eine Show im Hotel2Tango Studio zu spielen – mit ca. 30 ausgewählten Gasten. Teilweise komponiert, teilweise improvisiert, besticht das Material vor allem durch seine Universalität. Matana sagt selbst dazu: “Coin Coin ist eine kompositorische Sprache, die ich seit etwa 2006 zu entwickeln versuche. Dabei war der Ausgangspunkt eine Kindheits-Faszination für Geister, Spuk und Gespenster und vor allem für die Spuren, die sie hinterlassen. Ich habe ein tiefes Interesse an antiken Objekten, besonders wegen der Geschichten und der vielen Möglichkeiten von Geschichten, die sie zu erzählen imstande sind. Das alles kombiniert mit meiner Lust an musikalischer Kommunikation und unter Auseinandersetzung mit dem Einfluss der afrikanischen auf die amerikanische Kultur findet sich in meiner Musik.”

Diese Platte ist eine der wichtigsten Jazzplatten der letzten 10 Jahre!

(Jazzthetik 06 / 11)

Ein intensiveres, abenteuerlicheres und überwältigenderes Hörerlebnis bietet derzeit niemand: Matana Roberts aus Chicago lotet die Grenzen freier Improvisation aus, indem sie Experimentelles in den Dienst von Konzeption stellt, das Avant-Moment zum Vehikel politischer Ethik macht.

(Rolling Stone, Juli 2011)

Cosmic Jazz & Spoken Word: eine großartige Improvisation über die Erfahrung des "Afrikanischseins" in Amerika.

(Musikexpress, August 2011)

"Diese Band ist das beste, was mir je passiert ist. I know I am doing something right�, sagt Michael J Sheehy �ber Miraculous Mule, die Band, f�r die er seine Solokarriere erstmal auf Eis gelegt hat. Die Truppe besteht aus MJ (Gitarre, Gesang), seinem Bruder Patrick (Gesang & funky Bass), Alex Louise Petty (Gesang, ex-Gemma Ray) und Ian Burns, dem alten Hired Mourners Drummer. Inspiriert von Alan Lomax� Field Recordings, Gospel, den Crossroads und dem Chess Records Songbook re-interpretieren sie bis dato Tunes, die schon auf den Baumwollfeldern um die Jahrhundertwende gesungen wurden, nehmen sich dabei aber jede Freiheit, um ihren Stempel aufzudr�cken. Das Material reicht von heftigen/ausufernden Blues-Psych-Rockern �ber ein funkiges Wayfaring Stranger bis hin zu puren Acapella Tunes. Die drei Stimmen harmonieren fantastisch, jeder �bernimmt mal die Leadvocals und die knappe Triobesetzung passt perfekt zum Sound der in London gerade schwer angesagten Soulful Blues & Gospel-Truppe.

(Glitterhouse)

"Island Brothers" respektive "New Wonder", ist die neue Single von Bonnie 'Prince' Billy & The Cairo Gang. Aber es ist nicht einfach nur ein Tontr�ger mit zwei gro�artigen Songs und einem tollen Artwork, nicht einfach nur zwei weitere Songs von zwei Kumpels, die Gefallen an der Zusammenarbeit gefunden haben. Es ist vielmehr ein Versuch die Musik zu nutzen, um Menschen zu helfen, die zum �berleben zun�chst mal etwas viel grundlegenderes brauchen, als gute Musik. Denn die Gewinne, die durch den Release der Single erzielt werden, gehen direkt an die Organisation Edge Outreach, die in Haiti im Rahmen von Graswurzel Projekten Einheimischen den selbst�ndigen Aufbau und Einsatz von Trinkwasser Aufbereitungsanlagen vermittelt. Mit dem Erl�s aus den Verk�ufen von "Island Brothers" / "New Wonder" unterst�tzen die K�ufer der Single EDGE Outreach, Domino and Bonnie 'Prince' Billy & The Cairo Gang in ihren Bem�hungen die Menschen von Haiti mit sauberem Trinkwasser zu versorgen.

