2009er und mittlerweile etwa 14. Album des Trios aus Hoboken, ein aus allen Ecken sonnendurchwirkt leuchtendes, phantasievoll verspieltes Werk, das ebenso vom wechselnden Lead-Gesang wie von zum Teil endlos ausufernden Instrumental-Passagen geprägt wird. In einem bemerkenswerten Spagat aus reifem Zurücklehnen und ungebremst treibender Energie und Spiellust erschaffen Georgia Hubley, Ira Kaplan und James McNew ein farbenfroh schimmerndes Psychedelic-Panoptikum, das bei aller Liebe zur Harmonie immer wieder ausbricht und Grenzen sprengt. In improvisations-verliebten, rauschaften Epen wird schon mal der 10-Minuten-Rahmen gekonnt ignoriert und die Gitarren ins drogenbeschleunigte Nirvana getrieben. Samtener Untergrund, heftigster Garagen-Rock, sonnigster Wohlklang, balladeske Duett-Momente, euphorischer Power-Pop und hypnotische Psychedelic-Trips, traumhaft sanfte Schwebe-Phasen und lustvoll verzerrte Rausch-Ausbrüche – hier wird nach Herzenslust amerikanische Musikgeschichte gelebt, zitiert und geschrieben. Aus Erfahrung gut.

(Glitterhouse)

Jeder Song ein anderes Genre: Nachdem Yo La Tengo bereits 1996 mit "I can hear the Heart beating as one" ein sprunghaftes Meisterwerk vorgelegt haben, veredeln sie mit ihrem zwölften Studioalbum noch einmal den fliegenden Wechsel. Gleich das erste Stück "Here to fall" fährt Shoegazergitarren, Geigen und Keyboards auf, damit Ira Kaplan die Liebe feiern kann, während kurz darauf das von Georgia Hubley gesungene "By Two's" mit Drummachine und 80er-Synthies in tiefe Traurigkeit abtaucht. Mit dem Garagenrocker "Nothing zo hide" erinnen Yo La Tengo an die besten Momente des US-Indie Anfang der 90er, der Orgelsound des fast schon funkigen "Periodically double or triple" verneigt sich vor den 60ern, und "If it's true" ist ein zeitloses Popduett. Am Ende dürfen auch die typischen Improvisationsepen nicht fehlen, die es zusammen auf mehr als 20 Minuten Spielzeit bringen - und natürlich kaum gegensätzlicher sein könnten: Während sich "More Stars than there are in Heaven" temperamentvoll aufbaut, sind es nur einige wenige Akustikgitarrenakkorde, die das hypnotische "The Fireside" vor der Unsichtbarkeit retten. Mit "Popular Songs" etablieren sich Yo La Tengo als beste Musikbox der Welt - und verbauen sich zugleich den vorzeitigen Ruhestand. Denn zu jedem der zwölf grandiosen Trailer erwarten wir jetzt ein nicht weniger gutes Album. (cs)

(kulturnews.de)

Whether or not Yo La Tengo are being tongue in cheek with the title of their 14th album, Popular Songs does find Hoboken's finest embracing pop song structures with a renewed degree of enthusiasm — this isn't quite the Yo La Tengo "loaded with hits" album, but for a band that's shown an increasing willingness to explore the outer limits of its music in the studio, Popular Songs features nine tunes you can hum along with and sometimes even dance to. Those who got high marks in math will notice that Popular Songs has 12 selections, and as befits a band that covered George McCrae's "You Can Have It All," on the second half of this set YLT take the opportunity to stretch out and invite the spirit for a while — the total time of the first nine tracks on Popular Songs is roughly the same as the last three, which should tell you something about the album's dual nature. "Periodically Double or Triple" and "If It's True" in the first half are two of the most user-friendly songs this band has recorded in quite some time, the former a playfully funky R&B number with a killer bassline and the latter a slice of sweet uptown soul complete with a Hammond B-3 and a polished string section, while "I'm on My Way" and "All Your Secrets" are low-key but beautifully crafted examples of smart pop for grownups that won't insult your intelligence or your imagination. If "By Two's" and "Here to Fall" reflect YLT's trippier inclinations, the melodies give them a firmer backbone than many of their previous gestures in this direction, and "Nothing to Hide" is a bracing and joyous dose of rock & roll. The first half of the album is smart enough and strong enough that the final three cuts almost seem like a letdown; "More Stars Than There Are in Heaven" is lovely, but sounds like a rehash of the ideas the band worked out so well on And Then Nothing Turned Itself Inside-Out, and the minimalist acoustic guitar textures of "The Fireside" are almost too fragile to support its 11-minute length. Popular Songs closes with the usual Ira Kaplan guitar freakout; "And the Glitter Is Gone" is a fine plunge into the valley of skronk, with Georgia Hubley and James McNew bashing away with equal fervor and giving this album a typical but rousing finale. But as fine as those nearly 16 minutes of controlled chaos are, it's the first half of Popular Songs that you're more likely to come back to, where by thinking in a small space Yo La Tengo have challenged themselves a bit and beautifully risen to the occasion.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Most of us fans have a silly tendency to look at our favorite musicians as being the smartest people in the world. Within their lyrics we know we’ll find the answers to everything, if we just look hard enough. In truth, most musicians are no smarter than any of us—often much less so. You can find many books on this subject.

Georgia, Ira and James of Yo La Tengo are exceptions to this rule, and Popular Songs, their 12th (or 14th, depending on what and how you count) album is the proof. Because when this new and dramatically unimproved world puts the hard questions to Yo La Tengo, they go Socratic as hell, swaggeringly, reassuringly, honestly telling us that all they know is they know nothing. They do not know why that sunbeam comes through the window when you are determined to sulk; they do not know just how are we going to make it, anyway?

Down to their fingernails, Yo La Tengo understand that the dichotomy has never been love & hate—this life is about love & fear. And fear makes you run and hide, sit on your ass, do nothing but be consumed by it. To restate the obvious, Yo La Tengo are not afraid. They walk bravely forward, into the unknown, hand in hand. And 12 (or 14) albums in, they may just be hitting their stride.

(Matablog, Matador Records)

Zehnter Longplayer einer der feinsten Gitarrenpop-Bands der Republik. In besseren Zeiten (z.B. den goldenen Indie-80ern) wären die Jungs um Sänger/Songwriter Andreas Sauer garantiert groß herausgekommen. So veröffentlichen sie ein wunderschönes Album nach dem anderen, zumeist in Kleinauflagen für ein sehr gewogenes Stammpublikum – nicht nur im heimischen Stuttgart. Ihr musikalischer Weg lässt sich ganz grob von Americana in Richtung GB beschreiben, aufgrund des Gesangs am liebsten von Tom Petty hin zu den Beatles oder von Big Star zu Lloyd Cole – um hier nur einige Namen zu nennen, mit denen Loretta schon in Zusammenhang gebracht wurden – und zwar völlig zurecht. Denn auch „Grand Final“ klingt so rund und perfekt ausbalanciert, hervorragend produziert und voll mit wunderbar eingängigen Songs. Diesmal wieder ziemlich üppig arrangiert, denn neben den dominierenden Gitarren hören wir mehrfach Streicher, Sax und Waldhorn, dazu die sehr präsente Orgel von Stefan Hiss, der für einen erdigen Southern Soul-Vibe sorgt. Entscheidendes Qualitätsmerkmal des Loretta-Sounds ist aber das Songwriting, denn auch „Grand Final“ steckt voller zeitloser Hits. Vinyl only mit Bonus-7-Inch!

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

“Wonderful Americana pop, perfectly emphasizing Andreas Sauer‘s art of songwriting with French horn, Wurlitzer, brass and strings.“ (ROLLING STONE)

“GRAND FINAL is the best Loretta work until now: Vivid, poetic and with an air of self-irony.“ (LIFT)

“Do we really have to tell for the 100th time how great Loretta are?“ (PRINZ)

“Still Loretta sound like a mixture of the best ever guitar pop acts, be it British or American.“ (STUTTGARTER NACHRICHTEN)

“Stuttgart‘s Andreas Sauer is singing melancholy autumnal roadmovie pop in Cinemascope, whose moderate passion sounds inimitably cool.“ (TV SPIELFILM)

Ein Faible fürs Abschiednehmen

Die Stuttgarter Gitarrenpopband Loretta mit dem Sänger und Gitarristen Andreas Sauer veröffentlicht ihr neues Album "Grand Final".

Einen Abschied bedeutet Lorettas elftes Album nämlich schon, und zwar von der CD. Es gibt "Grand Final" nur auf Vinyl mit beigelegter Single, um mit der CD-Laufzeit mitzuhalten. Ansonsten passt das gute, alte Schallplattenformat ohnehin besser zu Lorettas Old-School-Skills bezüglich des Songschreibens, des Arrangierens, des gepflegten Spielens. Und die Coverfotos von Thomas Herrmann, einst selbst Bandmitglied, schauen großformatig auch viel besser aus. Zudem sieht Sauer die CD in der Krise: "Nach meiner Erfahrung stirbt sie aus. Die Leute downloaden oder kaufen aus Geschmacksgründen gleich die LP, vor allem Ältere." Freilich "liegen wir womöglich am Ende doch wieder falsch", was Verkaufs- und Karriere-Konzepte angeht.

In puncto Stil und Song freilich hat Sauer mal wieder alles richtig gemacht, auch wenn die Neue manchem etwas soft ausgefallen sein mag. Inmitten ausladender, auch mal von Streichern getragener Melodie-Harmonie rocken nur zwei Stücke richtig ("Salamander" und die B-Seite der Zusatzsingle, "Veronica (Velvet-Version)", was der Loretta-Kopf einerseits bedauert: "Ich würde eigentlich gerne mal eine Rockplatte machen, kann's aber nicht erzwingen. ,Grand Final' ist so geworden, weil's der aktuellen Stimmung entspricht."

Und die gehe mehr in Richtung Melodie, Melancholie, sogar Jazz - auf "The Story of Love" spielt der großartige Ekkehard Rössle Saxofon, ein alter Loretta-Fan. Sauer: "Wir haben offene Akkorde entdeckt und wehren uns nicht länger gegen dieses Instrument, auch wenn mancher in der Band besorgt fragte: Klingen wir jetzt wie Sade?" Noch mal Entwarnung: Tun sie nicht!

Immer noch klingen Loretta wie eine Mischung aus dem Besten, was es an Gitarrenpop, englischem (Lloyd Cole etwa) wie amerikanischem (Tom Petty, Big Star), je gegeben hat. Mit Zitaten und Verweisen somit, aber auch dieser ganz eigenen Sauer-Note. Etwa dass er wieder Ross und Reiter nennt, nämlich die Namen von tatsächlich existierenden Personen (wie in "Walter and Elsa"), dabei aber eher ironisch als explizit authentisch wirkt. Und mindestens einen Song für die einsame Insel hat er unter elf durchweg guten auch wieder dabei. Für den Berichterstatter ist dies "There Are No Seasons In Space" mit seinen feinen Streichern.

(Michael Riediger, www.stuttgarter-nachrichten.de, 27.08.2009)

Kommt wie Freundin Joanna Newsom aus Nevada City, teilt deren Vorliebe für frei mäandernde Melodien (nur z.T., und mit weniger "Strange Folk"-Approach freilich), klingt aber bodenständiger, direkter, obwohl hier und da ausgesprochen leise, zart. Ihr Gesang, bestimmt, kräftig, manchmal kurz engelsgleich, strahlt auf Dauer großen Reiz aus! Das Album zieht, anfangs unvermutet, immer mehr in seinen Bann, vielleicht auch durch die Homogenität, das stetige ruhige Dahinfließen - obschon mehrfach etwas offensiver, gar dezent rockig. (Singer-Songwriter-) Folk überwiegt, ab und zu von Old-Time-Country/Appalachian-Spritzern veredelt, fast durchweg akustisch instrumentiert (diverse Saiteninstrumente, teils Geige und Cello bzw. gestrichener Bass, aber auch Drums). Michael Hurley gastiert als Duettpartner. Hervorragend, sehr zu empfehlen!

(Glitterhouse)

Nach dem bezaubernden, im letzten Jahr endlich auch in Deutschland erschienenen Album »The Pirate’s Gospel« und ihrer ebenfalls 2008 mit Bravour absolvierten gesanglichen Auftragsarbeit für das Coverversionenprojekt Headless Heroes (»The Silence of Love«) lagen die Erwartungen an das dritte Album des neuen Sterns am kalifornischen Folkhimmel besonders hoch. Die spartanische Instrumentierung des Vorgängers ist auf »To Be Still« einem breiteren Spektrum an Arrangements gewichen. Neben der gewohnten akustischen Gitarre sind Banjo, Mandoline und Fiddle zu hören. Daneben countrifizieren klagende Slide-Effekte auf der Steel-Guitar Alela Dianes Vortrag auf bislang ungekannte Weise. Geblieben ist die Qualität des Songwritings, geblieben ist ebenfalls die völlig in sich ruhende schlafwandlerische Sicherheit, mit der Diane vorträgt, als wäre dies das Selbstverständlichste der Welt. Kaum jemand dürfte imstande sein, mit einer solchen Verve des Gewohnten lautmalerische »Uhs« und »Ohs« zu intonieren, wie dies Diane in »Age Old Blue«, einem Duett mit der Underground-Folk-Legende Michael Hurley, oder dem wunderbar deepen »Take Us Back« tut. Anders als beim unwahrscheinlichsten Popstar dieser Tage, dem Aktualisierer des romantischen Kunstliedes Antony Hegarty, klingt das bei ihr nie preziös oder manieriert.

Wahrscheinlich bildet diese geerdete Selbstgenügsamkeit zusammen mit ihrer Naturverbundenheit das Geheimnis ihrer Beliebtheit: Diane wirkt als Anti-Entfremdungsgift fürs entwurzelte postmoderne Subjekt. Das Schöne dabei ist, dass ihre Meditativität fern von jeglicher esoterischen Verkitschung ist, in welche die spirituelle Sehnsucht des Westeuropäers so häufig mündet. Alela Diane trägt zudem – anders als so viele Protagonisten der New-Weird-America-Szene – weder waldschrathafte Kauzigkeit noch entkörpertes Elfengehabe zur Schau. Dafür besingt sie den einfachen Zauber der vertrauten kalifornischen Landschaft: Steppen, Berge, Bäume, von denen »helicopter seeds« zu sanfter Landung herabtrudeln, »muddy ground«, Wälder, in denen man »skeletons of leaves« sammeln kann. Auch ihr Figurenpersonal wirkt wie eine Emanation der ländlichen Gegend, der es entstammt. Obwohl sie dieses mit Kindheitserinnerungen verwobene pastorale Inventar oft als verloren besingt, ist bloße Betrauerung des Uneinholbaren ihre Sache nicht. Es geht eher um die Bewahrung der verlorenen Zeit im Lied als um ihr nostalgisches Beklagen.

Wären die Assoziationen, die man in Deutschland mit diesem Begriff verbindet, nicht zu bescheuert, müsste man sagen: Alela Diane macht Volksmusik. Wichtig sind dabei die Wurzeln, die genealogische Tradition, die Familie – alles Dinge, die bei aufgeklärten deutschen Intellektuellen und Foucault lesenden Poplinken nicht hoch im Diskurs stehen. Denn aufseiten dieser kritischen Stimmen vermutet man Totalitarismusgefahr bei jeder Position, die auf Heimat, Erbe und Tradition beharrt. Die einschließenden Diskurse der Identität produzieren mit der gemeinschaftsstiftenden Stabilität nach innen zugleich bedrohliche Fremde, fürchtet man. Das lässt sich nicht widerlegen, und wer wollte ausgerechnet in Deutschland solchen Mahnern kein Gehör schenken. Nur: Das Ja zur Entwurzelung – welches der postmoderne Jargon als Feier fluid-nomadischer Hybrid-Identitäten auf den Lippen trägt, wie sie ebenfalls ein auf Flexibilität setzender neoliberaler Markt fordert – ist eben auch keine Antwort auf das Sinnverlangen in einer zu Tode aufgeklärten, metaphysisch unbehausten Welt. Sicher kann man den Traditionalismus des Folk aus einer teleologischen Perspektive der Weltperfektibilität heraus »regressiv« und eskapistisch finden. Allerdings sind Regression und Eskapismus auch Statements, gegen das nämlich, vor dem man eskapiert und sich zurückzieht. Für Punksozialisierte mag dieses Ausbleiben des Aufstands bei Diane verwunderlich sein: Kein Generationenkrieg, keine Rebellion gegen die Eltern, mit denen sie früher täglich morgens und abends sang – vielleicht sind dieser Quietismus und diese Zurückhaltung beim Ritual der Ego-Profilierung schon wieder rebellisch an Alela Diane. »To Be Still« nahm sie ebenfalls wie »The Pirate’s Gospel« im Heimstudio ihres musizierenden Vaters Tom Menig auf. Damals mit Anfang zwanzig, jetzt mit fünfundzwanzig, ganz normal.

Zurück zu »To Be Still«: Zum Schluss darf ein Schwachpunkt des dritten Albums dieser Ausnahmekünstlerin nicht unerwähnt bleiben. Leider nämlich lässt sich an einigen Stellen nachhören, auf welch verheerende Weise ein Mehr zu einem Weniger werden kann: immer dann nämlich, wenn Diane einem uninspiriert bedienten Schlagzeug gestattet, Songs wie »White As Diamonds«, »The Alder Trees« oder »My Brambles« durch Tempoverschleppung ihrer Spannung zu berauben. Statt in überwältigender amerikanischer Weite oder dunklem Waldschimmer ist man plötzlich inmitten einer bierselig-wippenden, aber Unterhaltungen keineswegs aufgebenden bärtigen Menge in einer Kaschemme des amerikanischen Westens. Wenn man solche Stücke bereits vor ihrem Sturz in die rhythmische Vergemütlichung in akustischen Versionen live gehört hat, ist diese Erfahrung besonders bitter. Man hat gleichsam die Schmetterlinge schon mal flattern gesehen und soll nun mit den Raupen vorliebnehmen. Aber zum einen sind es ja nur drei, zum anderen sind sie wohl immer noch hübscher als vieles, was dieses Jahr im Folk-Genre veröffentlicht werden wird.

(SPEX)

Alela Diane wuchs als Tochter zweier Musiker in der ehemaligen Goldgräberstadt Nevada City in Nordkalifornien auf, genau wie ihre musikalische Seelenverwandte Joanna Newsom mit der sie seit Jahren befreundet ist. Ihre Musik ist sehr reduziert und wird im Wesentlichen von ihrer warmen, kraftvollen und exotischen Stimme sowie ihrem melancholischen Gitarrenspiel bestimmt. Ihr ungewöhnlicher, seelenvoller Sound ist am besten als Gospel Folk mit einem guten Schuss Blues zu beschreiben; in ihren meditativen Lyrics beschäftigt sich die junge Künstlerin verstärkt mit den Themen Natur, Familie und Selbstfindung. Ihr Debütalbum "The Pirate's Gospel", das Alela auf einem Europatrip schrieb und dann im Studio ihres Vaters in Nevada City aufnahm, wurde in Amerika bereits 2006 veröffentlicht. Fargo Records wurden auf die außergewöhnliche Künstlerin im Zuge der Label-Compilation "Even Cowgirls Get The Blues" aufmerksam. "The Pirate's Gospel" wurde von den englischen Rough Trade Shops zur besten Platte des Jahres 2007 gewählt. Mit ihrem 2. Album "To Be Still" begibt sich Alela Diane nun auf Welteroberungskurs, in Nord-Amerika bekam sie sofort einen Lizenzdeal bei Rough Trade Records, in Europa kommt das französische Fargo Label erneut zum Zuge und veröffentlicht dieses grandiose Album, das im Vergleich zum Vorgänger mit weitaus mehr Instrumentierungen auffährt und produktionstechnisch ein neues Level erreicht. Hier trifft Country auf Pop, Gospel Folk auf Blues und AlelaZs exotische Stimme ist seelenvoller denn je. Presse-Liebling, ausverkaufte Shows in Europa und mit "PirateZs Gospel" noch unter Geheimtipp zu verbuchen, ist Alela Diane mit ihrem zweiten Album auf dem allerbestem Weg den Popmarkt für sich zu erobern.

(amazon.de)

Die in Kalifornien geborene Sängerin aus Portland verfolgt auch auf ihrem dritten Album einen gleichsam gotischen Folkstil. Seine Wirkung verstärkt Alela Diane bisweilen geschickt mit dramatischen Streichern zur Zupfklampfe. Doch auch vor Country schreckt sie nicht zurück; die Steelgitarre ist ihr keine Feindin und prägt sogar das Titelstück. Insgesamt klingt ihr Album etwas beschwingter und vor allem transparenter als das beängstigende Meisterwerk "The Pirate's Gospel". Was Diane besser beherrscht als die meisten anderen Vertreter des "new weird America" (und auch besser als ihre Freundin Joanna Newsom), ist das Finden und Erfinden atemberaubender Melodien. Und ein Song wie "My Brambles" mit seinen Handtrommeln und der einsamen Geige hat fast die dunkle Intensität von Nick Drakes letztem Werk "Pink Moon". "Brambles" sind übrigens Brombeeren. Typisch für Diane, die häufig ihre Textbilder in der Natur sucht - wie auch in den stärksten Songs ihres neuen Albums, "The Ocean" und "Every Path".

(kulturnews.de)

Ich habe den Himmel gesehen, von jetzt an werde ich nur noch lächeln. Als Hörer mit weit offenem Herzen für alles, was musikalisches Vermögen atmet, gefällt mir vieles; das letzte Mal aber, dass mich etwas wirklich tiefgehend und nachhaltig überrascht hat, ist lange her. Und das Duo Cherilyn McNeil und Darryl Torr hat mich nicht nur überrascht – die britisch-stämmigen Musiker aus Johannesburg haben mich mit Macht, Wucht, Liebe und Gefühl überfahren und beglückt zurückgelassen. Seit ich den Song Dearheart erstmals hören durfte, verfolgt mich die Stimme Cherilyns bis in meine schönsten Träume, aber es ist eben nicht nur dieser traumhafte, oft in überwältigenden mehrstimmigen Harmoniesätzen schwelgende, glockenklare Gesang, der das Erlebnis Dear Reader zum Paradies für alle wahren Musik-Jünger macht. Die zehn Songs, die dieses Debut wie einen Diamanten strahlen lassen, sind ungemein vielschichtig, immer wieder überraschend, stil-schillernd, reich an herrlichen Melodien, gleichzeitig perfekt produziert und dennoch kantig und rauh genug, um handfest und greifbar zu bleiben. Es ist ein wenig so, als ob sich jemand hingesetzt hätte, um die perfekte Platte für mich zu ersinnen: Eine Frauenstimme, die träumen macht, Klavierspiel, das in jeder Note von Erfahrung und Können kündet, Gesangssätze, die ebenso Gospel-Wärme wie Händel’sche Größe atmen, Arrangements, die vor musikalischen Ideen sprühen, mühelos Elemente aus Folk, Country, Pop und Rock verbinden und mal schwelgerisch, mal knochen-knarzig Geigen, Banjo, Harmonium, Orgel, polterndes Schlagwerk, grobe E-Gitarren zu Wort kommen lassen und barocke Größe, rauhe Violent Femmes-Attitüde, theatralische Sparks-Tragik, Rumpel-Wurzel-Bluegrass, engelsgleichen Sanft-Pop und progressive Klang-Wellenberge von Godspeed You Black Emperor-gleicher Wucht vereinen. Vom ersten Moment an war ich diesem einzigartigen Charme, dieser ganz eigenen musikalischen Sprache verfallen, bei jedem Hören wächst die Abhängigkeit, und: Ich bin glücklich.

