„Interior Live Oak“ schöpft aus Cass‘ Schaffen aus zwei Jahrzehnten Experimentierfreude und setzt einen klaren und klaren Akzent. Seine Haltung ist durchweg hoffnungsvoll, was für jemanden, der oft über die extremeren Aspekte des modernen Lebens singt, seltsam klingen mag. „Interior Live Oak“ hingegen spiegelt die Entschlossenheit eines Menschen wider, der diese Extreme selbst erlebt hat.

Benannt nach einer in Nordkalifornien heimischen Baumart, integriert McCombs auf dem Album die sparsameren Songstrukturen seines ursprünglichen Materials mit Hilfe einiger seiner frühesten musikalischen Weggefährten, darunter Jason Quever (Papercuts) und Chris Cohen. McCombs nahm einen Großteil des neuen Materials in der Bay Area auf, unweit der Orte, an denen sie ihre musikalischen Wurzeln geschlagen hatten (wie auf der letztjährigen Archivveröffentlichung „Seed Cake On Leap Year“ dokumentiert). Weitere Aufnahmen in New York City brachten Beiträge von anderen langjährigen Kollaborateuren wie Matt Sweeney und Mike Bones mit sich.

Denison Witmer kehrt mit einer neuen Sammlung von zehn lebhaften und nachdenklichen Folk-Pop-Songs zurück, die von Sufjan Stevens, seinem langjährigen Freund und Kollaborateur, aufgenommen und produziert wurden.

»In Anything At All« befindet sich Denison in einer angemessen nachdenklichen Stimmung, in der er einem gewöhnlichen, häuslichen Leben eine erhabene Offenbarung abgewinnt. Themen wie Vogelbeobachtung, Schreinerei, Zimmerpflanzen und Wandern bieten Einblicke in größere, existenzielle Fragen über Leben, Tod, Sinn und Zweck. Was machen wir mit der kostbaren Zeit, die uns auf dieser Erde bleibt? Ob wir sie damit verbringen, Uhren zu bauen, Beeren zu sammeln, Bäume zu pflanzen oder die Kinder abends ins Bett zu bringen - diese Lieder zeigen, dass ein Leben, das mit Bedacht und Sorgfalt gelebt wird, zu tiefer Freude und Erfüllung führen kann.

»Anything At All« wurde sporadisch über einen Zeitraum von zwei Jahren aufgenommen und entstand hauptsächlich in Sufjans Catskills-Studio während der Pandemie, wobei zusätzliche Sessions von Andy Park in Seattle, WA, aufgenommen wurden. Zu den Mitwirkenden gehören neben Stevens und Park unter anderem auch Sam Evian, Hannah Cohen, Sean Lane und Keenan O'Meara. Die musikalische Ästhetik des Albums verbindet Denisons volkstümlichen, mennonitischen Vibe mit Sufjans charakteristischem Schnickschnack: üppige Streicher und Holzbläser, ein Frauenchor und ein gelegentliches jazziges Saxophon umspielen Denisons sachlichen Gesang und akustische Gitarre. Es sind einfache Folksongs mit Ausbrüchen von Ehrfurcht und Staunen.

There is just one name on the cover of Denison Witmer’s new full-length Anything At All: Denison Witmer. But that undersells the involvement of the Pennsylvania singer-songwriter’s longtime friend Sufjan Stevens in helping bring the album to life. “I misunderstood his generous offer of helping me ‘get started’ when what he actually meant was: ‘Let’s make a record together,’” Witmer has said. “So I had to reorganize my brain regarding what the record was going to be and how it was going to sound.”

Spoiler alert: It sounds like Denison Witmer and Sufjan Stevens made a record together. Since the late ‘90s, the former has been building an impressive catalog of indie folk tunes by pairing his plainspoken musings on modern life with memorable melodies and understated arrangements. His last album, 2020’s American Foursquare, came after an accidental seven-year break from music to raise his kids and start a carpentry business.

Back in the creative groove, Witmer quickly started working on a follow-up with Stevens in the producer’s seat and fully engaged throughout the process. (Witmer even shelved the project while Stevens dealt with a health issue.) Across the album’s 10 tracks, Witmer’s pretty songs and Stevens’s distinctive production sound like equal partners—two elements unmistakably intertwined, but never so tight that one constricts the other. Exemplifying this relationship is “A House With,” a track split into two halves: The first focuses on Witmer’s tender tune about plants and birds and domesticity, then the second blossoms into a dancing fountain of background vocals, with a lush crescendo that could live comfortably on Stevens’s classic 2005 album Illinois.

Stevens is generous with the choral swells and string sections throughout Anything At All, using them to lend a sense of awe to the outdoorsy “Older and Free,” to uplift the otherwise restrained “Focus Ring,” and to expand “Slow Motion Snow” from a pretty tune buried near the album’s end into an eight-minute baroque-pop epic cocooned inside its own enchanting universe. Elsewhere, “Clockmaker” runs on a skittering synth rhythm befitting its main subject, while “Shade I’ll Never See” is as effervescent as anything on Stevens’s own records. And the album’s closer, “Brother’s Keeper,” strips away most—not all, but most—of the sonic accoutrements, laying bare a brief, beautiful reminder of the songwriting prowess Witmer has demonstrated for more than two decades. Anything At All may only have his name on the cover, but it’s an exquisite document of what’s possible when two complementary collaborators fit together perfectly.

(By Ben Salmon · www.bandcamp.com)

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Sessas drittes Album ist eine rhythmisch-reiche, gefühlvolle Meditation über Liebe, Veränderung und das Vatersein – zwischen brasilianischer Sinnlichkeit, Soul-Vibes und introspektiver Poesie.