(amazon.de)

Lightspeed Champion gibt es jetzt auch in Farbe! Zumindest bekommt man dieses Gef�hl, wenn man die vier Songs der neuen EP Bye Bye von Dev Heynes h�rt. Die Zusammenarbeit mit Van Dyke Parks (Produzent der Beach Boys, The Byrds, Joanna Newsom) beschreibt Dev daher auch als "pretty surreal". Beginnend mit einem �berw�ltigend sch�nen Cover des Beach Boys Tracks "Til I Die" folgen eine weitere Version seines bereits auf dem Album "Life Is Sweet! Nice To Meet You!" erschienenen "Underwater There Is Nothing" sowie zwei ganz neue Songs: "Bye Bye Icarus" und "The Mess You're In". "Lightspeed Champions" ist der unerwartete Sonnenschein f�r den man so dankbar ist, wenn die Wintermonate angerollt kommen.

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Nachdem sein Album Heartland von der Musikkritik (u.a. Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik) umjubelt wurde, bringt Owen Pallett jetzt eine EP mit neuen phantastischen Songs auf den Markt. A Swedish Love Story sprudelt �ber vor catchy Popmelodien, flie�enden Streichern und lebensbejahenden Emotionen. A Swedish Love Story ist die positivste Platte, die Owen Pallet bis dato ver�ffentlicht hat. Tipp!

(amazon.d)

Agnes Obel konnte sich bereits mit ihrer Single "Just So" in die Herzen zahlreicher Fans spielen, da der Song in einer grossen Telekom-Kampagne 2009 genutzt wurde. Nun erscheint mit "Riverside" ein erster Vorbote aus dem im Herbst erscheinenden Albumdeb�t der talentierten d�nischen S�ngerin & Songwriterin. Neben zwei Eigenkompositionen findet sich mit "Close Watch" ein grossartiges John Cale-Cover auf der EP, die als Digipak bzw. h�bsche 10" erscheint.

(amazon.de)

This is the debut EP by S�ley Stef�nsd�ttir, a 23 year old girl from Reykjavik, student of composition and a member of the Icelandic indie-collective Seabear - it's the debut of a singer and a dreamer: Six songs held together by S�leys piano play and her voice - because every of her compositions come into being while she is singing to the piano. S�ley loves this: by her own account she's actually singing all day long. On 'Theater Island' she uses a lot of instruments though: Strings, guitars or just some electronic crackles and noises. The record opens with 'Duttla', a dotty and strange song, that is followed by the engrossed and nearly impressionistic 'Kill the Clown'. From now on the songs become more and more catchy. The title track remains on Seabear's open-hearted Indiefolk while 'Blue Leaves' and 'Read The Book' are touching pop ballads - and the record's final 'We Will Put Her In Two Graves' is absolutely disarming in it's simplicity. But there's something vague and unreal, that sticks to all of these songs as well. This applies to the lyrics, too: Like Alice, S�ley walks through her very own wonderland, where things happen, that can only occur in the surreal logic of a dream.

(www.morrmusic.com)

10er des Godspeed..-Ablegers. Ein m�chtig beeindruckender 15-Min.-Opener: Elegisch-schleppender teil-orchestraler Psychedelic-Post Rock-Blues-Folk-Pop-Mix, leise, schwelgend, schwer und wuchtig, melancholisch und hochgepitcht, Gitarren, Streicher, Bl�ser, Piano; z.T. ungeheuer intensiv! Sehr intensiv, von meist unerh�rt dichten Soundteppichen aus Gitarren und Streichern beherscht sind auch die folgenden 6-Min�ter, ob relativ harter �Emo Post Punk� (1x m�ndend in, hmm, einem Amalgam aus Arcade Fire und PIL?!), zeitgem��er Folk Rock in Indie und Zeitlupe, oder hypnotisch-manischer Modern Psychedelic Acid Folk Rock (klasse!). Schlie�lich der 14-min�tige Closer: Getragene erhabene z.T. fast feierliche bis schmerzhafte sich bis zum Hymnenhaften verdichtende rauhe Sch�nheit � wow! Vinyl + 16-Seiten-Buch + CD + 2 Poster.