(Glitterhouse)

Großes Land, noch größere Probleme. Die Negativ-Schlagzeilen samt Horrormeldungen, die Südafrika in regelmäßigen Abständen macht, stehen in keinem Verhältnis zur Pop-Szene. Die nämlich ist trotz internationaler Größen wie Howard Carpendale, Johnny Clegg und der verstorbenen Ikone Miriam Makeba vor allem im Indiebereich mehr als überschaubar. Da kommt nun das Duo Dear Reader und präsentiert mit Replace Why With Funny ein derart hinreißendes Debüt, dass man ohne Hintergrundswissen denkt, die müssen doch aus den Hochburgen von Kanada, England oder den USA stammen. Sängerin Cherilyn McNeil und der Grammy-Preisträger Darryl Torr gehören als Weiße zu einer ethnischen Minderheit im eigenen Land, zu dem sie eine Hass-Liebe hegen und dessen musikalische Kultur komplett ausgegrenzt wird. Nicht einmal das hymnische, von Chören getragene „The Same“, das so viele unbeantwortete Fragen an die Heimat stellt, bildet da eine Ausnahme. Dear Reader aus Johannisburg machen unterstützt von Brent Knopf (Menomena) Pop-Musik wie so viele schlaue junge Menschen zwischen London und New York, zwischen Toronto und Reykjavik. Dabei nimmt einen Replace Why With Funny nicht im Galopp mit oder überrennt einen, es hat mehr etwas von einer Schnitzeljagd. Gerade die prägnante Stimme von McNeil drängt sich derart in den Vordergrund, dass die kleinen Eskapaden und großen Gesten, die verschwurbelten Klangspielerein, die ewigen Tempowechsel, das Wogen zwischen Euphorie und Melodramatik mit all ihren Details überhört werden. Was nun wirklich unerhört wäre.

(Sven Niechziol, amazon)

Dear Reader bestehen aus Cherilyn McNeil und Darryl Torr (live stößt noch Schlagzeuger Michael Wright dazu), die in Johannesburg leben - wie der Großteil dort, hinter enorm hohen Mauern und Stacheldraht, in der ständigen Gefahr, Opfer von Gewalttaten und Raubüberfällen zu werden.

„We live in constant fear“ ist in Südafrika kein einfach so dahin gesagter Satz, sondern eine Tatsache. Seit das Land mit der höchsten Kriminalitätsrate der Welt in den letzten Jahren flutartig unter vielen Millionen von Flüchtlingen aus Botswana, Mosambik und anderen Nachbarstaaten ächzt, ist es mit der ständigen Gewalt nur noch schlimmer geworden.

Zusammen mit Menomena's Brent Knopf verschanzten sich Dear Reader hinter den meterdicken Mauern der South African Broadcasting Company (SABC), einem staatlichen Radiosender, um ihr Debuet "Replace Why With Funny" aufzunehmen. Ein Album, das mit seiner Reichhaltigkeit und Vielschichtigkeit entschieden in die Kategorie der „Grower“ gehört. Oberflächliches Hören führt zu gefährlicher Vorverurteilung, denn die Produktion ist enorm glatt, und die junge Dame hat eine mächtige Stimme. Jedoch tun sich in Sachen Songstruktur und Arrangements schnell tiefe Abgründe auf, die bei genauerem Studieren hinein in eines der schönsten und emotionalsten Alben führen, das je auf City Slang veröffentlicht wurde.

Songs wie "Dearheart" oder "Great White Bear" fangen durchweg sehr “light“ an, um sich im weiteren Verlauf in mächtige und dramatische orchestrale Anordnungen zu steigern. Da türmen sich geschichtete Chöre neben Waldhörnern und enorm dicken Geigen. Jeder einzelne Song auf diesem Album ist eine Skulptur für sich, in liebevoller Feinarbeit von den drei Musikern im Studio zurecht gefeilt, aufeinander getürmt und angeordnet worden. Eine Meisterleistung in Sachen euphorisierter Arrangeurskunst.

Wie schreibt die Band auf ihrer Myspace Seite in der Rubrik sounds like: „...when you feel so much that you think you might explode and then laugh at yourself for being such a melodramatic douchebag!“. Genauso klingt das.

Dave Rawlings ist der musikalische Partner von Gillian Welch, die auf diesem Solodebüt ebenfalls omnipräsent ist. Dazu hören wir Morgan Jahnig (Old Crow Medicine Show), Benmont Tench (Tom Petty and the Heartbreakers), Nate Walcott (Bright Eyes), Karl Himmel (Neil Young) und andere Freunde. Und gleich vorweg: es ist eine schöne Platte geworden, die das Spagat zwischen Mountain Music und Americana-Klassikern wie The Band spielerisch schafft, aber auch für den Fan klassischer Singer/Songwriter (von Townes bis Ryan Adams) interessant sein dürfte.

Gleich der erste Song (Ruby) könnte auf der Wiese vor Big Pink entstanden sein, No More Cane On The Brazos kommt direkt in den Sinn. To Be Young (Is To Be Sad, Is To Be High) war der Opener des Heartbreaker Albums von Ryan Adams, damals unter Mitwirkung von Rawlings entstanden. Mit Banjo und Fiddle wurde es hier mehr in Richtung ursprünglichen Country platziert, aber gerade im Refrain kommt dann dieses wohlige Erinnerungsgefühl auf. Und spätestens ab dem Zeitpunkt kann man sich dem Charme dieses Albums nicht mehr entziehen. Es folgen zwei sparsamste Songs, die nur mit Akustikgitarren, minimalen Beigaben und Stimmen auf Spannung gehalten weren. Phänomenal dabei das fast 9-minütige Method Acting (im Original von Conor Oberst), sehr intensiv dargebracht, welches Rawlings nach 6 Minuten sanft zu Cortez The Killer mutieren lässt. Das erinnert mich von Vibe her an Jorma Kaukonen’s Quah Meisterwerk, ein ähnlich unaufdringlich agierendes Saitenass wie Rawlings.

Danach machen Rawlings und Kumpane einen Abstecher in die Appalachen und andere Old Time Country Gefilde, um mit Bells Of Harlem, dem letzten Song, noch einmal ein Songwriter Highlight zu setzen. Die reduzierte Stimmung, das punktuelle setzen der Töne wird hier durch ein düster-üppiges Streicherarrangement (à la Jack Nitzsche auf dem Neil Young Debüt) atmosphärisch unterstützt. Meisterlich!

A Friend Of A Friend ist ein rundum gelungenes Folk/Country/Singer-Songwriter Werk geworden, das sicher ein hohes Haltbarkeitsdatum haben wird.

(Glitterhouse)

It’s hard to believe A Friend of a Friend is David Rawlings’ first album under his own name. For more than 12 years, the Nashville-based musician has toured, written and recorded with Gillian Welch, exploring the well-worn byways of country, bluegrass and stringband music while making the old-timey sound new. As a hired gun, he’s played sideman to artists following in Welch’s wake or creating their own: Sara Watkins, Ryan Adams, Bright Eyes, Guy Clark, Mark Knopfler and Jay Farrar, among others. So his debut as Dave Rawlings Machine is either a case of him stepping up, or everyone else stepping back. Welch herself appears on almost all of these songs, either singing harmony or playing guitar, as do several other musician friends. But Rawlings takes the lead on every track, as a singer and picker.

For nine songs over 40 minutes, Rawlings proves fascinating company — a good man to share a front porch with. As a performer, he makes good use of his distinct, reedy tenor (imagine a twangier Loudon Wainwright). And he has a spry, jumpy guitar style that lends his arrangements some bounce. As a producer, he keeps things loose and lively, mixing covers with originals. A Friend of a Friend plays like a rough, intimate live album instead of a polished studio affair.

The record captures Rawlings in his natural setting, where haste reads as spontaneity and the exposed seams are part of the appeal. The segue from Bright Eyes’ “Method Acting” into Neil Young’s “Cortez the Killer” sounds like a juxtaposition worked out on small stages before countless audiences, and while Rawlings mutes Conor Oberst’s default disgust, his largely acoustic rendering emphasizes Young’s lyrics as much as his guitar parts, making for a fresh reading of an oft-covered song.

“Method Acting” is one of several semi-covers on A Friend of a Friend, each a previous collaboration. “To Be Young (Is to Be Sad, Is to Be High) — from Ryan Adams’ 2000 solo debut Heartbreaker (on which Rawlings played heavily) — gets a rambunctious treatment that adds a scratchy fiddle courtesy of Old Crow Medicine Show’s Ketch Secor. Like Adams’ version, this one swings with a palpable sense of youthful abandon that drives the song even more than the percussive strumming. Rawlings follows it with the tenderly thoughtful “I Hear Them All,” a co-write from OCMS’ 2006 album Big Iron World, which he produced. Taking it out of its original stringband setting, Rawlings accompanies himself on acoustic guitar and lets the song breathe, subtly alluding to folk activists like Pete Seeger and Phil Ochs.

Rawlings is a clever raconteur with a deep knowledge of country history and a tendency to let his songs ramble. Each track here sounds like it has a long story behind it. The album covers a wide swath of traditional American music: “Sweet Tooth” is an endearing Welch duet that draws from Appalachian folk as it stretches its metaphor like saltwater taffy, and “How’s About You” is an old Nashville strut that recalls Hank Williams. Rawlings instills a charming ragtime boisterousness into Jesse Fuller’s “Monkey and the Engineer,” ignoring the Grateful Dead’s popular version and going back to the original for inspiration. And opener “Ruby” sounds like California country rock circa Gram Parsons.

Such diversity is instructive — and, rather than delivering a dry seminar on Americana, Rawlings keeps things lively and raucous thanks to energetic performances and a light touch on the production. Details and nuances emerge over repeated listens, revealing the care that went into the recording. The xylophone on “Sweet Tooth” re-creates bass rhythms that might otherwise be played on a jug, adding an unexpected but appropriate jazz vibe. “Ruby” slyly appropriates the melody from “Oh Girl,” a hit in 1972 for Chicago group The Chi-Lites — and, whether or not that allusion is intentional, the soul-to-country translation casts ?Rawlings and Welch’s harmonies in a new light. Both “Ruby” and closing track “Bells of Harlem” feature sensitive string arrangements by famed composer Jimmie Haskell (you may know him from Simon & Garfunkel’s “Bridge Over Troubled Water” and Bobbie Gentry’s “Ode to Billie Joe”). Haskell gives the songs an old Nashville grandeur, keying up the drama without overpowering Rawlings’ performance. “Bells of Harlem” winds down with a few simple, graceful chords that end the album on a lovely benedictory note.

Reviving the co-written tracks alongside so many Welch collaborations gives A Friend of a Friend a retrospective flair, as if Rawlings is fashioning his own greatest hits. The restless vibe to this ramshackle collection suggests Rawlings’ greatest trait is his wanderlust. It’s allowed him to work closely with a range of different artists in the past, and it makes A Friend of a Friend a spirited affair. He’s already been everywhere, but this debut suggests Rawlings is really going places.

(Stephen M. Deusner, www.pastemagazine.com)

09er nach einigen Jahren Pause. Venus 3 sind die (assoziierten) REM-Musiker Peter Buck, Bill Rieflin, Scott McCaughey! Erstaunlich vielfältig! Es gibt sowohl typischen Hitchcock (Gitarren! Strahlende Gesangsparts!) mit Anflügen von REM/Byrds (incl. gehöriger Portion Pop), relaxt fließenden melodiösen teils flotten Folk Pop, 2x dunklen sehr aparten und schönen Melancholie-Pop mit Cello (ausgezeichnete Stücke!), als auch Überraschungen: 4 Stücke mit Bläsern: Fast swampiger Früh-70er-Roots-Sound mit leisen CCR-Anflügen/saftiger fetter Pop mit einem Hauch T.Rex/ungewöhnliche Hybriden aus Folk, Country, R´n´B, Rock bzw. Folk, Pop, R´n´B. Insgesamt ziemlich starker 70s-Einschlag.

(Glitterhouse)

It's been a pretty vast musical journey so far: from the freak folk of Espers' debut album to the wide-ranging psychedelia of their covers EP, to 2006's II, an album stepped in British folk formalism and drenched in overtone modal drones and careening electric guitars that added sheer rock power to the flowery proceedings. On III, the Philadelphia quintet do a bit of a mirror flip. While this album sounds brighter, cheerier, and more upbeat musically, lyrically, these songs inhabit a somewhat darker world. That's fine, the meld of classic American folk-rock, psychedelia, Brit-folk discipline, and the leftover traces of the acid folk of their origins all combine to make a recording of beauty, depth, complex dimensions, and dynamics, underscored by their best songwriting to date. The core of the band features vocalist Meg Baird, and multi-instrumentalists Brooke Sietinsons, and Greg Weeks (who also engineered and produced the set), with Vetiver drummer Otto Hauser and cellist Helena Espvall (who appeared on II as well) rounding out the band. Just compare the first two numbers on III: they are ample evidence of an evolving, more complex songwriting process. There is the near-jaunty folk-rock of "I Can't See Clear," with Baird's alto falling directly into the double-waltz time of the acoustic guitars, bassline, and other stringed instruments until the chorus, where melodically distorted electric guitars are added to the mix and push the track to the margin. The melody line is pronounced, repetitive, and catchy -- but the subject matter is anything but light. "The Road of Golden Dust" that features Baird's and Weeks' voices twinned on the verses, is creepier, murkier, and far more haunting. Its lilting melody slithers alone on a lithe backbeat and hypnotic guitar patters. Its notes are much more restrained, but the instrumental passages are labyrinthine. "That Moon Song," with it's country-ish tinge, done at a cough syrup pace, blends electric guitars, keyboards, what sounds like a Wurlitzer, and reverb effects along with Espvall's cello and Baird's vocal to create a texture worthy of dreaming. The elegantly slow yet piercing electric guitar breaks morph it into full-on soundscape though its songlike qualities remain. The thick, cushiony textures of distorted instruments collide in "That Which Darkly Thrives" as Weeks' voice hovers and floats above the only clearly heard instruments in the mix -- those of the rhythm section; Baird's backing vocal cascades into Weeks', pouring it all through a nearly cinematic sense of the ethereal. "Colony," whose lyrics are impure poetry, is flat-out gorgeous in a slightly sinister, Pentangle kind of way. The album closer, "Trollslända," stands in sharp contrast with its breezy, weave of sprightly bassline, clipped snare and hi-hat, phased electric guitars, and reverbed acoustic six-strings as Weeks and Baird sing the verses in harmony. It's a lullaby of sorts that melds the ancient with a present-tense melancholy. The cello solo by Espvall becomes another voice in the track, and is one of the loveliest things she's ever played on a record. The cut's climax is one of the high points on any Espers record.

This band may take their time between releases now, but they get exponentially more sophisticated and adventurous, not only in their composed material, but in their approach to making records. This is just stellar top to bottom.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

"Picking up the threads with ease, Espers III was intended to be an aural reversal of the layered sound of II. The goal was to record fewer tracks in order to achieve a stronger, more oxygenated sonic presence. Where II was almost claustrophobic in its density and darkness, III was envisaged as being somehow lighter, effervescent; perhaps even of a cheery disposition at times (whoa there! Don't go not breaking our heart, Espers).

Under these auspices, recording started in late 2008 and spilled into the spring and summer of 2009. As more time passed in the recording process, a growing dementia within both song and lyrics emerged, making even the most ethereal songs on III seem oddly unwholesome to all involved. As with past releases (both by Espers and significant others), III was recorded with the vinyl LP in mind, playing as a whole divided into two equally weighted sides. Recorded to analog tape and mixed to analog tape again at the end, the songs ended up in a stippled, rippling, ever-flowing space, another important factor in the realization of III.

'Space' is a core concept here -- each of these songs in some way access new space, whether they are envisioning, locating, or claiming and colonizing it. In fact, III's working title was Colony, owing to a subtextual thought process that encompassed aspects of Herzog's Aguirre, Heart of Darkness, cult groups, deep Amazonian treks, religious nation building, ritualistic drug ceremonies (taking drugs to take canoe trips to take drugs on) -- eg., escape from assimilation, surviving cultural wars by embedding themselves in the wilderness, among friends and fellow travelers. The cover aesthetic and Xavier Schipani's arresting artwork mirror these themes and Espers' desire to reach beyond what might be expected of an Espers album with metaphoric imagery and increased dimensionality -- not just a new Espers album, but indeed, a new Espers."

<(Drag City)

Während die meisten weiblich geprägten Folk-Alben dieses November-Kataloges immer auch mehr oder weniger in Richtung Britannien ausgerichtet sind, liefert uns die Sängerin und Song-Autorin K.C. (schnörkellos-schöne Stimme, Gitarre und Banjo) gemeinsam mit ihrem Dauer- und Duettpartner Budi (Kontrabass, Banjo, Schlagwerk, Piano) mit ihrem vierten Werk puren uramerikansichen Stoff. Dabei sind die von ungemein einfühlsam-eingängigen Melodien getragenen, in durchscheinend akustischen Arrangements dargebotenen Songs durchweg McKanzie-Originale, auch wenn sie immer wieder klingen, als seien sie den ewigen ungeschriebenen Appalachen-Lied-Tradition entnommen, nur eben auf intime Weise neu belebt. Herrliches Handwerk zwischen Folk, Bluegrass, purem und alternativem Country, von einer bemerkenswerten und erinnerungswürdigen Stimme zu etwas besonderem gemacht. Solltet Ihr Euch eine gefühlte Mitte zwischen Gillian Welch und Suzanne Vega vorstellen können: Ihr Name ist K.C.

(Glitterhouse)

auch wenn man einige Stücke in anderen (Live-) Fassungen schon von zuvor kennt, ist dieses aktuelle Tom Freund-Album ein komplett neues, das immerhin 6. seit 1998 neben all den anderen Verpflichtungen wie Silos, Graham Parker, Creekdippers, Sweet Relief Fund usw. Der Singer/Songwriter/Multiinstrumentalist aus Los Angeles, eh einer der sanften, behutsamen seiner Zunft, gibt sich wieder ganz nachdenklich, introvertiert, sensibel und verwendet eher die subtilen, leisen Mittel, um seine erstklassigen Songs beim Hörer unterzubringen, erinnert so mehrfach an Joe Henry und Mark Olson. Dabei sind zwingende Killerhooks (wie auf 'Copper Moon', 'Being Again', 'Why Wyoming') garantiert nicht ausgeschlossen! Auch das unvermeidliche 'Can't Cry Had Enough' (Williams Brothers, Marvin Etzioni) kann ich gar nicht oft genug hören. Trotz all dieser defensiven Attribute ein opulent ausgestattes, reichhaltig instrumentiertes Werk, produziert von Ben Harper, der hier seine ganze Saitenkunst einbringt, Weissenborn, Lap Steel, National Gitarren sowie Mandocello, Electric Piano, Harmonium, Drums, Percussion spielt und manchmal mitsingt. Wie zwei Mal auch ein anderer befreundeter Kollege: Jackson Browne! Freund selber spielt akustische und elektrische Gitarren, analoge Keyboards, Ukulele, Percussion und beweist sein Können auf dem akustischen Standbass, seinem Lieblingsinstrument. Ferner dabei: Topdrummer Michael Jerome, Gitarrist Michael Ward, Tastenmann Jason Yates (Louris/Olson) u.a. (chill)

6. Album des Singer-Songwriters (ex-Silos). Farbige außerordentlich schöne und angenehme Stimme! Außergewöhnlich gestaltete z.T. herausragende Melodien! Sparsamer oder (nur ein wenig) fülligerer ausgewogener runder organischer warmer Sound, teil-akustisch (partiell ganz). Im Americana-Umfeld, relaxter Folk Rock, rootsig-introspektive leise und/oder melancholische Balladen, auch mal Blueselemente oder leichter Westcoast-Touch. Durchweg laid back. Ben Harper gehört zur Stammbesetzung (Lap Steel, Backing Voc) und produzierte, 2x gastiert Jackson Browne (an den Freund sporadisch erinnert; stärker indes an Joe Henry). Überragend: Der Titeltrack und das dunkle exzeptionelle Begin Again. Das leicht angejazzte "Comfortable In.." beweist seine Originalität (Akustik-Bass im Zentrum!). Zudem klingen 2 Tracks (auch melodisch) moderat moderner, rhythmisch sehr flexibel. Große Empfehlung, ein Monatsfavorit! (dvd)

(Glitterhouse)

mit seinen beiden Studio-CDs 'Ollabelle' (04) und 'Riverside Battle Songs' (06) hat sich das (Wahl-) New Yorker Quintett ganz tief in mein Americana/Roots Rock-Herz eingebrannt. Diese unglaubliche stilistische Vielseitigkeit, das musikalische Können, die originellen Vokalarrangements und rhythmischen Verwandlungen von Amy Helm (Vocals, Mandolin), Fiona McBain (Acoustic & Electric Guitars, Bass, Vocals), Glenn Patscha (Keyboards, Vocals), Byron Isaacs (Bass, Lap Steel, Electric Guitar, Vocals) und Tony Leone (Drums, Vocals) gehören für mich zum Besten, was das Roots Music-Genre in den letzten Jahren an neuen Bands hervorgebracht hat! Album #3 ist nun das logische Livealbum geworden, das die Ollabelle-Präsentation perfekt abrundet. Okay, fast perfekt, denn nur 10 z.T. längere Tracks (53 Minuten total) sind entschieden zu wenig für eine so kolossale Combo, die locker zwei Stunden und mehr spielen, danach immer noch zu neuen Ufern aufbrechen kann. Die Programmschwerpunkte liegen überdeutlich auf der schwarzen Seite: Gospel, Soul, R&B und Blues in Form von begeisternd adaptierten Traditionals wie 'John The Revelator', 'When The Saints Go Marchin' In', 'Elijah Rock', 'Soul Of A Man' sowie klassischer Stoff von Nina Simone, Sister Rosetta Tharpe und Bessie Jones lassen völlig außer acht, dass Ollabelle zuletzt auch mit ausgezeichnetem, eigenem Singer/Songwriter-Material und interessanten Folk & Country-Nuancen aufwartete. Einzig 'Ain't No More Cane' (im The Band-Arrangement) und ein sehr braves 'Brokedown Palace' (Grateful Dead) stehen dafür. Fazit: Musik überragend, Endprodukt ausbaufähig.