Sessa (aka Sérgio Sayeg) has done his homework, the result being a first-class album of Brazilian pop that's laid-back and relaxed but never boring. Throughout Pequena Vertigem de Amor, Sayeg follows the same playbook that many Tropicalia artists did by mutating bossa nova and MPB sounds and conventions into something a little more left-field and expansive. String sections cruise through many of the songs to sweep the melodies along, saxes hum peacefully in the mid-range, backing vocalists provide fluffy harmonies, and in the center Sayeg's vocals croon delightfully. Occasionally a song will peek through the chill vibes to provide a little jolt of drama; the rollicking "Planta Santa" has nice percolating grooves and a Baroque lilt, "Nome de Deus" has some insistent piano chords and driving percussion. On the flipside, a few songs dial the temperature down below chill to a little closer to chilly. "Gestos Naturais" is slow and dreamy with plinking drum machines, great clouds of echo, wah-wah guitar, and Sayeg's barely there vocals all combining to create some imaginative and psychedelic easy listening music. The gentle push and pull between soft sounds and rich arrangements give the record just enough tension to keep it from drifting off into the clouds, and Sayeg knows just when to inject something interesting when eyelids begin to droop a bit, and at the album's best, like on the beautiful and very well-arranged "Dodói," crafts music that sounds on par with the best music to come out of Brazil in the late '60s and early '70s.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Das Trio Mary Chapin Carpenter, Julie Fowlis und Karine Polwart fand sich zunächst zu einem Schreibexperiment nach dem Lockdown während der Pandemie zusammen. Die mehrfach preisgekrönte US-amerikanische Singer-Songwriterin Carpenter war auf der Suche nach etwas Neuem und wandte sich an Fowlis und Polwart, zwei renommierte schottische Singer-Songwriterinnen, deren Arbeit sie schon lange bewunderte. Das Trio entwickelte schnell einen Plan und traf sich, sobald es möglich war, in Nordschottland zu einer ausgedehnten Schreibklausur.

Anfang 2024 wurde das 10-Song-Album »Looking For The Thread« in den Real World Studios in Box, England, mit Josh Kaufman (Bob Weir, The National, The Hold Steady) als Produzent und einer Weltklasse-Band von Musikern aufgenommen: Rob Burger (Klavier, Orgel, Akkordeon, Tasten), Chris Vatalaro (Schlagzeug, Percussion), Cameron Ralston (Bass), Caoimhin O'Raghallaigh (Hardanger d'Amore) und Josh Kaufman selbst (Gitarre, Tasten).

Das Album enthält Stücke, die von allen drei Künstlern geschrieben wurden, die abwechselnd auftreten und an jedem Song mitarbeiten.

Es klingt frisch emotional, egal ob das Paar einzeln oder getrennt singt.​ [.​.​.​] Bei Peterson & Cowsill ist das Feuer längst nicht erloschen!

(GoodTimes, August/September 2025)

“Long After the Fire,” released April 18, 2025, marked the long-anticipated debut from Vicki Peterson and John Cowsill. Known respectively for their roles in the Bangles and the Cowsills, the duo pulls from deep familial and creative wells to resurrect a cache of songs written by John’s late brothers, Barry and Bill Cowsill. It is an album steeped in personal history, musical reverence and the warmth of lived-in artistry. What emerges is not what one would consider a traditional ‘tribute album,’ but rather a richly interpreted work of preservation and renewal, which was done with a clear attention to detail and care for the songs.

Produced by Paul Allen, who is known for his Americana sensibilities, the album is grounded in naturalistic textures. Pedal steel, warm electric guitars, brushed drums and minimal keyboard fills give the songs space to breathe. The arrangements on the album are incredibly clean and polished, built to elevate the vocals and serve the storytelling within the lyrics. “Long After the Fire” thrives on its restraint; it doesn’t chase sonic bombast or novelty. Instead, it leans into atmosphere, memory and an almost familial musical shorthand between its performers.

Opening track “Fool Is the Last One to Know” wastes no time in establishing tone. A shuffle-beat rocker driven by twangy guitars and confident vocals from John, the track lands somewhere between Buck Owens and early Dwight Yoakam. It’s a bright, confident entry point. Every aspect, from the instrumental to the backing vocals, has an amazing country energy to it. Being a country music fan, I really appreciate hearing this style in 2025. Plus, the song has a great guitar solo about halfway through that was a real treat to hear upon first listen.

“Vagabond” follows with a shift in tempo and tone. A pedal steel-soaked meditation, the arrangement is subtle, letting the story unfold in well-timed phrases and instrumental restraint. Continuing the allusion to country classics, the song reminds me of “Troubadour” by George Strait. The storytelling in this song is phenomenal, and I feel that, out of any other song on the album, this is one that fits John’s vocals perfectly. There is something about the texture of his voice specifically that makes the vibe of this song work so well.

Up to this point, John’s vocals have been the focus of the album. But Vicki takes the lead on “Come to Me,” a song that feels very intimate to me. The instrumentation for this track is more spread out, leaving plenty of space for her yearning vocals. A mid-song key change swells into a short, emotionally charged electric guitar that is a perfect crescendo for the song.

That balance of emotional nuance and musical tradition continues with “Is Anybody Here,” a plaintive track that strips away ornamentation entirely. John’s vocal is near-breaking at points, especially as he leans into the central question: “Is anybody here to hear this song?” It’s a powerful moment of vulnerability. The minimalist accompaniment lets that emotion come to the forefront, offering one of the record’s most resonant moments. Even though the instrumentation is upbeat, it is deceptive. The song could have easily also had a stripped, acoustic-led instrumental and been just as good.

While most of the album stays within a warm Americana and roots-pop register, “Sound on Sound” offers a sharp contrast. With distortion-laced guitars, shouted backing vocals and a quick tempo, the track swerves into a new direction. On my first listen, this song caught me off guard. But, on subsequent listens, I love the placement of this track. It helps keep the energy up, something that is very important in terms of album pacing. It tells me that the duo is unafraid to expand their sound when the material calls for it, and that is something I can appreciate from any artist.

The album doesn’t overstay its welcome. Tracks like “Don’t Look Back” and “A Thousand Times” further develop the duo’s harmonies and highlight Peterson’s melodic instincts. “You in My Mind” leans closer to her Bangles-era hooks but recontextualized through roots instrumentation. The album closes with the track “Ol’ Timeless,” which winds down the record on a reflective, acoustic note; something that I feel is the perfect conclusion to the album.