(Glitterhouse)

Mit ihrem Sound h�lt die Band aus Montreal ein seltenes Klangmonopol, besonders jetzt, bei konstant gehyptem Retroklumpatsch und Fiepsotronik. Seit drei Alben kultivieren sie einen organischen, anspruchsvollen Mix aus Postrock, Punk und elegischen Streicherarrangements, der mit ihren instrumentalen Anfangswerken kaum noch in einem Satz zu nennen ist. Polarisierendes Markenzeichen: Efrim Menucks nasal-n�liges Jaulen, eingesetzt als Protest gegen den Marsch der Instrumente. Zwar hat man sich letztes Jahr vom Zweitgitarristen und der Cellistin getrennt, trotzdem donnern viertelst�ndige Epen wie "There is a Light" oder "'Piphany Rambler" aus den Boxen, als g�be es kein Morgen - und bleiben dabei immer erhaben und melodisch stilsicher. Keine andere Band l�sst Streicher so vollendet wie Gitarren klingen und vice versa. Sp�testens bei den infekti�sen Singalongs stimmt man dann unweigerlich in die bitters��en Weltschmerzchor�le ein. Hier geht es trotzdem nicht nur um Kritik am Status Quo, sondern um ein wiedergefundenes Gemeinschaftsgef�hl im Kontrast zur wachsenden Anonymisierung in der modernen Gesellschaft. Denkt daran, ye Children: "There ain't no truth but the no truth, yeah!" (ms)

(kulturnews.de)

The sixth album from the many-monikered incarnations of Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra (with another slight name change) offers a renewed sense of purpose in the studio after personnel changes pared the group down to a quintet. Along with founding members guitarist/lead vocalist Efrim Menuck, violinist Sophie Trudeau, and contrabassist Thierry Amar, are Dave Payant on drums, organ, and piano, and violinist Jessica Moss. Longtime fans are in for a shock on �There Is a Light,� the 15-minute opening track. Menuck's quavering vocals are looser, less concerned with pitch than ever before. It begins as a slow, mournful balladic waltz with electric guitar, and strings lilting underneath his voice. (For some reason, though we�ve heard it before, it takes some getting used to for a couple of minutes here.) It feels like a hymn, and his lyrics exhort even as they grieve; they're punctuated at the three-minute mark with horns; then, at four minutes, the tune begins its lift-off, becoming a dramatic, expansive rock paean with TSMZMO's trademark dynamics and complex textures rising and falling numerous times before the song concludes with everyone singing as a choir, unfettered. �I Built Myself a Metal Bird� is a full-on Stooges-like rocker, with raging guitars, drums, and Menuck's vocal swaggering on the front edge. It�s followed by �I Fed My Metal Bird the Wings of Other Metal Birds,� a six-minute coda that begins haltingly and then explodes into full-on prog rock dynamism. The title track � with three different title variations � is a three-part, 13-minute suite that ranges from faltering experimentalism to a punishing, transcendent, rockist power play by its finale. The set closes with the 14-minute monolith ��Piphany Rambler,� that ushers itself in as a droning, mutant slide guitar and organ blues before beginning the first of its many mutations (some of them with horns), eventually ending as a blown-out, wasted anthemic elegy. This is another chapter in the sonic evolution that began with the name A Silver Mt. Zion, and contains many more dimensions, layers, and textures. It pushes harder and further with much less, yet comes across as no less raggedly and poetically majestic.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

I’ve always felt a bit sorry for poor Alela Diane. A supremely talented individual, she’s had the extreme misfortune to emerge from the mountains of California at the same time as hipster-beloved harpist Joanna Newsom – and from the moment Joanna started her unwieldy squeaking on 2004’s The Milk-Eyed Mender, there seemed no hope of Alela’s altogether more temperate brand of folk music, holding the attention of the public for more than a few, passing seconds.

But now Ms. Newsom seems to be on an extended hiatus, and in her absence Alela’s been slowly garnering the attention she deserves (Pitchfork, having ignored her debut, awarded her sophomore album a highly respectable 8.0), and she’s been dutifully doing the festival rounds – playing End of The Road, Latitude and Primavera – and touring with folk heavyweights such as Iron & Wine and Blitzen Trapper.