(Glitterhouse)

ich höre sein neues Album gerade erst das 2. Mal und schon brennen sich die ersten Songs so richtig in die Gehörgänge ('Superhighway' - was für ein Monster!). Fast noch wichtiger: Auch die, die zunächst etwas gleichförmig klangen oder gar überflüssig schienen, gewinnen an Fahrt und bekommen Konturen. 16 (!) Tracks (fast eine Stunde Laufzeit) ist natürlich auch eine Menge, mit der man erstmal klar kommen muss, zumal Casal sich durchweg sehr introvertiert, akustisch/semiakustisch, in bedächtigem Tempo schreitend und - trotz einer reichhaltigen Gästeliste - meistens sparsam begleitet präsentiert. Seinen weichen Gesangsstil muss man wirklich mögen, aber er passt einfach ideal zu diesen folkigen, mitunter dezent angerockten Soft Rock-Stücken im 70er Jahre Westcoast-Gedächtnisstil. Obwohl die Recordings in Lafayette, Los Angeles und Brooklyn nur an freien Tagen während seines Engagements bei Ryan Adams & The Cardinals quasi "nebenbei" stattfinden konnten, haben wir es mit einem sehr eigenständigen, charakterstarken Neal Casal-Werk zu tun, das locker an seine beste Phase in den 90ern anknüpft! Er selber spielt nahezu alle Gitarren (besonders sein an den guten alten Stephen Stills erinnerndes Acoustic Picking hat's mir angetan!) und Piano, mitunter Bass, Percussion. Feat. u.a. John Ginty und Farmer Dave Scher (Beachwood Sparks, All Night Radio, Vetiver) an der Orgel, Greg Leisz mit Pedal Steel, Andy Goessling (Mandoline, Banjo, Flöte) von Railroad Earth, die Rhythm Section von Hazy Malaze (Jeff Hill/Dan Fadel), die famosen Harmony Vocals von Jonathan Rice ('Walk The Line'-ST, Gary Louris, Vetiver, Jenny Lewis). Ja, wird mit jedem Hördurchgang immer noch besser!(chill)

09er mit Spitzenpersonal (u.a. Leute von Ryan Adams, Beachwood Sparks, Rufus Wainwright, sowie Greg Leisz). Die Stimme: Geschmeidig und ausdrucksstark wie zu besten Zeiten. Die Musik: Singer-Songwriter Folk/Folk Pop, Westcoast-Untertöne, wenig Country, überaus melodisch. Der Sound: Ungemein warm, rund, z.T. sehr schön weich, teil/ganz akustisch; recht viel Pedal Steel, eine delikate Orgel ganz im Hintergrund, auch Piano, Ak.- wie exqusite E-Gitarre. Die Stimmung: Laid back bzw. ruhig, gefühlvoll, teils sanft, intim, ein par Mal melancholisch. Das Songmaterial: Ganz hervorragend (Hereby The Sea, Turn For The Worse, Superhighway, Pray Me Home sind göttlich). Je 1x erinnert´s ein wenig an Tom Petty bzw. den frühen leisen Neil Young. So gut hätte ich ihn nicht mehr erwartet! Ein klasse Album! Große Empfehlung, ein Monatsfavorit. (dvd)

(Glitterhouse)

JOHN FRUSCIANTE - Gitarrist und Backing-Vocalist der Red Hot Chili Peppers veröffentlicht mit “The Empyrean“ sein neues Solo-Konzept-Album.

Das neue Werk beinhaltet 10 hochkarätige Titel, darunter das Tim Buckley Cover "Songs for the Siren" und einen Instrumental Track. Wie auch schon in der Vergangenheit konnte FRUSCIANTE auch dieses Mal wieder zahlreiche Größen der benachbarten Musiklandschaft für sein Projekt gewinnen. Am Bass wird, wie auch schon auf früheren Alben, Peppers-Kollege Flea zu hören sein, Schlagzeug spielt Josh Klinghoffer, der bereits einen großen Anteil an der Entstehung von “Inside Of Emptiness“ hatte. Des Weiteren wirken auf “The Empyrean“ Johnny Marr (The Smiths), New Dimension Singers und Sonus Quartet mit. JOHN FRUSCIANTE, der es bis in die Top 20 der Rolling-Stone- Auflistung „The 100 Greatest Guitarists of All Time" geschafft hat, entfernt sich in seinen Solowerken in der Regel zwar sehr stark vom Sound der Red Hot Chili Peppers, liefert mit seinem “The Empyrean“ aber erneut ein hochkarätiges und experimentierfreudiges Meisterstück ab, dass in den verschiedensten Musikbereichen seine aufmerksamen Zuhörer finden wird.

It's hard to believe that What I Know marked the first Tom Rush studio album in 35 years when it was released in early 2009. But it's true — although he released quite a bit of studio material in the first decade of his career, and has remained active as a touring musician since the mid-'70s, this is the first studio product to emerge since then. "Sounds like he's never been away" is the kind of cliché you hear often when these projects appear, but in Rush's case, it seems more appropriate than it does in most such situations. His vocal style remains the same — good-natured, friendly, and intimate, with a tinge of weary wistfulness. Thankfully, the production, like Rush himself, is low-key and, though grounded in folk and country music, has full and varied instrumentation. While there are celebrity cameos in the shape of guest harmony vocals by Emmylou Harris, Nanci Griffith, and Bonnie Bramlett on a track apiece, those are sympathetic complementary contributions, not parts roped in to grab attention. The songs are a comfortable mix of Rush originals (only five; he's never been the most prolific writer), the traditional song "Casey Jones," and nine choices of outside material. The most renowned of the other writers being Eliza Gilkyson (who composed "Fall into the Night"), and the most surprising choice of material, the CD-closing "Drift Away," Rush rearranging that '70s soul hit into something suitably folky and reflective. The good-natured riding-into-the twilight feel of this record might guarantee it won't cause any earthquakes, but Rush has never been that kind of artist, and this record is a solid continuation of the mood he's largely followed all his musical life.

(by Richie Unterberger, All Music Guide)

Andy Cabic's Vetiver have never been as far out as some of their indie folk compatriots like Devendra Banhart, and they've never been as outside as some of their influences (as detailed on 2008's album of covers Thing of the Past) might lead you to believe. Instead, their gentle, almost classic rock smooth sound is something you could play for just about anyone and not have a single eyebrow raised in any degree of alarm. That being said, Tight Knit is the group's slickest, tightest record so far. From the opening ballad "Rolling Sea" onward, Cabic and crew make music that can only be called easy listening. Not the kind you hear in a dentist's office, but the kind of music that makes no demands on you as a listener and just wraps you in cottony coziness. The lush beds of acoustic guitars, the gently swooping electric guitars, the rich vocal harmonies, and restrained percussion serve the tender and vulnerable lead vocals of Cabic perfectly; the simple melodies and drifting chord changes are unchallenging in the best sense of the word. Apart from the peppy, perfect for a soda pop commercial "Everyday" and the almost rocking in a lazy bar band way "More of This," the record is perfectly constructed for lazy days and hazy nights. It takes skill to create a record filled with so little energy and drive, and again, that's not a criticism though it probably sounds like it should be. Cabic is creating a mood here, an ode to tenderness and quiet that never wavers from its aims. Indeed if you're looking for a record to wake you or shake you, Tight Knit might drive you into a fury. If you want a record to lull you and tuck you in with a kiss on the forehead, then you're in luck. It might not be the best album Vetiver have made, but it's the most consistent and beguiling.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Meistens läuft es im Pop ja so wie in Einkaufsstrassen und Ausgehmeilen. Kaum hat jemand eine klasse Idee oder kreatives Konzept, da kommen schon die Nachahmer, deren Nachahmer und so weiter. Es sei denn, jemand hat sich etwas derart Besonderes und Schlaues ausgedacht, dass schon der Versuch des Plagiats zum Scheitern verurteilt ist. Erlend Oye, Teil der norwegischen Kings Of Convenience, gelang mit dem Projekt The Whitest Boy Alive so ein Geniestreich, ein grandioser Zug, auf den niemand aufzuspringen traute. Großartig Gründe am Sound der Band etwas zu verändern gab es nicht, also reißt Oye auch nicht das Ruder herum, um eine andere Richtung einzuschlagen. Er dreht auf dem makellosen Zweitwerk Rules mit feinem Gespür an der Justierschraube und drückt das Gaspedal etwas weiter durch, um die Konserve den Konzerten anzugleichen. So gelingt den Whitest Boy Alive ein durch und durch überzeugender Nachfolger des so erfolgreichen Debüts Dreams. Das Fundament der lässigen Gitarren-Pop-Songs steht unverrückbar, und es trägt die Verstärkung der Disco-Grooves, Funkyness und Housebeats problemlos. Rules ist permanent in Bewegung, treibt einem das Blut in die Tanzbeine. Ob’s vielleicht daran liegt, dass die Stücke diesmal im sonnigen Mexiko und nicht in Berlin entstanden?

(Sven Niechziol , amazon)

Seit fast fünf Jahren wartet die Indieszene nun schon auf das dritte Album der Kings Of Convenience. Doch Erlend ¯ye hat geschickt daovn abgelenkt, indem er im Herbst 2006 das deutsch-norwegische Bandprojekt The Whitest Boy Alive startete. Als konventionell besetzte Band spielten sie Soul, Disco und House, und bis heute sind die Tanzflächen der Indieclubs bei keinem anderen Song so gut gefüllt wie bei "Burning", der Übersingle vom Debüt "Dreams". Bis heute - denn jetzt erscheint das Nachfolgealbum. Noch immer steht die Regel, dass Computer als Hilfsmittel nicht zugelassen sind. Doch weil sie sich diesmal stärker am Sound ihrer Liveauftritte orientieren, weist "Rules" noch entschiedener in Richtung Tanzfläche: Bass und Schlagzeug geben den Discobeat vor, während sich Synthies, Gitarrenfragmente und ¯yes schermütiger Gesang beim minimalistischen Tanz einen Platz in der zweiten Reihe suchen. Sollte bei Hits wie "Courage" trotzdem noch jemand in den Ecken der Clubs versauern: Das neue Kings-Of-Convenience-Album kommt angeblich im Laufe des Frühjahrs.

(kulturnews.de)

An den Iden des März erblickt das verlockend üppige, für Oldham-Verhältnisse fast schon verschwenderisch produzierte 2009er Studio-Songwerk des Prinzen, der seinen eigenen, von Hören zu Wiederhören mehr faszinierenden Weg gefunden hat, die verschiedenen Welten des Country in 13 Songs zu vereinen. Rauh-reißende Gitarren stehen neben verführerisch arrangierten elysischen Chören, edle Steel- und gleißende Slide-Gitarren versilbern den Klanghimmel, auf karg-knarzige, vom Wüstenwind verwehte Weh-Balladen-Töne folgt ein reich gedecktes Instrumental-Mahl in edler Lambchop-Orchester-Fülle. Neben zarten-weichen, wehmütig-bewegenden Momenten von höchster Intimität und Intensität schwelgt Oldham immer wieder in vielinstrumentiertem Reichtum, lässt Klavier, Mandoline, Geigen, Querflöte, Xylophon und Glockenspiel auffahren, um seine Country-Vision Gestalt annehmen zu lassen. Seine Kunst aber liegt in der lebendigen Verbindung, in dem faszinierendem Gleichgewicht, in dem auf Beware satt-eleganter Country, unbehandelter Wurzel-Stoff und schmerzlich-schneidende Americana-Rauheit gleichzeitig stattfinden, eine gewachsene Einheit bilden. Selten hatten Oldhams Songs eine solch optimistisch-aufbauende Wirkung, die düsteren Momente aber bleiben, vielleicht, um uns auf der Erde zu halten. An seiner Seite sorgen u.a. Josh Abrams, Emmett Kelly, Jennifer Hut und Michael Zerang mit für eine ebenso spürbar rustikal wie edel schillernde Vielfalt, Dank seines stets berührenden Gesangs aber bleibt der Prince der König.

(Glitterhouse)

When Bill Callahan left behind his long held Smog moniker, he gave longtime fans of his lo-fi, mopey, sometimes angry aesthetic some real cause for worry: there was not only the name change, but the reliance on more technology that began with the Diamond Dancer EP and the outright lush production (compared to his past work as well as other indie rockers) on Woke on a Whaleheart. Sometimes I Wish We Were an Eagle should give them some cause for relief, though the growth on the previous two offerings cannot be erased. There is no grand statement on Eagle; it's merely the record that comes after Woke on a Whaleheart, but it feels more like a Smog record than anything he's done recently, even if it doesn't necessarily sound like one. This is the darkest, moodiest set he's issued since Supper in 2003. We don't hear much more than Callahan's idiosyncratic misanthropy offering itself speaking and breathing room on most of these tunes (even if he aspires to more); his baritone is right up front and rarely gets stretched. His themes seem to center on flight and return, and are no better illustrated than on the opening cut, "Jim Cain," where, along a gently shuffling snare and kick drum, his nylon-string acoustic and electric guitars, and a cheap but effective keyboard his ruminations are guided. They caress that voice out of its hiding place: "...Well I used to be darker/Then I got lighter, then I got dark again/Somethin' to be seen, was passing over/And over me/Well it seemed like a routine case at first/With the death of the shadow, came the lightness of births/In the darkest of nights, the truth still dazzled/And I work myself, until I'm frazzled/I ended up in search of ordinary things..." And this isn't so much a metaphor as a cause célèbre for the album.

So much here is written, scored for, and sung from, the place Callahan knows all too well, that outsider's place that comes from the richest of interior lives: the one that knows all the shades of gray. His lyrics and easy, somewhat sparse mix of acoustic and electric instruments show that he doesn't think about much except what's right in front of him. Tracks like "My Friend" express, gently at first then more aggressively, sentiments that may be wholesome in their intent, but in their expression become more aggressive and even slightly sinister.

One thing that is a carryover from Woke on a Whaleheart is the relative sophistication of the arrangements and production. The songs are characteristically simple: they way they are recorded is relatively more complex. Things are not so shambolic as they are carefully measured, tempered, and sequenced. Songs such as "All Thoughts Are Prey to Some Beast," are based on two-chord vamps, and Callahan's voice does nothing to disguise itself as his lines are short, clipped, and shorn of unnecessary verbiage. But the sense of dynamic tension that gathers as violins, lithe, airy electric guitars playing a single string, syncopated tom-toms, and synth lines that mimic French horns, offer a dimension that is nearly cinematic. Ultimately, this sense of circular motion, whether it's flight and return, the human breath, or birth, death, rebirth, loss, and love is the elemental construction of everyday life, and hence a lyrical cornerstone on Sometimes I Wish We Were an Eagle. It is perhaps a seminal new chapter in Callahan's oeuvre of higher yet lo-fi outsider music.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Ein kleines Wunder, mehr denn je außerhalb jeder Zeit und fester stilistischer Zuordnungen. Die Stimme wie gewohnt nonchalant, "minimalistisch", unangestrengt, warm. Aber die instrumentale Begleitung! Geradezu kongenial, sie schafft die Atmosphäre, bestimmt den Charakter der Songs, ob vollkommen relaxt, flirrend, stoisch stampfend, drängend, klangmalerisch, kurz auch mal brausend aufwühlend, oder gar leichtfüßig schwirrend und statisch-kantig zugleich. Ein äußerst apartes extrem musikdienliches zugleich originelles einfallsreiches im besten Sinne geschmackvolles übersichtlich-vielschichtiges zwischendurch sprasames Miteinander von Streichern (in fast jedem Stück), filigraner E- sowie Ak.-Gitarre, Orgel/(E-)Piano, Tupfern von Holzbläsern. Oft auffällig akzentuiert von trockenen markant gemeißelten Drums. Die Songs lassen sich in langsamem bis mittlerem Tempo viel Zeit zur Entfaltung. Außergewöhnlich! Herausragend! Ein verspäteter Monatsfavorit.

(Glitterhouse)

Von Brian Deck produziertes Album der britischen Band, deren Mitgleider mittlerweile teilweise in den USA wohnen. Man sagt, A New Tide wäre eine Rückkehr zu alten Stärken.

(Glitterhouse)

A NEW TIDE marks a return to the always-freewheeling British band’s more experimental roots, with songs like “Win Park Slope” and “Airstream Driver” evincing a spirit born of boundless imagination and a longstanding collaborative relationship. With the band members now scattered across two continents, from Brooklyn to Brighton, England, early tracks were written and recorded individually and then merged online. The process allowed for an open and adaptive songwriting approach, the material taking on its ultimate shape when Gomez officially convened in studios in Chicago and Charlottesville, VA, with producer Brian Deck (Modest Mouse, Iron and Wine, Counting Crows).

Jedes Album von Mirah Yorn Tov Zeitlyn (allein der Name ist schon ein Traum) hat etwas ganz Besonderes für mich, weiss die Künstlerin mit der zarten Stimme doch immer wieder, ganz eigene, fragile Song-Schönheiten aus kargsten Mitteln zu erschaffen. Mit ihrem vierten Voll-Album nun gelingt ihr das Wunder, minimalistischen Folk und voll arrangierten Wohlklang zu verbinden, mich an unzählige Sängerinnen zu erinnern, die mir ganz nah am Herzen liegen, und gleichzeitig ganz und gar eigen und einzigartig zu bleiben. In einer verzaubernden, mystisch-nebelhaften Atmosphäre reiht sie zehn auf unterschiedlichste Art leuchtende Song-Perlen aneinander, singt allein zur Harfe, schwebt durch einen Boxharp-gleichen Klang-Kosmos, tritt gegen eine verstörend-verzerrte E-Gitarre an, badet in schmeichelnder Streicher-Eleganz, streift durch schmerzende Bonnie Prince Billy-Dornen, lässt ihre weich-kindliche Stimme zu Kirchen- und Drehorgel-, Spielzeug-Perkussion- und Mariachi-Gebläse-Begleitung leuchten oder von afrikanischen Rhythmen exotisch unterfüttern. Und so gemahnt sie nacheinander und gleichzeitig an Joanna Newsom, Kate Bush, Björk, Suzanne Vega, Coco Rosie und Julie Doiron, bildet die verzückend-edle Essenz aus den Genannten und bleibt doch die Mirah, die mit wenigen Mitteln Bewegendes, Berührendes & Bleibendes schafft. Ihren Beitrag zur Entstehung eines wahren Tonträger-Traumobjekts lieferten dabei u.a. Phil Elverum (Microphones), Tucker Martine, Adam Selzer (Norfolk & Western), Chris Funk (Decemberists), Lori Goldston und Tara Jane O’Neill.

(Glitterhouse)

Calling an album "mature" can be damning it with faint praise, but Mirah's luminous (A)spera embodies the best qualities of that word. While it might be subtler and gentler than most of her previous work, it also feels like a summation of everything that came before it. Advisory Committee was a gloriously audacious sprawl that showed exactly what Mirah was capable of — which was a lot — and C'mon Miracle was a reassuring shoulder to cry on, but (A)spera finds a delicate, sometimes tense balance between adventurousness and empathy. Above all, the album emphasizes just how remarkable Mirah's voice and words are: after more than a decade of recording, her voice is still light and girlish but with a knowing delivery; likewise, her lyrics are passionate yet clear-eyed. These dualities express (A)spera's emotional shades of shades of gray elegantly and eloquently. "Shells" explores the almost imperceptible line between holding and suffocating a loved one to Kane Mathis' lilting kora, while "Education" is an alt-country-tinged study in learning by leaving that hinges on the chorus "I'll never change/You'll never change." Yet, for an album steeped in complex moods, (A)spera is remarkably engaging, and a lot of that has to do with its creative, organically evolving sounds. (A)spera opens with two of its most striking moments. "Generosity"'s distorted drums and guitars, tremulous strings, and declaration of independence make it feel like a cousin to "Cold Cold Water," which began Advisory Committee with a similarly dramatic cloudburst. "The World Is Falling Apart," meanwhile, is deceptively understated, with barely there yet looming drums, droning synth bass, and cresting backing vocals setting the song on its voyage. Elsewhere, "The Forest"'s cautionary tale of greed delves into majestic tribal rock, "Country of the Future" serves up a tale of love and independence with carnival drums and sinuous strings, and an ethereal gamelan-inspired version of "While We Have the Sun" — which originally appeared on Songs from the Black Mountain Music Project — closes (A)spera on a meditative note. However, it's "The River" that really captures the album's unique complexity and directness: Mirah sounds like she's singing right in your ear, gently delivering bold-faced truths like "You don't want to hurt me/But you don't want to need me" as brass and woodwinds flow around her. This kind of sophisticated indie pop and singer/songwriter territory is all her own, and (A)spera holds almost as much wisdom as it does hope.

(by Heather Phares, All Music Guide)

2009er Kollektion von 10 Originalen, die die Sängerin mit der weich-warmen, dunkel-samtenen Stimme gemeinsam mit Produzent Larry Klein oder Steely Dan’s Walter Brecker verfasst hat. Begleitet von vielerlei Tastenwerk von Hammond B 3 bis hin zum perlenden Rhodes, akustischen Folk- und singenden Pedal-Steel-Gitarren gelingt Peyroux eine nahezu einmalige Melange aus dezentesten Jazz-Elementen und feinstem Americana- und Country-Stoff. Die hohe Kunst der sanften Ballade, zehn mal in perfekte Form gegossen.