“Long After the Fire” does not present itself as a revolutionary work, the duo isn’t trying to re-invent the wheel. Instead, it’s a document of love, memory and trust in the songs themselves. It succeeds in the small moments, whether through the way the harmonies blend or how the instrumentation hits just right. No modern production or instrumental efforts diminish the album’s emotional effectiveness. It’s clear the goal here wasn’t to outdo Barry and Bill’s original visions, but to let them breathe in a new context, and to give them a new life for a new generation of music fans.

What makes the record resonate is the chemistry between Peterson and Cowsill. Their voices fit together with ease. There’s history behind every note they sing. They’ve lived these songs, even if they didn’t write them. That embodiment makes the listening experience feel less like a performance, and more like an intimate moment between a family, sharing their lives over every note.

“Long After the Fire” isn’t necessarily flashy, but it burns with purpose. It invites repeat listens, something it has already gotten from me. For any fans of Peterson and Cowsill, or enjoyers of Americana or country music in general, this album will surely be a treat for your ears and your mind. The album is available now for streaming and for purchase.

(By Lane Lannan, www.esquarterly.com)

Mitte der 80er Jahre konnten The Loft eine beeindruckende Liste von Premieren für Künstler von Creation Records vorweisen. Die erste Creation-Band im Fernsehen, die erste, die die Spitze der Indie-Singles-Charts erreichte, die erste, die zu einer großen UK-Tournee eingeladen wurde und die erste Creation-Band, die eine begehrte BBC-Radiosession aufnahm - für Janice Longs Radio One-Show im Jahr 1984. Dann lösten sie sich auf. Seit dem berüchtigten Bühnendrama, bei der sie sich mitten im Song im Hammersmith Palais vor 3.000 Zuschauern trennten, als sie auf dem Sprung zur Big-Time-Indie-Größe waren, hat sich die Band wieder zusammengefunden.

Während ihr Status als eine der einflussreichsten britischen Gitarrenbands der 80er Jahre weiter wächst und eine Vielzahl jüngerer Künstler und Künstlerinnen beeinflusst, schien es 39 Jahre nach der bitteren Trennung an der Zeit zu sein, ihr Debütalbum aufzunehmen.

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Die Grammy-gekrönten Songwriter The Bros. Landreth kehren 2025 mit ihrem vierten Studioalbum »Dog Ear« zurück.

Die mehrfach mit dem JUNO Award ausgezeichneten liefern ein herzliches und energiegeladenes Album, das die unbestreitbare Energie dieser Band einfängt. Inspiriert von der Freude und Kameradschaft, die sie während zweier lebhafter Jahre auf Tournee nach der Pandemie erlebt haben, begaben sich die Brüder Joey und Dave Landreth zusammen mit ihren engen Mitarbeitern Roman Clarke, Murray Pulver und Ian Phillips ins Studio.

»Dog Ear« wurde in einer inspirierten fünftägigen Session aufgenommen und ist das bisher fröhlichste und hoffnungsvollste Album der Band, das die Melancholie der Vergangenheit hinter sich lässt und Themen wie Familie, Optimismus und emotionale Resilienz erkundet. Das Album enthält elf emotional bewegende Tracks, darunter Beiträge von Bonnie Raitt, die dem fesselnden »Half Moon Eyes« ihre ikonische Stimme leiht und »Knuckles« in ein tiefgründiges Duett verwandelt. Die ebenfalls aus Winnipeg stammende Powerfrau Begonia liefert eine faszinierende Performance zum Albumabschluss »Strange Dear« und verleiht der Erzählung des Albums zusätzliche Tiefe.

Im Kern ist »Dog Ear« eine ehrliche Auseinandersetzung mit der Frage, was es bedeutet, für die Menschen, die man liebt, immer da zu sein - insbesondere aus der Perspektive der Elternschaft. Songs wie das beschwingte »I'll Drive«, geschrieben zusammen mit Jonathan Singleton aus Nashville, verkörpern unbeschwerte Flucht aus dem Alltag, während das zarte »Half of Me« die tiefen Verbindungen unterstreicht, die Beziehungen ausmachen. Die herausragenden Songs »Dog Ear« und »Vincent« bieten fesselnde Betrachtungen über Stabilität, Freundschaft und persönliches Wachstum, präsentiert mit der für die Bros. typischen geschickten Gitarrenarbeit, melodischen Wärme und lyrischen Aufrichtigkeit.

Mit internationaler Anerkennung, JUNO Awards, einem Grammy Award (als Songwriter für Bonnie Raitts Grammy-prämierte Americana-Performance von »Made Up Mind« aus dem Jahr 2023) und Lob von Kritikern wie Rolling Stone, NPR, American Songwriter und vielen anderen festigen The Bros. Landreth ihren Ruf als Meister ihres Fachs. Ihre energiegeladenen Live-Auftritte begeistern das Publikum weltweit, und mit »Dog Ear« liefern sie ihr bisher stimmigstes und mitreißendstes Statement.

Eindringlich, roh, lebendig und konzentriert zugleich, dabei wirkt alles (scheinbar) mühelos.​ Und die inhaltsschwangeren, sehr persönlichen Lyrics erhöhen die Wertigkeit dieses herausragenden Werkes.​ Erstklassiges Storytelling auf Roots-Music-Weise.​

(GoodTimes, Dezember 2025/Januar 2026)

Mit einer zutiefst persönlichen Songsammlung, ihrem dritten Album, meldet sich Stella Donnelly zurück. »Love And Fortune« zeichnet ihre Reise zurück zu sich selbst nach einer Zeit tiefgreifender Veränderungen nach.

Aufgenommen in Naarm/Melbourne, trägt das Album die erdende Energie des Ortes in sich und bietet eine zugleich intime und weitläufig anmutende Soundlandschaft. Doch sind die Arrangements diesmal offener und bewusster, der Sound kraftvoller.

