ja, super, Tweedy hat's wieder mal geschafft, seine riesige Wilco-Gemeinde all over the world ganz schön zu verwirren! Oder gar zu schocken?! Zu vermuten ist: ungläubiges Staunen und nochmal hinhören, ob nicht ein Pressfehler mit falscher Musik vorliegt - bei denen, für die 'Yankee Hotel Foxtrot' das Maß der Dinge ist, die sich an der Experimentierfreudigkeit der Band erfreuen, die Tweedy als "sonic innovator" goutieren, Wilco's Noise-Eskapaden liebgewonnen haben und Alt.Country, No Depression oder die Uncle Tupelo-Vergangenheit als hippieske Bürde betrachten, die längst überwunden schien. Nicht dass Wilco nach 3-jähriger Studiopause etwa zum Stil ihres 95er Debüts 'A.M.' zurückkehrten, aber sie haben sich halt auch völlig von den Inhalten und Formen von 'HYF' (2002) und 'A Ghost Is Born' (2004) abgewandt. Jeff Tweedy's kreativer Gegenpol Jay Bennett ist zwar schon lange weg, erst jetzt allerdings scheint die kapitale Gruppe aus Chicago nach etlichen Umbesetzungen endlich stabil und so traumhaft dicht beieinander wie nie zuvor. Es ist dasselbe Sextett wie auf dem 'Kicking Television'-Livealbum: Tweedy und Nels Cline mit elektrischen Gitarren (oft Twin Lead Guitars in Stereotrennung, wobei Cline messerscharfe, für ihn ungewöhnlich Rock-konventionelle Jerry Garcia-meets-Tom Verlaine Soli der Extraklasse hinlegt, daneben hört man auch Stücke mit akustischen, Lap & Pedal Steel Gitarren); Pat Sansone und Mikael Jorgensen an den Tasten (perlende bis rollende Klavier- plus Orgelkaskaden oder E-Piano - kein Platz mehr für Elektronik!) sowie die bewährte Rhythm Section (John Stirratt/Bass und Glenn Kotche/Drums), die noch nie zuvor so derart unaufgeregt, relaxed und unbedingt Song-orientiert gewerkelt hat. Über allem thront Tweedy's Gesang: meistens sanft, entspannt, plötzlich laut und zupackend, jederzeit angenehm uneitel, manchmal auf geradezu unheimliche Weise an John Lennon gemahnend. Und genau das ist auch der Gesamteindruck dieser sagenhaft friedvollen, meist in einem leicht schläfrigen mittsiebziger Grateful Dead-Shuffle/Slow Boogie (erinnert an 'From Mars Hotel' und somit auch sehr an 'Cold Roses' von Ryan Adams!) mit nur wenigen, aber zielgerichtet eingesetzten dynamischen Brüchen (á la early Steely Dan) vor sich hin trabenden Platte, deren 12 Tracks gekonnt miteinander zu einem großen Ganzen verwoben sind. Von denen aber durchaus einzelne als Wilco-Meisterwerke-für-die-Ewigkeit herausragen: 'You Are My Face', 'Impossible Germany', 'Shake It Off', 'Hate It Here', 'Walken', 'On And On And On'. Fast durchweg im Team komponiert und ohne Overdubs live-im-Studio eingespielt. Jeff Tweedy & Co. sind mit sich absolut im Reinen und ich möchte wetten, dass sich - spätestens wenn im Dezember die Year End Charts zusammengestellt werden - alle Wilco-Fraktionen in ihrer Begeisterung einig sein werden. Bei mir ist für 'Sky Blue Sky' schon mal ein vorderer Platz reserviert!

(Glitterhouse)

Since 1995 when her self-titled debut album appeared, songwriter Kim Richey has pushed her own envelope enough times so that she can't be put into any kind of box, Chinese or otherwise. Richey has experienced numerous successes as a songwriter, having her songs recorded by some of the biggest names in the country biz. Yet despite overwhelming critical success, the general public hasn't completely gone over. It's difficult to understand why, since Richey understands the nuance of pop songwriting to a 'T'. She has a fine, large voice that is deeply expressive and adds depth and dimension to virtually everything she sings. Whatever the reason, one can only hope that as an artist she has found deep satisfaction in creating a body of work that will stand the test of time long after many of her contemporaries are gone. Chinese Boxes is her debut album for Vanguard and her first in five years. It is as different from Rise as it was from Glimmer as it was Bitter Sweet. In other words, Richey's obsession to get a song across holds no formula. Rise was spare and minimal, and this is a beautiful sweeping record with horns, strings, bright and shiny textures that aren't necessarily slick. Recorded in the U.K. with Giles Martin producing, Richey has constructed a series of classic themed and framed pop songs.

The airy, breezy opener "Jack and Jill," written with Katie Herzig, contains flutes, saxes, a Wurlitzer, kazoo, and a harpsichord along with the guitars, organic percussion and drums. Yet the tune drifts with its gorgeous melody and melancholy message. The title track, about a lover who is a mystery, endless and unfathomable, mercurial and impossible to identify, contains a B-3, a horn section, and mandolin! Its melody is jaunty, it flows, moves and twirls. Yet it's not all sweetness and light; actually, none of it is, the lyrics in these songs are mature, free of clichés and easy conclusions. "The Absence of Your Company" is a devastating song about a breakup. Not in its drama, but because of the lack of it. With fingerpicked acoustic guitars, a piano, brushed drums, bass and a wooly, spaced-out guitar break, it feels like the saddest song in the world despite its mid-tempo gait. It's as if the protagonist, who may indeed be hurt by the distance created emotionally between her and her beloved, can simply walk away, as if she's so used to these scenes that even though she dies a little in the process (which is a lot of dying, if the lyrics are to be believed, and this particular woman has seen a lot of this), she simply picks up her toys and goes home. She's not playing. She takes her open wounds and slips away into the ether.

"Turn Me Slowly" is a seemingly melancholy country song — a modern one, and don't be surprised if some wily producer gets a current "superstar" to record it — but it's one of the most beautiful and devoted love songs written in the genre in years because of its adult view of love. There's hope, there's surrender, there's willingness to hang in there no matter what. With the gorgeous guitar layers, both acoustic and electric, a harmonium and Wurlitzer, the song is so much bigger than its frame. It enters deeply into the human heart and whispers a truth so profound it's rather remarkable she could get it inside a song. This is not hollow-eyed, empty-headed romanticism, but the real thing. What's a mindblower is that this is merely the first half of the album! The Beatlesque psychedelic pop in "I Will Follow" is full of hidden twists and turns, but they lay in between the layers of instruments as the singer speaks of a kind of blind faith that may be wary, but expresses its lack of choice in that it has to trust the dreams and visions that are her bidders. The existential emptiness in "Something to Say" expresses a kind of loneliness at time's passage, but the tune's melody belies it and sets the two almost against one another. There's hope here, but the hope lies not in the moment, even as it longs for presence of mind. It's a rainy day song with an infectious sense of purpose and a glimmer (no pun intended) at the edge of the clouds. "Not a Love Like This" is a rocker with knotty guitars, an accordion and shuffling acoustics where the protagonist lets it rip that she's had enough of doubt, of emptiness, of being ignored, of being left "in the wind to twist." The final two cuts, "Another Day" and "Pretty Picture," are fitting closers in that they bring all of these emotions into a kind of resignation and the willingness to embrace it all again, because what else is there but love?

Lyrics aside, the musical sophistication here is the main thing. Richey's album is the most sensual she's ever recorded. Not so much in the erotic sense necessarily (though the suggestion of that is here but it's very subtle, and exists as an extension of emotion), but in that the listener is engaged on every level, her words paint pictures to see, ones that bring the memory of touch and the smell of the air as these things occur. One can hear in the beautiful arrangements and instrument choices that these songs are alive; they're breathing entities and will not be reigned in by time. They are ever present. The choice of styles and tempos, the adornments she and Martin clothe these songs in are elegant because they admit light, warmth, and change and are ready for any season. On first listen, Chinese Boxes may not be as arresting as Glimmer or Bitter Sweet, but it is a better recording than both ultimately, if not as dramatic upon first glance. It takes the listener inside it gradually but deeply, and leaves them with traces of its musicality, its characters, and its melodies long after the record is over. It also draws one back, seductively, without artifice or false promise. This is one of those recordings you will be able to listen to in five years and realize it's still current, still full of both meaning and style because it adheres to neither exclusively. It concerns itself with little but with the needs dictated by song, and therefore, to truth itself.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Nach 25 Jahren die Auferstehung Hoelderlins. Nach der Einstimmung durch die kürzlich erschienenen Re-Issues, jetzt das neue Studioalbum. Zwei Originale sind noch dabei, Michale Bruchmann und Hans Bäär. Im Studio fanden sich aber auch Büdi Siebert und Nops Noppeney ein. Das Album ist nicht unbedingt Traditionssound, das konnten Besucher des letzten Herzberg Festivals schon registrieren, auch im Rockpalast war Hoelderlin schon, mitsamt der Sängerin/Violinistin Ann-Yi, neuem Gitarristen und Keyboarder. Modern und druckvoll, sollen sie das Publikum aber zufrieden zurück gelassen haben.

(Glitterhouse)

Das dritte Solo-Album von „one of Rock & Roll’s finest voices“ (Rolling Stone), von 2007. Sanft gebettet zwischen zwei Teddy Thompson-Instrumentals (einem Akustik-Gitarren-Kleinod als Einlass und einem gefühlvollen Streich-Quartett zum Kehraus) erleben wir Lindas ausdrucksvolle Stimme in einer wundervollen Original-Song-Sammlung, die sich gleichermaßen aus britischen Folk- und amerikanischen Country- und Folk-Wurzeln speist. Edward Habers klare Produktion stellt den Gesang in den unbestrittenen Fokus, umkränzt sie aber mit einer derart handverlesenen Reihe von instrumentalen Meisterleistungen, dass auch der Akustik-Feinschmecker wahre Freuden erleben kann. Gleich mehrere Familien-Unternehmen sorgen dabei für edelste Stimm- und Instrumental-Begleitung, zu dem dauerhaft präsenten Sohn Teddy und Tochter Kamila stossen Rufus und Martha aus dem Hause Wainwright/mcGarrigle, Muldaur-Tochter Jenni leiht ihren Harmonie-Gesang, das Vater-Tochter-Gespann Eliza und Martin Carthy liefert gewohnt gepflegtes Handwerk. Darüber hinaus findet man Gastauftritte von u.a. David Mansfield (Mandoline), Jeff Hill (Bass), John Kirkpatrick (Concertina, Akkordeon), Johnny Doyle (Gitarre), Susan McKeown (Vocals), Antony (Gesang), das Downtown Silver Band-Blechblas-Trio und das Scorchio Streich-Quartett in dieser unaufdringlich reifen Song-Kollektion aus den Federn von Linda, Teddy und Kamila Thompson (plus einem exklusiven Rufus Wainwright-Song und dem Waits/Brennan-Cover Day After Tomorrow). Richard T. hingegen taucht nur in einer Randnotiz auf: „…a little known, but extremely useful guitarist“.

(Glitterhouse)

"Sweet Warrior", das neue Album des Fairport Convention Gr�nders Richard Thompson, f�hrt den einflussreichen und von vielen Kollegen bewunderten Gitarristen erstmals wieder seit der Ver�ffent-lichung seines Erfolgsalbums "The Old Kit Bag" (2003) zur�ck zu E-Gitarre & Verst�rker. Zwischen diesen beiden Alben war Thompson ungemein aktiv: neben dem Solo-Album "Front Parlour Ballads", dem 6-CD Box-Set " The Life and Music of Richard Thompson" und der Retroperspektive "1000 Years of Popular Music" trat Thompson auch als Filmmusik-Komponist f�r Werner Herzogs Film "Grizzly Man" in Erscheinung. Typisch Thompson verk�rpern die 14 Songs von "Sweet Warrior" Geschichten von tragischen Charakteren, Geschichten von Verlust und Betrug, Beobachtungen eines brillanten Songwriters, S�ngers und Instrumentalisten. Herausragend ist sicherlich "Dad's Gonna Kill Me", geschrieben aus der Perspektive eines jungen, �bernerv�sen britischen Soldaten, der in Bagdad (= dad) stationiert ist. In England l�ste das Lied �u�erst kontroverse Diskussionen unter den betroffenen Soldaten und deren Familien aus. Zusammen mit seinen langj�hrigen Kollaborateuren wie Bassist Danny Thompson, Drummer Michael Jerome, Geigerin Sara Watkins und S�ngerin Judith Owen beweist der 57-j�hrige Richard Thompson einmal mehr seine herausragende Stellung in der Musikszene.

After being given his walking papers by Capitol Records in 2000, Richard Thompson has taken a modest approach to his subsequent studio releases, 2003's The Old Kit Bag (a purposefully spare trio set) and 2005's Front Parlour Ballads (an acoustic collection recorded in Thompson's home studio). But Thompson seems to have relaxed a bit with 2007's Sweet Warrior, which boasts a more expansive sound and ambitious reach than those two albums. Produced by Thompson with his longtime aide de camp Simon Tassano, Sweet Warrior more clearly recalls 1991's Rumor and Sigh than any of Thompson's other albums; it lacks the high gloss of Mitchell Froom's production on that disc, but the broad dynamic between upbeat and dour numbers and the thematic sweep of these 14 songs certainly suggest Thompson was thinking big while making this album, and it suits him. Thompson is able to play his traditional theme of romance on the rocks for laughs on this set with the witty "Needle and Thread" and the droll but pointed "Mr. Stupid," while the sax-infused "Bad Monkey" is downright rollicking and the ska-influenced offbeat of "Francesca" is slinky and sensual. At the same time, Thompson digs deep into more serious themes, especially on the striking "Dad's Gonna Kill Me," a tense first-person tale of a soldier on patrol in Iraq, and while a very different sort of combat frames "Guns Are the Tongues," its story of a dull-witted boy turned against his own interests is equally compelling; both songs show Thompson's narrative skill and gift for wordplay are as strong as ever. Producer Thompson gives guitarist Thompson just the right amount of room to show off his estimable skills on these sessions, and the core band � bassists Danny Thompson and Taras Prodaniuk, drummer Michael Jerome, and rhythm guitarist Michael Hays � is as strong and versatile as one could hope for. At 68 minutes, Sweet Warrior feels just a bit overstuffed, especially given the simplicity of its immediate predecessors, but there's a hefty portion of fine songs and masterful playing here, and no one who has ever succumbed to Richard Thompson's magic should pass this up.

