Der Chef der Silos 1993 live im Cactus Cafe zu Austin. Mit voller Band, u.a. Scott Garber am Bass, Kris McKay als Background-Sängerin, Ignacio Salas-Humara (Maracas) & Rich Brotherton (git/mandoline), im „Unplugged“-Setting für den Radiosender der University Of Texas aufgenommen, erstklassige Qualität.

(Glitterhouse)

Unser Lieblings-Australier live aufgenommen in Modena, Italien, am 11.Januar 1994. Neben Race-Originalen auch Coverversionen von John The Revelator (House), Send Me Your Pillow (Hooker), Dirt Road (Burnett) und Spirit World Rising (Johnston). Intensives Solokonzert, hört sich wg. div. Gimmicks (Tapeloops, gesampelte Riffs) nach mehr als einem Musiker an.

(Glitterhouse)

I could probably have you believe that, given the recent winter weather watch-storm-event-tracker mania of the Eastern half of the country, I'm huddled over a steaming Hot Pocket in a room barricaded by rock salt, Woderbread, and empty milk containers. I'm not. It's a balmy 68 degrees in my room and I'm trying to avoid the UCON-Syracuse basketball game. In it's own dramatically pathetic way, it's worse. (The Huskies (6) are getting pummeld by the Wildcats (5) at the half, by the way. It's not that I don't like sports - don't get me wrong. It's just tat it's not baseball season - why am I explaining this?)

So anyway, there's this new Steve Wynn (late of Dream Syndicate) release, Take Your Flunky and Dangle. I'm not sure what a flunky is, but it's dangling, I assure you. Compiled from more than a decade of outtakes B-sides, and rare cuts, the 11 songs on Flunky (sorry, it's an addictive word) are a monumentally uninventive buch: garage-band folk melodies, undeveloped lyrics, simple arrangements. But it's quite good. Flunky, even. Why? Because aain, simplicity resonates. It's easier to become attached to a song that isn't drowning in studio jizz becaus it crawls under your skin in a less layered way. And it's Wynn's gentle whiny drawl, like your 8th grade history tacher strapping on a guitar and playing on top of his desk, that sells you. With traces of Dylan, Tom Petty, and the occasional Jim Morrison roar, Wynn's voice is more pleasing than that mixture probably sounds like it would be.

But it's in the 2am liquored-up barroom venue that Wynn's songs reach their full emotional, raw intention. "The Subject was Roses" almost seems to beg Bud bottles to be raised above the head in a misguided choral sing-a-long. The grizzly sound of "The Woodshed Blues," recorded from a KCRW radio performance in 1987, is like vintage Dylan or Lou Reed. And the deceptively intentioned "Closer" is laced with Wilco on all sides, and its innocent enticement is impossible to resist, juvenile or not.

Take Your Flunky and Dangle is no transcendent grace. The songs hardly sound contemporary or timeless. But the bar was probably never that high, and the result is a warm, sincere collection of songs that prevail over their own fragility. Too bad UCONN can't say the same.

(by Steve Lichtenstein, www.popmatters.com)

6 Tracks des Sängers/Songwriters/Poeten und Indianerrechtlers live im Hamburger Knust von 1994, darunter das Woody Guthrie-Cover „This Land Is Your Land“, im Quartett mit Moontie Singuah, Jimmy Vickers und Garret Tailfeathers. Tracks 7 bis 9 mit der Wild Band Of Indians im Studio aufgenommen.

(Glitterhouse)

Mailorder Only des experimentierfreudigen Quartetts aus San Francisco, das so unterschiedliche Assoziationen wie Meat Puppets, Raincoats, Captain Beefheart, Faust oder frühe Pavement hervorruft.

(Glitterhouse)

Ein verrücktes Stück Musik dieses Trios aus San Francisco. David Tholfsen, Margaret Murray und Brian Hageman mit ihrer ganz eigenen Interpretation von Country. 9 Stücke von 1995, zwei von 1990 (mit 1x Ralph Johnson und 1x Paul Bergmann an der Gitarre) und zwei von 1991. Es finden sich auch 2 Traditionals und Songs von Hank Williams und Dolly Parton.

(Glitterhouse)

U.S. Saucer's sleepy brand of rock is a mix of Red Red Meat's raw production and slurred vocals, with Morphine's sense of the experimental and the unconventional. Whereas Morphine is a trio without a guitarist, U.S. Saucer is a trio without a drummer.