Es ist Donnellys bisher offenherzigstes und selbstbewusstestes Werk, das auf »Beware Of The Dogs« (2019) und »Flood« (2022) folgt, zwei Alben, die Donnelly als eine der besten zeitgenössischen Songwriterinnen Australiens auszeichneten und flächendeckendes Lob in den Musikmedien erhielten. Die LP erscheint als farbige Eco-Recycled-Auflage, bei der jedes Vinyl ein Unikat ist.

Seit über zwei Jahrzehnten hat Midlake in aller Stille eine eigene Welt aufgebaut – verwurzelt im Charme der Universitätsstadt Denton, Texas, aber expansiv in Klang und Geist. Mit ihrem sechsten Studioalbum »A Bridge To Far« kehrt die Band mit einer Platte zurück, die sowohl zutiefst persönlich als auch universell nachvollziehbar ist. Es ist ein Album über Hoffnung – nicht im abstrakten Sinne, sondern als menschliche Notwendigkeit. »Hoffnung ist ein Bedürfnis«, sagt Frontmann Eric Pulido. »Über das hinauszublicken, über das, was ist. Wir alle können uns auf vielen verschiedenen Ebenen damit identifizieren.«

Aufgenommen im Echo Lab in Denton und produziert von Sam Evian, waren die Sessions für »A Bridge To Far« instinktiv und ungezwungen. »Alles fühlte sich mühelos und authentisch an«, sagt Pulido. »Wir haben nicht zu viel nachgedacht.« Diese Leichtigkeit spiegelte sich in einem Sound wider, der sowohl atmosphärisch als auch geerdet ist – filmisch ohne Exzess, tief empfunden ohne Sentimentalität.

Mit dem neuen Sänger und Songschreiber Eric Pulido ist ihre Musik zugänglicher geworden, doch experimentell genug ist sie noch.​ [.​.​.​] kompositorisch immer noch mit genügend Niveau.​«

(GoodTimes, Dezember 2025/Januar 2026)

Folk Bitch Trio - die in Melbourne/Naarm ansässige Band - kündigen ihr Debütalbum »Now Would Be A Good Time« an, das über Jagjaguwar erscheint, und veröffentlichen die Single/Video »Cathode Ray«.

Folk-Musik hat die schlechte Angewohnheit, als eine todernste Angelegenheit dargestellt zu werden. Sie ist etwas, zu dem man weint, sie ist übermäßig heilig, sie ist feierlich von Kritikern und Historikern betrachtet. Aber das Folk Bitch Trio, die ehemaligen Highschool-Freundinnen Heide Peverelle (»they/them»), Jeanie Pilkington (›she/her«) und Gracie Sinclair (›she/her»), haben einen gemeinsamen Sinn für Humor , der tief in ihre Musik eingebettet ist und sie zum Leuchten bringt, sicher vor den selbsternsten Fallen des Genres.

»Now Would Be A Good Time«, ihr Debütalbum, erzählt lebendige, viszerale Geschichten und ist witzig und dunkel-ironisch in der Art von Schriftstellerinnen wie Mary Gaitskill oder Otessa Moshfegh. Ihre Musik klingt vertraut, aber die Songs sind modern, jugendlich, singen akut durch dissoziative Tagträume und ärgerliche Trennungen, sexuelle Fantasien und Medienüberflutung, über all die belanglosen Ressentiments und kleinen Demütigungen, die man als Anfang Zwanzigjährige in den 2020er Jahren erlebt.

»Cathode Ray« beginnt mit Vorsicht, seine ersten Harmonien kommen in großen, schleifenden Seufzern an. Es ist verletzlich, aber auch ein wenig bedrohlich, mit , einem weit offenen Refrain und einem geräumigen, luftigen Beat, der alles verankert. »Moth Song«, ein Song über unerwiderte Liebe und, von so durchgedreht zu sein, dass man sich wie im Wahn fühlt und verrückte Dinge halluziniert, bildet das sparsame Herzstück des Albums, wobei Anita Clarks wogende Geigenstimme wie in einem Traum in den Fokus hinein - und wieder herausdriftet.

Andere Songs sind nicht so schräg, sondern schildern brutal vertraute Momente am Ende von Beziehungen: Der spannungsgeladene, emotional flüchtige Torch-Song »The Actor« handelt laut Peverelle davon, »zur One-Woman-Show deines Partners zu gehen und dann Schluss zu machen«. In »Hotel TV«, einer hypnotischen, nächtlichen Träumerei, geht es darum, »einen Sextraum über zu haben, während man neben seinem Partner sitzt, und der Partner ist ein Lügner«, erklärt Pilkington. Die stärkste Verbindung zwischen dem Trio, abgesehen von der Freundschaft, ist Musik.

»Wir haben alle darüber gesprochen, dass wir Musik liebten, als wir aufwuchsen, und dass wir wussten, dass Musik ein großer Teil unseres Lebens sein sollte«, sagt Pilkington. Dieses Gefühl, dass Musik eine angeborene Berufung ist, im Gegensatz zu Hobby oder Torheit, war berechtigt: Das Folk Bitch Trio tourte bereits durch Australien, Europa und die USA und unterstützte dabei so unterschiedliche Bands wie King Gizzard, Alex G und Julia Jacklin.

Sie sind bei Jagjaguwar unter Vertrag, einer Heimat für einzigartige Ikonen und Ikonoklasten (Bon Iver, Angel Olsen, Sharon Van Etten, Unknown Mortal Orchestra und andere), und sie haben ihre ersten eingefleischten Fans mit schillernden Harmonien und bissiger Lyrik gefunden, die über Genreerwartungen und Publikumsgrenzen hinausgehen. Das sind die Herausforderungen: Es geht darum zu lernen, wie man ein Leben ohne Liebeskummer und Verlierer-Ex lebt, wann man im zeitgenössischen Nihilismus versinkt und wann man mit seinen Freunden lacht, und warum sich das Leben so flüchtig und unwirklich anfühlen kann.

In diesem Sinne fühlt sich »Now Would Be A Good Time« wie ein Handbuch für das moderne Leben an: eine Botschaft dreier stolzer Folk Bitches, die gemeinsam Schönheit und Weisheit finden, wo sie können.