(by Mark Deming, All Music Guide)

(www.glitterhouse.de)

The release of their seventh album, 2007's Within These Walls, means that Damon Krukowski and Naomi Yang have been releasing albums as a duo for 15 years. Shocking, yes. Even more shocking is that at a point where most bands or artists are well past their sell-by date, Damon & Naomi keep getting better and more interesting. Their basic sound of gently strummed guitars, melodic bass, innocent vocals, and arty lyrics has been the same since they were two-thirds of Galaxie 500, but each record has seen subtle changes in atmosphere and even some dramatic changes, like adding the guitar of Ghost's Michio Kurihara (a collaboration that has been working beautifully since 2000's Damon & Naomi with Ghost album). Within These Walls marks a significant change in sound from the duo. Ironically, given the title, it's their first record that sounds like it was made outside the walls of their apartment. Thanks to the string and horn arrangements that add rich texture to the tracks, the sax and trumpet solos that add an occasional flourish, and of course, Kurihara's amazing lyrical and lush guitar, the album has a larger-than-indie sound. Unlike many bands that opt for a wider-screen approach, the addition of extraneous elements doesn't weaken the core strengths of the group. Instead it gives Damon & Naomi's already impressive sound more dynamics and drama. A track like the Krukowski-sung "Defibrillation" is heartbreakingly honest and tense; add the strings and Kurihara's swooping guitar lines, and it's almost unbearable. Every track benefits from the expanded arrangements, and it also helps that the duo has written some very good songs: the title track is achingly beautiful and romantic sung in breathtakingly intimate fashion by Yang, "Stars Never Fade" is a midtempo near-rocker with a scorching Kurihara solo, "Cruel Queen" is a stark and eerie recasting of traditional folk ballad "The Trees They Do Grow High." Elsewhere it's easy to be charmed by "The Turnaround"'s subtle vocal harmonies and lilting melody, the shimmering string arrangement on "Lilac Land," the strutting horns on "On the Aventine," or Yang's splendid vocals throughout the album. Within These Walls ranks alongside Damon & Naomi's best work (their time with Galaxie 500 included) and is proof of their formidable staying power both artistically and as a band.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Norah Jones ist eine Magierin. Ihre Songs sind Ruhepol in einer hektisch lärmenden Welt. Das Geheimnis ihres Erfolgs zu ergründen, scheint trotzdem ein schier unmögliches Unterfangen. Weltweit wurden von ihren ersten beiden Alben, dem Sensationsdebüt Come Away With Me (2002), das ihr acht Grammys bescherte, und Feels Like Home (2004), sage und schreibe 32 Millionen Exemplare verkauft -- über alle Hörergenerationen hinweg.

Am 26. Januar 2007 erscheint mit Not Too Late ihr drittes Album, für das sie alle Songs selbst komponiert oder zumindest mitgeschrieben hat. Die aparte 27-jährige Sängerin und Pianistin, die mädchen-, madonnen- und musenhaft zugleich wirkt, ist zu voller Blüte gereift. Bezaubernd!

(amazon)

Recoils from fame usually aren't as subdued as Norah Jones' third album Not Too Late, but such understatement is customary for this gentlest of singer/songwriters. Not Too Late may not be as barbed or alienating as either In Utero or Kid A — it's not an ornery intensification of her sound nor a chilly exploration of its furthest limits - but make no mistake, it is indeed a conscious abdication of her position as a comfortable coffeehouse crooner and a move toward art for art's sake. And, frankly, who can blame Jones for wanting to shake off the Starbucks stigmata? Although a large part of her appeal has always been that she sounds familiar, like a forgotten favorite from the early '70s, Jones is too young and too much a New York bohemian to settle into a role as a nostalgia peddler, so it made sense that she started to stretch a little after her 2004 sophomore set Feels Like Home proved that her surprise blockbuster 2002 debut Come Away With Me was no fluke. First, there was the cabaret country of her Little Willies side band, then there was her appearance on gonzo art-rocker Mike Patton's Peeping Tom project, and finally there's this hushed record, her first containing nothing but original compositions. It's also her first album recorded without legendary producer Arif Mardin, who helmed her first two albums (he passed away in the summer of 2006), giving them a warm, burnished feel that was nearly as pivotal to Jones' success has her sweet, languid voice. Mardin died in the summer of 2006 and in his absence, Jones recorded Not Too Late at the home studio she shares with her collaborator, bassist and boyfriend Lee Alexander. Although it shares many of the same sonic characteristics as Jones' first two albums, Not Too Late boasts many subtle differences that add up to a distinctly different aesthetic. Jones and Alexander have stripped Norah's music to its core. Gone are any covers of pop standards, gone are the studio pros, gone is the enveloping lushness that made Come Away With Me so easy to embrace, something that Not Too Late is most decidedly not. While this might not have the rough edges of a 4-track demo, Not Too Late is most certainly music that was made at home with little or no consideration of an audience much larger than Jones and Alexander. It's spare, sometimes skeletal, often sleepy and lackadaisical, wandering from tunes plucked out on acoustic guitars and pianos to those with richer full band arrangements. Norah Jones has never exactly been lively - part of her charm was her sultry slowness, ideal for both Sunday afternoons and late nights - but the atmosphere here stultifying even if it's not exactly unpleasant. After all, unpleasantness seems to run contrary to Jones' nature, and even if she dabbles in Tom Waits-ian carnivalesque stomps (“Sinkin' Soon”) or tentatively stabs at politics (“My Dear Country”), it never feels out of place; often, the shift is so subtle that it's hard to notice. That subtlety is the biggest Achilles heel on Not Too Late, as it manifests itself in songs that aren't particularly distinctive or performances that are particularly varied. There are exceptions to the rule and they all arrive with full band arrangements, whether it's the lazy jazz shuffle of “Until the End,” the country-tinged “Be My Somebody” or the wonderful laid-back soul of “Thinking About You.” These are songs that not only sound full but they sound complete, songs that have a purposeful flow and are memorable for both their melody and sentiment. They would have been standouts on Feels Like Home but here they are even more distinctive because the rest of the record plays like a sketchbook, capturing Jones and Alexander figuring out how to move forward after such great success. Instead of being the end result of those experiments, the completed painting after the sketch, Not Too Soon captures their process, which is interesting if not quite compelling. But its very release is a clear statement of artistic purpose for Norah Jones: its ragged, unfinished nature illustrates that she's more interested in pursuing her art than recycling Come Away With Me, and if this third album isn't as satisfying as that debut it nevertheless is a welcome transitional effort that proves her artistic heart is in the right place.

(Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Es ist eine weite Landschaft eingeschlossen in einem kleinen Raum, ein heller blauer Himmel mit aufkommenden Wolken. // Oren Lavies Weg zur Aufnahme seines ersten Albums war chaotisch und oft zuf�llig. Die Reise dorthin erstreckte sich �ber 3 Jahre, �ber 3 Kontinente und durch die St�dte Tel-Aviv, London, New York und Berlin. Wenn man sich das fertige Album anh�rt, stellt sich heraus, dass die Zuf�lligkeit Sinn zu machen scheint und dass sich das Chaos in eine perfekte Ordnung f�gt. Die halb-akustischen Arrangements des Albums, welche aus einer imagin�ren Zeit zu kommen scheinen, umrahmen die Welt jedes Songs wie eine gemaltes Portrait, wie eine Szene aus einer Kurzgeschichte. Die beeindruckende, volle Stimme Oren Lavies vermittelt seine Texte besonnen und mit einer fast trockenen Einfachheit, was sein Songwriting mit seiner einzigartigen Sprache und seinen pr�zisen Reimen weiter unterstreicht. Das fertige Album ist sowohl eine Collage von zerbrechlichen Momenten, als auch die rohe, entbl��te, kompromisslose Pr�senz einer ausgepr�gten Stimme.

(Heino Walter)

Vor Jahren habe ich mir im Glitterhouse Katalog mehrere Monate hintereinander immer eine Seite Platz genommen, um jeweils nur eine Platte von The Band ausführlich zu besprechen. Ich bin also beinharter Fan und auf die Musik, die das Quintett damals in den Catskills schuf, lasse ich nichts kommen. Eigentlich hielt ich sie auch für unantastbar, sprich, Coverversionen von Band-Tunes sind nicht nur ein Sakrileg, sondern müssen auch dem Original gegenüber gnadenlos absaufen.
Vorab las ich im All Music Guide („…not only a fitting tribute to the Band, but a necessary one and a blueprint for how it should be done.”) und Mojo („None of these 17 tracks were recorded in Woodstock, yet the spirit of Big Pink permeates every one…”) ziemliche Lobeshymnen und nach einigen Durchläufen muß ich meine Einstellung revidieren und kann ich obigen Statements nur beipflichten. Vielleicht liegt es am unsterblichen Songmaterial, vielleicht am gefühlvollen Umgang mit der Vorlage, aber unter den 17 Songs findet sich jedenfalls nicht mal ansatzweise ein Ausfall. Natürlich kann hier niemand einen Richard Manuel ersetzen, die Arbeit von Garth Honeyboy Hudson nachempfinden oder gar die Magie dieser unglaublichen Vokalharmonien von Helm-Danko-Manuel erreichen. Aber was im Keller von Big Pink zu dieser speziellen Zeit reifte, kann es auch nur einmal geben. Trotzdem: was hier an Neuversionen eingespielt wurde, spricht durchweg von Fingerspitzengefühl, Inspiration und unendlicher Ehrfurcht. Und ist in jedem Fall eine gelungene Alternative zum Original.

Vom Songmaterial her ist das klar eine Best Of, kein lieb gewonnener Klassiker fehlt. Ich will hier aber keine Version besonders hervorheben, denn hier wird jeder seine eigenen Favoriten finden. Die dann möglicherweise ganz andere sind, denn wenn das Mojo schreibt, die Allman Brothers Version von The Night They Drove Old Dixie Down „merely simmers“, gehe ich doch andächtig auf die Knie, wenn Gregg diese Hymne intoniert (von Derek Trucks Slidesolo ganz zu schweigen).

Wie gesagt, auf unendlich und durchgängig hohem Niveau, das auch eher unbekannte Leute wie Steve Reynolds, Trevor Hall, Jackie Greene und Josh Turner locker halten. Liebt man die Musik dieser wegweisenden Band, dann kann man an Endless Highway nicht vorbei.

(Glitterhouse)

Rickie Lee Jones wurde im November 1954 in Chicago geboren und um diese Jahreszeit ist es dort verdammt kalt. Wahrscheinlich holte sich eine der einflussreichsten Sängern der Pop-Geschichte schon damals als Neugeborene einen Schnupfen, den sie im Gegensatz zu anderen Übelgeistern wie Alkohol und Drogen bis heute nicht losgeworden ist. Die Patti Smith der Westküste – sie lebt in Los Angeles – legt trotz dieser gewöhnungsbedürftigen wie charmanten Stimme eines, wenn nicht das beste Album ihrer langen, erfolgreichen Karriere ab.
Die Aufnahmen zu The Sermon On Exposition Boulevard begannen schon 2005, als die Grand Dame des Folk-Rock eine Einladung des Künstlers Lee Cantelon aka Pennyhead annahm, Passagen seines Buches The Words zu vertonen. Das Konzept der nicht mit einer Bibelstunde zu verwechselnden Veranstaltung bestand daraus, das befreundete Musiker einen Klangteppich legen und weitere Gäste wie Mike Watt (fIREHOSE) oder Low aus dem Buch mit Thesen und Lehren von Jesus Christus zitieren. Frau Jones hielt sich nicht daran und sang anstatt zu lesen. Das Ergebnis heißt „Nobody Knows My Name“ und eröffnet dieses wunderbare Album, das im Klangbildes mit ihrer Diskographie bricht. Die gewohnt spirituellen Texte der nach eigenen Aussagen nicht devoten Christin erfahren auf The Sermon On Exposition Boulevard keine filigrane Vertonung, sie klingen spröde, bisweilen brüchig, unpoliert, störrisch und nicht bis ins Detail modelliert. Aber sie rocken und swingen, weisen deutliche Verbindungen zu Größen der Pop-Geschichte auf. Den schon erwähnten Opener durchweht der Geist von Velvet Underground, „Tried To Be A Man“ erinnert stark an Tom Waits, mit dem sie mal Bett und Wohnung teilte. Das finale und über 8 Minuten lange „I Was There“ ist eine Hommage an Van Morrisons epochales Album Astral Weeks. The Sermon On Exposition Boulevard könnte eines Tages im selben Atemzug genannt werden...

(Sven Niechziol, amazon)

Consulting theologians and Bible scholars during the 1990s, photographer, writer, graphic artist, and everyday mystic Lee Cantelon (aka Pennyhead) assembled a small book presenting the words of Jesus Christ (just Jesus' words, not the stuff surrounding them) in a fitting translation called The Words. He did it for the purpose of presenting those words to people who were not "religious" — people who were put off by organized religion or even offended by it. In 2005, using artist Marc Chiat's studio (on Exposition Boulevard) as the recording space, he invited a number of musicians to begin assembling backing tracks for a spoken word rendition of his book (Mike Watt was just one participant, reading "The Harvest" over the music). Rickie Lee Jones was invited to participate in the summer of 2006, and in a matter of moments she changed the entire nature of the project. Jones claimed she could not read the words with any authority, but asked if she could sing them. She was left alone in a room with a microphone and, without the text, completely improvised the words from her heart. There were two tracks taken from those sessions, the opening cut, "Nobody Knows My Name," and "Where I Like It Best." Those two cuts appear here unchanged from the original recordings made on Exposition Boulevard, as are two others ("I Was There," "Donkey Ride") recorded later at Sunset Sound — first takes, no alterations. The rest were done using the same basic principle, with The Words as the inspiration. The end result is easily the most arresting recording of Rickie Lee Jones' labyrinthine career. The songs Jones cut at Exposition Boulevard sat on a shelf for a while, until she contacted producer Rob Schnapf and asked him to recruit the same musicians to go further. The sheer organic nature of some of these recordings is more akin to what indie rock musicians would try to pull off because of budgetary constraints. Understandable, but the end result here is something so completely unraveled, moving, and beautiful, something so unexpected — even from a latter-day Beat chanteuse like Jones — that it can only be called art. Certainly many of these songs feel raw, but they are supposed to; it's not artifice, it's inspiration. Check the opener, "Nobody Knows My Name," where a three-chord Velvet Underground-styled vamp gives way to Jones as she channels Jesus walking through the streets of history and particularly Los Angeles, as himself, as disguised as a suicide, as a player, as every woman and man, and comes out truly anonymous. The pain in her voice when she gets to the refrains is the wail we only get from her in live performances. This is likewise the case in "Gethsemane," a tad — not much — more polished, and once more with Jones as Jesus, here relating the agonizing experience of the beginning of Jesus' moment of trial before he has been handed over to be put to death. In her voice she says, "I'd like to just sleep awhile" in near whimsy, but the agony is there. In "Lamp of the Body," with Peter Atanasoff, Bernie Larsen, and Joey Maramba in a combined Eastern and Western lilting rock groove as intruding sounds enter the mix, Jones sings as Jesus with the lamp of the body being the eye: "See the darkness shine/How great is the dark/See the dark/And are there not 12 hours of daylight/But if you walk by night/You will fall...." This gives way to the nearly pop-sounding "It Hurts." This track simply has to be heard to be believed. It rocks, it rolls, it stings and stabs, and it breezily calls forth all the complex emotions of being human and divine. It's angry and tender, uncertain and immediate.Is this "Christian" music? Not in any CCM sense. It's punk rock, it's shimmering heat L.A back-court street rock, it's back-porch rock, garage rock, and just plain rock. But Jones is trying in her way to offer proof of the inspiration she found in Cantelon's book, and to relate the humanity of the one called Jesus Christ as an actual person, who is in and around every one of us, no matter how broken, poor, angry, violent, deceitful, happy, or wealthy. There is no new agey overtone to this set. And besides all that, it rocks, it rolls, it swings and strolls. This is pop music from the jump, but it's pop that would never, ever be considered for play anywhere except on the home jukebox. And there is no Christian-ese; probably some fundamentalists who want their God held above street level, up in the heavens, will find this offensive, but that's too damn bad. The Sermon on Exposition Boulevard feels raw and immediate, and most of all, it rings true. The music here was made because Jones had to make it. There isn't any calculation here and New West should be applauded for putting this baby on the market. The songs on this record feel like they come from the street in order to go back there, not to witness or testify, but simply to be there as a witness to life in the process of spending itself.