The San Francisco-based band (which consists of singer/bassist David Tholfsen, singer/guitarist Margaret Murray, and Brian Hageman on guitar, vocals, and viola) produces an original take on blues/country/folk. Although Tholfsen's vocals certainly are an acquired taste (a mix of moaning and yodeling), music fans searching for the cutting edge and the uncommon will be in for a pleasant surprise. The band has released a total of three full-length albums for Amarillo Records — 1992's My Company Is Misery, 1994's Tender Places Come From Nothing, and 1997's Hell, Yes! — and have also appeared on a handful of compilations for small labels in countries such as Germany and Canada.

(by Greg Prato, All Music Guide)

Tracks:

1. Penelope Houston: Nina
2. Cordelia's Dad: Rambling Beauty
3. Fellow Travellers: Salt Of A Fallen Tear
4. Louis Tillett & Charlie Owen: Midnight Rain
5. Dave Schramm: A Woman's Name
6. Giant Sand: The Replacement
7. F.S.K.: Ramblin' Man
8. Walter Salas-Humara: The Sound Next Door
9. Hannah Marcus: The Fulda Song
10. Hugo Race: Saw The Lights Go By
11. Steve Wynn: Crazy Feeling
12. Chris Cacavas: I Like Lyle Lovett
13. Keith Secola: Zogipon
14. Bedlam Rovers: Sweet Talker
15. Gutterball: Last Call Comes Mighty Early 'Round Her
16. Sonya Hunter: Hindsight
17. Epic Soundtracks: Tonight's The Night
18. Thinking Fellers Union Local 282: Green Eyed Lady
19. U.S. Saucer: Size It Up

Alejandro Escovedo, Michael Hall und Walter Salas-Humara zusammen als Trio, live aufgenommen bei ihrem ersten und einzigen Auftritt als The Setters anläßlich der Berlin Independence Days 1991, Walter spielte damals Perkussion auf einem Koffer! Zu gleichen Teilen Stücke der drei Autoren plus eine stürmische Version von Iggy´s „I Wanna Be Your Dog“.

(Glitterhouse)

18 Songs/65 Minuten aus den Jahren 1984 bis 1994. J Neo und Mick Freeman werden unterstützt von einigen Bassisten, mancher Violinistin und einer Mandoline. Sozusagen eine Raritäten-Compilation, die den langen Weg der Band dokumentiert.

(Glitterhouse)

6 Stücke, B-Seiten, ein David Bowie-Cover (Golden Years), alternate versions und ein eigens für diese EP eingespieltes Stück, Material von 1989 bis 1997. Ca. 27 Minuten Musik.

(Glitterhouse)

"Stäfa/CH" ist der Mitschnitt eines Live-Konzertes aus dem Kulturkarussells Rössli in, genau, Stäfa. Das liegt am Zürichsee, übrigens.

Aufgenommen im Oktober `99, ist dies nicht ein üblicher, liebloser Live-Mitschnitt - lebendig zwar, aber diszipliniert, in 1A-Qualität. Was in diesem Zusammenhang bedeutet, dass LIWA in all seiner Klarheit und verzweifelter Rechtschaffenheit pur und unverfälscht präsentiert wird. Solo. Der Königsweg: Ein Mann, eine Gitarre, ein ganz kleines bisschen Piano, ein Herz und Lieder. Lieder von unaufdringlicher Grösse, Lieder, die dem Hörer unvermittelt seinen Platz als Krümel im Kosmos zuweisen. Ohne dies wirklich zu wollen. Man wird unwillkürlich demütig, wenn LIWAs Persönlichkeit sich durch seine Songs offenbart. Immer schon war es eine Glaubensfrage unter den Begeisterten: ist Tom nun mit Band oder doch eher ganz allein, ganz auf sich selbst bezogen, der wahre LIWA. Die Antwort: Es geht beides. Aber solo, das kann ich Euch sagen, ist der Mann nicht einer von vielen im Paradies der Ungeliebten.

Seitdem er anno tobak mit den Flowerpornoes das krude, an Realitäten und emotionalen Machbarkeiten geschulte eher un-dramaturgische Element in ein ansonsten sich eher durch Stile definierendes Pop-Umfeld einbrachte, habe ich mich immer mal wieder für ihn interessiert. Immer war er weniger schnoddrig/lakonisch als Tilman Rossmy, weniger abseitig/cool als Nils Koppruch, weniger, nunja, Pop-Diskurs als Jochen Diestelmeyer. Mamas Pfirsiche, mein Gott, dieses Cover. Und überhaupt: Habt ihr TOM LIWA mal live gesehen? Immer eine Freude. Ich durfte ihn zuletzt beim Haldern Open Air auf einer grossen, grossen Rockbühne erleben. Ganz alleine stand er da, zur besten Zeit. Spielte zwischen all den lauten, hippen, mindestens achtköpfigen "Acts". Und selten habe ich jermanden eine solch haarsträubende Situation mit solcher Würde meistern sehen. "Abgeklärtheit" ist da das falsche Wort, es hatte fast etwas Sprirituelles, wie die Menschen ihm tatsächlich zuhörten, nicht nur, weil er, so einsam und verlassen, ihnen in diesem Rahmen u.U. leid tat. Ich & ich eben. Er hat es einfach gemacht.