So for an artist essentially at the peak of her game, is a duet EP such a good idea? Both duets and EP’s have been horrifically done in the past – both seem to be an excuse to dress up substandard material for the sake of a release – and when you add in the fact that Alela’s duet partner is old friend Alina Hardin, you’d be forgiven for wondering just how much work went on in the studio. And when you toss in the fact that three out of the six tracks are covers, Alela Diane fans must be quaking in their fringed boots.

Thankfully, this EP is far from the disaster its circumstances predict – it’s a thing of pastoral, austere beauty, and has the rare gift of recalling the past without cheapening it – Alela’s brand of nostalgias is effortless, almost instinctive, as though the voices of ancient troubadours trickle in with her own.

The EP kicks off (Although ‘kicks off’ seems to be too aggressive a phrase for this EP – it more gently wafts out of your speakers) with ‘Amidst The Movement’, and here we see Alina Hardin earn her album co-credit with ease – although both singers are stunning on their own, their sum is greater than their parts; their voices entwine spellbindingly, and Alina’s high, floating mewl gives Alela’s sonorousness a welcome lightness.

Elsewhere, the results are equally as stunning – ‘Crying Wolf’, with it’s gently-undulating guitar line, bell-like vocals, and chaste, Christina Rossetti-inspired romanticism, is simply the purest piece of music I’ve heard for quite some time, and ‘Matty Groves’ shows that Alela can carry off lengthy, Ys-style narratives with ease- but to be honest, comparing Joanna Newsom and Alela Diane is almost completely void – yes, they are cut from the same cloth, but while Joanna’s weightily ambitions spirals towards the treetops, Alela’s bucolic, mud-streaked blues are far happier residing peacefully on the forest floor.

(by Katherine Rodgers, www.thelineofbestfit.com)

Nach ihrem Album vom Anfang dieses Jahres legt Cat Power alias Chan Marshall kurz vor seinem Ende noch mal nach. Wieder sind es Coverversionen, wieder sind es nur die besten der besten Interpreten, die sie sich für ihr 10-Inch-Doppelvinyl ausgesucht hat.

Das ist die Stimme, wie wir sie von ihr kennen: ein bisschen rauchig und verwischt, ohne dick aufgetragen zu wirken. Ein bisschen mädchenhaft trotzdem und selbst ohne es zu wissen, ahnt man: das Stück muss eine Coverversion sein. Denn solche Songs werden heute einfach nicht mehr geschrieben. Findet wohl auch Cat Power, die schon immer ein Faible für Coverversionen hatte, in der letzten Zeit aber ausschließlich Coverversionen veröffentlicht. Waren es als erstes die Stones, später Dylan und Johnny Cash, sind es heute Otis Redding, Aretha Franklin und Fairport Convention. Immer schön die Messlatte hoch halten! Und so erscheint "Dark End of the Street" als Platte, als edel verpacktes 10-Inch-Doppel-Vinyl, nicht etwa als schnöde CD - ist aber immerhin auch als digitaler Download erhältlich.

Es ist natürlich eine Frage der Vorliebe, ob man die Stimme von Cat Power in irischen Folksongs hören möchte. "Ye Old Triangle" fällt etwas aus dem Rahmen. Auch wenn die Dubliners oder die Pogues mit einem Guiness im Hals mit so einer Nummer gut dastanden, bei Cat Power funktioniert eher der Soul als die Rauhbeinnummer. Spätestens seit sie entschieden hat, dass ihre Platten nicht mehr spröde und sperrig, sondern schön sein sollen! Und dafür eignen sich Otis Redding und Aretha Franklin Songs bestens.

Ein Liebhaberstück

Schwierig ist es natürlich, Sandy Dennys Stimme zu toppen, die die Vorlage zu "Who Knows Where The Time Goes" abgibt, ein Stück von Fairport Convention. Sie schlägt sich auf ihre so typische Art durch, so wie sie alle Coverversionen zu ihren eigenen Stücken macht. Sie ist immer sie selbst, auch wenn ihr Ansatz Coverversionen umzusetzen, immer nach ähnlichem Strickmuster funktioniert, fällt das aber erst auf, wenn man die fünfte Cat Power Platte gehört hat.