Van Morrison worried many fans with 2022's What's It Gonna Take?, a COVID-era paranoid political rant. Fears eased somewhat with the two solid musically linked albums Moving On Skiffle and Accentuate the Positive in 2023, offered in the roots style so influential during his pre-Them career. Remembering Now also embraces the musical rearview, but refracted through the lens of the present. He revels in the brands of Irish R&B, Celtic blues, country, soul, and balladry that made him, but was pursued so intimately on questing albums from 1979's Into the Music and 1991's Hymns to the Silence. Morrison's lyrics here reveal what he's learned in 80 years. Over 14 songs, he plays guitar, saxophone, and piano; he's backed by his quintet, horns, a backing chorus, Seth Lakeman's Celtic fiddle, and strings by the Fews Ensemble, conducted by Joanne Quigley.

Opener "Down to Joy" was featured in director Kenneth Branagh's 2021 film Belfast. A swinging Celtic soul jam, it offers punchy, elegant horns, chunky Stax-esque guitars, and a whining pedal steel above a shuffling beat, as Morrison testifies to gratitude and amorous devotion: "She was standing there before me (There before me) When I was coming down/I said I do adore thee (I adore thee) When I was coming down to joy…. "If It Wasn't for Ray" is a skiffle-drenched, countrified R&B tune offered in tribute to Ray Charles, giving the icon much credit for his own career. "Haven't Lost My Sense of Wonder" is a poignant, tender manifesto. Above a whispering B-3, he sings, "I haven't lost my sense of wonder/even though things aren't working out… Though I've had my fill, I've been through the mill/I'm still signing "peace, be still." "Lover, Lover and Beloved" is a country-soul tune that recalls Charles' great country ballads with its orchestration, and it's sung with raw, simmering passion. Second single "Cutting Corners," is a rock-kissed Celtic soul tune drenched in loneliness and regret despite its hook. Morrison takes a gratifying saxophone solo. The next three selections – "Back To Writing Love Songs," "The Only Love I Ever Need Is Yours," and "Once In A Lifetime Feelings" – are excellent, tender expressions of love in different musical vernaculars. The next three – "Stomping Grounds," "Memories and Visions" and the revelatory "When The Rains Came" (the latter could have been on Common One) – look to the past to find equilibrium in the here and now. "Remembering Now" is a resonant, autobiographical, jazz-blues ballad with killer B-3 from Richard Dunn. Nine-minute closer "Stretchin' Out" is a vamp driven textural gospel-blues driven by sweeping strings, piano and bass that is simply one of his most transcendent songs. Summarily, Remembering Now is aptly titled in its manner of observing personal history through the lens of life in the process of being lived in the moment. Morrison's been rambling in strange territory for the last five years, but this is proof that the restless wandering spirit didn't forget his Muse, or who he is.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

The Glass Hours sind die amerikanischen Songwriter Brad Armstrong und Megan Barbera. Ihre Musik bewegt sich zwischen Sonntagnachmittags-Country-Folk und dem Goldenen Zeitalter der 1970er Jahre.

The Glass Hours, die Einflüsse von Megans Bergwurzeln und Brads Südstaatenwurzeln vereinen, sind derzeit im New Yorker Hudson Valley ansässig. Bevor sie The Glass Hours gründeten, haben Megan und Brad für verschiedene unabhängige Projekte geschrieben, gespielt und aufgenommen. Megans Songs wurden weltweit für Marken wie Naturalizer Shoes und San Miguel Beverage Co. lizenziert. Brad war Mitglied von Alabamas Dexateens, 13ghosts und Maria Taylors Tourband und hat Künstler wie Jason Isbell, Alabama Shakes, Drive-By Truckers, John Moreland, Meat Puppets, Azure Ray und Magnolia Electric Company unterstützt, um nur einige zu nennen.

Ambitioniert und erfolgreich

The Waterboys vertonen auf ihrem neuen Album »Life, Death And Dennis Hopper« nicht mehr und nicht weniger als die letzten 75 Jahre westlicher Popkultur.

In 25 Songs erzählen die Folk-Rock-Ikonen um Mike Scott aus dem Leben des großen Schauspielers und von den Zeiten und Szenen, die ihn prägten. Ein ambitioniertes Vorhaben, das auch dank illustrer Gäste wie Bruce Springsteen, Fiona Apple und Steve Earle gelingt.

Die Waterboys freuen sich, ihr neues Album Life, Death And Dennis Hopper anzukündigen. Zu den Künstlern, die neben den Waterboys auf dem Album zu hören sind, gehören Bruce Springsteen, Steve Earle, Fiona Apple und Taylor Goldsmith von Dawes. Mike sagt: »Es ist die Geschichte des Lebens von Dennis Hopper in Songs - und die Geschichte seiner und unserer Zeit.«

The Third Mind mag zwar eine Supergroup sein - die Band besteht aus dem mit einem Grammy® ausgezeichneten Singer/Songwriter/Gitarristen Dave Alvin (The Blasters), dem Bassisten Victor Krummenacher (Camper Van Beethoven, Cracker), dem Schlagzeuger Michael Jerome (Richard Thompson, John Cale), dem Gitarristen David Immergluck (Counting Crows, John Hiatt) und dem Singer/Songwriter Jesse Sykes -, doch das faszinierende Album »Right Now!« aus dem Jahr 2025 ist ein Album, das so wenig Egoismus zeigt wie kein anderes.

Das Album wurde in vier Tagen in L.A. aufgenommen und ist eine Meisterklasse darin, präsent zu sein, die Kontrolle loszulassen und den Nervenkitzel der Zusammenarbeit zu genießen. Die Aufnahmen stellen einen einzigartigen Moment dar - völlig ungeschrieben, völlig ungeprobt - und die Auftritte sind ebenso unvorhersehbar wie fesselnd. Sie verwischen die Grenzen zwischen Psychedelic Rock, Folk, Blues und Soul bei Stücken von so unterschiedlichen Künstlern wie Elizabeth Cotton und Pharoah Sanders.