Auf "Stäfa/CH" sind die Bedingungen andere, einfache. Sein Terrain. Er lässt sich nicht zu Routine hinreissen. Er ist ganz da. Auch hier ist LIWA der zarte, kleine grosse Mann. Der keine Aussage darüber zulässt, ob er nun nach wie vor verletzlich Leid zu Lied macht, oder ob er, gestählt durch das Leben als solches, mit allem, was so dazugehört, sich in einem sakrosankten Taumel wiederfindet. Hatte man bei Christian Brückners Version von "Wir haben die Musik" (gesprochenes Wort, auf LIWAs letztem Album "St. Amour") irgendwie störenderweise den DeNiro vor sich, war das also immer etwas zu viel des Guten, so hört man hier LIWA selbst wirklich zu, ohne abstrahieren zu müssen. Das ist Wahrhaftigkeit, wie sie nur wirklich Gute auszeichnet. Sonst noch: "Stunde des Zweifels", aus dem Ungeliebten-Paradies bekannt. Und eine Auswahl sehr stilsicher dargebotener Coverversionen, Nick Drakes "Northern Sky" etwa, oder zwei eher weniger populäre Songs von eher sehr populären Grössen: Dylans "New Pony" (von "Street Legal") und Neil Youngs "Little Wing" (von "Hawks & Doves"). Zehn weitere unbekannte oder neue LIWA-Originale, einige davon eher Miniaturen, einige ausgearbeitete Geschichten, sind hier nie "für die linke Spur zu langsam, für die rechte Spur zu schnell". Ein durch und durch schönes Album. Wie der Mann, so sein Werk: Würdevoll und gross.

Die Welt: Bereichert.

(Glitterhouse)

Seine Alben gehören zu den Perlen der Return To Sender-Mailorder-only-Reihe; kein Zweifel, dass auch diese exklusive Live-Aufnahme die Tradition fortsetzen hilft. Mitgeschnitten am 14. Juni 1999 im The Basement, Circular Quay, Sydney, bietet die Aufnahme Louis Tillett in allen Schattierungen (von düster-grau bis optimistisch hellgrau): Im Duett mit Charlie Owen, im Sextett (mit Penny Ilkinger, E-Gitarre; Jim Dickson, Bass; Nick Fisher, Drums und Dianne Spence, Tenor-Saxophon) oder in Breitwand-Stärke (mit zusätzlichen Bläsern und einer drängelnden Hammond-Orgel). Ähnlich vielseitig stellt sich auch die Stilbreite des dargebotenen Repertoires dar: da läßt ein kraftvoller Rhythm'n'Blues seine Muskeln spielen, wird dem nächsten Stück gehörig Groove & Soul eingehaucht, verwandeln ausgedehnte Instrumental-Passagen ein Lied zu fließendem Fusion-Jazz, läßt ein Gitarre-Klavier-Duett fragile Intimität regieren. Vor allem aber erkennt man einmal mehr, dass dem Tillett'schen Liedgut das Live-Moment eine weitere Lebensebene verleiht - sei es durch neue Arrangements, durch das lebendige Gruppen-Spiel, durch den Kontakt zum Publikum. Und dann darf auch der ein oder andere optimistische Moment durchscheinen. Natürlich wird dadurch die Weltsicht des Hünen dadurch nicht unbedingt bunter. Der Grundton bleibt skeptisch-düster-verhangen, die Trauer des Augenblicks wird ausgekostet, im melancholischen Bild ist immer genug Platz, sich zu aalen. Aber die musikalische Vielfalt, mit der Tillett seinem Bild der Welt hier Ausdruck verleiht, ist einfach beeindruckend. Wobei den Instrumental-Passagen viel Platz eingeräumt wird, die 11 Lieder werden in komfortablen 64 Minuten dargeboten, kaum ein Song vergeht, ohne dass die Instrumente angemessenen Raum zum Ausdruck gefunden haben. Sei es das Klavier, das leise Arpeggien tropfen läßt; die akustische Gitarre, die vorsichtig-zurückhaltend die dunkle Stimme umrahmt oder die E-Gitarre, die wütend-verzerrt und doch bestimmt die Grenzen ihrer Ausdrucksmöglichkeit sucht oder das Saxophon, das in längeren Improvisationsphasen freie Assoziationen schweben läßt: Tillett-Konzerte sind auch und vor allem Thema für Musiker und Freunde variablen Instrumentalspiels. Wenn auch nicht aufdringlich, so merkt man doch die musikalische Geschichte des Künstlers, den Werdegang vom klassischen Klavierspieler über den Jazz und Blues hin zum Rock und Pop der australischen Independent-Szene.