The Jesus of this record isn't a Christian; he warns people (as he did in the Bible) to be wary of the religious. It's very much a Los Angeles album, but it translates in heart to Chicago, Detroit, New York City, Miami, Baltimore, or anywhere else. On "Elvis Cadillac," the hallucinatory Elvis, or perhaps Jesus, is writing a letter to his father about all that has transpired and how he wishes he could just sing his song; it's strange and winding and faltering and beautiful. On the closing track, "I Was There," a nearly eight-and-a-half-minute tome is performed completely solo on guitars and whispering keyboards in a circular chord set that wouldn't have been out of place on Van Morrison's Astral Weeks. She is speaking to Christ in reverie, in a love song of a different kind, but a true love song nonetheless: "Most of all I loved your hands/I loved them so much it hurt/And all the bartenders knew your name/And all the pimps knew your car...and we were blessed/Yes we are...and I was there where Jesus walked." What's amazing is how easy to believe she is. She is speaking in her own kind of tongues here, and we are all the richer for it. This is the least polished and crafted recording of Rickie Lee Jones' career, and it stands alone in her catalog. It's a ragged kid in ripped blue jeans singing her heart out to you without drama or falsity. How can it be anything less than a masterpiece?

Auch auf seinem ca. 26. Album (ich hab das Zählen irgendwann aufgegeben, verzeiht) zeigt der wütende alte Mann keine Abnutzungserscheinungen, vom Ruhe-Stand ist er noch Lichtjahre entfernt. Auch wenn er es auf Don’t Tell Columbus etwas ruhiger angehen lässt, den Folk- und Country-Einflüssen mehr Platz einräumt, so twangt es doch merklich und markige Rock-Energien drücken mal merklich, mal unterschwellig. Die zwölf neuen Songs spielte Parker, der hier Bass, akustische, elektrische und Lap Steel-Gitarren, Mundharmonika, Kazoo und Percussion bedient, im überschaubaren Trio mit Mike Gent (Drums, Percussion, Gitarren) und Ryan Barnum (Keyboards) ein, ab und zu werden die sanften Harmoniestimmen von Kate Williams und Molly Gardinia gegen den knarzigen Gesang des Protagonisten gestellt. Die Songs sind vom Pub-Rock-Charme vergoldete, hörbar handgemachte, reife Verbindungen aus Singer-Songwriter-Tiefe, Country- und Folk-Wurzeln und ungebrochener Rock-Energie und schenken eine erfahrungsreiche Hörfreude. „It's a fine thing he's still around.“ (AMG, 4 Sterne). Dem ist nichts hinzuzufügen.

(Glitterhouse)

2007er und viertes Werk der Jim Wayne-Nachkommen Bernd Uebelhöde und Stefan Kullik, ins Leben gerufen mit Langzeitweggefährten und guten Freunden wie Tiep Typsen, Thomas Ostermann (ex-Jim Wayne Swingtett), Klaus Uebelhöde (ex-Ferryboat Bill), Wolfgang Finke (ex-Well Well Well), Andi Dohrn und Oliver Sorge. Mit Leaving The Cave gelingt den beiden Haupt-Söhnen das seltene Kunststück, ihre bewährten Vorzüge zu pflegen und gleichzeitig & dezent neue/alte Elemente einfließen zu lassen. Meisterlich vermischen sie alles, was am Country Freude macht, mit Einflüssen aus ihrer Jugend, erweitern ihr freudiges Saiten-Geflecht aus akustischer Gitarre, Banjo, Bass, Pedal Steel, Mandoline und Fiddle um eine roh reibende E-Gitarre, überlassen in der tot-traurigen Ballade Lonely In This Town dem Piano die Harmonie-Führung und in Falling Stars erlebt sogar das Schlagzeug seine Premiere auf einen Sons-Album. So reicht das Spannungsfeld von weich-melancholischer Folk-Ballade bis hin zum energischen Rock-Ausbruch, dazwischen durchperlt alles, was Saiten hat, eine reiches Feld aus Country, Honky Tonk, Bluegrass, amerikanischem Westcoast und klassischem britischen Pop. Ihren besonderen Reiz verdanken die 11 Songs dabei dem Zusammenspiel der beiden grundverschiedenen Lead-Stimmen, die sich einfach perfekt ergänzen.

(Glitterhouse)

Lucinda Williams kann man wohl kaum als emsige Arbeitsbiene bezeichnen. Gerade mal vier Alben hat sie - auf vier verschiedenen Labels - seit ihrem Meilenstein „Car Wheels On A Graves Road" von 1998 veröffentlicht. Die spröde Blonde gilt als Perfektionistin. Sie, so wird in den Studios gemunkelt, feilt und schraubt so lange an den Songs herum, bis sie für sie perfekt klingen, das heißt: perfekt unperfekt. Gerade eben so, als habe man sie spontan eingespielt. Heikel, heikel ...
Für das neue Album „West" nahm Hal Willner (u.a. Lou Reed, Marianne Faithful) den heißen Produzentenstuhl neben ihr ein. Gemeinsam mit Musikern wie Star-Drummer Jim Keltner (Clapton, Lennon u.a.), dem abgefahrenen Gitarristen Bill Frisell, Keyboarder Rob Burger und Geigen-Virtuosin Jenny Scheinman sollten allerdings die irgendwie widersprüchlichen Sound- und Songvorstellungen der alternativen Folk- und Countrysängerin glücken. Will man doch meinen...

Und tatsächlich: Die CD ist voller Widersprüche! Das Cover ist eine Augenweide – das Titelfoto zeigt die Sängerin in nachdenklicher Pose, ein grimmiger Zug um die Mundwinkel, der Blick stur ins Nichts gerichtet. Klappt man das Pappcover auf galoppieren einem im Gegenlicht Wildpferde durch einen romantisch bewaldeten Bachlauf entgegen. Vielleicht ein Fingerzeig an „Der Pferdeflüsterer", dessen Soundtrack sie mit „Still I Long For Your Kiss" maßgeblich veredeln half. Das 16-seitige Booklet wiederum erinnert mit dem grobkörnigen Aufmacherfoto an die Zeit der amerikanischen Depression, an Steinbecks „Früchte des Zorns", an Armut, Elend, Einsamkeit. Die Fotos im Innenteil könnte man in ihrer Magenta-Nostalgie an eine Liebeserklärung an den Mittleren Westen der USA deuten; an die Zeit, als man noch glaubte, alles sei möglich, alles werde gut; als Amerika noch für die „unbegrenzten Möglichkeiten" im positiven Sinne stand.

Diese Widersprüchlichkeit, dieses kontrastieren der Pole findet musikalisch ihre Fortsetzung. Großartiges wechselt sich ab mit Banalem; Feingeistiges mit Grobschlächtigem; Trauriges mit Lustigem; Intelligentes mit Stumpfsinn. Vermutlich ist es wichtig zu wissen, dass Lucinda Williams einiges zu verdauen hatte: Ihre Mutter starb und auch sonst hatte sie privat einiges wegzustecken. Wie für Musiker üblich, ist Songschreiben die beste Therapie. Doch manchmal möchte man es, ehrlich gesagt, gar nicht so genau wissen. Wie sie beispielsweise in dem lauten, rockigen „Come On" über ihren Ex abledert, na ja ... Oder das musikalisch überzeugende, textlich aber irritierende „Fancy Funeral". Sorgen könnte man sich über sie allerdings machen, liest man die einfach nur albernen Textzeilen von „What If" – da singt sie doch allen Ernstes Zeilen wie: „If cats walked on water, and birds had bank accounts, and we loved one another in equal amounts." Dummerweise verpackt sie diesen hochkarätigen Unsinn in wundervolle, elegische Klänge. Widersprüche, Sie verstehen...

Doch die CD hat auch einige wirklich exzellente Songs zu bieten. Die wundervolle Liebeserklärung an ihre Mutter „Mama You Sweet", das melancholische, mit einer herrlichen Gitarre verzierte „Rescue", der hypnotisierende Opener „Are You Alright?" (ähem, diese Frage stellt sie im Verlauf des Songs übrigens genau 22 Mal). Dadaistisch monoton dagegen kommt das mit einem verstörenden Telefongemurmel beginnende „Wrap My Head" daher – wer sich eine rappende Amanda Lear in ausgewaschenen Jeans und Cowboystiefel vorstellen kann, liegt nicht so ganz falsch.

Fazit: Lucinda Williams hat harte Zeiten hinter sich – das hört man auch. Trotz mancher Fehlgriffe bleibt sie trotzdem eine der interessantesten Singer/Songwriterinnen im Folk und Country.

(Gunther Matejka, CountryMusicNews.de)

Obwohl sich die Arrangements von dem charakteristischen Mix aus Blues, Country und Folk entfernen, ist West wahrscheinlich Lucinda Williams’ bestes Album. Jedenfalls ist es musikalisch mit Abstand ihr mutigstes und auch textlich oft außergewöhnlich stark. Selbst ihr Gesang klingt besser denn je, von dem Verletzlichkeit ausstrahlenden „Where Is My Love?“ bis zu „Unsuffer Me“, das wie ein reinigendes Gewitter wirkt. Der New Yorker Produzent Hal Willner, der schon mit Künstlern wie Marianne Faithful und Lou Reed arbeitete, hat progressive Musiker engagiert, die in verschiedensten Stilen zu Hause sind: Mit Bill Frisell an der Gitarre, Bob Burger an den Tasten, Jenny Scheinman an der Geige und Gary Louris von den Jayhawks als Backgroundsänger lässt Willner ein vielschichtiges Klanggewebe entstehen. In einem großen Teil der Songs verarbeitet Lucinda Williams den Tod ihrer geliebten Mutter („Mama You Sweet“, „Fancy Funeral“) oder (in dem aggressiven, vernichtenden „Come On“ und dem mantrahaften „Wrap My Head Around That“) das hässliche Ende einer Beziehung. „Are You Alright?“, „Learning How to Live“ und „Everything Has Changed“ schließlich könnten die Nachwehen beider Ereignisse widerspiegeln. Weitere Höhepunkte sind „Rescue“, das durch distanziertes Understatement und pulsierende Ambient-Sounds an Beth Orton erinnert, und der träumerisch-melancholische Titeltrack. Lucinda Williams ist mit ihrer Musik ja schon immer Wagnisse eingegangen, aber noch sie so große wie mit West.

(Don McLeese, Amazon.de)

Keren Ann Zeidel's international pedigree — born in Tel Aviv, raised in Paris, now splits her time between there and New York — served her well on her first four albums, but this fifth, sung entirely in English, is her most worldly yet. Chalk that up, one would suppose, to a busy touring life and a growing confidence to experiment both with identity and available musical tools. By self-titling the album, Keren Ann is by default making a statement that this is her statement. That means that the recording would have to be not only extra-special good but representative of who she thinks she is at the moment it is unleashed on an ever-growing audience. And it is that good: it's the singer/songwriter's most far-reaching, defining album yet. While her trademark wisp of a voice still dominates most of the album's real estate, it meets up here with a different, more aggressive and courageous Keren Ann as well: On "It Ain't No Crime," with its heavy blues thump and screaming distorted guitar, she sings in a compressed, insistent voice, "There are no victims/There is no truth/We take their money/They take our youth," something so surprisingly shivery the Keren Ann of albums one through four would never have dared go there. The record, at times, is a circus of sounds, an ornate hodgepodge of moody keyboards and skronky guitars, wordless angel chorales, ambient electronics, airy woodwinds and overcharged fuzzboxes. On the album's minimal, Velvets-ish opener, "It's All a Lie," a slow build sucks in droning bass and distant sonic chaos beneath Keren Ann's typically languid vocal. She barely rises above Cowboy Junkies lethargy, and the song never picks up the pace from there but, drenched in reverb, a climax sneaks up, the song finally sputtering around directionless like a balloon whose air has been let out. On "The Harder Ships of the World," over lightly plucked guitar, she manages to squeeze every bit of expression out of an almost non-existent range of dynamics, barely rising above a whisper but drenching every word in raw emotion. More so than before, perhaps, Keren Ann seems to be enjoying herself, directing her music less self-consciously than before and asserting her eagerness to shift moods and stretch the sonic easel on which she builds. Her enunciation, no doubt because of her geographic rootlessness, isn't always as clear as it could be, but that indistinctiveness ultimately serves to add an even larger air of mystery to the already mysterious. The six-minute tour de force "Liberty" spends its last couple of minutes dishing out a repetitive piano tinkle, disembodied vocal chorus and aimless, backwards looped instruments — all of that vies for attention but the singer pays it no mind as she goes about her business. On "Lay Your Head Down," polyrhythmic handclaps and surfy guitar precede a half-spoken intro, which suddenly morphs into utter prettiness. Keren Ann never really says more than "Why don't you lay your head down in my arms?," allowing the various strings, harmonica and layered vocals to amend her thoughts. She doesn't need to: she's said all she has to say. Keren Ann fills all of the air and space here but the music never feels crowded and never loses its way. Only an artist who has run head-on into self-discovery can get away with that.

(by Jeff Tamarkin, All Music Guide)

Don't say nothing, I speak for two, singt sie im schleppenden Pseudoblues "It ain't no Crime" (dem unpassendsten Song der Platte), und das klingt merkwürdig aus dem Mund einer wie verschleiert wirkenden Sängerin, deren Musik Schüchternheit ausstrahlt und einen Hang zu Tranquilizern. Die Französin Keren Ann lebt in New York und schreibt Songs auf Englisch. Bei manchen dieser Lieder muss man an die frühen Velvet Underground denken - nicht wegen Nico, deren maskuline Erotik Keren Ann abgeht; sondern wegen der Klangstatuen, die manchmal aus dem Hintergrund den Hauchgesang der Sängerin zu beobachten scheinen. Solche Songs hätte John Cale produziert haben können; beim kargen Geklöppel von "Lay your Head down" hingegen fühlt man sich anfangs an Lou Reeds Stil erinnert. Jedenfalls bezirzen uns Keren Ann und Tonmeister Joe Barresi mit Transparenz, mit verspielten Klangfarben von Gitarren, Geigen, Elektronik, Perkussion und Bässen, alles aus den Tiefen der Nacht. Ein apartes Album, das man neben Carla Bruni ins Archiv stellen sollte.

(www.kulturnews.de)

Nach der Lemonheads-Reunion hat sich nun eine weitere Indie-Ikone der 80er und 90er die alte Band wieder zusammengebracht -- mit Beyond kn�pft J Mascis natlos an alte Glanzzeiten an und liefern eines der besten Dinosaur Jr.-Alben aller Zeiten ab. Vor 10 Jahren erschien die letzte Dinosaur Jr.-Platte, und Urmitglied und -Bassist Lou Barlow verlie� die Band schon vor fast 20 Jahren. Jetzt ist er wieder an Bord. Sicher, auch mit seiner Band "The Fog" hatte Mascis gute Alben gemacht, aber Beyond spielt noch in einer anderen Liga: Das Album ist so sch�n, dass es einem die Tr�nen in die Augen treibt. Da sind sie wieder, die perlenden Gitarrensoli vor Noise-Hintergrund, die Weltschmerz-Balladen, die ganz gro�en Songs. So wie der ergreifende Opener "Almost Ready". Oder das an Neil young erinnerende "Back to Your Heart", eines von zwei St�cken, die Lou Barlow beigesteuert hat. Oder das melancholische "Crumble". Oder das wundersch�ne "What If I Knew".