(Glitterhouse)

Ungewöhnliche gute US-Rock-Band, von intelligenten teils rotierenden Motiven und Riffs zweier Gitarren getrieben, die für glänzende Highlights sorgen in intensiven Soli: Frenetisch brennende Wände, sanft glühend, gleißend-singend, zerhackt/röhrend, Dudelsack-artig, massive Distortion/Feedback - klasse Sounds! 2,3x modale melodische Finesse. Zur Hälfte rhythmisch auffallend stoisch: 2x, hmm, "harte Fairport Convention ohne Folk", 1x a la hämmernd-pulsierender harter Richard Thompson, scharf-melodisch, wieder ohne Folk, 1x treibender Malstrom-Rock. 3 ruhigere Songs: Leicht folkig; schleppender Rock, Einflüsse der späten 60er; Magnolia Electric Co-Anklänge in einem völlig veränderten angerauht-wunderschönen sanft-einfühlsam gesungenen Dylan-Cover. Und Heavy 70s Rock in irgendwie doch wieder zeitgemäß. Empfehlung! Vinyl weltweit auf 1000 limitiert.

(Glitterhouse)

Eigentlich hatte man erwartet, dass Dylan mit Album Nummer 46 weitermacht in der Richtung die seine letzen beiden Alben Love & Theft und Modern Times vorgaben: Zeitlose, souveräne Blues- und Folk-Songs wie aus der Prä-Rock&Roll-Ära. Ein Bruch ist Together Through Life nun nicht geworden, aber Dylan setzt viele überraschende neue Akzente: Da sind die prägnanten Texmex-Klänge mit dem Akkordeon David Hidalgos von Los Lobos und die ganze Grundstimmung des Albums - man fühlt sich wie auf einer Reise an der mexikanischen Grenze entlang, mit Dylan, Robert Johnson und Tom Waits als Reisepartner. Neu auch, dass die Songs vom Grateful-Dead-Songschreiber Robert Hunter mitverfasst wurden. Und vor allem: Die Songs treffen noch viel stärker ins Herz als auf den letzen beiden Alben - dort wo sich beim Hören auf Modern Times Ehrfurcht und Hochachtung einstellten fließt bei Together Through Life Herzblut.

Ein fantastisches Album - ob Together Through Life nun "das Beste, Schönste und Größte, was der Meister in den letzten dreißig Jahren seinem Publikum ausgeliefert hat" (Süddeutsche Zeitung) ist oder einfach nur ein Werk, das mit Alben wie Oh Mercy und Time Out Of Mind, den großen Dylan-Werken der 80er und 90er, auf einer Stufe steht ist dabei an sich gleichgültig.

(Hanno Güntsch, amazon)

Blues reinsten Quellwassers bestimmte zuletzt das musikalische Oeuvre Bob Dylans. Nach zehn Jahren scheint sich der Anachronist daran abgearbeitet zu haben und vermischt auf seinem neuen Album "Together Through Life" TexMex und Americana. Zeitenwende? Epilog? Oder nur ein cleverer Schachzug?

Zwar schrieb Ex-Beatle Paul McCartney den famosen Song "The Long And Winding Road", einem anderen schien er aber wie auf den Leib geschneidert: Vor knapp zwanzig Jahren versankt Bob Dylan in der Bedeutungslosigkeit und wer ihm die Stange hielt, galt entweder als Ewiggestriger oder taub auf beiden Ohren. Der ehemals begnadete Songwriter verkraftete die Achtziger ebenso wenig wie viele seiner Kollegen und weigerte sich mit Kräften, irgendwelchen Trends zu folgen - egal ob es sich um Aufnahme- oder Gesangstechnik handelte. Stattdessen nahm er zwei dubiose Coveralben auf, die er Anfang der Neunziger unter Ausschluss der Öffentlichkeit herausbrachte.

Doch sowohl "Good As I Been To You" (1992), als auch "World Gone Wrong" (1993) gaben ihm ungeahnte Kreativitätsschübe und selbst heute rätseln eine Reihe Musikwissenschaftler, ob seine Interpretationen uralter amerikanischer Folk-Songs das eigentliche Comeback von His Bobness darstellen. Welches offiziell erst mit "Time Out Of Mind" von 1997 eintrat: Jener düsteren Kontemplation, die in elf erschütternden Tiraden das Gesamtwerk von Kierkegaard und Schopenhauer umfasste. Anschließend widmete sich Dylan dem Blues und wurde zu der Ikone, die selbst Spätgeborene verehren.

Als Anfang des Jahres das Gerücht die Runde machte, "Seine Unantastbarkeit" sei im Studio zu Gange, kursierten in Foren, Blogs und auf diversen Fan-Pages die wildesten Gerüchte: Wird es eine Fortsetzung des 2006 erschienenen "Modern Times"? Präsentiert sich Dylan wieder als Kulturkritiker und prangert die Postmoderne an? Erstaunlicherweise ist "Together Through Life" nichts von alledem, denn schon das Cover - ein Foto von einem über den Highway brausenden Truck mit einem wild knutschenden Pärchen, geschossen vom Magnum-Fotografen Bruce Davidson - verwundert und treibt sämtliche Spekulationen in eine andere Richtung: Glaubt der Schwarzseher wider Willen plötzlich an die Liebe?

Ganz so abwegig ist der Gedanke nicht, denn im Opener heißt es: "I love you pretty baby/ You're the only love I've ever known/ Just as long as you stay with me/ The whole world is my throne". Eine Liebes-Hommage der rohen und desillusionierenden Art, denn kurz vor Schluss revidiert Dylan trocken: "Beyond here lies nothing/ Nothing we can call our own". Und doch bringt dieser Song eine ungewohnte Spielfreude mit sich - Akkordeon, Violinen und gelegentliche Trompeten erschaffen einen ungewohnt ruppigen Sound. Der auch die nachfolgenden Stücke prägt - welche sich allesamt der Liebe, der Verführung und der Erinnerung widmen. Nichts wirklich Neues und trotzdem hätten die wenigsten ein Trinkerlied wie "Shake Shake Mama" vom 67-jährigen Bob Dylan erwartet.

Als wolle er den Fuß nicht vom Gas nehmen, präsentiert sich selbst die herzzerreißende Ballade "I Feel A Change Comin' On" getrieben und rastlos. Völlig überraschend singt Dylan sogar! Zuletzt schien seine Stimme in eine Art Sprechgesang versunken und nun wagt er sich zum ersten Mal seit gefühlten zwei Dekaden zurück zur Melodie. "Some people they tell me/ I've got the blood of the land in my voice", bekräftigt das Stück und lässt den Eindruck entstehen, hier zimmere jemand sein eigenes Denkmal. Eine erneute Fehleinschätzung: "Everybody got all the flowers/ I don't have one single rose".

Ja, es ist Bob Dylan in Reinform, der auf "Together Through Life" zehn Songs entwirft, die genauso aus der Zeit fallen, wie sie großartiger nicht sein könnten. Er muss niemanden mehr etwas beweisen, den Aufrechten Gang haben wir längst verlernt. Ob es jedoch wirklich eine Sommerplatte ist, wie viele Magazine behaupten, wird sich in den kommenden Monaten herausstellen.

Eigentlich egal, denn sein 33tes Studioalbum ist ein philosophisches Meisterwerk: Es katapultiert Dylan - getreu seines antizyklischen Songwritings - in bislang ungeahnte Sphären. Together through life, indeed!

(motor.de)

More so than Modern Times - a good record, but one which lacked a 24-carat humdinger, a Mississippi or a Love Sick - Together Through Life is an album that gets its hooks in early and refuses to let go. It's dark yet comforting, with a big tough sound, booming slightly like a band grooving at a soundcheck in an empty theatre. And at its heart there is a haunting refrain. Because above everything this is a record about love, its absence and its remembrance.

(Mojo. ****)

Drei Brüder und zwei Kumpel aus den Catskill Mountains in Upstate New York. Da liegt der Vergleich mit The Band auf der Hand. Allerdings nicht mit den fein ausgearbeiteten Alben Music From Big Pink und The Band, sondern mit der Band, die mit Bob Dylan im Keller von Big Pink die Basement Tapes einspielten.

Der Geist dieser Spontanaufnahmen ist hier zu hören, da gibt es wunderschöne Momente und herzerwärmende Melodien, in die alle Teile des American Songbook verbaut wurden. Und es gibt Momente, da haben sie scheinbar alle zu viel Moonshine intus, da bratzt es und knarzt es, da gerät einiges ausser Kontrolle – der Chorus in Penn Station zum Beispiel oder Memphis Flu, das sie komplett aus dem Ärmel geschüttelt haben – mit Quetschkommode im Kreis aufgestellt und die Vocals aus 3 Metern Entfernung ins Mikro gebrüllt. Aber auch das passt gut ins 54-minütige Bild dieses Albums.

Es gibt zwei rockige Chicken Songs (Chicken Wire und Run Chicken Run), absolut herzerwärmende, wortreiche Balladen wie Ambulance Men, Boy From Lawrence Country und Cooperstown (in dem sich Harmonium und Akkordeon begegnen), die gerne auf epische Längen von 5+ Minuten ausgedehnt werden.

Ian Felice’s Stimme raspelt ebenso eindimensional durch die Songs wie weiland His Bobness, diverse, vorwiegend akustische, Saiteninstrumente schrammeln im Hintergrund, das Akkordeon ist omnipräsent und die Drums klingen wie eine gute Keksdose. Auf klangliche Finessen wurde also wenig Wert gelegt, das Album klingt als wäre es mit analogem 8-Spurgerät in einer Scheune aufgenommen. Und genau das wird ihr aus einem alten Hühnerstall selbst gebautes Studio auch sein.

Das stört aber alles nicht, sondern passt einfach zu diesem unbehauenen kleinen Meisterwerk. Es scheint, als wäre alles so gewollt. Alleine Tunes wie Sailor Song oder Katie Dear sind das Eintrittsgeld alleine wert. Und es gibt viel mehr zu entdecken. Selten hat sich eine Platte (die ich anfangs nicht mochte) so tief in mein Herz gespielt. (rh)

(Glitterhouse)

Vor 55 Jahren tat Marilyn Bell einen Sprung ins kalte Wasser und durchschwamm den Ontariosee. Damals war es eine große Sache, ein “Great Lake Swimmer” zu sein, heutzutage ist es ein erstaunliches physisches Kunststück, dass man für selbstverständlich nimmt. Es ist ein rasch vergessener Teil der Geschichte wie eine verblasste Landkarte oder eine zerschlissene Fotografie. Oder ein mystischer Ort (= Lost Channel). Tony Dekkers Great Lake Swimmers haben die vergangenen 7 Jahre damit verbracht, auf Bühnen rund um die Erde zu spielen, auch wenn man sich genau wie bei Marilyn Bell ihrer nicht sicher sein sollte. Lost Channels ist ihr viertes Album und wieder haben sie es an einem historischen Ort aufgenommen. Dieses Mal handelt es sich um die Region Thousand Islands, am Abfluss des Ontariosees, die an der Grenze zwischen dem Staat New York und Kanada liegt. Sie erzählt Fabeln von verborgenen Geschichten, die noch immer " in dunklen Schächten nach Licht suchen" und "gestimmt sind für ein Instrument von größerer und unbekannter Gestalt." Die Rede ist von Tony Dekkers einzigartiger Stimme, einer Stimme, die Geister aus vergangenen Zeiten herbeiruft. Es ist eine Stimme, die in der Lage ist, Verzweiflung und Hoffnung zum Ausdruck zu bringen. Und das innerhalb einer einzigen Phrase. Auch wenn seine musikalischen Wegbegleiter mit Ausnahme seiner rechten Hand, Erik Arnesen, über die Jahre wechselten, so hat sich Dekker doch immer mit sympathischen Instrumentalisten umgeben, die luftige Arrangements zur Umrahmung seiner Stimme schätzen. Im Laufe der Zeit hat sich die Band von einer zerstreuten, grazilen und leisen Einheit zu einer gut abgestimmten Folkrock Band gemausert. Dabei haben sie nichts von ihrer ursprünglichen Intimität geopfert, während sie, wenn immer notwendig, sowohl das Tempo als auch die Lautstärke anziehen. Dekker wählt alte Kirchen, Gemeindesäle, ungenutzte Getreidesilos und ländliche Örtlichkeiten für seine Aufnahmen. Leicht ist es zu hören, warum er das tut. Seine Stimme benötigt keine Verschönerung durch Studiotechnik, sie ist am Stärksten wenn sie ein Bad in natürlichen Hall nimmt und angereichert wird durch den historischen Kontext der Umgebung. Um Lost Channels aufzunehmen, zogen Dekker und Gesellen den St. Lawrence River stromaufwärts nach Thousand Islands, auf halber Strecke zwischen Toronto und Montreal gelegen, eine historische und malerische Gegend, die beiderseits an der kanadisch-amerikanischen Grenze liegt und zu einem Naturschutzgebiet erklärt wurde. Dass dieses Album sowohl in ländlicher Pracht als auch im urbanen Ontario Gestalt annahm, erscheint perfekt zu sein für eine Band, die schon immer fasziniert war von den Parallelen zwischen natürlichen und urbanen Rhythmen. Immer wieder auf Lost Channels taucht die Symbolik des Flusses auf. So ist der Titel des Albums eine Referenz an eine bestimmte Passage des St. Lawrence, die in der Nähe der Aufnahmeorte liegt und wo das Aufklärungsboot eines britischen Kriegsschiffes im Jahre 1760 auf mysteriöse Weise verschwand. Zwar gibt es keine direkte Referenz zu dem Vorfall in den Texten, aber jede Menge Nachthimmel, heulende Winde und tosende Flüsse, die ein schwer zu beschreibendes Gefühl von Mysterium einfangen, in beinahe jedem Lied. Wenn das Album seinem Ende entgegen geht, singt Dekker in den letzten Textzeilen “Wie der unaufhaltsame Fluss…ist Deine Schönheit sanft und doch kraftvoll und beständig,” bevor die Band auf einer einzelnen in der Luft hängenden Note endet. Dort gibt es keine Auflösung, nur Ewigkeit, Kontinuität und einen endlosen Fluss.

Toronto's Great Lake Swimmers have been quietly honing their signature wet and lonesome, echo-laden brand of mellow folk-pop since 2005, while like-minded bands such as Fleet Foxes, Band of Horses and Shearwater get all of the press. On their fourth album, Tony Dekker and his revolving cast of co-conspirators walk a little taller than on previous releases, employing a larger, more band-oriented sound that lovingly elevates (and amplifies) Dekker's simple, refined melodies into something both peaceful and majestic. Recorded in castles, churches, and community centers in and around the Saint Lawrence River's Thousand Islands, which straddle the U.S.-Canada border, Lost Channels is filled with sepia-tone postcard images of dusty boots following the treads on seasonal roads, and pastoral woodcuts of stoic, blue-collar heartache and wide-eyed innocence. From the old-school country-folk of "The Chorus in the Underground" and "Unison Falling into Harmony" to the straight-up indie folk-rock of "Pulling on a Line" and "Palmistry" — the latter, as beautiful as it is owes more than just an instrumentation nod to R.E.M.'s "Losing My Religion" — Great Lake Swimmers have proven once again that Canada, as rich as it is in arty indie rock like Destroyer, Plants and Animals, and Wolf Parade, is also the country that gave the world Neil Young, Gordon Lightfoot, and Joni Mitchell.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

Issuing a double album in the 21st century, with increasing industry focus on single tracks and ringtones seems crazy at best, pretentious at worst. Communion, the fifth album by Gothenburg, Sweden's rock sextet the Soundtrack of Our Lives, proves that assertion to be dead wrong. This band has stubbornly followed an inner sense of direction that embraces paradox while using the very best of what rock & roll has to offer in order to create powerful music. Communion's 24 tracks are spread over two discs and its total playing time at over 90 minutes makes it longer than the Who's Quadrophenia or Pink Floyd's The Wall. Communion is a loosely based concept record. It addresses alienation and other difficulties of mass culture run amok with technological innovation, yet it unapologetically seeks -- and finds -- hope in the madness. Paradoxically, these songs all stand independently of one another, they aren't topically or musically heavy-handed, and most are catchy as all get out. They flit from hook-laden psych heavy guitar rock, a layered '60s-style uptempo pop that owes as much to Ray Davies and the Kinks, to the grandness of Arthur Lee and Love, as well as Townshend's gang, Syd Barret's Floyd, and the crunchy, soaring guitar rock of Television. And even as drenched in the past as this music is, it is utterly contemporary and relevant.

There are no overblown -- or bloated -- conceited anthems here. Indeed, these songs start with the notion of acceptance, and look for connections in the chaos rather than point out the obvious. The tracks are basic rock tunes layered with effects and other sounds that never mask the basic structure of these rather simply driven guitar melodies. Go no further than the spacy, psych-drenched opener "Babel," with its thrumming bassline, hooky organ line with tribal drums, and counterpoint six-strings playing call and response with singer Ebbot Lundberg entering halfway through with his metaphysical: "We're here finalize/the friction of your rise/the twisting of your tongue/together with the sun/The language that we speak/Was spread out to complete/And communicate as one/So turn the towers of Babel on....So come on!" The beautifully multidimensional "Universal Stalker" follows with its harpsichords, acoustic and electric guitars, and Farfisa underlying Lundberg's gentle vocal. The music gradually increases in dynamic, tension, and tempo; it eventually explodes into full rock burn. The first disc also contains an utterly lovely, full-on band arrangement of Nick Drake's "Fly" that manages to transform the song into something of a big-smile, psych-pop wonder, thanks to jangling electric 12-strings and big tom-toms even as it retains the author's melody with simple elegance and integrity.

Disc two begins with the tender, slide-driven pop rock of "Everything Beautiful Must Die," a zen meditation on acceptance set to a faux country backbeat even as its slippery Baroque psych-pop propels it forward. Communion ends with another gorgeous singalong number in "The Passover" (a song about waking up on the other side of transformation), but it could just as easily have concluded with the beautifully tender and largely acoustic "Lifeline," which in just over two minutes offers a confessional bit of instruction about surrendering to love. Communion is easily the most consistent yet visionary and expansive recording Soundtrack have released yet, and proves beyond the shadow of a doubt, they are, even without mass acceptance, an impressively grand rock band; they freely use rock's rich history not to make reference to their own record collections, but rather to further its reach, and that of expression itself, as necessary parts of everyday life.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Back in the Eighties, the Shiny Gnomes were one of Germany’s hottest psychedelic bands, with a reputation of being their country’s answer to The Jesus And Mary Chain. A couple of releases on a major label in the late Eighties and early Nineties didn’t bring the hoped for breakthrough, so that their vocalist Limo continued with his new projects Discolor and The God Box. Still not tired after nearly a quarter century of musical activities, he’s now back as St. Stephen, a new incarnation where he plays all kinds of different instruments: acoustic and electric guitars, bouzouki, piano, organ, mellotron, glockenspiel and harmonica. Assisted by Zattl (When Skipjack Tripped, Supergroup and many even more obscure bands) on electric guitar and production, his debut album Behold has turned out to become an intimate snapshot that finds an agreeable balance between introspective country music and lo-fi psychedelia. With the help of musician friends like Tatjana Schewtschenko (Bluet) on backing vocals, Manna Knauthe on bass guitar, Tobias Birke on drums and some more more, Limo has crafted eleven cosy songs full of dreamy atmospheres whose frugal production are perfect for this kind of guitar layered psyche indie rock. Limo’s voice takes some getting used to, in case you are not familiar with his past, but once you gained access to his musical vision, there is no getting out any more.

The decades of rock’n’roll lifestyle must have left their traces, considering how he has evolved from a dope fiend to a Hope Fiend, the title of one of his best songs on Behold. Other highlights include the more energetic Soul Shine and later on the melancholic On Your Wing with its warm mellotron sound.

Behold is certainly not the album that will make Limo accessible to the masses, but that has certainly not been the intention. St. Stephen have released a remarkable album on a small independent label that is more intent on quality than success, and I can’t think of a more fitting soundtrack for the first warm days of spring. Never exciting, Behold prefers to embrace its audience in a warm atmosphere of sincere and sparsely yet intensely performed psychedelic indie country gems.

THANK YOU VERY MUCH!!

(http://www.disagreement.net/)

Drittes Album des ehemaligen Elektronikers und der dritte Volltreffer. Zwischen Pink Moon und Tim Hardin 2. Ja, so gut ist das. Die vom Meister selbst gespielte Akustikgitarre steht stets im Vordergrund, daneben gesellen sich je nach Songs nur Stimmen, minimale Tupfer von Bass und Schlagzeug, mal ein Piano und manchmal auch atmosphärische Geräusche. Beim ersten Durchlauf meint man, dass gewohnt karge, Fink’sche Klangbild zu hören. Erst nach und nach kommen die feinen Arrangementideen zum Vorschein. Jeder Song bekam eine Spezialbehandlung.

Schon der Opener ist ein starkes Stück Neo-Folk, welches gegen Ende in den Dubwolf gerät, Soulmann John Legend spielt ausgezeichnet Piano auf Move On Me und später noch einmal Son Of Dave Harmonica. Sonst ist Fink der Star des Albums.

Fin Greenall hat dieses mal selbst produziert und er hat ein gutes Händchen bewiesen. Eher dünn aufgetragen, um der eigenwillig-virtuosen Gitarrenarbeit viel Raum zu lassen. Und dieser unglaublich warmen Stimme, die einen ganz tief reinzieht in dieses Superalbum.

Fink ist kein traditioneller Folkie, aber seine Musik könnte denen gefallen, die mal ein Risiko eingehen wollen, ausbrechen wollen aus ihrem Soundgefängnis, die versuchen, die Grenzen vorsichtig erweitern. Und wer die Secret Love Compilations mag, der ist hier auch richtig. Und auch die, die heute noch bedauern, dass nach Pink Moon nichts mehr kam und das 2. das beste Tim Hardin Album bleiben sollte. Platte der Ausgabe. Keine Frage. (rh)

(Glitterhouse)

In vier Tagen im britischen Herefordshire eingespieltes 2009er Album; 14 Songs aus 30 Jahren And Also The Trees-Geschichte in zeitlos-akustischen Neufassungen.