Auch live setzt sein Klavier Zeichen, bleibt aber stets Instrument einer Band-Besetzung, spielt sich nicht in den Vordergrund, ist Bestandteil der selten starren Gesangsbegleitung, öfter noch Teil der langen gemeinschaftlichen nie zu selbstzweckhaften Improvisationen. Und doch - bei all der musikalischen Fülle, den Freiräumen, die der Band gelassen werden - Tillett bleibt auch ein Songwriter, einer der Geschichten erzählt, einer, der von düsteren wahren Sachen in schönen Melodien zu singen weiß. Dabei ist seine Stimme sonor-schmeichelnd, erinnert manchmal an die dunklen Töne John Cale's, gibt sich aber voller, melodischer und fügt sich warm in das harmonische Ganze. Und bewegt sowohl in den leisen Momenten zwischen Klavier und Gitarre als auch wenn die gesamte Band inklusive 3-Fach-Gebläse richtig aufdreht.

Die CD gehorcht dabei einer durchstrukturierten Dramaturgie; beginnt zurückhaltend intim mit Tillett und Owen, wandert durch verschiedene Stile und Besetzungen, streift auch World-Music-Elemente, nimmt an Energie und Dynamik zu, um schließlich bei den letzten Stücken über sich selbst hinauszuwachsen. Da wird es dann richtig schön breit arrangiert und kann den offenen Hörer wohlig überfahren. Und nach dem Genuß kann man sich dann zurücklehnen, einen Moment innehalten, ruhig durchatmen - und mit den leisen Tönen von Midnight Rain wieder von vorne anfangen.

(Glitterhouse)

Return To Sender-gewohnt gewandet in einen dunkelbraunen Digipak. Am 10. April live mitgeschnitten in Barcelona, eingespielt im Trio Walter Salas-Humara (voice & guitar), Andrew Glackin (bass, lap steel, voice) und Konrad Meissner (drums, voice), der neuen Silos-Mannschaft, beschränkt sich das Repertoire ausschließlich auf Salas-Humara Stücke (mit einer halben Ausnahme).

Seit dem Ende der 70er tummelt sich Walter Salas-Humara in der US-Independent-Szene, spätestens seit Mitte der 80er setzt er mit seinen Silos deutliche/hörbare Akzente und ist vielleicht nicht ganz unschuldig am Revival des US-Gitarrenrocks. Seine Band durchlebt zahlreiche Höhen und Tiefen, einen kurzen Major-Abstecher eingeschlossen, seine Heimat aber bleiben die Indies. Trotz einiger Ruhephasen waren die Silos nie wirklich weg, alle 2 Jahre kam ein neues Album, und da stößt man – wenn man einen suchen möchte – auf den Knackpunkt in Salas-Humaras Historie: Seine fehlende Konstanz als Songwriter. Stets finden sich auf seinen Vollwerken zeitlose Perlen wie Susan Across The Water, oft aber finden sich dort auch Füller, die seine mittlerweile bekannten Ideen nur ein weiteres Mal aufkochen.

Warum dann ein Live-Album?

Weil hier einfach alles paßt. Hier schließen sich Kreise, hier fließen die Stärken und Qualitäten Salas-Humaras zusammen, hier zeigt er – reduziert auf das notwendige Minimum – was wirklich in seiner Musik steckt: Kraft, Originalität, Leben.

Zu Hilfe kommt den wieder einmal neu erstandenen Silos dabei die Reduzierung auf die Trio-Besetzung: Drei nahezu gleichberechtigte Musiker agieren bei dieser Aufzeichnung auf der Bühne nebeneinander, setzen solistische Glanzlichter, funktionieren perfekt im Team. Während Salas-Humara die Gitarrenarbeit leistet – leise gezupfte Akkorde bei Susan Across The Ocean, der leisen wie würdigen Zugabe, kräftige Akkorde bei dem Latin-Rock Porque No oder mit dem Verzerrer auf 11, wenn es richtig zur Sache geht – sorgen Andrew Glackin und Konrad Meissner nicht nur für den abwechslungsreich sauber gewobenen Rhythmusteppich: Mit versiertem wie erfahrenem Spiel heben sie die “Begleitung” über die reine Funktion hinaus, lassen feine Nuancen einfließen, sorgen für Druck, wo er hingehört und zeigen schließlich, dass Bass- wie Schlagzeug-Solo nicht nur heute noch funktionieren können, sondern vor allem ohne Bruch in ein gutes Rock-Album passen.