Jesse Sykes ist für den Großteil des Gesangs auf diesem Album verantwortlich. Dave Alvin singt zusammen mit Jesse bei »Reno, Nevada«, der Single, die im Radio gespielt wird. In der Tradition der Band enthält das Album auch Coversongs, darunter: »Shake Sugaree« (geschrieben von Elizabeth Cotten), »Reap What You Sow« (ursprünglich aufgenommen von Otis Rush), »Darkness, Darkness« (ursprünglich aufgenommen von The Youngbloods), »The Creator Has a Master Plan« von Leon Thomas. »Before We Said Goodbye« ist ein Original, das von Dave Alvin und Jesse Sykes geschrieben wurde. Das Albumcover stammt von Lou Beach (der auch das Cover von Dave Alvins erstem Soloalbum und den letzten beiden Third Mind-Alben gestaltet hat).

Inspiriert von den Improvisationsalben von Miles Davis gründeten Alvin und Krummenacher die Band als Experiment und luden einige ihrer talentiertesten Freunde zu einer Freiform-Session ein, aus der 2020 das selbstbetitelte Debüt von The Third Mind hervorging. American Songwriter lobte das Ergebnis als »eine fesselnde, oft mitreißende Reise«, während die New York Times den Sound zwischen »Appalachia, den Byrds und John Coltranes ›A Love Supreme‹« ansiedelte Die Band kehrte 2023 mit »The Third Mind 2« zurück und nahm auf ihrer anschließenden US-Tournee 2025 Daten für das ausufernde »Third Mind Live« auf, bei dem der Gitarrist Mark Karan (Ratdog, Phil Lesh) mitwirkte.

In 2020, Emma Swift released her album. She had released her self-titled debut mini album in her native Australia in 2014 (she has since relocated to Nashville), but Blonde On The Tracks was her first full-length album. And it was a daring album. She did her own versions of new and old Bob Dylan songs. This was a bold statement from a young artist. It was a nervy idea that paid off. Not only was the album well received but it firmly established her as a solid performer. Now, she is back with The Resurrection Game (a great title), which features ten original songs. This is a genius move because her sophomore album topped her first album and it firmly establishes her as a writer as well as a brilliant performer.

Although Swift employed some of the top session players in Nashville, the album was actually recorded on The Isle of Wight, at Chale Abbey, a studio located in a stone barn dating back to the 16th century. Jordan Lehning (Kacey Musgraves, Rodney Crowell, Caitlin Rose) produced the album and plays keyboards and other instruments. He does a fine job of arranging the music to suit Swift’s vocals, style and songs. Joining Swift are pedal steel master Spencer Cullum (Steelism, Miranda Lambert, Angel Olsen), guitarist Juan Solrzano (Devon Gilfillian, Sheryl Crow), bassist Eli Beaird (Merle Haggard & Willie Nelson, James Bay, Luke Bryan), and drummer Dom Billett (Yola, Phosphorescent). But this is not a country album.

Musically, this is actually a difficult album to characterize. It is not even Americana, but rather a solid alternative pop album, not unlike Julee Cruise at her best. It also resembles Daniel Lanois’s production style when he produced Emmylou Harris. It is not as spacious and otherworldly, and yet, at times it certainly comes close. “Signing Off With Love” has that sparse, bare sound with the piano and layered sounds. Swift’s restrained vocals are perfect and everything together produces a very emotional listening experience. The same as “Impossible Air”, in which Swift sounds like she is running out of breath and every word is almost an effort to get out. In this sense, it packs a real punch.

Lyrically, it is an album about changes, death of dreams, life, disappointments and grappling with severe issues. “No Happy Endings”, for example, has the brilliant chorus:
“The world’s a spinning time bomb
That, there’s no denying.
There are no happy endings
But baby I’m trying.”

The album is not depressing, but it is not uplifting either. It is obviously personal and in that sense empowering. But at times, it is tough to listen to some of the pain on the record.

The Resurrection Game is an extremely impressive debut. Swift is an amazing writer, and the album is never overproduced and yet it has a very dreamy and, in some songs, a very lush sound. Swift is a talented singer and writer. Some artists wait until they are well established before laying their soul on the line, but here she leads off with it, a very brave and bold statement. The Resurrection Game is a lovely album.

(spillmagazine.com)

Angenehm und kunstvoll

Robert Forster gehört zweifelsfrei zu den Grandseigneurs des Songwriter-Pop, wie sein neues Album »Strawberries« einmal mehr beweist.

Die Songs des früheren The-Go-Betweens-Musikers klingen auf angenehme Art unaufdringlich, aber immer kunstvoll. Egal, ob es wie im sommerlichen Titelstück um die guten Seiten des Lebens geht. Oder um meisterhafte Beobachtungen der kleinen und großen Dinge des Alltags.

Stellen Sie sich einen unserer größten lebenden Singer-Songwriter in einer Küche vor. Er ist im Urlaub, er ist gerade schwimmen gegangen. Seine Frau ist am Strand, und er steht vor einer Schüssel mit unwiderstehlichen Erdbeeren. Natürlich sollen sie geteilt werden, aber ihr Geschmack ist »außergewöhnlich«, so dass er einfach nicht anders kann. Minuten später sind alle köstlichen Früchte weg, aber es gibt den Keim eines Liedes, denn der Satz »Jemand hat alle Erdbeeren gegessen« ist Robert Forster gerade in den Sinn gekommen und klingt »so seltsam, aber normal«. Zum Glück hat er seine Gitarre mitgenommen.

Es heißt, seine Frau Karin Bäumler habe ihrem Mann nicht nur verziehen, sondern sogar im Duett mit ihm den Titelsong für sein neuntes Soloalbum eingesungen. »What can ordinary be?« ist die wehmütige Frage, die zum Lebenswerk von Robert Forster passt, der die Kunst, auf möglichst unauffällige Weise ausgefallen zu sein, perfektioniert hat, von seiner Zeit bei den Go-Betweens bis zu seiner Solokarriere, die sich mittlerweile über fast drei Jahrzehnte erstreckt, unterbrochen nur von der Wiedergründung der alten Band im Jahr 2000, die mit dem frühen Tod seines Songwriting-Partners Grant McLennan im Jahr 2006 endete.