(Glitterhouse)

After a couple years with no follow-up album, the Bats returned to action in 2005 with At the National Grid, which seemed like it might be a one-off occurrence, and that they might choose go back into the hibernation they had been ensconced in for ten years. Thankfully for fans of their jangling, melancholy sound, the band re-grouped and returned with The Guilty Office in the early summer of 2009. Though they have a new label (Hidden Agenda), the band's seventh album sounds as if it could have been released anytime in the past 25 years the band has been making brilliant music. Sure, the sound is cleaner than on their earliest records, but the fundamentals are all still there. The propulsive drums, twangling basslines, crisply strummed rhythm guitar, and the plangent lead guitar form the backdrop for Robert Scott's autumnal songs that he and Kaye Woodward sing in sweetly fragile and human terms. It's an instantly recognizable, sound and while cynics could claim that the band has just been repeating itself all these years, it's more apt to say that they know exactly what works for them, and they don't deviate from it much because they know it would be a mistake. Plus, these simple and familiar-sounding songs manage to wring a lot of emotion out of not a lot of effort and trickery, just using deeply felt chords and lyrics to make a big impact. A song like "Broken Path" can reduce the listener to tears with just a couple chiming guitar notes placed here and there, and a soaring vocal harmony in the chorus. It's a trick the band has perfected over time, and Guilty Office is full of these kind of quiet and powerful moments. It's also loaded with songs that compare favorably to their best work; the short but super sweet "Like Water in Your Hands," "Later on That Night," "The Orchard" (which features some very lovely strings and possibly the nicest melody on the album) and "Countersign" are a few examples but really the whole record is made up of songs that have hooks, but also songs that burrow into your consciousness and settle in for a long, warm visit. It may be too much to ask, but the Bats could keep making records like this every couple years for another 25 years, but really there's no reason they shouldn't. Their sound will never grow tiresome; it only gets better with repeated use.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Nachfolger zum Grammy-Gewinner Dirt Farmer, wie der Vorgänger mit der Mannschaft um Larry Campbell in Levon’s Barn eingespielt. Das label sagt: „Electric Dirt again finds Levon steeped in tradition in his connection to the land and those who live by it, but this record goes deeper and wider, incorporating gospel, blues and soul elements in a bracing collection of originals and carefully chosen outside songs.”

(Glitterhouse)

In a musical career that has spanned six decades, Levon Helm has made more than a few excellent albums working with other folks -- most notably as drummer and vocalist with the Band, as well as backing Bob Dylan, Neil Young, Muddy Waters, John Martyn, Rufus Wainwright, and literally dozens of others. But as a solo artist, Helm's record has been considerably spottier, with well-intended disappointments outnumbering genuine successes, so it's good to report that at the age of 69, Helm has found his second wind as a recording artist, cutting two of his most satisfying solo sets in a row. Following 2007's excellent Dirt Farmer, Electric Dirt is every bit as impressive and finds him sounding even stronger than he did on that comeback set. Dirt Farmer was Helm's first album after a bout with throat cancer nearly silenced him, and his vocals sounded firmly committed but just a bit strained; two years on, Helm's voice is nearly as supple as it was during his days with the Band, and even when it shows signs of wear and tear, his sense of phrasing and his ability to bring the characters in these songs to life are as good as they've ever been. While Dirt Farmer leaned toward acoustic music in the Appalachian tradition, Electric Dirt aims for a broader and more eclectic sound; "Golden Bird" sounds as if it could have been gleaned from the Harry Smith anthology, but the opening cover of the Grateful Dead's "Tennessee Jed" swings with a solid New Orleans groove like an outtake from the Rock of Ages concerts, a pair of Muddy Waters numbers are subtle but passionate acoustic blues, "I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free" is joyous gospel-infused R&B, and "White Dove" is fervent and heartfelt traditional country. Larry Campbell, who co-produced Dirt Farmer, returned for these sessions, as did most of the same band, bringing a similarly organic touch to the music, and the bigger sound of this album seems to suit everyone involved, with Helm's drumming sounding especially lively and well-grounded. And though Helm only wrote two songs for this album, they're two good ones, especially "Growin' Trade," a tale of an aging farmer who has taken to raising marijuana, and what could easily have been played as a joke is a moving account of one man's conscience as it wrestles with his heritage and love of the land. Not unlike his old buddy Bob Dylan from Time Out of Mind onward, Levon Helm seems to have rediscovered his knack for making great records in what some might have imagined would be the latter days of his career; Electric Dirt sounds fresh, emphatic, and as effective as anything Levon has cut since the mid-'70s, and one can only hope he has a few more discs in him just this good.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Where 2007’s Grammy-winning “Dirt Farmer” ended a 25-year hiatus for Helm, the new “Electric Dirt” is less than two years coming. But where the new album lacks the airy depth and sense of purpose of its predecessor, it’s similarly a labor of love. In fine voice after a bout with throat cancer, Helm leads what sounds like a jam session on songs ranging from blues (two Muddy Waters covers), mountain music (“White Dove”) and dirty dixieland (Randy Newman’s “Kingfish”).

The problem with the covers is that they all pale to the originals. As the last member of the Band still making records, Helm is the godfather of Americana music, but too much of “Electric Dirt” rests on that title. In a sense, this album sounds like little more than an excuse to hit the road to promote it.

But two original tunes from producer Larry Campbell save the record. “Growing Trade,” co-written with Helm, is one of the best songs you’ll ever hear about the plight of family farmers, and “When I Go Away” is a melodic soul stirrer. More time between albums would’ve led to more songs like these.

www.austin360.com

Nur wenige schnellere und elektrischere Nummern stehen zwischen der Mehrzahl von langsamen, nachdenklichen, introspektiven Songs, die mit morbider Leidenschaft gesungen und gespielt werden. The Low Anthem waren soeben die Indie Stars des 50. Newport Folk Festivals. Sie werden derzeit von allen einschlägigen "Americana-Medien" schwerst gehandelt und man kann sich in der Tat ihrer hypnotisierenden, massiv beeinflussenden Musik kaum entziehen. Sog- und Suchtwirkung total!! Die drei Musiker, Ben Knox Miller, Jeff Prystowsky und Jocie Adams, spielen haufenweise verschiedene - meist akustische - Instrumente von Gitarren, Bass, Drums und Keyboards über Banjo und Percussion bis Klarinette, Rasseln, Cymbals, Melodica, Riemenorgel, Tuba und Zither. 'To Ohio' ist ein wahrhaftiger Americana-Hit, ein Alt.Folk-Ohrwurm, wie man ihn nur ganz selten erlebt. 'Home I'll Never Be' ist die einzige Covernummer hier, komponiert von Tom Waits und mit Texten von Jack Kerouac! Für alle Fans von Bon Iver, M.Ward, Death Vessel, Felice Brothers, Bowerbirds, Great Lake Swimmers u.ä.

(Glitterhouse)

The Low Anthem cover all their Americana bases with Oh My God, Charlie Darwin, an album that alternates between old-timey country, secular gospel, and harmonized folk. Few bands handle such wide swaths of music with grace, and even fewer manage to steer clear of sepia-toned pastiche in the process. Charlie Darwin is that rare exception, a hybrid of old traditions and contemporary flourishes that sounds at once earthy, ethereal, and uncalculated. Led by frontman Ben Knox Miller, the band resurrects old genres like folk anthropologists, using acoustic instruments (as well as some more esoteric additions, including a refurbished pump organ from the first World War) as their tools of choice. "Charlie Darwin" and "Cage the Songbird" are vocal showcases, padded with three-part harmonies and thick layers of reverb, while a cover of Tom Waits' "Home I'll Never Be" eschews intimacy for ramshackle energy, sounding like a field recording from the late-night hours of a country jamboree. The band makes multiple stops in between those styles, pitching their tent closer to the alt country-rock camp with "Champion Angel" before going to church for the gospel-tinged "Omgcd." Miller steals the spotlight throughout — he's a falsetto crooner during the opening track, a boot-stomping bluesman on "The Horizon Is a Beltway," a Dylan disciple on the folksier tracks — but this is still a group effort, with string contributions by Jocie Adams a flurry of instrumental activity by co-founder Jeffrey Prystowsky. There's a lot of ground covered here, of course, yet the band never loses sight of its destination, and those who can keep up are in for a tuneful journey.

(by Andrew Leahey, All Music Guide)

For what they describe as their first studio album in 20 years, the New Riders of the Purple Sage, as "revived" in 2005, consist of founding member David Nelson (vocals, guitar); Buddy Cage, who took over from Jerry Garcia on pedal steel guitar after the first album in 1971; and three newbies, guitarist Michael Falzarano, bassist Ronnie Penque, and drummer Johnny Markowski. (Conspicuous by his absence is co-founder John Dawson, who is said to be retired.) Falzarano, who has made a career out of supporting musicians of the '60s San Francisco Sound (he was also a latter day member of Hot Tuna), produced the album. He gets two compositions, both of which he sings, and Penque and Markowski get one each, also displaying their lead vocal abilities. But the heart of the album — seven songs out of 12 — is the work of the new songwriting team of Nelson and Robert Hunter. The teaming itself is not new at all. Nelson and Hunter played together, along with Garcia, in folk and country bands in Palo Alto in the early '60s, prior to the formation of the Grateful Dead, for which Hunter served as primary lyricist. But as songwriters, this is a new association, and a happy one, as Hunter comes up with his typically aphoristic, imagistic, and vernacular words (particularly on the title song) and Nelson matches them with catchy, country-tinged melodies that the band plays in frisky country-rock roadhouse arrangements. This may be San Francisco music, but Bakersfield doesn't seem far away as the guitars go twangy and Cage plays down the weepy side of the pedal steel in favor of something more stinging. These New Riders jam a bit more than the original ensemble, and they also rock a bit more. Put it this way: the final track, "Rockin' with Nona" could segue into "Six Days on the Road" without missing a beat or, nearly, changing the chord pattern. It wouldn't be surprising if, in concert, it does.

(by William Ruhlmann, All Music Guide)

... allen, die vom smoothen Pop-Kurs des letzten Wilco-Studioalbum 'Sky Blue Sky' (2007) begeistert waren und jetzt auf ein stilistisch ähnliches Produkt hoffen, sei gesagt: auch dieser Wunsch geht in Erfüllung. Wilco tut niemandem weh, denn "...Wilco loves you" heißt es gleich im gut gelaunten 'Wilco (the song)', dem Opener, der sogleich eine ganz auf Harmonie getrimmte Standortbestimmung abgibt. Anders als bei den großen Brüchen zwischen 'A.M.' und 'Being There' oder 'Summer Teeth' und 'Yankee Hotel Foxtrot' wird der mittlerweile über 5 Jahre in konstanter Besetzung ermittelte und mit immer mehr Feinschliff versehene Wilco-Trademark-Sound auf 'Wilco (the album)' nochmals kultiviert und in die totale Perfektion entlassen! Jeff Tweedy, John Stirratt, Nels Cline, Pat Sansone, Glenn Kotche und Mikael Jorgensen hatten aber auch sehr viel Zeit dafür diesmal: Wurden einige Basic Tracks noch relativ zügig im Chicagoer Heimstudio eingespielt, so nahm man eine kurze Neuseeland-Tour zum Anlass, um dort - auch inspiriert von erheblich mehr Sonne - im Studio von Neil Finn zu verweilen, neue Ideen zu entwickeln und der Kreativität neuen Raum zu geben. Endgültig fertiggestellt später wiederum zuhause, auch in enger Zusammenarbeit mit 'SBS'-Mixer und Top-Tonmeister Jim Scott (BoDeans, Whiskeytown, Neal Casal, Tom Petty), erleben wir nun mit 'WTA' ein musikalisches Klangwunder, das flüssig und locker, beinahe elegant vor sich hin perlend, mit erheblichen Popelementen (Beatles, John Lennon/Stimme, George Harrison/Gitarre, David Bowie, Crowded House, Jayhawks) durchsetzt und mit vielen Overdubs angeliftet daherkommt. Zugegeben: Radikale 'YHF'-Fans werden das als zu beliebig und glattgebügelt, als viel zu wenig "Indie Rock" empfinden müssen! Auf der anderen Seite ist 'WTA' so sehr ein Songalbum (genauer: ein Jeff Tweedy-Singer/Songwriter-Album!) geworden wie zuletzt 'A.M.' und 'Summer Teeth'. Kongenial ist daran, dass die vorzüglichen Musiker (allen voran Nels Cline mit seinem flexiblen, mal harsch und scharfkantigen, mal honigsüßen Leadgitarrenspiel und Glenn Kotche mit hochintelligentem Drumming) nichts ins zweite Glied hinter Tweedy abfallen, sondern das Sextett als völlige Einheit funktioniert: Wilco (the band)!

(Glitterhouse)

Jeff Tweedy’s career thrives on twists. He changes up like a major-league pitcher, sometimes slow (there wasn’t too much aesthetic space between the end of Uncle Tupelo and the beginning of Wilco), sometimes faster (the transition from “Being There” to “Yankee Hotel Foxtrot” was quite a leap).

“Wilco (the Album)” (which opens with “Wilco (the Song)”) is the former and probably the better for it.

The past few Wilco albums have had the smell of Big Statement about them. This has been an issue for the band since NPR fans turned “Yankee Hotel Foxtrot” into “Sgt. Pepper” for people who remember where they were when the second plane hit the World Trade Center. “A Ghost is Born” got artier and oddly heavier, that live album just smoked and “Sky Blue Sky” had folks looking up Steely Dan clips on YouTube. The title of this new one is fitting: It’s the first Wilco record in a long time that sounds exactly like a Wilco album.

Opener “Wilco (the Song)” rewrites the riff from the Velvet Underground’s “I’m Waiting For the Man” and assures you that Wilco will love you (don’t think we don’t appreciate it champ).

“Deeper Down” feels like creepy ’60s L.A. kitchen-sink pop — you keep expecting Dennis Hopper to wander past with a 17-year-old gal in tow. “You and I,” a nuanced duet between Tweedy and Canadian singer/Sesame Street guest Feist, shimmers and “You Never Know” splits the difference between country-rock and Cheap Trick.

The secret weapon, of course, is still guitarist Nels Cline, who can move from crafty interplay to noise rock heckler-spray in the same song (“Bull Black Noir”) and figure out a way to rectify the Stones idea of country with the Kinks’ in “Sunny Feeling.”

Dear Wilco fans, they still love you.

www.austin360.com

Das zweite Werk des gemischten US-Trios, unbeschwertes Folk-nahes Liedgut, dargereicht mit liebenswerter Lo-Fi-Schröddel-Charmanz, Neil Young-Country-Folk-Ruhe, Sufjan Stevens-Pop-Phantasie, mitreissender Pub-Rock-Eingängigkeit und einem Sackvoll wunderbarer Melodien. Mit der geschlagenen Akustik-Gitarre als prägendem Begleitinstrument, bereichert um handgemachtes Schlagwerk, Mandoline, Kontrabass, mit Glanzlichtern auf Xylophon, Orgel, dezent verstimmtem Klavier, Wurlitzer, Akkordeon, Zither und Geige versehen, stehen bei den 10 Bowerbirds-Sogs ganz die Melodie und der (gern auch mehrstimmige) Gesang von Phil Moore und Beth Tacular im Mittelpunkt, und strahlen in einer schlichten Klarheit, die verblüfft und beeindruckt. Hier wird die wahre Kunst des Einfachen gepflegt und – Dank Substanz und Tiefgang – auf charmanteste Art dargereicht. Alternativer-Folk in Banhart-Nähe, mit einer Prise Iron & Wine einem breit lächelnden Will Oldham gewidmet. Handgemacht, holprig, hymnisch & himmlisch. (cpa)

09er des US-Acts. Werden verglichen mit Devendra Banhart (manchmal, entfernt), Bonnie Prince Billy, Arcade Fire, Iron & Wine (alle: No!). Leicht und angenehm gegen den Strich gebürsteter Songwriter/Folk-Pop (oder –Rock) mit Tiefe, folkige Balladen, aber auf charakteristische, eigene Art, genau wie die beweglichen attraktiven Melodien (gerne in langen Bögen), die fast den Begriff Strange Folk evozieren. M/w-Leadgesang in Harmony, aber auch als Duett, solo oder Harmony-Backing. Großteils ruhige Stücke, ausgesprochen kräftige Akustikgitarre, sparsame akzentuierende Drums, ergänzt von Piano, Akkordeon, Orgel, Zither oder Streichern. Die 2 leisesten Songs (einer fast in Zeitlupe) sind die Highlights! (dvd)

(Glitterhouse)

Upper Air, the Bowerbirds' second release, finds the band continuing in the vein of their first effort; this is rustic, cerebral, ramshackle music. You could call it beard rock — it's the kind of backwoods, wild-poet-of-the-mountain sound that nods to Bon Iver, Bonnie "Prince" Billy, and Iron & Wine. What makes the Bowerbirds just a touch different lies in how manipulative their songs can be, which is just to say that there are times when Upper Air is exhilarating. "House of Diamonds," what with its stormy percussion and piano chords, and its blocky guitar riffs (so carefully amplified, it almost sounds like frontman Phil Moore is punching the strings), is, in its twine-rough, woodsy way, simply electrifying. Moments like this make it clear that the Bowerbirds are able to capture that certain, heart-snagging something — it's the kind of thing that brings to mind Arcade Fire's best moments. The Bowerbirds really are at their best when they call up this quietly fiery side of their sound. "Ghost Life"'s wordless chorus (a series of triumphant oh's) shouldn't be as convincingly uplifting as it is — but it is, and it's a testament to the Bowerbirds' creative chemistry and pop sensibilities. Upper Air only runs into trouble when the Bowerbirds get a little too introspective; some of the slow, meandering tracks here tend to get muddily dirge-like ("Chimes"). But this is a small issue in the wake of all the twisting, strange-hearted stuff this disc has to offer. Those who weren't so sure about the Bowerbirds before might change their tune with this release — Upper Air is a luminous, wild-eyed affair, and a solid second album to boot.

(by >Margaret Reges, All Music Guide)

Und wieder verändert, weiterentwickelt. “Das bislang eingängigste Album” meist das Firmeninfo. Stimmt. Und mit Abstand homogenste, ihr melodischstes, modernstes; aber auch weniger eigenständige Charakteristik, 70s-, Rock-Anteil und Kanten. Stark ist der Souleinfluß, jedoch in Pop gebadet, nie pur (so klingt´s 1x wie Curtis Mayfield in Pop transformiert) – in Form von ansteckend-melodiösem zeitgenössischem Groove-Pop (/Rock), gerne süffig, vollmundig, bunt instrumentiert, incl. dezent schwelgender Streichersounds, Electronics, Loops, Harmonies. Manchmal fast fiebrig, 2,3x (halb-)balladesk. Markanter attraktiver hoher Gesang. Immer noch originell und gut!

(Glitterhouse)

Die markante Stimme wickelt den Hörer sofort ein und beamt ihn zurück in die Zeiten des überragenden Son Volt Debüts Trace von 1995. Und wenn auch American Central Dust nicht ganz diese Klasse erreicht, so ist es doch eine überzeugende Rückmeldung, die hinten raus sogar noch richtig stark wird.

(Glitterhouse)

After spearheading the alternative country movement with his band Uncle Tupelo, Jay Farrar pursued his vision with Son Volt, who recorded three landmark albums in the '90s before the groundbreaking artist put the band on extended hiatus and cut three solo records. Now back with his third Son Volt album of the decade, Jay Farrar has delivered what may be his finest work yet, American Central Dust. The new album exhilaratingly carries on the tradition of the Byrds, the Flying Burrito Brothers, Little Feat circa Sailin' Shoes, the Rolling Stones of Exile on Main Street and early R.E.M., with standouts like the exceptional "Down to the Wire," "Dynamite" and "No Turning Back." An epic lament for the heartland, American Central Dust is populated with readily recognizable characters, the most hopeful of them searching for love against a backdrop of rusted road signs and abandoned factories. Rarely does a musical work so powerfully capture the zeitgeist of its historical moment while also honoring the traditions of rock & roll with such rawboned grace

Jay Farrar resurrected Son Volt in 2005 after his solo career seemingly ran out of gas, and the two albums that followed — Okemah and the Melody of Riot and The Search — were the best and most compelling music he'd made since Son Volt's masterful debut Trace in 1995. However, the new albums didn't connect with an especially large audience, and the band was dropped by Sony/BMG; 2009's American Central Dust, the third set from Son Volt 2.0, has been released by the venerable independent roots music label Rounder Records, and while there's little telling if it was dictated by finance or esthetics, the album sounds austere in a way its immediate predecessors did not. Okemah and The Search found Farrar and his new bandmates edging into new musical territory while embracing a bigger studio sound; by comparison, American Central Dust feels more organic and intimate, recalling the simplicity of Trace without delivering the bracing rock & roll of songs like "Drown" or "Route." However, if American Central Dust takes a few steps back in terms of energy and impact, Farrar still sounds thoroughly engaged as both a songwriter and performer, and his band — Chris Masterson on guitars, Mark Spencer on keyboards and steel guitars, Andrew DuPlantis on bass, and Dave Bryson on drums — is tight and sympathetic, finding just the right angle to approach this material. And from the fiery love of "Dynamite," the environmental and economic commentary of "When the Wheels Don't Move," and "Down to the Wire," the tribute to the joys of a good honky tonk in "Jukebox of Steel," and the glimpse into Keith Richards' psyche of "Cocaine and Ashes," Farrar has rarely spoken his mind so clearly in his songs as he does here, and if he still reaches for a spectral feel, his meanings are more clearly felt than ever. American Central Dust doesn't have the feel of a step into new territory the way Son Volt's past two albums did, but it consolidates old strengths and confirms Jay Farrar is still an artist worth caring about to 20 years after Uncle Tupelo cut their first album.

(by Mark Deming, All Music Guide)

First listen: This record is a numbing bore. It wouldn’t be surprising that, after an industrial accident, a heavy machinery operator tested positive for traces of Son Volt in his system.

Second listen: The band, two of the five from Austin, is doing some interesting things with rhythms and textures, creating a subtly subversive backdrop/Crazy Horse lurching. Mark Spencer’s pedal steel guitar makes “Dust of Daylight” and “Pushed Too Far” truly special.

But this record could do without “Sultana,” the sort of heavy-handed tale of maritime disaster that led to the formation of Wilco.

Third listen: Jay Farrar’s voice is mesmerizing in its consistency and commitment. There’s not a note out of place and such songs as “When the Wheels Don’t Move,” about the folks hurt most in a failing auto industry, and the LP-ending “Jukebox of Steel,” sound born sturdy. It’s quite remarkable the way all the pieces come together like a potluck dinner among close friends.

Fourth listen: This could be the best Son Volt record since 1995’s “Trace,” lacking only a “Tear-Stained Eye” to bring in the fence-sitters. “American Central Dust” is about 44 minutes from beginning to end, not the 3:45 that might get them next to Patty (Griffin) on the playlist. There’s not a producer credited, as the CD sounds like musicians left alone with the sounds in their heads and the talent to translate. It’s a mood piece that makes the silence after “Jukebox of Steel” almost jarring.