Was auch bestens aufgeht, ist die Wahl des Live-Repertoires. Die Silos graben in ihrer, an Songs nicht armen Geschichte, um dabei aus den letzten 20 Jahren die Perlen zu fischen. Songs, die – egal ob hefttigst rockend oder von angenehmer Ruhe getragen – von bodenständigen Harmonien getragen werden und von ihren unnachahmlich ansteckenden Melodien leben. Die nicht nur mitunter einige Jahre unbeschadet überstanden haben, sondern hier auf der Bühne, in der neuen Besetzung, in der lebendigen Atmosphäre des Konzerts zu neuem Leben erwachen.

Kein Ausfall, kein Füller, hier wird mit Qualität geklotzt. Und man versteht, warum der Rolling Stone die Band 1987 zur Best New American Band kürte, warum die Kritiker auf die zahllosen Vergleiche mit u.a. John Hiatt, Los Lobos, John Mellencamp, CCR, Gram Parsons, Neil Young stießen. Ist alles hier, hörbar versammelt, und doch nur, um die eigenen Stärken zu feiern, die wohlverteilt auf die Bühne gebracht werden.

Vom eröffnenden Eleanora mit dem rockenden Refrain über Latin-Beeinflusstes und rhythmisch Mitreissendes bis zu Country-Infiziertem und der balladesken Ruhephase ist einfach alles da, was Spaß macht. Aber auch wenn es mal ganz intim und leise wird, auch wenn eine Lap-Steel weitere Farbe bringt und der Bass blumige Figuren einfließen läßt: Es geht hier um Rock. Gitarrenrock. Handgemacht. Und mit mitreißendem Druck gespielt.

(Glitterhouse)

Die erste wirkliche Live-Dokumentation des vielköpfigen Projektes aus San Francisco, ein einziges, 15-Track und 73 Minuten langes Plädoyer über die Vorzüge der Live-Musik. Auch wenn in der Post-Produktion noch elektronische Hand angelegt wurde – wobei aber ausschließlich Live-Material verwendet wurde – zeigen sich bei den in verschiedenen Örtlichkeiten in San Francisco und Berkeley zwischn 1999 und 2001 mitgeschnittenen Stücken die ganze Kraft des vor Musikalität strotzenden Konglomerats eigenwilliger Künstler. Wirkt ihre Mischung von Rock und Jazz, Fusion und Kraut, Elektronik und Psyche im Studio noch manchmal etwas gewollt artifiziell, geht es auf der Bühne richtig ab.

Hier kommt zusammen, was zusammengehört, mischt sich jazzige Improvisationsfreude mit vielfältigen Grooves (phantastisches Schlagwerk, mag unter Umständen gar an Santana oder an In-A-Gadda-Vida erinnern), Kopfnicker-Funk mit ausschweifenden Psyche-Passagen, gibts wunderbare Solo-Passagen für jeglichen Instrumentalisten und ein Zusammenwirken von Cornet und Posaune, dass es auch den Freund von groovigem Gebläse a la 15.60.75 erschauern läßt. Und wenn dann Bass und Drums verspielt bis drängelnd vor sich grooven, die Gitarre jazzige Akkorde rhythmisiert und die Orgel zum Flug abhebt – da muß man schlicht & einfach mitgehen. Insgesamt waren 15 Musiker in unerschiedlichen Besetzungen an den Aufnahmen beteiligt, stets um den harten Septett-Kern, produziert hat Patrick O’Hearn.

(Glitterhouse)

Seit ihren Vogelbeobachtungen waren uns Nils und seine Band ans Herz gewachsen. Später sowieso, als wir die Musiker als Menschen näher kennenlernen durften und sie mit zu unseren OBS-Dauergästen zählten. Aber schon vorher, als das eigenartig Spröd-Trockene ihrer Country-Vision durchs Zimmer wehte, als man sich auf einmal nicht mehr schämte, bei etwas mit deutschem Text voll Inbrunst mitzusingen. Auch wenn es fast unmöglich ist, Nils Melodie- oder auch Un-Melodiebögen stimmlich exakt zu folgen. Da legt man sich doch lieber zurück und genießt die Geschichten, die Gedanken, die Szenen, die kaum jemand so plausibel in Liedtexte fassen kann wie der Fink-Kopf. Und egal, ob Fisch im Maul oder Hund im Hof: Fürs eigene musikalische Langzeitgedächtnis waren die Fink-Platten von folgenschwerer Bedeutung. Was man kaum zu hoffen glaubte, bestätigte sich dann spätestens beim ersten Konzertbesuch (wenn man nicht vorher schon von begeisterten Stimmen vorbereitet war): Americana in deutsch funktioniert auch und gerade live.