Da dieser traumatische Schlag fast zwei Jahrzehnte zurückliegt, wollen wir Sie auf den neuesten Stand bringen: Seitdem hat Robert Forster durch unermüdliches Touren, Schreiben (die Bücher »Grant & I« und »The Ten Rules of Rock'n'Roll«, ein in Kürze erscheinender Roman) und Aufnehmen eine solide Karriere zu seinen eigenen Bedingungen gemacht. »Strawberries« folgt auf eine Reihe von Deluxe-Neuauflagen von vier seiner älteren Soloalben sowie auf den dritten und letzten Band der karriereübergreifenden Serie von »G Stands For Go-Betweens«-Boxsets mit einer lang erwarteten Portion neuen Materials.

Neben zugegebenermaßen größeren Namen wie Bob Dylan oder Nick Cave ist Robert Forster der seltene Fall eines Künstlers mit einer gefeierten Vergangenheit, dessen aktuelles Werk bei einer treuen Fangemeinde echtes Interesse weckt.

Aber zurück zu unserer Szene in der Küche, zu Robert, Karin, einer Gitarre und einer leeren Schüssel: Als rein persönliches Lied ist »Strawberries« ein bisschen ein Ablenkungsmanöver im Kontext dieses neuen Albums, das sich, ungewöhnlich für Forster, fast ausschließlich mit beobachtenden Charakterstudien oder, wie der Autor es ausdrücken würde, »Story Songs« beschäftigt.

Als die überlebende Hälfte des großen Songwriter-Duos hinter den australischen Indie-Legenden The Go-Betweens (neben dem 2006 verstorbenen Grant McLennan), hat Robert Forster eine erfolgreiche Solokarriere zu verbuchen. Das ist das hart erarbeitete Resultat unermüdlicher Konzertreisen, seiner Arbeit als Schriftsteller und Kritiker ("Grant & I", "The Ten Rules of Rock"n"Roll", die anstehende Veröffentlichung seines Debüt-Romans) und im Aufnahmestudio. Auf eine Reihe luxuriöser Neuauflagen seiner ersten vier Soloalben, sowie dem dritten und letzten Teil der karriereumspannenden Boxset-Serie "G Stands For Go-Betweens" folgt nun "Strawberries", Soloalbum Nummer neun, mit einer heiß erwarteten Ladung neuer Songs, liebevoll produziert in einem Stockholmer Studio von Peter Morén (selbst ein Popstar bei Peter, Björn & John). Neben zugegebenermaßen größeren Namen wie Bob Dylan or Nick Cave, bleibt Robert Forster der ganz seltene Fall eines Künstlers mit großer Vergangenheit, dessen aktuelles Werk nicht nur von seiner treuen Fangemeinde mit wirklichem Interesse aufgenommen wird.

(Glitterhouse)

.​.​.​fantastisch gut.​ Forster beweist sich einmal mehr als einer der besten Songwriter, die aus der Post-Punk-Ära hervorgegangen sind.

(GoodTimes, Juni/Juli 2025)

Spiel ohne Grenzen

Über einen Mangel an Schicksalsschlägen in seinem Leben kann sich Robert Forster sicherlich nicht beklagen. 2006 verlor er seinen langjährigen Fahrensmann Grant McLennan, der mit nur 48 Jahren urplötzlich an einem Herzinfarkt verstarb. 15 Jahre später bekam seine Frau Karin Bäumler eine Krebsdiagnose – ein Ereignis, das seinerzeit die finalen Arbeiten an seinem fast fertiggestellten Album "The candle and the flame" überschattete und dieses teils bewusst ("She's a fighter"), teils unbewusst ("It's only poison") mit ganz neuer Bedeutung auflud. Aber Forster wäre kein echter Künstler, wenn er nicht auch Schmerz, Angst oder Verlust als Vor- und Antrieb nutzte, weiter Kunst zu machen. Mit "The evangelist" leistete Forster Trauerarbeit par excellence; auch heute ist dieses hoch emotionale Album noch Blaupause für die mehreren Phasen der Trauer, die man durchlebt – bis hin zu Akzeptanz und Überwindung. Heute, anno 2025, scheint sich Robert Forster so richtig freigestrampelt zu haben. "Strawberries" geht nämlich behutsam tastend den einen oder anderen neuen Weg, ohne das musikalische Erbe von Forster und McLennan zu verleugnen.

Natürlich finden sich auf diesem Album auch die Töne, die man von Forster erwartet. Immer dann, wenn er zu sparsam und sorgfältig instrumentierten Songs allerlei Melancholisches erzählt und singt, bestenfalls mit dieser stets etwas müden Stimme, als wäre er soeben erst unsanft geweckt worden. "Breakfast on a train" ist nachgerade ein Paradebeispiel: Fast acht Minuten lang schichtet Forster Strophe um Strophe, Refrain um Refrain aufeinander; trotzdem klebt man wie die Fliege am Honiglöffel dieser Musik, weil sie so schön geraten und komponiert ist. Auch "Such a shame" ist so eine Nummer, die strahlt. Gerade, weil sie nichts beweisen muss und kompositorisch ein bisschen was von Sinatras "My way" hat, aber ganz ohne bräsige Selbstgefälligkeit auskommt.

Doch dann wären da eben auch die anderen, teils neuen Seiten, die Forster aufschlägt: So zeigt er sich insbesondere im Opener "Tell it back to me" ungewohnt fit, energetisch, ja fast schon groovig-verspielt. Das geht mit Schmackes nach vorne, da verzeiht man sogar die reichlich unerwartet einsetzende Mundharmonika. "Good to cry" wiederum heißt ausgerechnet das bestgelaunte, wenn nicht etwas alberne Stück, welches hier und da schon in Richtung Country und Squaredance driftet. In "Strawberries" lauschen wir einem Duett mit Forsters Frau, hier kommen leicht jazzig-bluesige Töne und gar Saxofone zum Einsatz. Und der Rausschmeißer "Diamonds" fängt erst reichlich verstolpert mit leichten Velvet-Underground-Anleihen an, um immer wieder in fast schon atonale Abschnitte auszubrechen. Und wer ein bisschen die rumpelige Seite der Go-Betweens (die gab es ja bei allem Wohlklang auch) vermisst, der wird "All of the time" lieben.