Hoffentlich bleibt Beyond kein einmaliges Reunion-Album -- in dieser Formation kann man von der Band noch viel erhoffen.
(Hanno G�ntsch, amazon)

Wenn eine Band wie Fink aufgelöst werden, dann animiert diese Nachricht zu bildhaften Vergleichen wie: Der Vogel ist tot, abgeschossen, gebraten, singt nicht mehr. Stimmt alles nicht, er hat nur das Gefieder gewechselt und lebt als Nils Koppruch weiter. Den Teufel tun nennt der Sänger, Songwriter und Maler (SAM) aus Hamburg sein erstes, gelungenes Solo-Album, dass auch das achte Fink-Album hätte erscheinen können. Fink waren in der Außenwirkung in erster Linie immer Koppruch, der die Besetzung der zehn Jahre existierende Gruppe freiwillig wie unfreiwillig wechselte, was auch einen musikalischen Entwicklungsprozess forcierte. Daran hat sich im Grunde nichts geändert, denn auf Den Teufel tun tauchen eine Vielzahl alter und treuer Wegbegleiter auf. Allerdings ist ihre Position eine andere, denn in einer Band herrschen Hierarchien, Ansprüche und Identifikationen, und da sind laufende Umbesetzungen nicht förderlich. Das wollte der 1963 geborene Künstler nicht mehr, und weil er durch äußere Umstände bedingt das Team für Den Teufel tun erneut hätte austauschen müssen, fiel die Entscheidung, gleich als Nils Koppruch aufzutreten. Stiller und akustischer sind seine nie verklausulierten, elitären oder akademischen Lieder mit den zugänglichen Strukturen geworden, die den Song in den Mittelpunkt stellen. Dezente Bläser (von Fettes Brot), Country und Folk bilden vertraute Klänge, weshalb Den Teufel tun auch gar nicht weit entfernt von Fink-Platten liegt. Nicht alles, worüber Nils singt ist gelebt. Aber mindestens gefühlt, und er macht es einem in seinen mit vertrauten Bildern arbeiten Texten nicht schwer, ihm zu folgen. Dadurch erfüllen auch sämtliche Stücke des Albums Nils Eigenanspruch, ähnlich wie Sklaven- und Seemannslieder, einen Gebrauchswert wie Trost, Ablenkung nachweisen zu können. Und mehr muss gute ein gutes Lied auch nicht leisten...

(Sven Niechziol, amazon)

Beruhigend, besinnlich, aufw�hlend, mirei�end: Die Timmins-Geschwister ziehen � streicherumflort � Zwischenbilanz, halten R�ckschau, blicken nach vorn. Die 11 neuen Cowboy Junkies-Originale des 2007er Albums verbinden die Essenz des bisherigen Schaffens mit einer reichhaltigeren, in Weisheit und Wut gewachsenen Ebene, die �berw�ltigt. Bereichert um Streicher-Arrangements des kanadischen Komponisten Henry Kucharzyk erhalten die Lieder eine klassisch-amerikanische Weite, gebettet in eine ebenso wohldurchdachte wie tief empfundene, verf�hrerische Album-Dramaturgie. Einer Ouvert�re gleich er�ffnet Song 1, Brand New World, das gro�e Werk mit wohlvertrauten Kl�ngen, Gitarre und Bass reizen sanft harmonische Spannungen aus, Margo�s Stimme weht vor Sehnsucht. Dezent eingef�hrt, aber gro�artig episch arrangiert sto�en die Streicher hinzu, Band und Orchester nehmen Fahrt auf, steigern sich dem gemeinsamen Rausch entgegen, verklingen in leiser Harmonie. In Still Lost wird dann das Album-Thema At The End Of Pates Taken - R�ckblick, Ausschau, Verlust vorgestellt, von orchestraler Weite getragen betritt ein weiterer tragender Instrumental-Protagonist, das Piano, die Bildfl�che. Eine w�tend-verzerrte E-Gitarre er�ffnet energisch den Cutting Board Blues, das Schlagzeug l�sst Wucht und Blech sprechen, und mit Vehemenz und Verzweiflung rei�t uns Margo mit in den bet�ubenden Strudel. Aber der bes�nftigende Trost folgt auf dem Fu�, Spiral Down, eine die Sinne heilende Gitarre-Stimme-Ballade, von beruhigenden Violinen-Figuren in den Himmel gehoben. Immer weiter verfolgt die Album-Choreographie dieses mitrei�ende Wechselbad aus erlebten und erfahrenen Emotionen, von Michael Timmins in perfekte Songs verwandelt, in beeindruckende Form gegossen. Die sechsmin�tige finale Balladensch�nheit Follower 2 umwebt die Zeile The Rain Comes Down mit einer solch geballten musikalischen Gef�hlswelle, Saiteninstrumente, Streicher und Stimme bilden eine bewegende Einheit, w�hlen auf, bis nach vier Minuten das Auftauchen des machtvollen Schlagzeugs einem Befreiungsschlag gleicht. Im vorletzten Song Mountain rei�t die Band mit in einen 7-min�tigen rauschartigen, w�stenhaft fiebernden, psychedelischen Fluss, in den das Orchester w�tend und vehement mit eintaucht. My Only Guarantee schlie�lich l�sst den Gospel-Segen, der einem guten Geist gleich auch in den d�ster-dr�uendsten Momenten des Albums stets sp�rbar ist, auch sp�rbar Gestalt annehmen: Margo�s einzigartig bewegende Stimme steht strahlend im Mittelpunkt, zur�ckhaltend gef�rdert von Piano und Gitarre, von einem Kinderchor engelsgleich begleitet, spendet Trost, salbt die Seele, schenkt Hoffnung.

Bei einem Schaffen wie dem der Cowboy Junkies von einem besten Album zu sprechen ist � wie stets � vermessen. Aber At The End Of Paths Taken ist ein ganz gro�artiges, von gro�en Songs getragenes Reif-Werk einer gro�en amerikanischen Band.

(Glitterhouse)

Das Deb�t der Band um Songwriter Marc Pilley ist 7 Jahre nach Erscheinen (mittlerweile out of print. Eine Schande) ein nicht verblassendes Juwel. Umso sch�ner war es, als wir die Band vor zwei Jahren f�r Glitterhouse gewinnen und mit Notes On Sunset einen fabul�sen Nachfolger pr�sentieren konnten. Lange nun hat er an Homesick To Nowhere gebastelt und um es kurz zu machen � es ist seine beste Platte geworden. Nachdem ich sie 3 x geh�rt hatte, schrieb ich Marc eine E-Mail, in der ich ihm mitteilte, dass Homesick For Nowhere so auch gut 1970 h�tte erscheinen k�nnen. Und w�re dem so gewesen, dann w�rde sie heute mit Tim Hardin 2, Nick Drake�s Bryter Layter und dem Deb�t von Bill Fay in einem Atemzug genannt. Und zu dieser Aussage stehe ich auch mindestens 50 Durchl�ufe sp�ter noch. Was mich bei Homesick For Nowhere so begeistert ist die Tatsache, da� Marc Pilley Risiken eingegangen ist. Wundersch�ne Songs schreibt er am Tag wahrscheinlich eine Handvoll, aber diese hier sind offensichtlich gereift, pr�zise ausgew�hlt und in den perfekten Flow gebracht. Dabei zeigt schon der Opener Homesick Pt. 1 (es gibt 4 weitere Parts im Laufe der Platte), dass er sich gerade �ber die Arrangements besonders Gedanken gemacht hat und genau das ist es, was hier eine geniale Platte zu einem Jahrzehnte �berdauernden Meisterwerk macht � sie �berrascht! Jeder Ton ist am richtigen Platz. Immer wieder passiert nicht das Offensichtliche, was die Platte nur noch spannender macht.

Homesick For Nowhere ist ein Wunderwerk von Album. So wie ich mich bei Tim Hardin 2 noch immer frage, wie nach Reason To Believe und Red Baloon noch Black Sheep Boy und Lady Came From Baltimore folgen k�nnen, so bin ich hier �ber den Flu� des Album, die kleinen Feinheiten und Stimmungen, sowie die pure Qualit�t jedes einzelnen Songs �berrascht, begeistert und auch ein wenig Stolz.

So wie mir Dolphins von Fred Neil, Pink Moon von Nick Drake, How Can We Hang On To A Dream von Tim Hardin, Polly von Dillard & Clark, She von Gram Parsons oder Helpless von Neil Young auch nach mehr als 30 Jahren noch direkt ins Herz gehen, so ber�hrt mich jeder Ton dieser Platte hier. Ganz tief. Mit Homesick For Nowhere haben sich Marc Pilley und seine Band in diese Liste eingereiht! Da gibt es keinen Zweifel!

(Glitterhouse)

(amazon)

Auf dem neuen Album Because of the Times machen die vier Followill- Br�der von Kings of Leon gewaltig Krawall. Aber eher den, der von extremen Kontrasten zwischen 70-er-Psychedelic und Grunge lebt. Schon das dramaturgisch breitgef�cherte �Knocked Up� als Auftakt bezieht seine Spannung aus scheinbar unvereinbaren Versatzst�cken, die ein karges Bassmotiv � la Metallica zusammenh�lt. �hnlich aufr�hrerisch ist die Stimmung auf �Black Thumbnail�, wenn Chaleb Followills Schmerzstimme durch Blues und Heavy Rock f�hrt. Mal wilder Postpunk � la �Charmer� oder �My Party�, mal nerviges Gitarrengezerre zu �McFearless�, und immer wieder diese todessehns�chtigen, depressiven Texte �ber das zu schnelle, unvern�nftige Leben am Abgrund. Zu einem Mixtur aus Blues, Walzerrhythmen und Gospel-Chor beschw�ren sie auf der Ballade �The Runner� Jesus, und dem Liebeslied �Trunk� mit Hall und Echo fast geisterhaften Folk und Country auf den Gitarren. Da klingen die Power-Akkorde auf der ersten Single �On Call� schon fast frohsinnig.

(Ingeborg Schober, amazon)

Erstes Album nach 6 Jahren. 12 allesamt kurze kompakte Songs. Wirkt wie aus einer anderen Zeit! Ungemein melodisch, substanzreich, weitgehend laidback/relaxt bzw. recht ruhig/balladesk, selten (moderat) rockend. In ausgesprochen warmem organischem Sound, Bl�ser, Orgel, Piano, akust. und leise/filigrane E-Gitarre (manchmal Streicher) flie�en zusammen, nichts dr�ngt sich auf, alles dezent/ausgewogen. Stilistisch ganz und gar in den 50ern, teils 60ern, sporadisch gar 40ern verwurzelt, Pop ganz altmodischer (US-)Art trifft Soul (R�n�B), Rockabilly/R�n�R-Feeling, Country oder ein wenig Jazz (-Pop). Auch �ne Art Americana� Dementsprechend klingt sein Songwriting (die 3 Cover, u.a. Charlie Feathers, Faron Young, passen gut �rein), gehaltvoll, traditionsverhaftet, in von ihm jahrzehntelang gewohnter Qualit�t. Voll retro, ja, und wie, aber gut. Chrissie Hynde gastiert.

(Glitterhouse)

When Jay Farrar resurrected the sound and approach (if not the personnel) of Son Volt for the 2005 album Okemah and the Melody of Riot, it was a welcome return to what Farrar does best after the poorly focused meanderings of much of his solo work. But while embracing the Son Volt handle energized his muse on Okemah, the second album from Son Volt 2.0, The Search, suggests it has also given him a clearer vision in his search for new sonic territory. The melodic textures of The Search are very much in the mode of Son Volt's early work, but Farrar has offered a few noticeable change-ups in how he approaches the material, most noticeably the addition of Derry Deborja on keyboards, whose washes of organ and piano add new colors to the band's palate. Farrar also takes a few other chances here that pay off, particularly with the punchy soul horns on "The Picture," and though it remains clear that Farrar is in charge of this band, The Search finds this lineup of Son Volt growing into a sound of their own, with the rhythm section of Andrew DuPlantis and Dave Bryson sounding more comfortable but also lending a stronger backbone on the more rocking material (especially the title track) and Brad Rice given more room to blend his guitar work with Farrar's Neil Young-influenced leads. And while Farrar isn't likely to get ever over his shyness about direct declarative statements in his lyrics, like Okemah The Search is clearly informed by the political and social malaise of America under George W. Bush, and Farrar's compassionate anger on "Satellite," "Adrenaline and Heresy," and the title tune is bracing and powerful. In their original incarnation, Son Volt made a brilliant debut and followed it up with a genuine disappointment, but the second time around, Farrar has followed strength with strength, and The Search is a potent reminder of why Farrar was and is one of the watershed artists of the alt-country movement.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Jeder f�r sich ein Star: Caetano Veloso, Bj�rk, Prince, Emmylou Harris, James Taylor, Annie Lennox. Auf dem Joni-Mitchell-Tribute-Album sind so viele K�nstler mit ureigenem Gepr�ge vertreten, dass man sich die Frage stellen muss, warum die Millionenseller der Branche hier so grundverschieden und konzeptlos Jonis geniales Songmaterial verwursten. Sorry, Bj�rk: Mag sein, dass du deinen eigenen Style hast. Aber lass deine Stimmb�nder weg von Dingen, von denen sie nichts verstehen. Bitte, Cassandra Wilson: "For the Roses" braucht keine verschnarchten Frust-Vibes, sondern ein pr�gnantes Statement in der Stimme. Annie Lennox und Emmylou rei�en's noch eingerma�en raus, doch auch sie klingen hundertpro nach sich selbst.

(amazon)

Zugegeben, es hat etwas gedauert, bis der Easy Tiger gebissen hat. Aber das passiert mir oft bei Platten, an die ich hohe Erwartungen hege. Nachdem er seine Fans 2005 zu sehr verwöhnt/überstrapaziert (je nach Sichtweise) hat, dauerte es 18 Monate bis zu diesem Album. Sicher ist nicht die ganze Zeit in die Vorbereitung geflossen, aber hier wird konzentriert zu Werke gegangen, Überflüssiges wurde aussen vor gelassen, die Songs sind durchkomponiert und die 13, die es letztendlich auf das Album schafften, sind nach 39 Minuten durch. Kurz für Adams und CD-Verhältnisse, aber glaubt mir, danach ist der Kreis geschlossen. Man ist zufrieden, mehr braucht es nicht.
Eingespielt mit seiner Tourband (also mit Neal Casal) musiziert hier eine durch ausgiebiges Touren gut funktionierende Einheit, Adams fühlt sich hörbar wohl und singt so gut wie lange nicht mehr. Mit Ausnahme des straighten Rockers Halloweenhead (das Gitarrensolo kommt mit Ansage) geht es hier mittelschnell bis langsam voran, in den teilakustischen Tracks spürt man des Öfteren den Neil Young Comes-A-Time-Vibe. Aber das ist die Gangart, die mir bei Ryan Adams immer am besten gefallen hat. Denn kaum einer kann die Balladen so direkt ans Herz andocken wie er, kaum einer bringt die midtempo Countryrocker näher ran an Gram und Gene und wenn er seine Kraft so bündelt wie bei Easy Tiger, dann ist er einfach schwer zu schlagen in diesem Alt.-Country-Spiel.