Gute Idee also – und klarer Fall von „wurde aber auch Zeit“ – mit einem Live-Album das Konzerterlebnis zu konservieren. Um aber der Fink-Vielseitigkeit gerecht zu werden, entschloß man sich, nicht ein Konzert aufzuzeichnen, sondern das Tourjahr 2001 zu begleiten und aus dem Material ein Album zusammenzustellen, das die Band sowohl in kleinem Rahmen zeigt als auch beim großen Abschlußkonzert im Hamburger Schlachthof. So fallen die prophetischen Worte von Nils, dass man hier der Entstehung eines Live-Albums beiwohne, in eine Atmosphäre von stickiger Luft, Zigarettenqualm & Biergespräch; spürt man bei Stücken wie „So faß ich’s an“ förmlich die räumliche, fast körperlich Nähe zwischen Fink und Fan; fühlt man bei anderen Stücken die weite Luft größerer Hallen, die den runder, voller gewordenen Arrangements Raum zur akustischen Entfaltung geben.

Wieviele heimliche Hits die Jungs schon in unsere Hirn gebrannt haben, wird einem beim Anhören der 74 Minuten erst richtig bewußt: Meine Braut schleicht sich wieder leise-morbid in das Ohr, luftig-leicht macht man einen Strich In Den Tag, der Hund läßt in der Live-Version die Vision eines Sonnenuntergangs vor dem geistigen Auge entstehen, Runter Vom Pferd wird mit Trompete zur Calexico-Hommage, der Fisch Im Maul groovt jetzt rollend durch den Kopf, der Messerkampf ist purer Crime-Jazz der schwarzen Serie. Und Er Sieht Sie An, Herz Aus Holz oder Wenn Du Mich Suchst sind sowieso gute alte Bekannte geworden, die ein seliges Lächeln zu erzeugen wissen.

Bei den Arrangements zeigen sich Fink Dank größerem Instrumental-Angebot weit vielseitiger als in den frühen Tagen: Da blitzen Trompeten auf und ein Harmonium verleiht „Irgendwann Regen“ eine fast sakrale Stimmung. Aber auch die neuen Versionen atmen diesen eigenartigen Charme, der schon bei dem Debut den Ungläubigen bekehrte. Und es ist schlicht Charme, der aus diesen Stücken strahlt, aus der unbekümmerten Verbindung von fernheimatlichen Wurzel-Klängen mit heimischem Idiom ohne dabei ins Straucheln zu geraten, sondern vielmehr eine entwaffnende Glaubwürdigkeit zu gewinnen. Und so fehlt bei manchen naturbelassenen Stücken mit Gitarre, Bass, Schlagwerk, Fiddle & Melodica nur noch ein eingejauchztes Yee-Ha, um das Bild abzurunden.

(Glitterhouse)

Frankfurt / Main: „Alles Scheiße in Hamburg – Fink im Nachtleben”

„Die Richtung kommt von vorn entgegen”, singt Nils Koppruch. Vorn steht jedenfalls die Hamburger Band Fink auf der Bühne des Nachtlebens (Frankfurt). Obwohl sie aus der Hansestadt kommen, haben die fünf Musiker mit der sogenannten „Hamburger Schule” musikalisch nichts zu tun. Gerne werden sie in die Country-Ecke gesteckt, aber das Banjo und die Steelguitar spielten beim Konzert eine eher untergeordnete Rolle. Dem Franfurter Publikum präsentierte sich Fink rockiger als auf den bislang vier erschienenen Studioalben. Stellvertretend für Finks melancholische Seite standen die Songs „Wenn du mich suchst” sowie die letzte Zugabe „Dass sie weiß”. Koppruchs Erzählstimme, flankiert von einer vorsichtigen Gitarre, Kontrabass und Drums, traf auf eine fanfarenartige, aber tief sehnsüchtige, von Martin Wenk gespielte Trompete. Da durfte man schon ungeniert den Tränen freien Lauf lassen. Für eine geplante Lice-CD wurde das Konzert im Nachtleben mitgeschnitten. Dumm nur, dass Nils Koppruch während der ersten Zugabe „Ich kümmer mich darum” prompt einen Texthänger hatte und vorher schon eine technische Panne überbrücken musste. Mit gekonnter Improvisation brachte er jedoch die Konzertgäste zum Lachen und sammelte jede Menge Sympathiepunkte, genauso wie die ganze Band mit ihrer Musik.