Someone should do a study on why it is that so many of the albums we love are initially met with disappointment. Raise your hand if you hated “Exile On Main Street” at first. Although “A.C.D.” is not going to be a classic, it’s one of those records that challenge, then reward, those who stick it out.

www.austin360.com

Zweiter Teil der musikalischen Zeitreise des kongenialen Paares Sweet/Hoffs, das – sich auch stimmlich perfekt ergänzend – den nostalgischen Blick zurück in die 60er und 70er wirft, um 16 wohlbekannte Ohrwürmer frisch und glänzend aufpoliert darzureichen. Häufig hautnah am Original, aber immer mit ganz eigener Note (vor allem, wenn die wundervolle Susanna ehedem Männer-Besungenes neu erfahren lässt), instrumental vor allem von allerlei Gitarren-Klangfarben geprägt, wird hier Bekanntes von u.a. Grateful Dead, Mott The Hoople, Carly Simon, Tom Petty, Yes, Todd Rundgren, Little Feat, Big Star, John Lennon, George Harrison, Bread und Rod Stewart mit Liebe dargereicht. Dabei gabs auch Schützenhilfe von Song-Paten wie Lindsey Buckingham (bei Second Hand News), Dhani Harrison (Beware of Darkness) und Steve Howe (beim über 7-minütigen I’ve Seen All Good People, meinem von Susanna gesungenen speziellen Liebling dieser wohl ausgewählten Klassiker-Kollektion). Desweiteren mit u.a. Sugar Magnolia, Go All The Way, Bell Bottom Blues, All The Young Dudes, You’re So Vain, Willin’, Back Of A Car, Gimme Some Truth, Maggie May und Everything I Own.

(Glitterhouse)

The relentless re-embrace of acoustic campfire ponderings and singalongs may seem a bit strange in the 21st century, but as far as everything progresses, there will always be a harkening back to some form of a mythic lost paradise of the form. That said, Megafaun are just as taken by quietly tortured dark-night-of-the-soul whisperings, lo-fi oddities, and shards of feedback shade as they are of banjos and summertime evenings, giving Gather, Form and Fly a bit of an unsettled edge at various points. Songs like "Kaufman's Ballad" and the slightly goony swirl of "Impressions of the Past," shifting from marches to piano breaks and more, make for more fun than the straightforward if attractive enough compositions like "Worried Mind" and "Solid Ground." At their strongest, as on the brawling, complex "The Process," the trio verges towards the explosive thrill of an act like Akron/Family if not reaching that act's effortless genre recombination.

(by Ned Raggett, All Music Guide)

Drei sehr bärtige Typen aus North Carolina mit einem kühnen Hybrid aus Trad-Folk, einem The Band-Update und Avantgardistischem. Geht ihnen recht locker von der Hand. Dominierendes Instrument ist das Banjo, dazu kommen Fiddle, Akkordeon, Harmonica, Dobro und einige Frauenstimmen für den Harmony-Gesang. Erster Gedanke beim Hören dieses zweiten Megafaun-Longplayers: toller Satzgesang a la Fleet Foxes. Dann aber auch wieder ein zeitlupenhaftes Forschen in US-Roots Music im Stil von Souled American. Früher spielte man zusammen mit Bon Iver, heute entwirft man einen ganz neuen Stil, der Pop und History verbindet, Harmonie und Experiment, Rekonstruktion und Dekonstruktion. Appalachian Gothic. Im Song “Kaufman’s Ballad“ geht es um den Mann, der die Leiche von Gram Parsons stahl und in der Wüste verbrannte. „Solid Ground“ ist ein fetter, schleppender, sumpfiger Blues, der auch Michael Sheehy gut zu Gesicht stehen würde. Gemixt wurden die ebenso erstaunlichen wie beeindruckenden Songs von Chris Stamey.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

24-Track-Studio-Album und Benefiz-Arbeit des Finn-Familien-&-Freunde-Projektes, wieder mit allerhand sympathischer Prominenz realisiert. Gepflegter Roots-Pop zwischen Crowded House und Beatles, gewürzt mit einer ordentlichen Portion Roots & Americana, dargebracht in 24 neuen und bewährten, von den verschiedenen Beteiligten beigetragenen Songs, zur Unterstützung des Oxfam-Projektes. Neben Neil, Tim, Liam, Sharon und Elroy Finn zählten unter anderem Jeff Tweedy, Glenn Kotche, Pat Sansone, KT Tunstall, Bic Runga, Phil Selway, Lisa Germano, Nels Cline und Johnny Marr zur 7 Worlds Collide-Gruppe, die in kleinen und großen, stets wechselnden, aber immer hochkarätig besetzten Zusammenstellungen aufs Herrlichste zu musizieren weiss.

(Glitterhouse)

"The unreleased recording was captured by folk impresario Izzy Young at his famed Folklore Center located at 321 Sixth Avenue in New York City, which served as a nexus for up-and-coming singer-songwriters during the folk boom of the late '60s. The entire night's concert, performed in front of about 35 people, is presented in its original running order of 16 songs, six of which are Tim Buckley compositions that have never appeared on any studio or live album. The CD package includes an unpublished interview with Buckley conducted by Izzy Young on March 17 & 18, 1967, along with new notes from Young. The album was produced for release by Tompkins Square label's Josh Rosenthal in cooperation with Buckley's Estate, and mastered from the original tapes by Grammy-winning engineers Steve Rosenthal, Warren Russell-Smith and Jamie Howarth."

(www.allaboutjazz.com)

Unveröffentl. Liveaufnahmen März 67 (die frühesten bekannten!), solo kurz nach der Debut-LP, aber nur 3 Stücke davon, + 4 von der 2. LP, 1 non-LP-Single, die Klassiker Dolphins (von Fred Neil, einziges Cover hier) und Troubador, die er später live oft spielte, und 6 völlig unbekannte Songs! Der Gesang ist schon hier einfach wundervoll, so unglaublich ausdrucksstark, so intensiv, teilweise gedehnt, langanhaltende Töne, oft auch in hohen Lagen – absolut sicher, souverän, strahlend. Ausgezeichnet auch das Gitarrenspiel, analog zur Charakteristik der Songs: Rhythmisch betont/variabel und ziemlich perkussiv in zugleich extrovertierten z.T. schnellen Tracks, 1x regelrecht rasant wirbelnd; ein Mix aus gezupft und perkussiv (ruhiger); ein Mix aus Fingerpicking/durchgeschlagen (flott); filigran, kunstvoll gezupft (aber nicht langsam oder introspektiv); oder eher unauffällig begleitend in sanftem, sachtem bzw. kontemplativem Setting. Highlights: Phantasmagoria.., Aren´t You The Girl, Troubador, Dolphins, I Never Asked To Be Your Mountain. Schon in dieser Phase: So viel mehr als Singer-Songwriter-Folk. Von den Mastertapes, mono. Super, ein Monatsfavorit!

(Glitterhouse)

Das neue Motorpsycho-Album. Und doch nicht. Und wieder doch. Um ihren Spaß am Power-Trio-Groove zu beweisen, nahmen Motorpsycho 2008 mit Steve Albini in den Electrical Audio Studios in Chicago vier Tage lang Material auf, bereits durchkomponierte Stücke, Improvisationen, lose Musik-Gedanken. Die so entstandenen Schlagwerk-, Bass- und Gitarren-Spuren wurden ein Jahr später in Norwegen noch einmal überarbeitet und unter anderem Gesang hinzugefügt. Sechs der Child Of The Future-Stücke entstanden auf diesem Weg, der siebte wurde in Bents Heimstudio aufgenommen. Und weil es immer noch nicht das reguläre neue Motorpsycho-Album war, aber auch noch der 20. Band-Geburtstag vor der Tür steht, beschloß man, das neue Material als Vinyl-Only-Album zu veröffentlichen. Als solches kommt es auch recht feierlich daher: 180 Gramm schweres weißes Vinyl, Die-cut-Front-Cover, 2-seitiges Poster als Beilage. Es wird keine CD-Fassung des Albums geben.

(Glitterhouse)

Direkt vom ersten Song an, nimmt einen das Album von Ramona Falls gefangen. Statt Frauenstimme singt einem Brent Knopf süße Melodien ins Ohr. Brent Knopf ist ein drittel des musikalischen Kreativszentrum Menomena aus Portland. Für sein erstes Solo Album hat er sich Unterstützung von vielen befreundeten Musikern geholt und eine Community um sich gescharrt, die u.a. aus The Helio Sequence, Mirah, Loch Lomond, 31 Knots, Talkdemonic, Nice Nice, Dear Reader und Matt Sheehy besteht. Während sich das Video zur Radio Single ("I Say Fever") noch im Dreh befindet, ist der Single Edit schon an das Radio in Deutschland verschickt und wird dieser Tage sicherlich eine Menge Redakteure und Musikjournalisten bei den Sendern begeistern. Das Album gibt es als CD Jewelcase und als superschickes LP Gatefold mit Download Coupon. Die Musik kommt wunderschön akkustisch-elektronisch gemischt daher und verzaubert einen von Anfang bis Ende. Schaut man sich dazu dann noch das Artwork des Albums an, verliert man sich in den phantasievollen Bildern des Künstlers Theo Ellsworth.

Schöner kann Musik nicht sein!

Guru Guru meets Acid Mothers Temple: ein psychedelisches Gipfeltreffen.

Acidmothersguruguru ist das Projekt zweier Legenden der psychedelischen Musik: Mani Neumeier und Kawabata Makoto. Mani Neumeier ist Mitgründer von Guru Guru, der legendären Krautrockband. Für Neumeier war Improvisation immer das A und O seiner Musik. Kein Wunder, dass er sich mit einer anderen Legende zusammengetan hat: Kawabata Makoto ist Gitarrist und Mastermind der japanischen Psych-Monsterband Acid Mothers Temple (1995 gegründet und seitdem um die 50 Alben veröffentlicht). Acidmothersguruguru entstand nach einer spontanen Session mit dem AMT-Bassisten Atsushi Tsuyama, die im März 2006 in Japan stattfand. Die Aufnahmen auf "Underdogg Express" stammen aus dem Jahr 2008 und wurden live in Japan aufgenommen. Das Ergebnis des Meetings zwischen dem "Elektrolurch" Neumeier und King Kawabata ist wiederum Power-Psychedelic erster Klasse. Die beiden spielen eine Musik, von der Guru-Guru-Fans bislang nur träumen konnten und die AMT-Fans in ihrer Wucht überraschen dürfte. Auf der Vinylausgabe findet sich zusätzlich eine Neubearbeitung von Guru Gurus "Bo Diddley".

Auf seinem neuesten Album widmet sich Chris Cacavas wieder verstärkt den Gitarren - akustischen und elektrischen! Im Einklang mit diversen, mehr im Rückraum verwendeten Tasteninstrumenten und seiner nur aufs erste Hören sanft klagenden, dabei nachhaltig und eindringlich wirkenden Stimme, die mitunter sehr an den frühen Neil Young erinnert, entwickelt er über 12 Songs in gut 50 Minuten eine auf Dauer hypnotisch wirkende Atmosphäre, in der sich melancholische Schwermut, psychedelisch-poppige Arrangements, die Molltonarten bevorzugendes Songwriting und eine kerngesunde Indie Rock-Attitüde treffen und zum großen Ganzen verschmelzen. Stilistische Brüche, unvermutete Tempowechsel oder Stimmungsschwankungen werden tunlichst vermieden, sodass sich dem geneigten Hörer die Chance bietet, völlig in die wunderbar dahinfließende Musik, in den Chris Cacavas-Kosmos einzutauchen.

(Glitterhouse)

Zwei Jahre nach dem brillanten Vorgänger “North Star Deserter“ und direkt nach seinem Soundtrack zu „Mitte Ende August“ meldet sich einer der eigenwilligsten US-Singer/Songwriter mit einem weiteren großen Wurf zurück. Und weil das zuletzt so gut funktioniert hat, nahm er auch das neue (vierzehnte) Werk in Montreal mit einer illustren Schar hochkarätiger Mitstreiter von Silver Mt. Zion, Godspeed You! Black Emperor und Fugazi auf. Immer wieder liest man zu Chesnutts Musik die Worte „erhaben“ und „ergreifend“ – und zwar völlig zurecht. Auch diesmal gelingen ihm extrem intensive Songs zwischen spartanischer Kargheit (was die zerbrechliche Seite seiner Stimme hervortreten lässt) und fast schon epischer Wucht (dank der neuen Mitspieler, die das wirklich hervorragend können). Den melancholischen bis traurigen Puristen Chesnutt kennen wir ja schon seit Jahren, umwerfend neu sind aber wieder die dramatischen Breitwandinszenierungen auf „At The Cut“. Besonders den ebenso dunklen wie massiven Opener „Coward“ muss man da loben, für den Nick Cave wahrscheinlich seine Seele verkaufen würde. Noch besser ist „Chinaberry Tree“ – eine kraftvolle Elegie mit kaputter Bluesgitarre, Streichern und Vics Stimme, wie man sie so kraftvoll vielleicht noch nie gehört hat. Was soll ich sagen: „At The Cut“ ist selbstredend erhaben und ergreifend – der Mann wird immer besser.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

At the Cut reunites Vic Chesnutt with several of the collaborators who helped make his extraordinary 2007 album, North Star Deserter, and while you can't force lightning to strike twice in the same place, Chesnutt and this group of gifted musicians have managed to create something similarly powerful and affecting that also has a personality of its own. With Howard Bilerman behind the recording console, Guy Picciotto helping with the production and arrangements, and members of Silver Mt. Zion Orchestra accompanying Chesnutt, this follows a similar template to North Star Deserter, but At the Cut manages to sound more approachable and direct while still conjuring up striking and atmospheric clouds of sound that reinforce Chesnutt's melodies while broadening their horizons into something grand, beautiful, and challenging. Chesnutt doesn't need to bend his songs to the needs of his accompanists, and while a look at the lyric sheet reveals the same sort of skewed Southern gothic archetypes that have always dominated his compositions, these musicians bring out a side in the music that doesn't always rise to the surface in other hands, and the slow, contemplative shuffle of "We Hovered with Short Wings," the muscular dread of "Chinaberry Tree," and the sweet, twangy drift of "Concord County Jubilee" give his images just the backdrops they need. And lest anyone think the musicians are taking Chesnutt's music in a direction he wouldn't consider going himself, the closing number, "Granny," is as powerful and dramatic as anything that came before it, and it creates a large and vivid world with just Chesnutt's voice an acoustic guitar. At the Cut isn't as great a surprise as North Star Deserter, but if you thought the brilliance of that album was a happy accident, this confirms these musicians complement each other very well and hopefully will continue to do so for a long time to come.

(by Mark Deming, All Music Guide)

At The Cut" schließt dort an, wo das Vorgänger-Album des Ausnahmekünstlers Vic Chesnutt aufhörte. Und schon der erste Song "I'm A Coward" kann als absolutes Highlight seiner Karriere bezeichnet werden. Erstmals für den Soundtrack des Jem-Cohen-Movies "Empires Of Tin" performt, findet sich der emotionale Ausbruch hier in einer neuen Version, nochmals eingespielt für "At The Cut". Im weiteren Verlauf hält das abermals mit Mitgliedern von A Silver Mount Zion eingespielte Album ein schier unglaubliches Niveau von Emotionalität und stellt in seiner Intensität den Vorgänger "North Star Deserter" noch in den Schatten. In einem Wechselbad der Gefühle, dass sich sowohl lyrisch als auch musikalisch materialisiert pendelt Chesnutt zwischen Optimismus und Melancholie zwischen Erkenntnis der Sterblichkeit und überschäumender Hoffnung, zwischen Courage und Verweigurng. Natürlich kauft man ihm das alles ab - der Mann weiß schließlich wovon er singt und aus jedem Ton dieses Albums sprüht die Ehrlichkeit leuchtende Funken. Soviel Direktheit kann einen schon mal zu Tränen rühren und bringt einen zu der Erkenntnis: das ist sein bisher bestes Werk. Ohne Zweifel. "'North star deserter' war schon ein klasse Album und 'At the cut' steht diesem keineswegs nach. Im Gegenteil, in Nuancen klingt es sogar noch ein klitzekleines bisschen großartiger und eindringlicher. Ein äußerst persönliches Glanzstück!

musikansich.de

Bei dem Versuch, die Kunst von Element of Crime in Worte zu fassen, muss man bald einsehen, dass die eigene Sprachgewalt sich neben der von Sven Regner ungefähr ausnimmt, wie zwischen Legastheniker und Purlitzerpreisträger. Einziger Trost: Sprachlosigkeit ist keine Schande in Momenten großer Begeisterung, so wie beim Hören des neuen Albums Immer da wo du bist bin ich nie. Da klingen harte Fakten plötzlich wie dürre Worte: 13 Alben in fast 22 Jahren, -schön und gut- doch was drückt das tatsächlich über die Qualitäten einer Band aus? Sicherlich eine ganze Menge, jedoch so gut wie nichts, in Anbetracht der Fülle an wunderbaren Songs und Texten, die sie im Laufe der Zeit geschaffen hat. Eigentlich müsste die Band Element of “Time“ anstatt “Crime“ heißen, denn sie nimmt sich, wenn nötig, vier Jahre Zeit, um ein neues Album herauszubringen, wie seit Erscheinen ihrer letzten CD Mittelpunkt der Welt. Weiteres Charakteristikum: Die Mitglieder verfransen sich nicht auf der Suche nach musikalischen Innovationen von Beats und Bytes, sondern hören lieber in sich hinein. Immer da wo du bist bin ich nie ist wieder ein typisches Element of Crime Album geworden, dessen 11 Songs man begeistert begrüßen darf, so wie einst ungeduldig wartende Leser jeden neuen Roman von Georges Simenon. Hier wie dort dreht sich alles um die Betrachtung der kleinen Dinge im Alltag, die umso größer werden, je näher man an sie herangeht. Die parabelförmige Flugbahn eines Kinderschuhs auf einem Spielplatz gerät Sven Regner mühelos als brillanter Einstieg zu einer ebenso originellen wie schönen Liebeserklärung (“Am Ende denke ich immer nur an Dich“), -und das ist nur eines von ganz vielen Beispielen auf diesem Album! Auch in musikalischer Hinsicht ist alles in Butter, aufgrund der bewährten Mischung aus Balladen (“Bitte bleib bei mir“) und rockig angehauchten Songs (“Euro und Markstück“). Arrangements mit Stilmitteln aus Country und Straßenfolk haben der Band Vergleiche mit Dylan, Diddley & Co. eingetragen. Das mag stimmen, aber eigentlich bleiben sie schlicht und einfach Element of Crime, und damit immer nur sich selbst treu. - Andreas Schultz

(Amazon.de-Redaktion)

Zuletzt hatten Element Of Crime ja so was wie einen Hit. "Delmenhorst" landete vor vier Jahren als erste Single des Berliner Quartetts in den Charts, auch die zugehörige CD "Mittelpunkt der Welt" sorgte für so viel Rücklagen, dass die Band eine Kreativpause einlegen und Sänger Sven Regener seine "Herr Lehmann"-Romantrilogie vollenden konnte. Radikal weiterentwickelt haben sie sich in diesen vier Jahren allerdings nicht. Ohnehin waren Element Of Crime immer schon Strukturkonservative, deren extremster Formbruch darin bestand, um 1990 ihre englischen gegen deutsche Texte einzutauschen. Seither spielen sie mal ein verschattetes Seemannslied ("Euro und Markstück"), mal holprigen Country ("Kopf aus dem Fenster") und immer wieder chansoninfizierte Schlager ("Einer kommt weiter"). Die Unterschiede zwischen den Element-Of-Crime-CDs lassen sich eher an den Arrangements festmachen als am Songwriting, und in Bezug auf die Arrangements erinnert sich die Band 2009 anscheinend an ihre Punkwurzeln: Regener singt, als ob er sich die letzten Jahre nur von Zigaretten und schlechtem Whiskey ernährt hätte, und Jakob Iljas Slidegitarre klingt mehr als einmal hübsch neben der Spur. Außerdem greift Regener überraschend selten zur Trompete, dafür gibt es Mundharmonikas, Streicher, einen extrem schrägen Kinderchor ("Der weiße Hai") und zum ersten Mal einen textlichen Totalausfall ("Bitte bleib bei mir") - den man dieser Band aber verzeiht, weil "Immer da wo du bist ..." ansonsten einfach mehr vom Gleichen ist, und das Gleiche heißt hier: das Gute. (fis)

(kulturnews.de)

2009er Seelen-Offenbarung dieser Ausnahmeerscheinung unter den Singer-Songwriterinnen, kunstvoll verwobenes Traumobjekt mit nur ganz wenig Bodenhaftung, dafür mit umso mehr Schwebelementen. In kargen, gern verträumt-versponnen daherflirrenden Arrangements werden Piano, akustische Gitarre, Streichinstrumente, farbig schillernde Perkussions-Splitter und kaum greifbare elektronische Klangspielereien zu einer überirdischen Musik-Melange vereint, die barocke Harmonien und exotische Einflüsse mit alternativen Folk-, Blues- und Country-Elementen zu etwas völlig Einzigartigem verbindet. Dazu singt Lisa mal verführerisch-schmeichlerisch, mal kindlich-naiv, mal hauchzart-hautnah verletzlich, verwandelt Lieder in durch nichts geschützte Seelen-Ausflüge, die ganz und gar in ihre eigene Welt entführen. Unvergleichlich gefühlstief, schmerzlich spürbar und spinnwebenhaft schön.

(Glitterhouse)

2. Album der wunderbaren/wundersamen Alt.Folk Chanteuse aus Portland, Oregon, die vor drei Jahren mit ihrem exzellenten Debütalbum 'If You Come To Greet Me' aufhorchen ließ. Das Zweitwerk kommt praktisch im ähnlichen Langsamstil mit verhuschten, introvertierten, fast klagenden und traurigen Liedern, die bezeichnenderweise in zwei Blöcke unterteilt sind: "Communion Songs" und "Funeral Songs"... Mit betörend-sprödem Sprechgesang und bisweilen arg entrückter Stimme schafft es Laura Gibson, den solcher Musik zugewandten Hörer völlig zu vereinnahmen. Man taucht förmlich weg in eine andere Welt (wirkt unglaublich intensiv mit Kopfhörern und geschlossenen Augen - wie Hypnose!). Perfekt passt dazu ihre wie eine Harfe getupfte Nylonsaiten-Gitarre und die superatmosphärischen Arrangements in einer typischen Tucker Martine-Produktion (Jesse Sykes, Laura Veirs, TM6, Decemberists). Gibson spielt diesmal zusätzlich elektrische Gitarre, Banjo und etwas Percussion; eine längere Liste von bekannten Szene-Studiomusikern (von Norfolk & Western, Decemberists, Richmond Fontaine) und eine nach großem Aufwand klingende Instrumentierung (Bläser, Streicher, Pedal Steel, Keyboards, Chor, Musical Saw, elektrische Gitarren, Riemenorgel usw.) führen eigentlich in die Irre: Dies ist eine sehr, sehr ruhige, sehr, sehr schöne Musik!!