Es gibt einige offensichtliche Hightlights, Tears Of Gold dürfte eines der besten Stücke sein, die er je geschrieben hat, aber die 13 Tunes hängen so eng aneinander (wie Pearls On A String, der feine Bluegrass-Track Nr. 9), dass man nicht auf den Gedanken kommt, das Werk in Teile zu sezieren. Easy Tiger funktioniert als Ganzes. Und braucht vielleicht eine Weile, um seine Klasse zu offenbaren. Die Zeit sollte man sich nehmen!

(Glitterhouse)

... einfach wundersch�ne, herrlich dahinperlende, herzwarme Musik der beiden Wilco-Musiker John Stirratt (schon seit Uncle Tupelo dabei) und Pat Sansone (seit 'Kicking TV - Live'). Beide teilen sich die Song- und Lead Vocal-Credits, wobei das meistens gemeinsam im perfekt aufeinander abgestimmten Team passiert. Stirratt spielt Gitarre, Sansone erweist sich mal wieder als kongenialer Multiinstrumentalist an akustischen & elektrischen Gitarren, Klavier, Orgel, Bass, mitunter etwas Percussion, Tablas, Cembalo, Clavinet u.a. Fest dazu geh�ren der bekannte Nashville Studiobassist Brad Jones und langj�hrige Tour-Drummer Greg Wiz. In kleinen Rollen h�ren wir Nels Cline (Lead Guitar), John Pirruccello (Steel), Jim Hoke (Fl�te), Steve Tyska (Horns), Chris Carmichael (Strings). Besonders die geschmackvollen "Bedroom Pop"-Streicher vermitteln einen leicht orchestralen Touch, geraten aber nie aufdringlich (wie z.B. j�ngst bei den Cowboy Junkies, wo sie das ganze Album zerst�ren). Bereits das 3. Autumn Defense-Album, da darf man also nicht mehr nur von einem Wilco-Nebenprojekt reden, sondern muss die Eigenst�ndigkeit und Entwicklung seit 'The Green Hour' (01) und 'Circles' (03) unbedingt anerkennen!! Homogenstes Werk bislang, stimmungsm��ig vergleichbar mit den melancholischen, nachdenklichen Anteilen von 'Circles' und auch mit der ruhigen Grundatmosph�re von Wilco's 'Sky Blue Sky'. Die luftigen, mitunter dezent jazzigen, leise arrangierten 60/70er Westcoast/Soft Rock-Elemente und die durchweg dominanten Harmony Vocals-Glanztaten erinnern an Love, David Crosby, Bread, Simon & Garfunkel, Left Banke, Association, 'Notorious'-Byrds...

(Glitterhouse)

It's easy to tag the Autumn Defense as a band striving to re-create the sun-splashed sound of the classic California folk-rock and chamber pop albums of the '60s and early '70s, but while their musical influences are clear, the truth is that Patrick Sansone and John Stirratt have delivered an album every bit as satisfying and beautiful as the artists they've followed with their self-titled third release. The Autumn Defense is a rich and mature collection of songs that sparkle with melodic beauty without ignoring the more difficult emotions that are often part and parcel of commitment; thankfully devoid of self-pity or a deluded joy, these songs speak of passion and experience in equal portions, and the superb arrangements and crisp, nearly flawless playing bring forward the impassioned material with inspired accuracy. As songwriters, Sansone and Stirratt deliver their strongest work to date on The Autumn Defense, and Sansone's production is lush without sounding excessive, as a superb ensemble of musicians (among them Nels Cline, Brad Jones, and Jim Hoke) weave superb textures around the melodies. The result is an album that wouldn't have sounded out of place coming from Elektra Records in 1970, but The Autumn Defense isn't an act of nostalgia for an era these musicians are too young to have been part of; instead, Sansone, Stirratt, and their collaborators have embraced the sound of a previous era and used it as a creative stepping stone into the present, and the finished product is truly timeless music with superb craft and plenty of heart. Simply put, The Autumn Defense is a triumph and one of the most impressive albums of the year.

(by Mark Deming, All Music Guide)

COLLIE/////electric ist Bandname & Albumtitel des neuen Werkes von Markus Maria Jansen. Neu, sicherlich - aber gleichzeitig das Album, das Jansens alte Band, die 90er Jahre Kulttruppe mit dem Majordeal (EMI, Motor) "m.walking on the water" nie aufgenommen hat. 10 Jahre nach Ende der M.s läutet Herr Jansen hier die etwas andere Art der Reunion ein. Er spielt die Songs aus der Schublade mit der Rhythmusgruppe seiner aktuellen Jansen-Band ein, steuert auch ein paar Klassiker von M.wotw (u.a. die Hitsingle "Poison") bei und liefert nebenbei eine englischsprachige Version des Jansen Hits "Himmel".

(amazon.de)

an einem Sonntag gab mir Zwanie eine CD mit der Aufschrift:

„Zwanie Songs 1998 - 2006“

Eine Zusammenstellung einiger seiner Lieder. Nur so, zum Hören. Ich war sofort verzaubert von der Sweetness und Schönheit dieser Songs. Über ein Jahr begleitete mich diese CD auf meinen Reisen durch fremde Länder und bei jedem Hören wuchsen und wuchsen diese wunderbaren Songs. Anders als bei so viel anderer Musik musste ich mir diese nicht schönsaufen. Nein, diese Songs waren bezaubernd, zeitlos und besonders.

Spätestens als meine Freundin das dritte Mal fragte: „Was ist das noch mal Schönes?“, als Zwaniesongs in meiner Zufalls-Schleife erklangen, reifte in mir ein Gedanke: „Die Welt braucht Zwanie!“ Schon länger spielten meine Lieblingsplattenfirma Buback und ich mit dem Gedanken, gemeinsam ein Label zu gründen... mein eigenes Unterlabel sozusagen. Doch bisher war ich der Meinung ich hätte schon genug Probleme, auch ohne eigenes Label. Dann schon lieber eine Katze kaufen, oder zwei... damit die eine sich nicht so langweilt, wenn ich nicht da bin. Wiederum an einem Sonntag wusste ich dann, dieses Album ist der schönste und zwingendste Grund doch selber loszulegen, ein Label zu starten und lovely music zu veröffentlichen.

Zwanie, der seinen Namen übrigens der Tatsache verdankt, dass er früher immer alles für einen Zwanni (20DM/10Euro) eingespielt hat, spielte auch auf diesen 12 einhalb Songs, bis auf ein paar Ausnahmen, alle Instrumente selber ein. Nur dass er diesmal keine 20 Mark dafür bekam. Dafür darf ich ihn und seine 4köpfige Familie jetzt durchbringen. Danke noch mal.

Durch Zwanie's wirklich lässigen Umgang mit Gesang und Instrumenten ist dieses Album herrlich unaufgesetzt und berührt mit einer manchmal schonungslosen Ehrlichkeit. Die Sweetness und Freundlichkeit, die sich durch alle Songs zieht, lässt einen glauben Zwanie stehe kurz vor seiner Erleuchtung. Mein Freund und Kupferstecher André Luth behauptet gar, Zwanie sei alle Beatles in einer Person:

„Wenn ich mal kurz erklären darf: Für mich ist Zwanie ein waschechter Mystiker, wie George Harrison. Sein Thema ist L.O.V.E., aber mehr so kosmisch. Manche Freunde von früher sagen, er ist ein komplizierter Mann, wie John Lennon, ein weltverbessernder Imbettsitzer und Saufbotschafter für den Weltfrieden. Er ist aber auch ein richtig netter Typ, ein Frauenversteher, wie Paul McCartney. Mit dem teilt er dieses Händchen für die gute Melodie und warme Harmonien. Und er ist ja im Hauptberuf ein Schlagzeuger, wie Ringo Starr. Wenn sein Sohn einmal alt genug ist, wird er dessen Junior Zak bei Oasis ablösen, so gute Gene hat Zwanie.“

So, jetzt aber genug des Lobes. Ich will ja auch nicht das Zwanie durch die Decke geht und mir am Ende noch auf der Nase rumtanzt. Er muß heiß bleiben, denn mit ihm will ich noch richtig Scheine machen!

Ich wünsche Euch, liebe Freunde, nun eine schöne Zeit mit meinem Freund Zwanie Jonson...

DJ Koze,
Hamburg, St. Georg im Januar 2007

... das erste Lebenszeichen der einen (wichtigeren) Feelies-Stimme und der typischen Feelies-Electric Guitar seit 11 Jahren (da noch mit einer Nachfolgeband, Wake Ooloo). Es handelt sich bei 'Wheels In Motion' um das späte Solodebüt des Ex-Leaders Glenn Mercer. Und es ist wie damals: Auf einer Feelies-Platte ragten zunächst auch nicht einzelne Songs heraus, sondern der Gesamteindruck wirkte, in besten Momenten regelrecht magisch. Auch diesmal klingt alles zunächst sehr ähnlich, geradezu gespenstisch monoton, auf beklemmende Weise hypnotisierend, dann stellen sich so langsam die Aha-Erlebnisse ein, man achtet auf die vielen versteckten Nuancen, entdeckt die geschickt und irgendwie subversiv eingebauten Zitate aus Folk, Raga, Psychedelia und Wave - spätestens dann beim letzten, dem 11. Track - ausgerechnet einem Beatle-George Medley ('Within You, Without You'/'Love You To') - ist klar, dass wir es hier mit einem ganz, ganz großen Comeback des Jahres 2007 zu tun haben. Man könnte auch sagen: Reunion! Denn mit Brenda Sauter (Bass), Stanley Demeski (Drums, Percussion) und Dave Weckerman (Percussion, Drums) hat er die komplette Rhythm Section der begnadeten 80er Hoboken Sound/ Vorzeige-Indie Popper wieder beisammen. Sogar Anton Fier trommelt auf einem Track! Überraschung gelungen, denn - ganz ehrlich - die Feelies hatte wohl kaum noch jemand auf der Rechnung, oder?! Volltreffer!!

(Glitterhouse)

Nach den Jayhawks und den Creekdippers legt Mark Olson nun sein erstes wirkliches Soloalbum vor. Dafür gab es offenbar ein anständiges Budget, denn Produzent Ben Vaughn darf hier für die Arrangements auch mal Streicher einladen, für die Saitenarbeit fanden sich mit Greg Leisz und Tony Gilkyson ein und im ganzen ist das Klangbild um einiges wärmer und klarer, als die auf Glitterhouse erschienenen Landkommunen-Aufnahmen (die natürlich auch ihren Charme hatten).
"A two year journey through the heart os loss and redemption, in words and music. Illustrated with pictures" ist das Werk untertitelt, in dem er vor allem die Scheidung von seiner Frau Victoria Williams verarbeitet.

Sieht man mal vom Klang und den üppigeren Arrangements hier und da mal ab, gibt es kaum Unterschiede zu seinem Creekdippers Output. Natürlich hören wir hier auch nicht die eigentümliche Stimme von Victoria, sondern nur Mark Olson, wie er sich durch seine klaren, lieblich klingenden Country-Folk-Songs singt. Immer umrankt von einer Steelgitarre, Wurlitzer-Orgeln und angenehmen Saiteninstrumenten, klingt das alles eher nach Hoffnung als nach dem Ende. Die Texte sind zu kryptisch, um eine Tendenz zu erkennen.

Die Erstauflage kommt in einem Buch (13 x 13 cm), mit Papierumschlag, eingeheftetem 16-Seiten Booklet (und Texten) und Plastiktray. Sehr, sehr wertig das Ganze. (rh)

(Glitterhouse)

Da hat das Troubadour-Label (mit Hilfe von Water) einen echten Schatz ausgegraben: Mit dieser 2007er CD erblicken gleich 18 bislang unveröffentlichte Sill-Aufnahmen endlich, endlich das Licht der Veröffentlichung. Mit dem Segen des Judee Sill Estate und der ehrenwerten Mutter BBC liegen hiermit die Mitschnitte dreier BBC-Shows vor, die die Singer-Songwriterin und außergewöhnliche Instrumentalistin in mal intimer, mal offener Atmosphäre hautnah erfahren lassen. Die Songs wurden für die Sendungen In Concert (aufgenommen 23.3.72 im Paris Theatre), in Session With Bobo Harris (5. April 1972, Aeolian Hall Studio) und In Concert (15. Februar 1973, Golders Green Hippodrome) mitgeschnitten und zeigen die Sängerin, Autorin, Gitarristin und Pianistin in all ihren Facetten, mal in der nahezu privaten Atmosphäre des Studios, mal im direkten Austausch mit einem Konzert-Publikum. Mit bemekenswerten, zum Teil schneidendem Humor weiß sie ihre verschiedenen Darbietungen zu verbinden/einzuleiten, aber im Vordergrund stehen ihre zeitlosen Songs, die man hier in direktester Form fühlen und erleben darf. Einzigartig ihre Verbindung von barocken Elementen, New Yorker Singer-Songwritertum und ursprünglichem amerikanischen Folk, wundervoll ihre reife, ehrliche, verehrenswürdige Stimme. Dank der verschiedenen Aufnahme-Daten darf man mehrere Songs gleich in mehreren Fassungen genießen, zum Hören und zur ewigen Erinnerung gibt’s u.a. Jesus Was A Cross Maker, Lady O, The Lamb Ran Away With The Crown, The Kiss, Down Where The Valleys Are Low, Enchanted Sky Machines, There’s A Rugged Road, Phoenix, The Donor, Soldier Of The Heart. Ein Interview schenkt uns zudem die Möglichkeit, Judee noch ein wenig besser kennenzulernen.

(Glitterhouse)

2007er und f�nftes Bombast-Barock-Pop-Werk der Beach Boy-Reinkarnation von Richard Wagner, eine derart unversch�mt ausgelebte Lust an s�ffigem Wohlklang, himmelherrlichen Melodien und herzhafter Romantik, dass mir langsam die Worte ausgehen und der Atem stockt. Der Wainwright-McGarrigle-Spro� ist kein Freund trockener Wurzel-Kuchen, er kredenzt die ganze Pop-Pracht-Torte, l�sst keine Zutat aus, �bertrifft sich fast selbst im Ausschm�cken mit unz�hligen Arrangement-Kirschen und Instrumental-Sahneh�ubchen. Da schwelgen die Streicher in romantischstem Breitwand, flirren die Holz- und brettern die Blechbl�ser, perlen pr�chtiges Piano und Harfe, singen engelsgleiche Ch�re, prangt die ganze Macht und Vielfalt des Schlagwerks. Allein diese klassisch-gepr�gte, Vaudeville-schillernde, Van Dyke Parks/Brian Wilson-werte Klangf�lle ist ein erf�llender Genu�, aber Wainwright ist vor allem auch Songwriter und S�nger: Wie kaum ein anderer wei� er in romantisch-d�steren oder lieblich-melancholischen Harmonien zu schwelgen, und seine traumhaften Melodien k�nnten keinen besseren, gef�hlvolleren Interpreten finden als ihn selbst. (Ich werde nicht m�de, immer wieder auf seine herzergreifend-einzigartige Fassung von Cohen�s Hallelujah/Shrek Soundtrack 1 hinzuweisen). Um seine Stimme reich mit allen schillernden Klang-Gew�ndern zu kleiden, standen Rufus neben einem kompletten Symphonie-Orchester unter anderem Verwandte und Freunde wie Martha Wainwright, Kate McGarrigle, Lucy Roche, Richard Thompson, Teddy Thompson, Jenni Muldaur, Larry Mullins, Neil Tennant, Julianna Raye, Matt Johnson und Jeff Hill zur Seite. Ein Prachtwerk.