Eigentlich handelt es sich bei "Dark End of the Street" um ein reines Liebhaberstück. Es ist eine Platte wie ein Gedicht fürs Poesiealbum für die Fans von Cat Power. Dem Insiderstatus ist Cat Power spätestens mit ihrem Album "The Greatest" entwachsen. Ihre ausverkauften Doppelkonzerte bestätigen es außerdem: Keine andere exzentrische Madame kann so im Konsens bestehen wie es Cat Power tut. Zickigkeiten werden ihr verziehen oder werden ihr erst gar nicht übel genommen. Und dass Cat Power nur noch Coverversionen zum Besten gibt und auch veröffentlicht, gilt bei ihr als Verdienst, wo man anderen Sängern womöglich Ideenarmut vorwerfen würde. Aber Cat Power versteht es, ihre Karriere mit großen Gesten voran zutreiben. Das Jahr hat mit einer Cat Power CD angefangen. Und nun soll es mit einer 10-Inch-Doppelvinyl enden. The Year Of The Cat Power.

(Sabine Gietzelt, 15.12.2008, Zündfunk)

Have you ever tried to cram a double 10" EP inside a Christmas stocking? We haven�t either, but it�ll be fun to try this December, as we�ll be releasing a new Cat Power 2X10", �Dark End Of The Street� � it shall also be available through your favorite digital retailers (including the Matador store). Featuring additional covers recording during the sessions for �Jukebox�, the track listing can be found below. In keeping with prior practice / the Matablog style guide, we�ve listed the performers most responsible for popularizing the songs�don�t worry San Francisco journalists, we�ll make sure the proper composers are paid and credited!

(matadorrecords.com)

An album and a singles collection at the same time, Fab Four Suture stitches together four limited-edition EPs Stereolab released in the fall of 2005 and spring of 2006. Over the years, the group has made a reputation for having EPs and singles � and therefore, singles collections � that are just as good, if not better, than their albums, as comps like Switched On and Aluminum Tunes attest. Stereolab has also always been very democratic about making sure fans can get their hands on nearly all of their more obscure releases in some form or another; while Fab Four Suture is a little different than their other collections in that it was designed to form an album upon the completion of the EP series, in terms of its quality, it's on par with the band's most enjoyable comps. By combining the looser, more experimental feel of their EPs with the album format, Fab Four Suture ends up being more organic-feeling than Stereolab's previous album, the lovely but occasionally distant Margerine Eclipse. Indeed, the best moments here are more immediate than anything the band has done in a long time. "Interlock" boasts funky brass and basslines that are echoed by "Excursions into 'Oh, A-Oh,'" a driving motorik with fiery guitars that recalls the glory of Transient Random Noise Bursts with Announcements. "Plastic Mile" and "Eye of the Volcano" are examples of their sparkling, delicately dramatic pop at its finest, while "Visionary Road Maps" is lovely and mysterious, changing gears two-thirds of the way through from a insistent yet somehow bittersweet groove to a slower, slightly spooky coda. The more experimental and downright playful moods of Stereolab are also represented, respectively, by "Widow Weirdo," a quick-shifting track that has an odd, almost ugly little guitar lick as its only constant, and the fizzy, revved-up "Vodiak." After hearing Fab Four Suture in its album form, the EPs tend to feel like puzzle pieces without any instructions; on their own EP, the two parts of "Kybernetica Babicka" felt slight and disappointing, but they work well as the album's opening and closing themes. Even more than Margerine Eclipse, Fab Four Suture sounds like Stereolab has adapted � if not fully healed � from the loss of Mary Hansen, and it's fitting that the group's first full-length album for Too Pure in over a decade finds them consolidating their strengths rather than completely reinventing their sound.