(Glitterhouse)

There are a lot of superficial similarities between Laura Gibson and Laura Veirs — besides sharing a given name, the pair are both artful and poetic singer/songwriters rooted in the Portland, OR, scene, both released albums in 2009 that were overseen by producer/drummer Tucker Martine, and both are NPR darlings. That's pretty much where the comparisons end, though. While Veirs' contemporaneous recording, July Flame, is a scaled-down acoustic-based affair, Beasts of Seasons is the sonic equivalent of tumbleweeds blowing through a ghost town — or more accurately, across a cemetery; these meditations on mortality were actually written by Gibson in a room that overlooked a graveyard. Between its spare production approach, Gibson's agreeably dusty delivery, and the gloomy subject matter, Beasts of Seasons makes even the relatively low-key July Flame seem like a nonstop dance party. Gibson leaves no uncertainties hovering in the air about her thematic intentions here, crooning "If these bare walls could sing, they would sing us a funeral song" on the appropriately titled "Funeral Song," and filling many of the tunes with sharply observed, creatively deployed observations about humanity's losing battle against eternity. She brings just as much concision and power to the songs by way of her singing; Gibson's voice is a warm, husky burr, as she picks up each word and positions it just right before popping it out in a puff of sweet smoke. The way she sings "heavy in my chest" on "Sleeper," for instance, could serve as a model for the hidden punctuation vital to poetic phrasing. At one point, the sessions for Beasts of Seasons were apparently interrupted by a street parade outside, which Martine captured and dropped into a couple of carefully chosen spots, like the end of "Sweet Deception," where the words "learn to be alone" fade into the sounds of a frolicking group of party-goers, bringing to mind a New Orleans funeral procession that mixes sadness and celebration in equal amounts.

(by J. Allen, All Music Guide)

Nach zwei post-CSN Soloalben formierte Stephen Stills im Jahre 1971 die Band Manassas, eine Art L.A. Supergroup mit ex-Byrds und Burrito Brother Chris Hillman, Steeler Al Perkins, Joe Lala (Blues Image), Session-Mann Paul Harris und der CSN-Rhythmusgruppe um Dallas Taylor und Calvin Samuels. Das 1972 erschienene Doppelalbum mit den vier thematisch gegliederten Plattenseiten war damals nie weit von meinem Plattenteller, dagegen fiel das 73er Zweitwerk Down The Road mit einer Spielzeit von unter 30 Minuten nicht nur wegen der Kürze ab. Danach war Schluß mit Manassas, aber Rhino hat jetzt so viel Archivmaterial gefunden, um diese feine 15 Song-Kollektion zu veröffentlichen.

Mit Word Game und Sugar Babe finden sich hier zwei Songs von Stephen Stills 2 in brandheissen Manassas-Einspielungen, Like A Fox glänzt mit Backingvocals von Bonnie Raitt, unveröffentlichte Cuts wie Witching Hour und Love And Satisfy (Chris Hillman Tune) gehören zum Besten, was die Band je aufgenommen hat und man fragt sich, warum die Tracks nicht zumindest auf Down The Road erschienen sind. Von diesem Album gibt es hier (bessere) Alternativversionen von Do You Remember The Americans und Lies (mit Joe Walsh). Dazu unternimmt das Kollektiv, ein wenig an das stilistisch ausufernde Debüt erinnernd, Americana-Ausflüge in Richtung Bluegrass, Country und Latin mit Fremdsongs wie Panhandle Rag (Leon McAuliffe), Dim Lights Thick Smoke (Joe Maphis), Uncle Pen (Bill Monroe) und die Rhumba Sola Y Triste.

(Glitterhouse)

Schon sein zweiter Longplayer in diesem Jahr und wieder ist Jeb Loy Nichols einen Schritt weiter. Wir lieben ihn noch immer für seine Country-Reggae-Pioniertaten mit den Fellow Travellers – vor allem auch als Compiler der grandiosen Southern Soul-Sampler „Country Got Soul“ und bewundern heute seine Hinwendung zum Soul. Denn mittlerweile verbindet der nach Wales emigrierte Amerikaner altmodisches Singer/Songwritertum mit verschiedenen Schattierungen schwarzer Soul Music – auf diesem neuen Werk sogar mit Souljazz, dass einem beim ersten Hören vor allem ein Name in den Sinn kommt: Terry Callier. Schon erstaunlich, wie nahe ihm Nichols hier kommt: schon gesanglich, denn beide haben diesen weichen, warmen Karamellton auf den Stimmbändern, aber auch stilistisch mit akustischen Instrumentierungen plus Streichern, Sax und Trompete, alles weich und sanft fließend. Und eine Spur jazziger als zuletzt, denn „Strange Faith And Practice“ entstand zusammen mit Leuten aus dem Tru Thoughts-Umfeld, wobei wiederum Bassist Riaan Vosloo mit seinen edlen Arrangements besonders positiv auffällt. Erschienen auf Impossible Ark, dem Label von Benedic Lamdin (Nostalgia 77).

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Sieben Jahre nach ihrem letzten Studioalbum erscheint am 04.09.09 nun endlich das vielfach freudig erwartete Album „Let’s Change The World With Music“, der englischen Band PREFAB SPROUT. Gegründet 1977 in Newcastle, avancierten die Schotten um Sänger und Songwriter Paddy McAloon schon bald zum Geheimtipp, denn sie boten durch ihre intelligenten, kunstvollen und vor allem hochgelobten Texte ein Kontrastprogramm zu den glatt gestylten Bands der 80er Jahre. Von Kritikern und Fans gleichermaßen gefeiert, wurde PREFAB SPROUT in kurzer Zeit zu einer der beliebtesten englischen Bands. Die Mischung aus ästhetischen Popsongs und eleganten Balladen, findet sich auch auf dem mittlerweile neunten Studioalbum wieder. Stilsicher, ergreifend und zeitlos sind die 11 Songs, mit denen uns Paddy McAloon dabei versorgt, kombiniert mit der richtig dosierten Portion Entschleunigung, die den Albumtitel zum Programm werden läßt: „Let’s Change The World With Music“. Die Aufnahmen entstanden bereits 1992/93 und wurden jetzt liebevoll von Paddy McAloon überarbeitet.

(amazon)

Zaubrisches Zweitwerk, verführerische Sanft-Ton-Kunstwerk aus verwunschenen Feenwäldern, dargereicht von dem kongenialen Paar Hope Sandoval und Colm O’Ciosoig (My Bloody Valentine). Mit der ungemein sanft-zerbrechlich schwebenden Stimme der hauchzarten Heldin und akustischem Saitenklang im Mittelpunkt, hüllen die elf herbst-farbenen Song-Spinnnetze den Hörer von den ersten leisen Klängen an unwiderruflich ein. Unter Mitwirkung von u.a. Charles Cullen (Gitarren, Slide Guitar), Dave Brennan (Gitarre), Mick Whelan (Piano), Ji Young Moon (Cello) und Suki Ewers (Keyboards) und allerlei Instrumentalfeinwerk auf Glockenspiel, Vibraphon, Autoharp, Mundharmonika und Geige werden die akustischen Schwebstoffe in vielfach schillernde, stets filigrane, nie überladene Kunstwerke verwandelt, die bei aller instrumentaler Magie aber nie das unaufdringlich-unwiderstehliche Zentrum aus dem Fokus rücken wollen – diesen verträumt-umgarnenden Gesang von geradezu göttlicher Weichheit. Bei aller spürbar durchdachten Strukturen organisch fließend, Hirn und Herz gleichermassen umfangend.

(Glitterhouse)

Der Drummer der Fleet Foxes mit seinem 6. Solowerk und mit etwas mehr Verve als der Vorgänger.

(Glitterhouse)

Though the sound remains dreamy, it’s expansive; the melodic songs have a feeling of joy (Earthly Bodies). And his mournful solitariness is replaced by a clear, upfront vocal singing mystical lyrics. Exquisite.

(Mojo. ****)

1994 in Boston gegründet. Immer schon mehr Kollektiv als Band. Wechselnde Mitglieder. Über die Jahre wachsende Anzahl an Mitgliedern. „Wenn jemand behauptet, er ist Mitglied der Willard Grant Conpiracy, dann stimmt das“. Mittlerweile aus der kalifornischen Wüste operierend. Das Kollektiv verstreut auf sechs Länder.

Ein neues Album wurde verworfen, da meldete sich Tom Bridgewaters von Loose Records, dem englischen Label-Partner der WGC, mit einer Idee bei Fisher. Alte Songs im neuen Gewand. Minimalistisch instrumentiert, so wie Fisher sie auf seinen Duo-Shows (oder Trio, oder Quartett) spielt. No drums! Stripped to the bone. Eine neue Herausforderung für Fisher. Frühstmitglied David Curry war begeistert, Sean O’Brien (der erste Gitarrist der WGC) und Peter Weiss (Engineer und Produzent, u.a auf den WGC-Alben #2 bis #4) stießen ebenfalls hinzu. Im März 2009 sind sie in Peters Verdana Studios verabredet. Auch dabei: Steve Wynn, mit dem Fisher in den vergangenen Jahren immer mal wieder auf der Bühne zu sehen war.

Es ging schnell: An zwei Tagen wurden 18 Songs über ein 70er Jahre Neve Mischpult, das schon auf den von Weiss produzierten Alben der WGC zu Ehren kam, eingespielt. Draußen kämpfte der aufkommende Frühling mit dem Winter. Der Schnee wurde zu Wasser, das erste Frühlingslicht drang durch die dichten Wälder, die das Verdana Studio umgeben. Und in der alten Scheune trieben Unmengen an Kaffee, ausgewählte Zigarren und der exquisite Käse der Region die Session an. Die alten Freunde fühlten sich wohl. Wie man den Aufnahmen anhören kann.

Rau, intuitiv und minimalistisch ist das 9. Album von WGC und ein krasser Kontrast zum 2008 erschienenen orchestralen „The Pilgrim Road“. Dennoch zeigen beide Alben dieselbe Bereitschaft zum Experimentieren, seit „3am Sunday @ Fortunes Otto’s“ im Jahre 1996 eines der Markenzeichen der Band.

Paper Covers Stone (SchnickSchnackSchnuck) ist ein weiteres Kapitel in der Bandgeschichte. Vorangetrieben von einem steten Wechsel, zusammengehalten von losen Konstanten.

Das limitierte Doppel-Vinyl kommt mit Downloadcode und natürlich im Klappcover, gedruckt auf extradicker Pappe. Das Vinyl ist jeweils 180 Gramm schwer.

(Glitterhouse)

Love is a gift that is usually given with the utmost sincerity, but there's no way of telling how long it will last. It's not just the fickle nature of the human heart that guarantees this, but the simple cruelties of fate, which can take away the person who has given your life its greatest meaning without a moment's notice. While singer and songwriter Mark Mulcahy has shown he knows more than a little about the nature of love in the fine songs he's written as a solo artist, and with his bands Miracle Legion and Polaris, he learned an especially harsh lesson in September 2008 when Melissa Rich Mulcahy, his wife and the mother of his two daughters, died suddenly and unexpectedly. Beyond the human tragedy of Mulcahy and his children losing someone so important in their lives, there was the unfortunate reality that life as a single parent would make it a lot harder for Mulcahy to continue his career as a musician, songwriter, and composer of contemporary operas. So Ciao My Shining Star: The Songs of Mark Mulcahy is a very real act of love on behalf of a handful of friends and admirers of Mulcahy and his music; this album, created in tribute to Melissa, a woman who loved music and was fiercely supportive of her husband's career, features a number of Mark's most memorable tunes performed in a rich variety of styles. The presence of Thom Yorke (contributing a spare, electronic-based treatment of "All for the Best," a Miracle Legion number he's covered in concert with Radiohead) and Michael Stipe (performing "Everything's Coming Undone" with a band including Tom Gilroy and Hahn Rowe) will doubtless lure a great many listeners previously unfamiliar with Mulcahy's work, but everyone on this album turns in work ranging from quite good to excellent. And the musicians approach these songs in enough different ways to demonstrate the full spectrum of emotional colors in his songs, from Vic Chesnutt's spare solo turn on "Little Man" and the lightly sweet country-rock of Josh Rouse's "I Woke Up in the Mayflower" to the noisy, expressive eccentricity of Frank Black ("Bill Jocko") and Rocket from the Tombs ("In Pursuit of Your Happiness"), and the epic-scale guitar crunch of Dinosaur Jr.'s "The Backyard." For the stylistic variety of these interpretations, the consistent strength of Mulcahy's songs and the wise, compassionate tone of his lyrics give this collection a unified voice, and if it unwittingly raises the question of how someone as talented as Mulcahy could gain little more than a cult following with this level of talent, it also demonstrates that the belief these musicians (and the late Melissa Rich) placed in his work was in no way misplaced. Ciao My Shining Star: The Songs of Mark Mulcahy wasn't created to give some critical favorite a musical high five or raise money for a worthy charity — it's a concrete demonstration of caring and support for a fellow artist in a time of need that will also put some publishing royalties in his pocket to help care for his children. If that's not a show of love when and where it's needed, it's hard to say what else would qualify.

(by Mark Deming, All Music Guide)

In spite of her deeply troubled personal life, the late singer/songwriter Judee Sill fashioned some of the most imaginative, ambitious, and singularly moving recordings to come out of the Laurel Canyon scene of the 1970s. Her work enjoyed a dedicated, if relatively small, following (one that included the likes of XTC's Andy Partridge) up until the early 2000s, when her work was reissued on compact disc. Since then, interest in Sill's life and work has grown, and it seems like it was only a matter of time before a tribute album rolled around. Crayon Angel: A Tribute to the Music of Judee Sill, released on American Dust in 2009, is veritably star-studded, at least in indie rock terms, featuring veterans like Ron Sexsmith, Beth Orton, and the Trembling Blue Stars in addition to relative newcomers Frida Hyvönen, Final Fantasy, and Princeton. All of Sill's signature tracks are here (i.e., "Lady-O," "Jesus Was a Cross Maker"), and in keeping with Sill's odd-angled, esoteric, multi-instrumental body of work, most of the material is nice and quirky. The most successful tracks showcase each artist's particular voice while still honoring Sill's original work. Standout tracks include Final Fantasy's "The Donor," which offers a tender, cerebral interpretation of the original, and Meg Baird's "When the Bridegroom Comes," which re-imagines Sill's upright, quirky original in stately horns and whisper-light, slightly out of tune overdubbed vocals. The only major stumble on the album is Marissa Nadler & Black Hole Infinity's sexed-up, trip-hop-influenced version of "The Kiss." Regrettable as that track is, Crayon Angel is by and large a faithful tribute to Sill's work. This is the kind of disc that makes you want to dig up Sill's original work — and when it comes to a tribute album, there's no higher praise than that.

(by Margaret Reges, All Music Guide)

Josh Joplin & Garrison Starr waren als Teenager erfolgreiche Popmusiker. Jetzt haben sie als Duo die Folksongs der amerikanischen Appalachen neu entdeckt. In unserem Technikzeitalter gehen diese Jahrhunderte alten Lieder ganz ursprünglich ans Herz. Auf den ersten Blick wirkt das Repertoire, das die beiden amerikanischen Singer, Songwriter und Gitarristen Josh Joplin und Garrison Starr für ihr gemeinsames Projekt “Among The Oak & Ash” zusammenstellten, überraschend antiquiert. Doch tatsächlich haben diese teilweise Jahrhunderte alten Klassiker der Folkmusik der Appalachen (unter die Joplin und Starr auch noch zwei eigene Stücke mischten) eigentlich nichts von ihrer Gültigkeit eingebüßt: die universellen Themen der Songs, die von den Bedingungen des Menschseins und der Natur des Menschen, von Liebe, Verlust, Verlangen, Grausamkeit und Tod handeln, sind so aktuell wie eh und je. Josh Joplin und seiner Partnerin Garrison Starr ist es gelungen, diesen eingängigen Liedern mit spartanischen Arrangements einen zeitlosen Anstrich zu verpassen. Nicht zuletzt ist “Among The Oak & Ash” aber auch ein nachhaltiger Beweis für die eindrucksvollen Interpretationsfähigkeiten der beiden jungen amerikanischen Künstler.

(Presseinfo)

Das 2009er Debut dieses amerikanischen Duos erreichte mich recht früh als sogenannte Promo-Pappe, ohne Booklet, ohne Beiwerk, und musste ganz durch seine akustischen Wert wirken. Und wirkte derart, dass ich ab dem zweiten Anhören darauf drängelte, das Album doch endlich anbieten zu dürfen, nur um dieses erhebende Erlebnis mit möglichst vielen wirklichen Musikfreunden teilen zu können. Der Singer Songwriter Josh Joplin aus New York und sein weiblicher Gegenpart Garrison Starr aus Nashville sind keine unbeschriebenen Blätter, beide können bereits auf eine Anzahl anspruchvoller Solo-Alben zurückblicken. Gemeinsam aber sind sie – wie so oft – größer als die Summe der beiden Teile, und beeindrucken auch den erfahrenen Hörer mit einer Folk-Melange, die die geniale Gratwanderung zwischen Traditional und Alternative traumwandlerisch sicher meistert. In mal karg-berührenden, mal Voll-Band-mitreissenden Arrangements lassen Josh und Garrison ihre beiden sich perfekt ergänzenden Stimmen mal allein, mal sich paarweise umgarnend wirken, wobei die Stimmen auch in Kleinst-Besetzungen oder a capella zu strahlen wissen. Die besondere, außerordentliche Kunst des Duos aber liegt in seiner Art, mit den Folk-Wurzeln umzugehen: In 12 Songs – Traditionals und Eigenkompositionen, die Traditionals werden werden – vereinen sie puren Folk, Country, 60’s/70’s San Francisco-Sonnenschein-Pop, Shoegaze-Verträumtheit und hauchnah am original gehaltene britischen Folk Rock in bester Fairport Convention/Steeleye Span-Folge, dass es eine einzige, immer wieder überraschende Freude ist. Zeitlos im besten Sinne des Wortes, in Ehren ergrautes Liedgut mit Wucht & Herz ins Hier & Jetzt transportiert. Eine echte Entdeckung. Seliges Lächeln, in Musik gegossen.

(Glitterhouse)

Mit bekannten Mitteln etwas Neues schaffen – das Wunderkind aus São Paulo macht’s möglich. Doch Céus Größe liegt nicht in dem Umstand begründet, dass sie Samba mit Reggae, Lounge und einem Schuss Tropicalismo verbindet, sondern wie sie dies macht: konzentriert, stilsicher und mit unbekümmerter Lust am Experiment. Dabei klingt die 29-jährige Tochter eines brasilianischen Komponisten auch auf dem Nachfolger ihres gefeierten Debüts stets wie sie selbst – unvergleichlich und vertraut zugleich. Mit „Vagarosa“ legt die musikalische Kosmopolitin ein weiteres Werk voll ansprechender Melodien vor.

(Wolfgang Zwack, STEREO)

“Vagarosa“, das zweite Album der sensationellen Vokal-Stilistin aus São Paolo, ist eine Enttäuschung ¬– könnten jene fälschlicherweise sagen, die darauf hofften, die geniale Brasilianerin würde sich vielleicht mehr den Traditionen von Samba &, Bossa & Co. zuwenden. Oder die andere Fraktion, die eventuell mehr elektronifizierte Moderne erwartete. Doch Maria Do Céu Whitaker Poças entzieht sich all diesen Erwartungen und pflegt stattdessen ihre kosmopolitische Stilvielfalt. Und auch ihr zweites Album bestätigt all jene Qualitäten, die AUDIO schon ihr etwas gefälligeres Debüt zur „Pop-CD des Monats“ (siehe 8/2007) küren ließ. Ein wenig Geduld braucht es zwar schon, doch dann entfaltet „Vagarosa“ (was gemächlich, langsam oder auch lässig bedeutet) eine immense stilistische Farbenpracht und belohnt die Annäherung durch reichhaltige, stets fein abgestufte Soundvariationen. Und weil derart ¬tolle, inspirierte und ¬animierende Musik nach wie vor eher rar ist, dürfte die 29-jährige Paulista bei Musikgourmets mit weitem Horizont bald mehr sein als nur ein gut gehüteter Geheimtipp. Céu kreuzt virtuos Sambaspuren und Popmelodik, streut Electronica-Streusel und Dub-Riddims ein (wie in „Cordao Da Insonia“, der Hymne auf die kreative Schlaflosigkeit), garniert das trippig treibende „Nascente“ mit schlängelnden Vocals und grandiosen Jazz-Bläsern und umgarnt „Rosa Menina Rosa“ mit Retro-Orgelsounds und Psychedelic-Ambiente. „Somnambulo“ wiederum spielt mit einen Hauch von Tango mit Trip¬Hop und Scratches – und alles zusammen beweist: Céu ist eine Ausnahmekünstlerin und rechtfertigt den Debüt-Lorbeer mit ihrer zweiten Platte vollauf.

Fazit: Céu bleibt die weitsichtige, stilsichere Hohepriesterin des Brasil-Pop

(Claus Böhm, AUDIO 11/2009, Album des Monats)

Nach 10 Jahren Neues vom ex-Hüsker Dü, der ja schon tolle und melodisch großartige Songs aufgenommen hat. Ausnehmend melodiebetont ist er auch hier, und zwar deutlichst an den 60ern und 70ern orientiert – auch in Stil und (gerne mit rauhem Garagen-Flair versehenem) Sound, das klingt z.T. geradezu klassisch. Ob als 60s-Rock´n´Roll, als 70s-Pop mit frühem (Ziggy-) Bowie-Einfluß (den gibt es mehrfach!) oder als Mix aus herbem Garage Rock, Bowie-Pop und einem Hauch Phil Spector (auch der kommt ein par Mal vor). 1x hat´s gar einen leichten Vanilla Fudge-Touch. Extrovertierte expressive Vocals, teils mit leisem Pathos. Warum macht der so selten Platten?