(Glitterhouse)

(Matt Collar, allmusic.com)

If Lonnie Jordan's 2007 long-player War Stories is to believed — that and a couple of thousand other 12" singles and albums by other artists around the globe — the era of nu soul has given way to soul, and acid jazz has given way to genuine jazz-funk once more. It's not so much that he makes a claim for these things, it's that the evidence is in the grooves themselves. Jordan is, of course, a founding member of Bay area legends War. His singing and keyboard playing helped to define that group's brave (and very successful) attempts at combining jazz, funk, soul, Latin groove and polyrhythmic pop. War Stories is Jordan's third album as a leader, and his first since 1982. It is also easily the best of his own recordings. Of course there are elements of War's sound here and the synthesis that was their trademark is, as expected, all over this 14-song set. Vocally, Jordan is as strong as ever. He has his full range, from falsetto to gritty shout. His writing skills are sharp, and he's not given to the excesses he once was as a solo artist, though he's more adventurous now. There are a number of covers on this set as a well, most notable among them is a slow-burning mambo reading of the Rolling Stones' "Paint It Black" with Jordan's funky Cuban piano leading the charge, and a gorgeous jazz version of Jimi Hendrix's "Third Stone from the Sun," complete with acoustic piano and Rhodes, berimbau, and a funky bassline — yeah, yeah, there are guitar parts too. And before you roll your eyes, these are not gimmicky side tracks; they are visionary re-interpretations that only a master musician could pull off. It might as well be stated that there are a couple of War tunes here as well, including "The World Is a Ghetto," and "Deliver the Word." The former doesn't touch the original (but then, how could it?) the latter reinvents and improves upon the root tune. As fine as these are, however, they are simply parts of a much larger story. The album title reveals what's in store for the listener. Jordan simply recounts through the music his experiences as a musician from running in the Oakland ghetto in the late '50s and '60s to jamming with Hendrix on the night before he passed away, and partying and playing with Bob Marley ("Rock and Roll Days.") Like the best tunes in the genre of socially conscious roots music, Jordan allows the personal into his tunes, as on the soulful opener "Don't Let No One Get You Down" and in the tragic balladry of "Baby Brother," which recounts the shooting of his sibling by police; there's the rent-party funk of "Get That Feeling" and the Fela-centric, James Brown-grit, pop and groove in another War tune, "Get Down," that's much faster than the original version. Love songs, such as "Out of Sight," with its ethereal late night groove, and the closer "Theresa," a paean to Jordan's wife of 32 years all intertwine with the message tunes, and the covers are given poetic weight and become multidimensional by their presentation in this context. Jordan claims that these tunes were recorded in a studio with a live band playing, and that the only thing he really over-dubbed were some layers of keyboards (but backing vocals have been overdubbed to be sure as well). Given the seamless, warm sound of the disc, that feels mostly right; but it is also a testament to the other players on the date, from guitarist JB Eckl and Pancho Tomasselli's bass playing to the polyrhythmic attack of the numerous drummers and percussionists, to backing vocalist Tara Ellis. This feels like Jordan with an honest to goodness band, playing his tunes, not a group of studio hacks. War Stories is a fine recording, period, and deserves to be heard by anyone who was ever interested in War, sure; but more than this, it's an assemblage and directory of roots music — from R&B, soul and funk — as it is being made right here and now. War Stories is right now.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

In 1993, Kurt Cobain made a valiant and formal attempt to get Brazil's Os Mutantes to reunite. He failed. Om Platten reissued the band's recordings officially in the United States and they sold like hotcakes globally, fostering all kinds of interest in the most psychedelic of the tropicalia lot but not a peep from the band. In 1998, Beck popped out his sideways tribute to the band with Mutations, employing all kinds of vocal, instrumental. and production techniques employed by the band that had moved him so deeply. Still nothing. Leave it to David Byrne (who had issued a wonderful compilation of their work on his Luaka Bop imprint) to encourage the original Os Mutantes brothers, Sergio Dias and Arnaldo Baptista, who assembled a band that included the amazing chanteuse Z�lia Duncan (who replaced original female vocalist Rita Lee), along with drummer Dinho Leme, Henrique Peters, Vitor Trida, F�bio Recco, and Esm�ria Bulgari, to perform in London at the storied Barbican Theater in 2006. This document is the entire concert, presented in stunning sound with crackling energy to prove that those who attended, press and punters, weren't lying about how great it was. These 21 songs offer proof positive that years can indeed melt away, and whatever dowdy and dodgy myths that surrounded the fate its creators had endured were wiped away within the first few minutes of set opener "Don Quixote."

Os Mutantes didn't merely run though their hits, they played them with fire, humor, astonishing finesse, and creativity, revealing the sincere dearth of the same that exists on the rock scene (indie or not) at this moment in time. Dias is a better guitarist than he's ever been. His playing has lost none of its quirky yet utterly sophisticated charm. And in the intricate vocal harmonies on display in tracks like "Tecnicolor," "Ave Lucifer," "I Feel a Little Spaced Out," "Virginia," "Cantor de Mambo," and "A Mainha Menina," may have indeed influenced those soaring moments in Queen's middle period material. But it isn't just the influence that Os Mutantes have had upon so many acts, it's their stunning musical sophistication in performance. They are the true intersection where samba, psychedelic rock, doo wop, folk songs, classical music, and guerilla theater meet. Along with Gilberto Gil and Caetano Veloso, Gal Costa, and others, they created a musical and artistic environment so powerful it threatened a government. This is music one has to hear to believe, let alone comprehend. It moves the listener out past any preconceived notions that the Mutantes were able to do what they did in a recording studio but could never pull off live. The show, as divided by the two discs, has a thread running through it that moves the audience from one place to another to another and another until they are so utterly seduced and overwhelmed they are exhausted. A lot is being made of the guest performances of Noah Georgeson and Devendra Banhart on "Bat Macumba," but they don't add all that much, and that's not to take away from their contributions, either. It's simply that they aren't capable of adding much to this kaleidoscopic array of wild fun and musical genius. "Bat Macumba" rocks like a mother, but it's that cooking band that makes it all happen. The addition of Duncan � a recording artist in her own right for Universal � is a coup. Her range and ability to shift her focus from lead to harmony, to change tempo, key, and mode on a dime makes her a boon for this group. Her own foremost moments on "Tecnicolor," "Caminhante Noturno," and "2001," where samba meets calypso meets acid-damaged rock and sci-fi doo wop are mindblowers. Forget what you know or what you don't. If you've not listened to Os Mutantes before, this is a great place to start: you can hear the studio records, amazing as they are, later. If you own the studio records, they will not adequately prepare you for what's on display here.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

The debut album by Irish-born, British-based singer/songwriter Fionn Regan was first released in the U.K. by ex-Cocteau Twins bassist Simon Raymonde's dream pop imprint Bella Union, before being picked up for U.S. distribution by the rootsy alt-country label Lost Highway. Impressively, it's a good fit for both labels. Regan keeps one foot in the singer/songwriter tradition � comparisons to Damien Rice and Nick Drake are ubiquitous in his reviews, and for good reason � but Regan's interest in specific soundscapes for their emotional resonances is a subtle but important philosophical link to the Cocteau Twins' sound for sounds' sake aesthetic. Regan recorded the majority of The End of History in a disused stone barn, live to a portable recorder. The natural reverb adds warmth to these often skeletal songs, most with little more accompaniment than Regan's acoustic guitar and practically whispered vocals. The sense of intimacy thus engendered adds weight to songs that might have otherwise seemed ethereally light, but at his best, Regan proves himself an immensely skilled songwriter. "I have become an aerial view of a coastal town that you once knew" is a startlingly apt image in the lovely lost-love lament "Be Good or Be Gone," and Regan's debut single "Put a Penny in the Slot" is an instant classic ranking with such wry slices of U.K. folk-rock as Lloyd Cole and the Commotions' "Perfect Skin" (right down to Regan's echoing of Cole's trademark habit of dropping authors' names in his lyrics, Paul Auster and Saul Bellow in this case) and any number of Richard Thompson's romantic character studies. The End of History suggests that a major talent may be brewing here.

(by Stewart Mason, All Music Guide)

(kulturnews.de)

The Sheiling' was formed initially as a loose band of Aberystwyth musicians assembled by vocalist Dylan Jones to practice, and then record, an album primarily of traditional music. With Ian Gulley (GwerinAberfolk) on guitar, Lucy Jones on fiddle, and Bethan Ifans and Steve Blaquire respectively on vocals and fretless bass - the album was completed in just over a year.

Reviewed in 'Taplas' A Touch of Rain was praised for its 'beautiful vocals' and particularly for the 'unsurpassable musicianship' to be found on the versions of 'The Flower of Magheryallyo' and 'Let no Man Steal your Thyme'.

The folk/roots review site Rambles also recommended the album in order to hear 'two vocalists at the top of their game'.

There are two guest appearances, the excellent violinist Jerry Bloom (on The Flower of Magherallyo); and Derek Prior, who provides vocals, guitar and harmonica on his own composition 'Sparrows'. The album includes a number of interesting covers including two Nick Drake songs ('Clothes of Sand' and 'Joey'), as well as Kate Wolf's haunting classic 'Across the Great Divide'.

The band name was taken from the title of a poem by Edward Thomas. The spelling is that used by Thomas, although there are variations including 'shealing' and 'shieling'.

According to the Concise Oxford Dictionary its meaning is 1. 'A roughly constructed hut' originally esp. for pastoral use. 2. Pasture for cattle (scots shiel 'hut': of unknown origin). The literary association of the band name ties in neatly with the title track, 'A touch of Rain'. Which is a setting of another Edward Thomas poem 'Like the Touch of Rain She Was'; and this is also linked to the setting of the Eleanor Farjeon verse 'The Night Will Never Stay'. Farjeon and Thomas were closely associated in life - an account of which is to be found in her memoir 'The Last Four Years'.

The second 'Sheiling' album 'Shape I'm In' has a different line-up. The father & daughter partnership is retained on vocal and violin, but with the addition of songwriter Alan Coopey on guitar, the album has a more rootsy feel.

This time more than half of the songs are original. Once more there are some interesting covers - including Nick Drake again, and also songs by Tim Buckley and Gram Parsons.

Guest musicians on the album are Dave Moore (whistle) and Amy Sterly (bass).

In the summer of 2003 Dylan Jones worked on old demos and out-take material from both of these albums to form the collection 'Remnants'.

In addition to acoustic versions of previously recorded songs (which allow Ian Gulley's delicate guitar-work to shine), the album includes a version of Nick Drake's 'From the Morning' and a restrained laid-back version of Tim Buckley's 'Chase the Blues Away', which features Sam Christie on congas.

Since this time there have been occasional collaborations between Alan Coopey & Dylan Jones. Three new songs - 'Sister of the Mountain' 'The Way You Dance' & 'Place I Need to Be' can be heard by contacting The Sheiling site on Myspace Music.

More recently Dylan Jones has made a few preliminary recordings with Geert DeWilde & Laura Jones. Work in progress can be heard on their Myspace site Jones, DeWilde & Jones.

(Umbrella Head)

Sehnlichst erwartet und herzlichst willkommen geheißen: Fünf Jahre hat uns die Wunder-Stimme des edlen Country nach neuem Material hungern lassen, fünf Jahre, die wir uns an Easy und seinen Vorgängern ergötzen konnten. Zum Fescht 2006 schenkte sie uns gemeinsam mit ihrem Gatten Bruce Robison den Appetithappen Happy Holidays, aber satt - satt wurden wir davon nicht. Aber die Jahre des Darbens sind vorüber: Mit Translated From Love schenkt uns die Grand Dame des Edel-Honky Tonk den 12-Song-Schatz, nach dem wir hungerten. Hier stimmt einfach alles: Die Auswahl der Songs, die abwechslungsreichen Arrangements, das perfekte instrumentale Handwerk, die Produktion (Chuck Prophet). Kelly gelingt es, in einem Dutzend Liedern einen Großteil der amerikanischen Musikgeschichte Revue passieren zu lassen, sie glänzt in Bluegrass und Honky Tonk, 50’s Rock’nRoll und 60’s Breitwand, Folk und Country-Swing, Beach Boys-Wohlklang-Pop und satt rollendem Roots-Rock. Mit musikalischen Gästen wie Prophet, Bruce Robison oder Jules Shear stehen die Saiteninstrumente klar im Vordergrund der Produktion, die Gitarren glänzen in allen Farben, es twangt und rockt, wehmütig singt die Steel-Guitar, wurzelig knarzt das Banjo und herzhaft perlt die Mandoline. Bass und Schlagwerk liefern die perfekte Basis für jede Gangart, Orgel, Klavier, Keyboards und Streicher füllen das köstliche Klangbild. Edel, meisterlich und gut, aber: Einzigartig wird das Werk erst durch diese Stimme, die wie kaum jemand sonst Songs mit Leben erfüllt, die Traditions-Treue, perfekte Sangeskunst und unwiderstehlichen Liebreiz mühelos in sich vereinigt.

(Glitterhouse)

Translated from Love is Kelly Willis' seventh album and her first (aside from a Christmas set in 2006) in five years. It was produced by Chuck Prophet with a small group of musicians that rotates a bit but is more or less a unit: Prophet, Greg Leisz, Marc Pisapia, John Ludwick, and Michael Ramos. Guests include Willis' husband Bruce Robison, the Tosca String Quartet, and Jules Shear (who wrote or co-wrote a couple of tunes here). Prophet, Willis and Shear take on the lion's share of writing credits here, often in combinations. Willis is the darling of alt country fans and NPR listeners, and each recording has received more platitudes than the one before. It will be interesting to see what they make of Translated. This is, in many ways, as slick as her MCA records, though it is punchier, rocks a little harder, and feels like it was geared for more open-minded country radio stations. The music is full of keyboards featured as prominently as guitars, tight arrangements, clipped harmonies, and bona fide rock riffs in places; what's more, the tracks accent the jumpier side of Willis' voice. Think Carlene Carter's 1980 album Musical Shapes (produced by Nick Lowe) (and yeah, it is a good thing).

Alt country, Americana or, as some are now calling it, "Ameripolitan" has become a ghetto of generic artists, sounds, and utterly forgettable songs that rely more on lyrical imagery than on their crafted melodies to get them across. Willis, who has played this game her way since leaving MCA in the '90s, knows what she's doing. Prophet's a perfect producer for getting what an artist wants out of a tune. "Nobody Wants to Go to the Moon Anymore" opens the set with its jaunty, popping 21st century rockabilly. It's got a shuffling, crisp blend of acoustic and electric guitars, and solid snare pop driving the thing. "Don't Know Why," with its Wurlitzer and B-3, carries a kind of '80s roots country feel: it's got a solid, hooky melody in a beautiful mid-tempo pop-love song written by Willis, Prophet and Shear. If there is any questions about the early rock & roll influence on this disc, go no further than "Teddy Boys," with its modified Chuck Berry lick. It's modified by Ramos playing a big fat Moog as part of the melody line. There are those young and middle-aged men (many of them critics who are projecting their own fantasies) who will write all these songs off as sell-outs, as "merely" recordings by female artists, unless their titles are drenched in a slavish vulnerability they perceive as "honesty." Willis offers a twist on these themes in "Losing You," with its banjo lines featured prominently, the tempo in the middle, and her expressive Virginia drawl drenched in strings and pedal steel.