(by Heather Phares, All Music Guide)

For almost any other label � even underground, independent ones � an album such as this would be viewed as willfully obtuse in its lo-fi production and casual enigmatic minimalism. For K Records, it's just another day at the office. And for Khaela Maricich, the singer/songwriter synonymous with Blow, these nonchalantly homespun songs are actually a slight expansion of the approach she used when she was releasing her work under the name Get the Hell Out of the Way of the Volcano. Maricich sings inscrutable, slightly child-like, seemingly off-the-cuff tunes about chocolates, people who bury themselves in the air, and making out to a H�sker D� record (the last of which is actually a cover of a song, "Jet Ski Accidents," by fellow K artist Wolf Colonel). Although this might have the feel of a particularly arty improvised living-room session among friends, the arrangements are actually varied if extremely stark, with the skittering electronic tones, the funereal organ, basic guitar, primitive bossa nova, or handclaps serving as bare-bones musical beds. Too, Maricich often overdubs vocals upon herself to create eerie, slightly dissonant harmonies that can make her sound roughly like a lo-fi counterpart to some of Laurie Anderson's more accessible work. This has its modest rewards for those looking for sounds that are both humble and intensely personal, though it's really more of an EP than a "bonus album," its nine songs falling just shy of 20 minutes in length.

(by Richie Unterberger, All Music Guide)

EP mit vier zuvor unveröffentlichten Tracks der Nordschweden.

Ihr Debüt Album "Inland Traveller" wurde 2001 sowohl vom Publikum als auch von den Medien gefeiert: "Als hätten Coldplay und Calexico mit Will Oldham eine schier endlose Fiesta gefeiert ... Melancholie der einsamen Straße, endlose Weite der Steppe Schwedens, ich komme!" (Visions 10 / 01)

Neben der Auskopplung "Talkin´ Backward Masking Blues" sind auf der EP vier bislang unveröffentlichte Titel zu finden.

For their sophomore release, A Silver Mt. Zion has expanded and changed their name, adding three more members to make the original trio of Efrim, Thierry, and Sophie from Godspeed You Black Emperor! a sextet at their core, plus the addition of a huge horn section (one heavily overdubbed contributor on trumpet and trombone) and various others lending vocal, atmospheric, percussive, and textural support. The three new members � Becky, Jessica, and Iain � fill out the band's sound with a denser string presence, which creates a backdrop for piano and eventually, electric guitars and drums. This band is like the mirror image of Godspeed You Black Emperor!; things evolve more slowly and melodically, and they open onto themselves. One example is the opener, "Sisters! Brothers! Small Boats of Fire Are Falling From the Sky!," where a lone violin and piano are eventually engaged by more strings and high, whining guitars that grow out into chord progressions that build on the ostinato of the theme but never, never explode. On "Could've Moved Mountains," the strings open up sad vistas in the heart of sound itself and are caressed by a guitar streaming, ever so slowly, along the underside of the mix before it reshapes the tune in its own image. This is music constructed with the same sense of dynamic and attention to detail, from echo and flange to masked vocals and the shimmer in cymbals, but it is so stunningly, heartbreakingly beautiful in its unfolding that for it to reach any other conclusion than to fall apart or disintegrate at the end of each piece would be to violate it somehow. As it is, the music on Born into Trouble as the Sparks Fly Upward is devastating in its beauty and ghostly in its articulation. We can only wonder what spirits came from the ether to inform this vision, and be glad they did.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

"Morning Lake Forever" ist ein gutes Beispiel f�r die Kreativit�t von DS-Mastermind Chris Hooson, der immer drei Projekte gleichzeitig am k�cheln h�lt. Ob er denn nicht eine 7"-Single auf einem spanischen Label machen k�nnte, fragte er eines Tages an. F�r uns kein Problem. Ziemlich schnell wuchs das Projekt zu einer 35-min�tigen 7-Track-CD (die 10" hat 6 St�cke), die wir nun praktisch mit Houston Party Records zusammen ver�ffentlichen.

Eine Art Zwischendurch-Album also, aber was f�r eins. Es beginnt mit dem wahrhaft epischen "Chapel Rain", neun Minuten Dakota Suite in all seiner strahlend-melancholischen Sch�nheit. Auf "Turk 1", einem leicht jazzigen, sehr rhythmischen Instrumental folgt "Your Vigour For Life Appals Me (Part 1)", ebenfalls ohne Worte und zart hingetupft mit einigen Pianot�nen. Diese and�chtige Stimmung wird bei "The Streets Were All I Saw" erhalten, kreirt nur von Gesang, Piano, Cello und Violine. F�r mich absolute Nick Drake-Magie.