(Frankfurter Rundschau, Gérard Otremba)

Einsame, tief sakrale Orgelklänge empfangen uns im ersten Stück, nicht minder von Einsamkeit erfüllte Gitarrennoten folgen und stimmen uns ein auf die „verkohlten Reste eines Brandes“. Für ihren Return To Sender-Beitrag haben die Spanier 10 Stücke ihrer ersten drei Studioplatten neu eingespielt – zum einen, weil die Stücke während der langen Monate auf Tour gewachsen waren, zum anderen, weil mit Nacho Vegas ein neues Mitglied zur Band gestossen war, der dem Klang der Migala-Werke eine kantige, kräftige Note hinzufügte. Und so folgt den beiden Instrumenten des Anfangs bald ein Akkordeon und ein Schlagwerk, erheben sich bald alle gemeinsam zu einer wütenden Welle, die Gitarre wächst und beherrscht das Feld, bis alles in einer flirrenden Gischtwolke auseinandertreibt. Wie in diesem Start-Instrumental scheuen Migala mehrmals nicht die Überschreitung der 7-Minutengrenze, und lassen noch öfter diesen Wellen-Berg bis zum orgiastischen Klangrausch sich erheben, der in dieser Form von Bands wie God Speed You Black Emperor gepflegt wird.

Glaubte mancher bei sporadischem Hören der letzten beiden Studiowerke, die Spanier seien – auch wegen ihrer intensiven Bindung zu dem Mann – nicht viel mehr als eine, zwar gekonnte, aber dennoch ausschließliche Will Oldham/Palace Brothers-Kopie, so bekommt er hier die Vielfalt, die Größe, das Vermögen dieser Band schlicht um die Ohren gehauen. Im schleppenden Walzer, vom immer wieder prägenden Akkordeon geführt, fällt man in düstere Schwermut und fühlt sich wie bei den Tindersticks (nur ohne Zigarette); andere große Balladen wärmen die dunklen Seiten des Herzens ebenso wie es die langsamen Madrugada-Stücke tun.

Die meisten Lieder erklingen diesmal in englischer Zunge, spanische Worte gibt’s gesprochen in zwei atmosphärischen Breitwand-Epen – Soundtracks zu Western, in denen es von Verlierern nur so wimmeln müßte. Aber glücklichen Verlierern. Und immer wieder wird das Herz berührt von den einsamen, schwermütigen Stimmungen, nur von Gitarre, Akkordeon, manchmal Mundharmonika, schleppendem Schlagwerk und oft brüchiger Stimme erzeugt, ebenso wie von den Momenten, wo sich die Band wie im Rausch aufbäumt zu mächtigen Klanggemälden mit überdrehter Gitarre und friedenstiftenden Akkordeon-Klängen.

Als wollten Migala mit den 10 Stücken beweisen, dass es für diese Form der tragisch-tiefen Americana der spanischen Herkunft bedarf, wird hier mit den großen Gefühlen derart lässig gespielt, dass es eine Freude ist. Oder eben zum Heulen, je nachdem.

(Glitterhouse)

Ein guter alter Bekannter liefert das Material für die Return To Sender 38. Im Quartett daheim eingespieltes reines Songwerk, Cacavas-Originale mit einer Ausnahme: Lou Reed’s Satellite Of Love. Cacavas, der sich hier neben dem Gesang, Gitarre-, Keyboard- und Harmonica-Spiel auch einer „annoying toy trumpet“ widmet, wird von seinen Begleitern des aktuellen Albums Bumbling Home From The Star unterstützt: Brandon Laws (drums, percussion, spontaneuous hand claps), Jesse Wilder (electric guitar, b-vocals) und Ed Kampwirth (electric and wah bass, b-vocals).