"Too Much to Lose" puts Robison's vocals in the mix, and is also laden with strings. It's a slow, simple tune, but Willis sings with great authority. The longing in her voice and in her lyrics never sacrificess her dignity. The '60s rock harmonies that introduce "The More That I'm Around You" are offset by the cheesy synth lines. This is one of Shear's great pop songs and Willis does it justice, as does Leisz's Rickencbacker 12-string. The great cover of David Bowie's "Success" is simply a riot. It's all loose and ranging, driven by Ramos playing a Vox Continental organ and shouted backing vocals by the Gourds. There's a stolid country ballad in "Stone's Throw Away," a gorgeous song that plays more to Willis' recognizable past (so it may be big with the males mentioned above). The big fat rock & roll guitars in "I Must Be Lucky" accented by dobro and organ, make it one of the best cuts on the set, before the album's taken out by the minimally dressed acoustic title track with the sweet tinges of Shear's backing vocal and Ramos' accordion. In all, it's a winner, a solid, consistently crafted "new country" record that wears rock & roll proudly on its sleeve. And don't be surprised if the contemporary country stations or CMT and GAC pick up on it.

(by Thom Jurek , All Music Guide)

(Sven Niechziol, amazon)

Aus der Amazon.de-Redaktion The Western Lands ist wie ein komplexer Charakter: bildsch�n und verdammt schlau, geheimnisvoll und doch umg�nglich, Ruhepol und auch mal aufbrausend, tiefsinnig, ohne den Spa� am Allt�glichen abzulehnen. Klingt nach einem Album, das einen langsam und nicht im Sturm erobert, aber genau das Gegenteil ist der Fall. The Western Lands packt einen sofort und l�sst einen auch nach vielfachem H�ren nicht mehr los. Wie kaum eine andere Band verk�rpern Gravenhurst Offenheit und den Richtungswandel des englischen Labels Warp, der einst digital dominierten Heimat von Plaid, LFO oder Autechre. Die elektronischen Elemente bilden auch einen Teil der �berraschend songorientierten Gravenhurst-Kompositionen, die wieder komplett aus der Feder von Nick Talbot stammen. Doch weiter vorne r�ckt der Mann aus Bristol Gitarren-Sounds a la My Bloody Valentine, Elemente, wie sie bei Piano Magic oder Slowdive zu finden sind und vor allem zarten Folk eines Bert Jansch. �berall schwebt zudem der Geist solcher �berdurchschnittlicher Bristol-Bands wie Flying Saucer Attack, Matt Elliott und seinen Third Eye Foundation, Movietone und ein ganz kleines bisschen Portishead. Ergebnis: tr�umerische, romantische und poetische Musik, die in dieser Form nur wenigen gelingt.

(Sven Niechziol, amazon)

As good as Gravenhurst was at chronicling late-night desolation on Fires in Distant Buildings, it still doesn't prepare listeners for the leap they take on The Western Lands. More focused songwriting and a big sound bring the delicate features of their music into sharp relief, keeping the intimacy of their earlier work while making it much more immediate. The album's production and arrangements really are remarkable � The Western Lands sounds polished without being slick, and underscores the drama in Gravenhurst's songs without drowning them in atmosphere. Wide-open musical landscapes dominate, especially on the title track's dark, Friends of Dean Martinez-eqsue twang and "Trust"'s hazy take on tough '60s pop. In fact, most of the album is surprisingly poppy, given the band's signature restraint. However, the excellent, whammy bar-breaking shoegazer riffs on "Hollow Men" are undeniably, head-bangingly catchy, as is the buoyant cover of Fairport Convention's "Farewell, Farewell," which turns Liege & Lief's wistful folk into windswept dream pop. Interestingly, the band's own "Song Among the Pine," with its meticulous acoustic guitar and invocation-like lyrics, is closer to British folk � and closer to Gravenhurst's traditional sound. Songs like this and "Grand Union Canal," which glides along on jazzy drumming, show that the band is still masterful at creating moods. The album's added focus has also sharpened the band's songwriting; "She Dances" begins with a chugging, hypnotic riff that sounds a little sleazy and dangerous, then Nick Talbot sketches out the regret behind it ("'I need new clothes,' she thinks, 'new skin; a mind I can bear to live in.'"). "Hourglass"' lament "The past is a strange place/But I want it back," set to a looping guitar line, is just as heartbreakingly simple. The Western Lands is bookended with two of Talbot's prettiest, and most unsettling, character sketches: the chilly "Saints" finds Talbot singing "I will trace my blood line" with serenely sinister intent, while "The Collector" sets a serial killer's tale to the album's most beautiful melody. It's an old trick, but the band does it perfectly, as Gravenhurst does most things on The Western Lands. This is the kind of album you can live with and hear new things in with each listen, and proves that the album is an art form that still has plenty of life in it.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Before her endearing single "The Way I Am" became the soundtrack for Old Navy commercials, Ingrid Michaelson was another anonymous, witty musician singing tales of love and loss to an audience that didn't yet exist. She funneled that uncalculated energy into Girls and Boys, her debut offering of clever, twisting piano pop. Released independently on the singer's own label, Girls and Boys is a rare treat � an album created without the constraints of a label or the demands of modern radio, yet wholly able to woo both. Michaelson clearly favors well-crafted pop melodies, but she ornaments these hooks with fractured instrumentation, shifting between time signatures during the chorus of "Masochist" and allowing guitars to drop out mid-song in "Die Alone." When she saunters into full-fledged coffeehouse mode with "The Way I Am," she subverts the song's Norah Jones-styled progression by adding handclaps, echoing harmonies, and quirky lyrics. "I'd buy you Rogaine when you start losing all your hair," Michaelson croons with a hint of vibrato, making the sentiment sweet instead of condemning. Brainy turns of phrase pepper the rest of the album ("Glass" describes a make-out session in sexy detail, with Michaelson recalling how she "rolled around on kitchen floors [and] tied my tongue in pretty bows with yours"), and Girls and Boys ultimately remains true to its title, examining the relationships between both titular characters without delving into too many grown-up issues. Perhaps Michaelson will compose a thematic sequel entitled Women and Men in the future, but these well-voiced love songs leave little room for complaint.

(by Andrew Leahey, All Music Guide)

Wiederauferstehung eines wahren Wunderwerks: 20 Jahre nach der Entstehung des bahnbrechenden zweiten Albums der Timmins-Geschwister fand sich die Band, begleitet von den Gästen Natalie Merchant, Ryan Adams und Vic Chesnutt, wieder am Geburtsort der Trinity Sessions ein, um die 12 Songs erneut einzuspielen. Stieß das Debutwerk der Cowboy Junkies, Whites Off Earth Now, nur auf verhaltene Resonanz, so wirkte das Nachfolge-Album, das in nur einem Tag in der Church Of The Holy Trinity, Toronto, aufgenommene Trinity Sessions wie ein Erdbeben in der weltweiten Americana-Gemeinde. Mit der einfühlsamen Mischung aus eigenem Material und wohlgewählten Coverversionen, der musikalischen Melange aus Alternative Country-, Folk-, Blues- und Rock-Elementen, der unter die Haut gehenden Stimme Margo’s und der Neu-Entdeckung der wahren Langsamkeit hatte die Band ihre ureigene musikalische Sprache gefunden und ihre Fassung von Lou Reed’s Sweet Jane sollte ihnen die Herzen von zahllosen neuen Verehrern öffnen. 2007, 20 Jahre später, fand man sich wieder in der Trinity Church ein, verstärkt um die Stimmen von Natalie Merchant, Vic Chesnutt und Ryan Adams, umrundet von einer nie zu aufdringlichen Film-Crew, um die 12 Songs in ihrer originalen Reihenfolge, mit “20 years of experience under our belts” (Michael Timmins), mit neuem Leben zu füllen. Am Donnerstag wurde das Equipment aufgebaut, der Freitag diente den Proben, die eigentlichen Aufnahmen fanden am Samstag von 7 Uhr in der Früh bis kurz nach Mitternacht statt. Ohne einen Song hinzuzufügen ist die Albumspieldauer jetzt von ehemaligen 52 auf 60 Minuten angewachsen, eines der vielen Zeichen für die Gelassenheit und Reife, mit der die Band die ins Blut übergegangenen Songs regelrecht zelebriert. Die Instrumentalisten, unter ihnen Geburtsstunden-Gast Jeff Bird, kosten jeden Akkord, jede Note vollmundig aus, den drei Gastsängern gelingt das Kunststück, die Lieder mehrfach und nachhaltig zu bereichern, ohne Margo’s unbestrittene Hauptrolle einzuschränken. “We came, we played, and the church, once again, did the rest.” (Michael Timmins) Auf der DVD findet sich das Album als 63-minütiger Film und eine ebenfalls von den kanadischen Filmemachern Pierre und Francois Lamoureux gedrehte 50-minütige Dokumentation der Aufnahmen, The Trinity Sessions Revisited.

(Glitterhouse)

Eine echte Überraschung! Mit einem Album von Levon Helm hätte ich nicht mehr gerechnet, handelt es sich doch hier um das erste neue Studioalbum seit 25 Jahren. Mit Hilfe seiner Tochter Amy und Dylan.Begleiter Larry Campbell spielt er sich hier durch eine erfrischende Mischung aus traditionellen Songs, Cajun Fiddle-Tunes, Country Blues, Mountain Folk – alles Tunes, die er in seiner Jugend in Arkansas gelernt hat. Die garniert er mit einigen neuen Songs von Buddy & Julie Miller sowie Steve Earle (The Mountain). Seine Stimme hat sich nach der Krebserkrankung etwas verändert, aber es ist noch immer der Mann, dem wir The Night They Drove Old Dixie Down verdanken. Selbstverständlich ist er auch den Drums, Mandoline und Akustikgitarre zu hören. Auf Vanguard.

(Glitterhouse)

(Glitterhouse)

Sharon Jones, the big-voiced lead singer of the Dap-Kings � a band that recently began making its name known outside those enthusiasts of the Daptone label and the reaches of the soul community thanks to appearances with Amy Winehouse and work for Mark Ronson, including a version of Dylan's "Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine)" � is no music-world neophyte. 100 Days, 100 Nights is just her third full-length with the Dap-Kings, but Jones has been singing on and off since the 1970s, without much of a break until she began working with her current label. Meaning, she's certainly paid her dues, and she has enough life experience behind her voice to make the words she sings sound that much truer. Because soul music � and this isn't neo-soul, or contemporary R&B, but straight-up Stax and Motown brassy soul � is so much more than the actual lyrics themselves; it's about the inflection and emotion that the vocalist is able to exude, and Jones proves herself to be master of that, moving from coy to romantic to defiant easily and believably. The album is much smoother, even gentler, than her previous releases, and though the Dap-Kings still power their way through the ten songs with bright horn licks, inspired drumming, and staccato guitar lines, there's a deeper, bluesier edge to the record, heard in "Let Them Knock" or the slower "Humble Me." "Don't let me forget who I am," Jones croons in the latter, her voice rising to a sweet falsetto at the end of the phrase. It's a very clean record, not over-produced but well produced, with a lot of great pop moments tucked in between the brassier, funkier bits. The title track relies on a sultry organ and a minor vamp to make its point, while "Something's Changed" uses strings and punctuated sax and bass as the singer drops a bit of her lungs out, bringing a kind of immediacy to her words, as if the actuality of the situation around her hasn't quite set in enough for her to wail about it, as if she's just realizing it and listeners are right there to hear about it. But that's the magic and power of Sharon Jones & the Dap-Kings: their ability to convey passion and pain, regret and celebration, found in the arrangements and the tail ends of notes, in the rhythms and phrasing, and it is exactly that which makes 100 Days, 100 Nights such an excellent release.

(by Marisa Brown, All Music Guide)

Gegensätze ziehen sich bekanntlich an, aber Robert Plant und Alison Krauss - diese Verbindung erscheint auf den ersten Blick dann doch recht abwegig. Schließlich hat sich Led-Zeppelin-Frontmann Plant als lautstarker Shouter im Hardrock-Genre einen Namen gemacht, wohingegen Krauss als Mitglied von Union Station und solo mit zart gewisperten Bluegrass-Gesängen reüssierte. Und ausgerechnet diese so unterschiedlichen Künstler haben sich jetzt für ein gemeinsames Album im Studio getroffen. Da fragt man sich unweigerlich: Passen der 59-jährige Engländer und die 36-jährige Amerikanerin überhaupt zusammen? Die Antwort: hervorragend sogar!
Raising Sand funktioniert wohl deshalb so erstaunlich gut, weil sich Plant und Krauss sozusagen auf halbem Wege entgegenkommen, so wie man es in harmonischen Beziehungen halt macht. Der britische Rock-Veteran nimmt sich zurück, zeigt seine lammfromme Seite und singt über weite Strecken überraschend sanft, die 20-fache Grammy-Gewinnerin andererseits geht aus sich heraus und verblüfft mehrmals mit ziemlich energischen Tönen. So ergänzt sich das ungleiche Paar hier in Titeln von Sam Phillips, Tom Waits, den Everly Brothers, Gene Clark, Mel Tillis und Townes Van Zandt ein ums andere Mal perfekt. Ihr Rendezvous im Aufnahmeraum ist zum Niederknien schön!

Produzent T-Bone Burnett, den man unter anderem vom Soundtrack zu O Brother, Where Art Thou? und Kooperationen mit Elvis Costello, Gillian Welch und k.d. lang kennt, hat das gemischte Doppel mit einem bezaubernden Americana-Sound moderner Prägung ausgestattet. Stücke der Gattungen Folk, Hillbilly, Country und Blues verbindet der Klangmeister zur gleichermaßen traditionellen wie zeitgemäßen Rootsmusik.