(Glitterhouse)

Years of addiction tend to obscure Grant Hart's considerable strengths as a songwriter, a situation not helped by his erratic post-Hüsker Dü work. After 1999's Good News for Modern Man, Hart drifted away, spending some time as a musician for hire but generally existing outside the spotlight, taking a full decade to return with Hot Wax, his third solo album and easily his richest collection of songs to date. Hart hasn't abandoned the buzzing guitars that have defined much of his music since the days of Dü, but he's certainly downplayed them, preferring to ramp up a latent Baroque pop obsession and spend some intimate, quiet intimate moments with just a keyboard or two. There's variety here, and also craft, a bracing and overdue reminder that there were two excellent songwriters in Hüsker Dü.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Michael Hurley's 2009 album Ida Con Snock continued to cement his standing as an elder statesman of weird folk. The approach doesn't wear thin, but if you followed his career to any extent in the 45 years preceding this release, you knew what to expect: whimsically humorous songs tapping into several tributaries of Americana folk, delivered with wizened vocals so unself-conscious you wonder if he knows the tape is running. The lyrics to the Cajun-ish "Hog of the Forsaken" are so casually enunciated that they could hardly be less decipherable if they'd been sung in French. This time around, his music's a tad more rock-friendly than some of his other work, with backing by the New York band Ida. Perhaps the vocals are even a bit more frivolous than usual, sometimes breaking off into trumpet-like scatting and pseudo-owl-hooting that listeners might find amusing or irritating, depending on their moods and tastes. It's not quite all folk music. "I Can't Help Myself" verges on an under-rehearsed Lovin' Spoonful vibe; "Ragg Mopp" has a low-key ragtime swing; and "Going Steady" is an homage to/parody of schmaltzy '50s rock ballads that might have been at home on the early Mothers of Invention records, though there it would have undoubtedly been given a quite different arrangement. Hurley seems more at home, however, singing about "Hoot Owls," "Wildegeeses," and such mildly zany things.

(by Richie Unterberger, All Music Guide)

Die alte Schrulle mit einem neuen Studiowerk, reduziert aufgenommen bei Levon Helm in Woodstock (der scheint ja wieder gut im Geschäft zu sein). Sieben frische Originale und fünf sorgsam ausgewählte Coversongs.

(Glitterhouse)

Zweites Album des Oscar-prämierten Folkduos. The Swell Season setzen sich aus Glen Hansard (The Frames) und der tschechischen Pianistin und Sängerin Marketa Irglova zusammen. Kinogänger werden die beiden vielleicht aus John Carneys "Once" kennen: ein Film über zwei Musiker, die sich in den Straßen Dublins kennen und lieben lernen und dabei wunderschön folkige Musik machen. So schöne Musik, dass Hansard und Irglova dafür 2008 den Oscar für den besten Originalsong erhielten und in den USA zurzeit ganz groß sind. Während aus dem Filmstoff bald ein Broadway-Musical entsteht, feiern The Swell Season auf den Konzertbühnen Erfolge. Mit "Strict Joy" erscheint der Nachfolger ihres Soundtrack-Debüts. Und mit dem ersten Ton ist der Zauber wieder da. Die Band kehrt auf die felsigen Grade und in die tiefen Täler des Beziehungslebens zurück, Titel wie "I Have Loved You Wrong" und das hymnische "The Rain" bringen jeden Gefühlshaushalt durcheinander. "Strict Joy" erscheint als Doppel-CD (Studioalbum plus Live-CD) mit limitierter Bonus-DVD, sowie als Einfach-CD und als Doppel-Vinyl-LP.

Zweites Vollwerk der Singer-Songwriterin aus San Francisco, auf One Little Indian. Ihre Songs zwischen düsterem Americana und fieberndem Folk haben seit ihrem karg arrangierten Erstling nichts an Intensität verloren, sie haben vielmehr durch deutlich luxuriösere Begleitung – von der singenden Steel über das edle Piano bis hin zum dramatisch agierenden Streichorchester – noch an Macht gewonnen. Es gibt immer noch die leisen, fast gehauchten Momente der akustischen Einsamkeit, die in ihrer Sanftheit fast zu Tränen rühren, aber es sind die größeren Gesten, die die 12 White-Kompostionen voller Moll-Harmonien prägen. Es ist der reizvolle Kontrast zwischen der tragischen Größe und Weite der Arrangements und der Zartheit der tragenden Stimme, der ebenso erhebt wie einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Wenn Ihr Euch eine gedachte Linie zwischen Heather Nova und Marissa Nadler vorstellen könntet – auf deren Mitte träfet Ihr Emily Jane White.

(Glitterhouse)

Mit ihrem vierten Studioalbum bewegt sich die Singer-Songwriter-Pianistin noch weiter aus der Jazz-Ecke heraus, in die sie streng genommen nie gehörte. Ihre Song- und Stil-Sicht war schon immer auch nah an den amerikansichen Folk- und Country-Wurzeln, und mit The Fall zeigt sich die Frau mit dem perlenden Pianospiel und der verträumt weichen Stimme noch weitsichtiger. Mit dazu bei trugen Produzent Jacquire King (Kings Of Leon, Modest Mouse, Tom Waits) und die Musiker Joey Waronker, James Gadson (Bill Withers), James Poyser (Erykah Badu, Al Green), Marc Ribot und Smokey Hormel (Johnny Cash, Joe Strummer), neben Jones-Songs bietet das Album u.a. Stücke von Jesse Harris, Ryan Adams und Will Scheff (Okkervil River). Die limitierte Doppel-CD-Version bietet neben dem Studioalbum noch eine Bonus-CD mit 6 Live-Aufnahmen (It’s Gonna Be, Waiting, You’ve Ruined Me, Jesus etc., Cry Cry Cry und Strangers).

(Glitterhouse)

Captain Beefheart was known to playfully admonish fans shouting out requests at his shows by saying, "You know I'm gonna do exactly what I want." No one has documented Rickie Lee Jones saying the same thing, but in the course of a recording career that's just entered its fourth decade, she's made it clear that she shares the same philosophy, and she's bravely followed her muse wherever it chooses to go, rather than rehashing the sound and style of Rickie Lee Jones and Pirates, the acclaimed early recordings which made her a star. Jones certainly hasn't lost her love for the blues and jazz flavors that dominated her best-known work, but on 2009's Balm in Gilead (the title is drawn from a traditional spiritual), there's significantly less flash and swagger in her music; instead, these performances speak of an intimacy and warmth that befits the lyrics, which concern themselves with love, family, friendship, and the stuff that makes up everyday lives (something of a switch after the broadsides of The Evening of My Best Day and the spiritual mysteries of The Sermon on Exposition Boulevard). Jones duets with Vic Chesnutt on two numbers, the country-influenced weeper "Remember Me" and a spectral gospel variant, "His Jeweled Floor" (which also features Victoria Williams), and these two gloriously idiosyncratic talents bring out the best in one another, discovering a compelling mystery in their rural inflections that's an ideal match for the material. Ben Harper also lends his talents to this album, and his duet with Jones, "Old Enough," is a blues-infused tale of a busted romance that has a bit of the sass of "Chuck E.'s in Love," but half a lifetime's added depth and subtle detail. Jones opens the set with "Wild Girl," a song written for her daughter, and it's one of the most heartfelt and simply affecting moments on this album, along with "The Moon Is Made of Gold," a sweetly swinging lullaby that was written by her father when she was just a girl. And if songs like "Bonfires," "Eucalyptus Trail," "The Gospel of Carlos, Norman and Smith," and "Bayless St." don't lend themselves to simple categorization, they're all quietly beautiful and filled with a gentle passion that never sounds anything less than fearlessly honest. Rickie Lee Jones sounds less like a Hipster Chick and more like an Earth Mother whose experience has brought her plenty of wisdom on Balm in Gilead, and that's clearly just the way she wants it; Jones' faith in her own creative judgment is well-founded, and this is a work whose modest scale belies its emotional strength.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Spare and mournful, Sunday-morning coffee and croissants music from the duo of veteran guitarist and Oregon founder Towner and the superb Sardinian trumpeter Fresu, who also plays a mean flugelhorn.

There are a few moments when Towner’s nylonstringed, oh so sensitive noodling sounds too soft focus and New-Agey but Fresu – who one feels could cope with 10 times as many notes – is on great, soulful form. Their version of the Kind of Blue classic “Blue in Green” is the obvious stand out.

(Phil Johnson, 15.11.2009, www.independent.co.uk)

Since moving to Italy over a decade ago, guitarist/pianist Ralph Towner's output as a leader has been woefully infrequent, with only two discs released this decade—2001's Anthem and 2006's Time Line, both on the label that's been his home for over 35 years, ECM. It's not that he hasn't been busy; he continues to work and record regularly with Oregon, the group that he co-founded nearly 40 years ago, heard most recently on the Grammy Award-nominated 1000 Kilometers (Cam Jazz, 2007), and on From a Dream (Material, 2009), in a stellar guitar trio with Wolfgang Muthspiel and Slava Grigoryan.

If his solo albums are too few and far between, even scarcer are Towner-led albums in collaboration with others—his last one over a decade ago, the sublime A Closer View (ECM, 1998), in duet with bassist Gary Peacock. All of which makes Chiaroscuro a cause for celebration. It's always a good time for a new Towner record; but here, in duet with rising Italian trumpet star Paolo Fresu, Towner delivers a welcome set of largely original material—some new, some revisited—one standard and a couple of brief but compositionally focused in-the-moment creations.

As has been the case for the last 15 years, Towner focuses strictly on guitar, but this time adds baritone guitar to his arsenal of classical and 12-string acoustic guitars. The lower register instrument is featured on "Sacred Ground," a majestic solo piece that, with a brief reprise in duet with Fresu, bookends three tunes demonstrative of Towner's range. He's covered Miles Davis/Bill Evans' classic "Blue in Green" before, with vibraphonist Gary Burton on Slide Show (ECM, 1986); here it's an even freer interpretation, as Towner (on classical guitar) liberally stretches and compresses time while Fresu's muted trumpet is as spare as the late trumpet icon's, but with a lithe playfulness that's all his own.

"Doubled Up" is a new Towner composition, his baritone guitar creating an even richer landscape. His distinctive voicings—and a unique ability to be both implicit and direct with time, accompaniment, and counterpoint—support and interact deeply with Fresu's muted horn. The guitarist's ability to alternate between upper and lower registers, with passing chords suggestive of greater movement, creates an orchestral breadth that's deceptive and remarkable for an instrument with only six strings.

"Zephyr," first recorded with Oregon on Ecotopia (ECM, 1987), demonstrates how Towner can deconstruct music written as a solo vehicle into a multi-part arrangement, this time delegating the lyrical melody to Fresu, who sounds not unlike another trumpeter with whom the guitarist has collaborated, Kenny Wheeler on Old Friends, New Friends (ECM, 1979).

Towner's distinctively pianistic 12-string guitar is rarely used these days, making the dark improvisations that close the disc, "Two Miniatures" and "Postlude," all the more welcome. Towner may collaborate rarely, but his choices in partners have always been beyond astute, and with the intimate Chiaroscuro he introduces a new partner who, hopefully, will remain an active one on future recordings.

(John Kelman, 12.11.2009, allaboutjazz.com

Soft Boys, Robyn Hitchcock & The Egyptians, solo, unzählige Kollaborationen mit illustren Musikerkollegen, u.s.v.m. Seit fast 35 Jahren durchschreitet der kauzige Engländer das unebene Gelände zwischen Indie Pop, Psychedelia, Singer/Songwriter, Alt.Folk, New Wave und Guitar Rock nicht immer erfolgreich, auch nicht immer geschmacklich gelungen, aber immer im aufrechten Gang des unangepassten, untrendigen, popgesetzlosen Künstlers, der seine gar nicht so kleine Fangemeinde stets von Neuem zu begeistern weiß. Ein schwergewichtiger Moment in seiner Karriere war in 1984 das spleenige, ruhige, lofi-artige Album 'I Often Dream Of Trains', markierte es eine Zeit der Selbstfindung nach den Soft Boys und vor der aufregenden Solophase, die erst noch beginnen sollte. Fast 25 Jahre später ging Hitchcock mit den zum Teil bedeutenden Songs, die nichts von ihrer magnetisierenden Wirkung verloren hatten, auf eine ausgedehnte Tour. 'IODOT In New York' ist ein Mitschnitt eines wahrlich begnadeten Abends im Symphony Space, Ecke Broadway/95. Straße vom 22.11.08. Hitchock (Acoustic & Electric Guitars, Piano, Harmonica, Vocals) meist im Trio mit Terry Edwards (Keyboards, Trumpet, Sax, Electric Guitar, Harmony Vocals) und Tim Keegan (Acoustic & Electric Guitars, Harmony Vocals), feat. Trompeter Amir El Saffar und Sängerin Gaida Hinnawi als gelegentliche Gäste. Die CD bringt 74 Minuten komprimiert Musik, die DVD hat z.T. lange Ansagen vor den Songs, in denen der Meister seinen speziellen Humor beweist, Videosequenzen, Interviews, Credits, etc. (chill)

Neuaufnahme des (fast) kompletten Klassikers (incl. der späteren CD-Bonusstücke) live 2008 in NY, + 4 weitere Songs (z.B. das tolle Goodnight I Say). Tim Keegan, Terry Edwards unterstützen (2.Ak.Gitarre, Piano/Orgel, Trompete, Bass, Sopransax), sparsame filigrane aber ausgeprochen sorgfältige Arrangements. Meist ruhig/poetisch bis leise und sanft bzw. relaxt und akustisch (ab und zu spielt Robyn E-Gitarre), aber selten folkig; eher (teils balladesker oder verlangsamter) Songwriter-Pop oder gar verkappte/nackte Rocksongs – manchmal sehr rhythmisch bis hin zu Stakkato/dezent hämmernder Begleitung, 2x auch psychedelisch. Was noch mehr auffällt als bei der Original-LP ist die melodische Schönheit, die Substanz vieler Stücke! Die DVD (1:28 Std.) kommt mit eingeschobenen Interviewschnipseln und längeren humorvollen Ansagen + 12-Min.-Bonusfilm. Lohnend!(dvd)

(Glitterhouse)

Condo Fucks sind Kid Condo (Gitarre), James McNew (Bass) and Georgia Condo (Schlagzeug). Und die Namen erinnern einen nicht nur zufällig an die der Bandmitglieder von Yo La Tengo, auf deren Album „I Can Hear The Heart Beating As One“ sie erstmalig erwähnt wurden. Es geht die Legende, dass dieses Trio vor allem in und um Connecticut seine größte Fangemeinde hat und genau dort auch am eifrigsten tourt. Nachdem sie nun gut 10 Jahre auf sich warten ließen, erfreuen sie uns jetzt mit einem Album, das ihre Spielfreude deutlich auf Plastikscheibe brennt: So garagenrocken sich die Drei mit dem hintergründigen Humor durch Klassiker der Rockgeschichte von den The Small Faces, Beach Boys, Troggs, Electric Eels, Richard Hell oder Slade. Ein wirklich grandioser Spaß, vor allem für Yo La Tengo Fans.

(amazon.de)

One of the seminal bands on the Connecticut punk scene, New London's Condo Fucks could match any of their peers for sheer sneering attitude on their classic (if hopelessly obscure) albums Movin' In, Straight Outta Connecticut, and For Squatters Only. But despite their fearsome reputation, the Condo Fucks faded away rather than burning out in the mid-'80s, but in 2008 the band accepted an invitation to stage a surprise reunion show for the closing of the beloved New York City venue Magnetic Field. After the success of the gig, the Condo Fucks made a welcome return to the studio, but rather than re-record old favorites like "Fucking Gary Sandy," "I Hate Nutmeg," and "Hot Rails to Hartford" or struggle to write new songs that could match their power, the Condos opted to pay homage to their roots, cutting a set of covers that would honor their influences. Fuckbook reveals that the Condo Fucks haven't lost their spark after more than two decades out of action, and...OK, joke's over — while the people involved appear to have spent at least an hour creating a back story for this album, the truth is the Condo Fucks are the not-so-secret identity of Yo La Tengo, who bash through a wide-ranging set of covers on Fuckbook with a grimy attack that makes the Mummies sound like Genesis. Anyone expecting the sort of imagination and care Yo La Tengo put into their earlier (almost) all-covers album Fakebook will either be confused or appalled with the Condo Fucks, but there's a certain amount of purpose behind all the slop. Look past the low-tech one-take recording and the vocals that display more beer-enhanced confidence than skill and you'll discover that Yo La Tengo play this stuff with plenty of fire and a shade more skill than the gig necessarily requires, and they sure sound like they're having a great time tearing through the songbooks of Slade, Richard Hell, the Electric Eels, the Flamin' Groovies, and (of course) many more. If you were to see Yo La Tengo playing a house party where they decided to swan dive into a set of covers like a semi-inept garage band after a few too many cocktails, what you'd get would be the Condo Fucks, and Fuckbook shares that show with the world. It's as much of a prank as an album, but after over 20 years as one of America's most consistently rewarding indie rock acts, Yo La Tengo are entitled to a bit of fun, and Fuckbook is a dose of sloppy thunder that's a hoot if accepted in the proper spirit, and if nothing else it sure gives the Replacements' The Shit Hits the Fans a run for its money.

(by Mark Deming, All Music Guide)

It might have been recorded in 2008, but from the opening twang of "Shadow of the Hand," Kingdom of Noise sounds like it could have been cut at any point during Man's years of greatest power, a slow burning blues that rides a riff not a million miles from "Walk This Way," but bent in such different directions that the song's eventual shift into harmonic pop comes as no shock at all. Which is exactly what you expected from Man back then, and it's great that they can still deliver it. The band's first album since 2006's Diamonds and Coal, and the last to be recorded with George Jones and Bob Richards, Kingdom of Noise does steer clear of the epics that were the band's original calling card — the jumpy "Russian Roulette" is the longest thing in sight, at a shade under eight minutes. But Martin Ace has such a strong hand at the tiller that even brevity packs an epic quality, while there's a looseness to the overall sound that seems to place the band smack bang in your living room. The title track, all brushes and whispers, and a gently tinkling piano, is especially effective, while the singalong swagger of "Standing in the Rain" carves out what has to be a new concert classic. Indeed, Kingdom of Noise could well rank up there with any of our old favorite Man albums, and it's better than a few of them, as well.

(by Dave Thompson, All Music Guide)

Neil Young hat seinen geliebten Lincoln Continental aus den 50er Jahren von einer spritfressenden Dreckschleuder in eine Öko-Limousine umgebaut. Mit der reist er kreuz und quer durch die USA, um sein Zukunftsprojekt „LincVolt“ vorzustellen. Das Auto, dessen Kühlerhaubenfigur schon auf Chrome Dreams 2 zu sehen ist, dient nun als Vehikel für das rockende Konzeptalbum Fork In The Road. Die Geschichten, die der Godfather of Grunge im Alter von 63 Jahren erzählt, handelt von seinem Oldtimer, Zwischenstation, Gedanken an die Zukunft, Abrechnung mit der Gegenwart. Ein paar Banker und Politiker geraten dabei unter Beschuss. Er singt davon, dass ein Song die Welt nicht verändert, wohl aber sein umweltfreundliches Auto. Er spricht verächtlich über Downloads...“download this. Sounds like shit...“, über das Verschwinden schwindelerregender Summen in der Weltwirtschaftkrise. Neil Young singt, was ihm das Radar auf seiner Fahrt auf den Bildschirm bringt und er macht es einem mit klaren Worten nicht schwer zuzuhören. Und nun beginnt das Problem: So sehr der Kanadier davon schwärmt, wie leise und sauber sein Lincoln über die Strassen schnurrt, so sehr holpern – abgesehen von ganz wenigen Balladen wie „Off The Road“ und das hinreißend schöne „Light A Candle“ – die Arrangement. Die klingen wie schlecht ausgebaute Schotterpisten, so unscharf wie das recht merkwürdige Plattencover, bleiben in Blues-Pfützen stecken. Große Mühen scheint sich der Meister beim Ausformulieren seiner Stücke nicht gegeben zu haben, eine Axt ersetzt Feile und Hobel, auch seine verlässlichen Mitstreiter Ben Keith und Anthony Crawford an den Gitarren, Drummer Chad Cromwell oder Rick Rosas am Bass schlagen in die selbe Kerbe Fork In The Road ist ein rohes, spontanes, ungehaltenes, kantiges und unruhiges Werk. Es passt zum Irrsinn seiner Zeit, immerhin.

(Sven Niechziol, amazon.de)

Neues Album des Altmeisters, ein Songzyklus über einen Hybrid-getriebenen 59er Lincoln Continental-Umbau und die Fahrt durch Amerika (die grobe Story). Sehr einfach gestrickt und satt rockend. Auf der DVD gibt es wie gewohnt die Tracks als DVD-Audio und dazu vier äusserst billig gedrehte Videos zu Albumtunes. Wirkt leider alles etwas hingeschlunzt. Sorry Meister.

(Glitterhouse)

It somehow is fitting that Fork in the Road arrived in stores a week after President Barack Obama announced his bail-out plan for the American automobile industry: it's Neil Young's one-man campaign to remind everybody what cars used to mean and what they should be again. Neil always has had a soft spot for cars — he drove a hearse from Toronto to Los Angeles, immortalizing the vehicle in "Long May You Run" — so this album-length motor manifesto couldn't be called unexpected, nor could its palpable, ever-flowing undercurrent of nostalgia be a surprise for a man who owns a toy train company. Plus, romanticizing the classic years of Detroit is natural; those big boats were gorgeous, so unlike the colorless, characterless sedans that rule the road these days. Neil knows this and knows that dependence on oil is crippling the culture, not to mention the environment, and is enough of an evangelist to cobble together his own green machine, putting an electric engine in a 1959 Lincoln Continental, driving the car to Washington and writing a whole album about the vehicle and its downtrodden times. Fittingly, Fork in the Road is like his Lincvolt: it has a new engine in an old body, so it has all of the classic contours but runs a little differently. The Lincvolt might be smooth and efficient, but Fork in the Road is charmingly clunky, a side effect of its quick creation and Young's hard-headedness. Neil might be writing records as quickly as a blogger these days but musically he's stuck in the past, never letting go of his chunky Les Paul and candied folk harmonies, embracing his status as an old crank so enthusiastically he happily presents himself as a crazy old coot on the album's cover. At times, he certainly does sound like the resident codger, snarling about the fading economy and how everybody's been downsized, good naturedly sneering "big rock star/my sales have tanked/I still got you/thanks" on the title track. Despite the undercurrent of auto nostalgia here, Young isn't living in the past and he's keenly aware of the present. This blend of dreamy thoughts of yesteryear, spitting fury over the present, and planning for the future gives Fork in the Road a bit of a kick that propels it through a few songs that aren't much more than a garage groove, but the whole thing benefits from its messiness; the loose ends make it feel alive.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)