(Glitterhouse)

13 Stücke aus den Sessions zu dem Minus 5/Young Fresh Fellows-Split-Album Let The War Against Music Begin, basierend vor allem auf der Zusammenarbeit von Scott McCaughey mit Peter Buck, mit Gast-Blitzlichtern von u.a. Ken Stringfellow, Jeff Tweedy, Morgan Fisher, Christy McWilson, Jon Auer, Barrett Martin und einigen anderen. McCaughey’s Pop zeigt hier sein ganzes verspielt-verschlüsseltes Gesicht, ohne sich gleich im ersten Durchgang einzuschmeicheln. Die prallen Phantasien perlen nur so, und doch darf sich der Hörer nicht zu sehr in weicher Sicherheit wiegen, denn immer wieder gibt’s leise Brüche, dezente Geräusche oder die Schräg-Pop-Version des kurzen, aber heftigen Chaos. Wer sich aber auf die ganz eigene Minus-Sicht von Schönheit einlassen kann & will, der wird reich belohnt: Die 13 Songs schenken uns das schrägere, aber schönere Let The War-Album, bieten warm-vollendete Melodien & Harmonien aus einer parallelen Pop-Welt. Scott’s warme Stimme fühlt sich in sakralem Psyche-Gewand eben so wohl wie in glitzernden Americana-Anleihen oder in einem schräg-schönen Pop-Pastiche, zwischen schleppend-verzerrten oder knarzend-wütenden Gitarren, zwischen verspieltem Akkordeon, intimem Satie-Piano, erhabenen Synth-Streichern, zirpender Orgel oder vollem Schlagzeug. Und so ist I Don’t Know Who I Am ein volles, rundes Album geworden, das die perfekte Brücke zwischen scheppern und schwelgen bildet.

(Glitterhouse)

Niemand anderer als Jackie Leven ist es, der für die exklusive Einspielung der Return To Sender 46 in sein alter ego Sir Vincent Lone geschlüpft ist. Gemeinsam mit David Wrench (Engineering, Drum-Programmierung), Michael Cosgrave (Trumpet, Keyboard) und Kevin Foster (Bass) nahm Leven 7 Stücke in den Bryn Derwen Studios, Bethesda, Wales auf und füllte die CD noch mit zwei weiteren Raritäten aus seiner persönlichen Schatzkammer. In Kleinstbesetzungen, mit Gitarre und Bass als Basis und unaufdringlichen Keyboards, etwas sakraler Orgel, einer Mundharmonika, einer Glocke und einer Idee elektronischer Perkussion rückt Jackie Leven’s einmalig weiche und warme Stimme (auch im Paargesang mit sich selbst, was den Genuss noch erhöht) den Song und die Geschichte darin in den Mittelpunkt. Und umschmeichelt Ohr und Herz mit Melodien, die ebenso lebendig-frisch wie wohlvertraut klingen. The War Crimes Of Ariel Sharon, The Lights Blow (das mich etwas an das Play With Fire der Stones erinnert) oder (I’ve Never Known) Peace On Earth sind schönste Perlen des schottischen Edelmann-Folk. Auch wenn Sir Lone laut eigener Aussage ja eher ein Herumtreiber sein soll....

(Glitterhouse)

2005er RTS-Veröffentlichung mit exklusivem Liwa-Material. Alles, was ich zum Besprechen vorliegen hab, ist eine nackte CD. Aber bei Liwa reicht das völlig aus. Hier also: Die nackten Fakten: 24 Tracks in 72 Minuten, vorwiegend im Studio aufgenommen, die Besetzung setzt sich zusammen aus akustischer Gitarre, sanft tupfendem Bass, zurückhaltendem Schlagwerk, etwas Piano, eine E-Gitarre taucht in einer verzerrten Gastrolle auf. Die Natur-Gitarre trägt – mal Young-Comes A Time-folkhaft geschlagen, mal gezupft, mal gepickt – die Hauptlast der Liwa-Sanft-Stimm-Begleitung, die verschiedenen Songs spiegeln sämtliche daraus folgenden Besetzungsmöglichkeiten wider: Vom sanft fliessenden Instrumental über die 2-Stimm-a-capella-Gospel-Verneigung und die folkige Reinheit aus Gesang und Gitarre bis hin zum beispielhaft agierenden Trio und Quartett. Das Songmaterial bietet auf der einen Seite puren Liwa, verträumte Songs von sanfter Reife, die gleichzeitig Ohren, Verstand und Herz schmeicheln. Die andere Hälfte der Songs stammt von Randy California/Spirit, Liwa verneigt sich liebe- und respektvoll vor dem Gitarristen und Songautoren in zurückhaltenden, warmherzigen, vorwiegend akustischen Versionen von u.a. Nature’s Way, Just For You, When?, Thank You Lord, Stars Are Love, What Do I Have, Maybe You’ll Find, Holy Man, Farther Along. Eine kleine Verneigung Richtung Steve Hillage bietet das Fish Poem.

(Glitterhouse)