( Harald Kepler, amazon)

Lasst es mich vorsichtig ausdrücken: Das Trio-Werk des Jahres. Was die beiden Hauptakteure unter der Regie des traumwandlerisch verläßlichen T-Bone Burnette hier in 13 Songs erschaffen, ist das ganz große Roots-Kino, in den Hauptrollen: Robert Plant (als der virile, weise, erfahrene Mann), Alison Krauss (die verführerische Unschuld vom Lande) und Burnette (der Spiritus Rector, der alle Fäden in der Hand hält). Seit Jahren schon hat sich der CD-Inhalt meines schmalen Insel-Koffers nicht mehr geändert, jetzt ist die Zeit gekommen, ein neues Album für die Ewigkeit/Einsamkeit hinzuzufügen. Was sich hier auf leisen Sohlen, fast zurückhaltend, nähert, ist der in Erfüllung gegangene Wunschtraum eines jeden Roots-Kenners: Eine von Reife geprägte, von dezenter Instrumentierung getragene, von zwei sich aufs Prächtigste ergänzenden Stimmen belebte, mit allen Wurzelwassern gewaschene Kollektion handverlesener Song-Lieblinge, die sich bereits bei der ersten Berührung tief, ganz tief unter die Haut gräbt. Mit der erlesenen Unterstützung von Jay Bellerose (Drums), Dennis Crouch (Acoustic Bass), Marc Ribot (Electric Guitar, Banjo, Dobro), Greg Leisz (Pedal Steel), Alison Krauss (Fiddle), Patrick Warren (Keyboards, Organ), Norman Blake (Acoustic Guitar) und Mike Seeger (Autoharp) - stets in kleinen, überschaubaren Besetzungen dargereicht – vereint Burnette Elemente von frühem Blues, fieberndem Desert-Country, knochentrockenem Rock’n’Roll, mexikanischer Hitze, elfengleichem Roots-Pop und sanftmütigem Folk zu einer ebenso uralten wie zeitlosen Melange, die vor Intensität kocht. Eben noch schwebte Gene Clark’s Polly, losgelöst von Zeit und Raum, in vor Hitze zitternden Wüstenweiten, da treibt uns das Gone, Gone, Gone der Everly Brüder mit rohem Rock’n’Roll den Tanzschweiß auf dieStirn; weich wie eine Wolke läßt Alison’s Stimme Tom Waits’s Trampled Rose über einen in mystischen Voodoo-Farben pulsiernden Teppich erblühen, um dann das Feld freizugeben für Naomi Neville’s Fortune Teller, in dem die Gitarren ein mitreißend verzerrtes Robert Rodriguez-Tex-Mex-Fest feiern; Townes Van Zandt’s Nothin’ schließlich ist die finale Vereinigung von knochendürrem Folk und einer tonnenschweren, Mauern-brechenden E-Gitarren-Macht. Ihren ganz eigenen, unwiderstehlichen Zauber aber gewinnt diese wundervolle Song-Kollektion durch die vollendete Harmonie, in der sich die beiden so grundverschiedenen Stimmen ergänzen, befruchten, umspielen. Ob im wechselnden Lead-Gesang, als sich umgarnendes Duett, oder dezent im Hintergrund agierend: Robert’s Blues-gegerbte, Rock-geschliffene Stimme strahlt eine Soul-Energie aus, die auch den größten Plant–Verehrer staunen lässt, und die zauberhafte Alison ist die Elfe, der Engel zu Plant’s lebenserfahren-irdener Energie. Ein Album für die Ewigkeit.

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Jackie Leven schl�pft ein weiteres Mal in die Haut seines Alter Ego Sir Vincent Lone, verschwindet f�r eine Woche nach Snowdonia, um in den Bryn Derwen Studios, Bethesda mit den alten Freunden David Wrench und Michael Cosgrave mal eben in einer Woche ein Album aufzunehmen (eigentlich wollte er sich ja nur eine Ausgabe von People�s Friend besorgen, aber wie es manchmal geht im Leben�). Mehr noch als die Leven-Solo-Alben ist dieses 9-Song-Werk von der facettenreichen Symbiose gepr�gt, in der die drei Protagonisten harmonieren: W�hrend Leven-Lone die Atmosph�re mit seinen silbrig-hell flie�enden Akustik-Gitarren-Akkorden und seiner ebenso m�chtig-markigen wie warm-whiskey-weichen Stimme erf�llt, sorgt Produzent Wrench f�r klare Arrangements und dezente, mysteri�s schillernde Elektronik-Klang-Bereicherungen, Viel-Instrumentalist Michael Cosgrave gibt dem Album die Folk-Bodenhaftung durch sein versiertes Spiel auf Akkordeon, Tin Whistle, Slide Guitar und Mandoline. Gleich in zweierlei Hinsicht ist das Album eine Verneigung vor Singer-Songwriter-Kollegen: Von den f�nf neuen Leven-Songs sind zwei, Coyne Of The Realm und Breakfast With Johnny Dowd, sehr eigenen Pers�nlichkeiten gewidmet; die Coverversionen sind dem Werk gesch�tzter K�nstler entnommen. So verneigt er sich mit Ballad Of Geraldine vor Donovan Leitch, Blues Run The Game schrieb Jackson C. Frank und das Titelst�ck schlie�lich ist Teil des Schaffens der verehrten Judee Sill. In ihrer warmherzigen Art, den sich gegenseitig befruchtenden d�steren Schattierungen und optimistisch-hellen Momenten aber ist Leven-Lone mit den Songs For Women ein rundes, ruhig flie�endes, friedvolles Seelentr�ster-Album gelungen.

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Chrome Dreams wurde 1977 aufgenommen, landete aber in den Archiven. Von dort wurde es nun hervorgeholt und tontechnisch aufgefrischt. Es enthält 7 der originalen Songs, weitere 3 wurden entweder neu eingespielt oder überarbeitet (die Informationslage ist dürftig). Mit Ordinary People (18 Minuten) und No Hidden Path (11 Minuten) gibt es auch zwei längere Songs, das ganze Album läuft über 61 Minuten.

Die Version mit DVD bietet a "super-saturated" high-resolution audio and a moving video image.

Neil Young says it's "an album with a form based on some of my original recordings, with a large variety of songs, rather than one specific type of song.
Some early listeners have said that this album is positive and spiritual. I like to think it focuses on the human condition. Like many of my recordings, this one draws on earlier material here and there. I used to do that a lot back in the day. Some songs, like 'Ordinary People,' need to wait for the right time. I think now is the right time for that song and it lives well with the new songs I have written in the past few months. I had a blast making this music."

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Indeed, Chrome Dreams II shares more similarities to Freedom than the original Chrome Dreams — so much so that it's a mystery why it's dubbed as a sequel, but it's a mystery not worth pondering, as there are few clues to their correlation, and even if a definitive answer to their kinship could be dredged up, it wouldn't illuminate the 2007 album, which is merely a good Neil Young album. Perhaps a little more than good, actually, as this has a shagginess and tattered heart that's been missing from his work for a long time, as he's spent a good chunk of the past 15 years pursuing conceptual works, ranging from thematic concept albums (Living with War, Greendale) to musical genre exercises (Are You Passionate?, Prairie Wind). Here Neil dabbles in all his signatures, starting the album with the sweet country corn of "Beautiful Bluebird," then careening to the mildly menacing minor-key groove "Boxcar" before he gets to the light, almost bouncy soul-pop of "The Believer" (complete with call-and-response backing vocals), the Crazy Horse mysticism of "Spirit Road," the lazy loping country of "Every After," and the elongated guitar workout of "No Hidden Path." He even gets way out with "The Way," singing with a children's choir, a stab at innocence that's cheerfully at odds with the sludgy "Dirty Old Man," an unexpected revival of the boneheaded off-color jokes of "Welfare Mothers," and then, of course, there's the album's centerpiece, "Ordinary People," a winding epic recorded with the Bluenotes in 1988 that's dated in its splashy production (and perhaps its blaring horns, since Neil largely abandoned the Bluenotes after This Note's for You), yet it sounds immediate and gripping. It's the kind of song to build an album upon, which is precisely what Neil has done with Chrome Dreams II, using it as an excuse to round up other songs with no home. This doesn't make for an album that holds together thematically the way other latter-day Neil albums do, but its mess is endearing, recalling how charmingly ragged albums like After the Gold Rush, Tonight's the Night, Rust Never Sleeps, and Freedom are, even if Chrome Dreams II never manages to soar as high as those classics.

29 Jahre existiert die Band, mal mehr, mal weniger intensiv. Kein komplettes Dutzend Studioalben wurde in dieser Zeit veröffentlicht. Der personelle Kern der Band noch so, wie er es damals war, der Grund für den Fall in die Vergessenheit war eher die übliche Pechvogelgeschichte von fertigen Alben, die nie ausgeliefert werden, weil justament das Label in die Pleite rauschte. Die ganz frühe Düsterwave-Tendenz, der aber vom AMG die brüchige Schönheit von Joy Division und den Chameleons bescheinigt wird, ist längst einer tragisch-schönen Indie-Rock Variante gewichen, oft rein akustisch, leise glitzernd und von Leuten gemacht, die sehr viel können und leider auch sehr viel ignoriert werden.

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As 2007 wound down, Will Oldham, as Bonnie "Prince" Billy, entered the Hexam Head studio in Philadelphia with Greg Weeks and Meg Baird and recorded seven cover tunes and a lone original. Given Oldham's delightfully idiosyncratic method of working, one would expect these tunes (titled only by their writers' names, so it's up to you to figure out what songs he's actually singing) to be radically strange versions of songs both popular and somewhat obscure. While it's true that these are not straight-up readings, they are also far from strange. In fact, what Oldham has done is create a half-hour of relaxed — if sometimes harrowing and melancholy — personally interpreted music he enjoys performing. Despite the fine sound and full presence of both Oldham and Baird, there is the distance of reverie, memory, regret, and distance in these songs. There are no stutter steps, loose lyrics, or unexpected interruptions that have made earlier records more marginal, and perhaps — to some — more interesting. The bottom line is that only a songwriter could read these songs so subtly and yet inflect them with the kind of immediacy that makes them sound as if they were his own. This is no mean feat when some of the tunes here are considered — in their respective circles — as having already been read that way. A case in point is Oldham's version of Gayle Caldwell's "Cycles," which is (and will continue to be) utterly defined by the persona of Frank Sinatra reading it. Nonetheless, as Bonnie "Prince" Billy, he and Baird in duet sing it as if it were some self-reflective back-porch ballad looking on the passage of time and the stages of life. Unless you actually knew this tune well enough, you'd never associate the two versions — though Weeks does a nice job of injecting some of the original's instrumental and sonic tropes.

Another of these is Mickey Newbury's "I Came to Hear the Music," which opens the set and is one of the songwriter's best-known tunes. In a version that stays faithful to the melody, Weeks adds some of the soft touches inherent in the original production, and Oldham is suddenly very old, looking back on a lifetime of regret. It's pretty, tender, and drenched in both love and grief. Baird's sweet, out-of-time backing vocal underscores the lines with the sense of time's passage. Glenn Danzig's "Am I Demon?" feels like it belongs right where it is and seems more like Oldham's tune than its author's. The male-centered darkness in the Björk/Thom Yorke collaborative tune "I've Seen It All" could have been a Palace Brothers tune, but Weeks keeps that from happening by texturing the space and separation between lead and backing vocal and some spidery reverbed electric guitars. The Phil Ochs tune "My Life" seems to fall a bit flat here — not much is added, but its real power seems diminished despite that it is obviously the hinge on which the entire EP turns. The lone original here, "I'm Loving the Street," is upbeat by comparison. Its folksy old-time jaunt offers no regrets for anything or anyone who has passed into history. There is only the present. The R. Kelly tune "The World's Greatest" is a different song here, as one might expect, designed as an Appalachian ballad that could have come from anytime, anywhere, but is rooted in the present only by the presence of a ghostly electric guitar. The melody is stretched but recognizable — barely — and the true poetry in Kelly's words comes falling out of the mouth of Oldham like clear water from a fountain. This is a solid, less dramatic, but no less interesting — and in places even compelling — momentary stopgap for Oldham. To be sure, his fans will certainly want to check this out, but so will anyone interested in the interpretive possibilities of song as a living entity independent of performance.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Die Kollaboration von Chris Eckman (The Walkabouts, Chris & Carla), Hugo Race (True Spirit) und Chris Brokaw (Come, Codeine, Steve Wynn): Eine Soundvisision. Eine Supergroup des authentisch sinistren Wohl- und Weheklangs.
Die selbstgestellte Aufgabe der Protagonisten: Neues Material zu verfassen, das geeignet ist durch das Musikerleben on the road zu wachsen. Es dort, im lebendigen, unsteten Umfeld reifen zu lassen. Um schlussendlich im Studio die Erlebnisse und Geschehnisse der Tour in die Songs verweben zu können: a road movie in evolution... selbst der Gig auf dem diesjährigen OBS schien erst den Anfang markiert zu haben, wenn man nun das nun auf CD gebannte zu Ohren bekommt.

Hier passiert mehr als es üblicherweise bei Projekten dieser Art der Fall ist. Dirt Music ist vielschichtig in jeder Beziehung. Die Kompositionen: unterscheiden sich stark. Das Instrumentarium: Keine Schranken. Der Klang: Abwechslungsreich, doch homogen. Wenn es nicht so abgedroschen klänge, könnte man glatt behaupten, dass Dirt Music mehr als die Summe ihrer Teile darstellt.

Wie es Chris Eckman ausdrückte: "With a name like `Dirt Music´ you better be damn good!"

"Hinter dem seltsamen Namen verbergen sich drei große Songwriter, die auf ihrem Debüt luftige Americana-Klänge mit sanfter Electronica unterfüttern.

Chris Eckman ist sich des Ernstes der Lage bewusst: „With a name like ,Dirtmusic' you better be damn good.“ Klar, kein Kritiker würde diese Vorlage auslassen, wenn das Debütalbum des Dreiers – neben dem Walkabouts-Mastermind verbergen sich hinter dem kühnen Moniker noch der Blues-Berserker Hugo Race (of True Spirit fame) sowie Chris Brokaw, ehedem in Diensten von Come, Codeine, Evan Dando, Steve Wynn und vielen anderen – ein Griff ins Klo wäre. Doch keine Bange: DIRTMUSIC ist alles andere als das und straft damit Skeptiker Lügen, die diesem Longplayer nach dem arg unfertigen bis angestrengten Set anlässlich des Orange-Blossom-Festivals in Beverungen mit einigem Unbehagen entgegensahen. Damals im Mai unternahmen sie die ersten gemeinsamen Gehversuche, jetzt im Spätherbst überraschen sie uns mit einem souveränen, subtilen, sinistren stimmungsvollen, Folk informierten, behutsam mit Electronica ausgeschlagenen Album. Zwischen dem lautmalerischen Operner „Erica Moody“ und dem Finale, einem streichzarten Remake des Tim-Rose-Klassikers „Morning Dew“, entfaltet das Trio ein Panorama, das beizeiten an die „Theme For An Imaginary Western“-Epen von Eckmans Stammband erinnert, minus das allzu Gravitätische indes, oft auch an Races kargen Knochenbrecher-Punk-Blues, ca. VALLEY OF LIGHT, freilich ohne die Lärmeruptionen. Die prägenden Instrumente sind zwar die Gitarren, elektrische wie akustische, doch werden sie derart filigran bedient, dass es klingt, als spielte der Wüstenwind all die seltsamen verhallten Töne, die gelegentlich über einem kaum wahrnehmbaren Synthie-Teppich schweben. Aber glaube keiner, hier ginge es nur um Stimmungen, Atmosphäre, abstrakte Klangskulpturen gar. Im Gegenteil: Tunes wie „The Other Side“, „Face Of Evil“ oder „Summer Days“ gehören zu den Besten im Schaffen der drei Herren. DIRTMUSIC ist ein ultraentspannter und doch fesselnder Trip." (Peter Felkel im Musikexpress. 5 Sterne)

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... Wandler zwischen den Welten. Kommerzieller Mainstream Hits-Autor (Dixie Chicks, Faith Hill, George Strait, Tim McGraw...), aber eben auch angesehener Americana-K�nstler in eigener Sache, Texas Country Act mit Blick �ber die Staatsgrenzen hinaus, Mann von Kelly Willis, Bruder von Charlie Robison. Diesmal nur eine Mini-CD mit 7 Tracks (27:44 lang), aber die sind wieder richtig klasse geworden, der Titelsong als Opener ist extrovertierter Roots/Pop � la Rodney Crowell-meets-Sir Douglas Quintet, der Rest sind erlesene Balladen zwischen leicht angerocktem Country und semiakustischem Folk der nachdenklichen Art. Aufgenommen in Austin, feat. Andrew Nafziger, Kim Deschamps, Eleanor Whitmore, Warren Hood, George Reiff, Kelly Willis.

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