"Lesseps" ist ein weiteres Instrumental, mit E-Piano und r�ckw�rtslaufenden, wohlklingenden St�rger�uschen - und Twin Peaks/Angelo Badalamenti pur. Mehr "Pink Moon"-Feeling schlie�lich bei "Because I Could Not Wait For Death", einer Bukoswki-Vertonung (andere Version als auf OOTB 7). Der CD-Bonustrack "About When We Met" ist ein weiteres 4-min�tiges Piano/Cello-Instrumental, nur wenige T�ne zu fragiler Sch�nheit aneinandergereiht.

Auch wenn "Morning Lake Forever" auf den ersten Eindruck aus mehreren Elementen zu bestehen scheint, die Teile f�gen sich sehr schnell zum durchg�ngigen H�rgenuss zusammen. Perfekt f�r Regentage wie heute und damit perfekt f�r 2/3 des Jahres. New Depression.

Die CD ist in ein sehr sch�nes Pappcover verpackt. Beide Formate kommen in Deutschland nicht in den Handel und sind nur �ber den Glitterhouse Mailorder zu beziehen.

(Glitterhouse)

The Any Day Now EP" ist die dritte EP der Rock-Band aus Manchester, bevor sie 2001 mit "Asleep in the Back" ihr erstes Studioalbum in voller Länge veröffentlichten.

Ken Stringfellow, one half of Seattle's Posies, recorded his first solo album in the first half of 1997 in his own home. One of the first things you notice about This Sounds Like Goodbye is the roughness of it; it is a definite departure from the highly polished, layered sound of the Posies. This Sounds Like Goodbye is Stringfellow experimenting with different instruments and synthesizers and playing outside the confines of the power pop genre of the Posies. The opening track, "Here's to the Future," sounds almost like it's being played back on a scratchy record player instead of a CD. The more experimental songs, like "Unfortunate Threnody," are an interesting change from Stringfellow's usual style. Upon first listen, the synthesizers and looping in these songs come unexpectedly and seem to last too long ("Trans-Potato" goes on for four minutes). Songs like "Take Care," "Your Love Won't Be Denied," and "Too True" are devastatingly beautiful with bittersweet lyrics, and make This Sounds Like Goodbye well worth its cost.

(by Laurel Greenidge, All Music Guide)

Every Day Is a Holly Day features 17 tracks compiled by French record executive Patrick Math� to commemorate the 30th anniversary of the passing of Buddy Holly. It is a tremendous success with just about every act delivering the goods. Red River's "Rave On" moves like a sensitive Ramones � if there ever was such a thing � following "Words of Love" from Shoes, a cascading Flamin' Groovies-ish '60s pop offering. Elliott Murphy with Modern Lover Ernie Brooks does a nice "Everyday" while Willie "Loco" Alexander wonderfully distorts "Baby Won't You Come Out Tonight." A six-page photo booklet featuring the credits accompanies the CD with heartfelt liner notes from producer Math�. It's great to hear Frank Rowe and the Classic Ruins give a Bobby Fuller Four rendition of "Love's Made a Fool of You" to the world along with Box Top Alex Chilton producing Lolitas' "Not Fade Away." Tav Falco's Panther Burns, Chris Bailey from the Saints, session guitarist extraordinaire Chris Spedding on a great "It's So Easy," the Slickee Boys, and others may be reverent in their approach, but they also inject a lot of fun into the tribute. So many flavors in this mix add a new dimension to Holly's music, making the sounds easily accessible for those who have had little or no exposure to Buddy's genius. Effective and very worthwhile.

(by Joe Viglione, All Music Guide)

This seven-song EP originally was released as a 10" record. It's a charming collection featuring Billy Strayhorn's standard "Lush Life," as well as the Left Banke bit "Walk Away Renee," which should give some sense of Jones' breadth. A minor, but enjoyable change of pace.

(by William Ruhlmann, All Music Guide)