Die Go-Betweens waren nie eine wirklich experimentelle Band. Sie haben sich innerhalb eines relativ übersichtlich abgesteckten musikalischen Rahmens bewegt, diesen jedoch so ziemlich in allen Schichten und Ebenen ausgelotet. Jetzt, kurz vor seinem 68. Geburtstag, scheint Robert Forster so langsam Lust zu bekommen, zu neuen Ufern aufzubrechen. Das macht er natürlich nicht überhastet und überstürzt, er braucht dazu auch keine PS-starke Motoryacht. Stattdessen setzt er sich mit einer Thermoskanne Kaffee ins Ruderboot und schaut einfach mal, wohin es ihn so treibt – und wie es so auf der anderen Seite des Sees aussieht. Wir freuen uns darüber, dass er uns auf diese Erkundungstour mitnimmt, und wünschen immer eine Handbreit Wasser unterm Kiel.

(Jochen Reinecke, www.plattentests.de)

Zuhören ist im wahrsten Sinne des Wortes eine aussterbende Kunst, doch die Wood Brothers pflegen und bewahren diese Tugend. Tatsächlich ist es das Geheimnis der Melange aus fröhlichen Klängen und Musikstilen auf Puff of Smoke, dem neunten Album des amerikanischen Roots-Trios mit Originalmusik. In den fast zwei Jahrzehnten, die das Grammy-nominierte Trio gemeinsam im Studio und auf Tour verbrachte, hat es seine einzigartige, verbundene Stimme zu telepathischen Ausmaßen verfeinert.

Auf diesem neuesten Studioalbum, einer echten Zusammenarbeit der drei Mitglieder, verweben die Songs ein Medley musikalischer Ideen – von lateinamerikanisch angehauchten Akustikgitarrenlinien über treibende Post-Jazz-Rhythmen bis hin zu mitreißenden Mitsing-Refrains – und ergeben so ein stimmiges, fröhliches Ganzes. All dies mit den für die Wood Brothers typischen Wendungen und einer unbeschwerten, aber subversiv tiefgründigen Weisheit im Kern. Puff of Smoke erinnert daran, dass das Leben kostbar und zugleich unsicher ist, und die Wood Brothers laden Sie ein, die Reise zu genießen.

Die Wood Brothers, von Paste als „Meister des Soulful Folk“ bezeichnet, gründeten sich, nachdem die Brüder Chris und Oliver Wood 15 Jahre lang getrennte musikalische Karrieren verfolgten. Mit dem Schlagzeuger Jano Rix als festem dritten Mitglied ist klar, dass die Wood Brothers tatsächlich die Hauptgruppe sind.

»Instant Holograms On Metal Film« ist 2025 das erste Stereolab-Album mit 13 neuen Studioaufnahmen nach 15 Jahren. Eingespielt wurde das Werk von Laetitia Sadier, Tim Gane, Andy Ramsay, Joe Watson und Xavi Muñoz, mit Gastbeiträgen von Cooper Crain und Rob Frye von Bitchin Bajas, Ben LaMar Gay (Komponist/Jazz-Multiinstrumentalist), Holger Zapf (Cavern Of Anti Matter), Marie Merlet (Monade) und Molly Read, und weiteren.

Robert Plant's »Saving Grace«, sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, »ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen«. Es entstand während der Lockdowns in »The Shire«, als Plants übliches Umherwandern fast verboten war.

Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein.

Bonnie »Prince« Billy - Alias des Musikers Will Oldham - veröffentlicht 2025 sein neues Studioalbum mit dem Titel »The Purple Bird«.

»The Purple Bird« wurde in Nashville mit dem Produzenten David »Ferg« Ferguson und einem Ensemble erstklassiger Session-Musiker aufgenommen. Es könnte als »eine richtige Nashville-Platte« bezeichnet werden, die aus einer Sammlung von Songs besteht, die hauptsächlich am Küchentisch von Ferg entstanden sind.

Auf »The Purple Bird« arbeitet Bonnie »Prince« Billy erst zum zweiten Mal in seiner illustren Karriere mit einem Produzenten zusammen. Seine Beziehung zu Ferg reicht mehr als zwei Jahrzehnte zurück bis zu den Sessions für das Johnny Cash-Album American III mit Rick Rubin, bei denen Ferg als Tontechniker fungierte und bei denen Cash eine Coverversion des BPB-Tracks »I See A Darkness« aufnahm. Die beiden haben im Laufe der Jahre an zahlreichen Projekten zusammengearbeitet, aber an keinem so intensiv wie an »The Purple Bird«. Was bedeutet »eine richtige Nashville«-Platte für den rätselhaften Bonnie »Prince« Billy? Zu Beginn der Sessions hatte Ferg zu Oldham gesagt : »Ich will keine Country-Platte machen, mach einfach deinen Scheiß, Will.«

Zurück zum Rock

Nach einem Ausflug in Blues-Gefilde kehren Little Feat auf ihrem neuen Album »Strike Up The Band« zum Southern-Rock zurück.

Es ist das erste vollständige Werk der Band mit neuen, selbst geschriebenen Songs seit über 13 Jahren. Und egal ob von Gründungsmitglied Bill Payne verfasst oder von einem der jüngeren Musiker, die Stücke rocken und grooven im besten Little-Feat-Stil. Auch die Gäste wie Molly Tuttle oder Larkin Poe fügen sich hervorragend ein.

»Strike Up The Band« ist Little Feats triumphale Rückkehr zum Rock'n'Roll mit viel sumpfigem Südstaaten-Soul mit Bill Payne (Keyboards/Gesang), Scott Sharrard (Gitarre/Gesang), Tony Leone (Schlagzeug/Gesang), Fred Tackett (Gitarre), Kenny Gradney (Bass) und Sam Clayton (Percussion/Gesang).

Es ist ihr erstes Album mit neuem Material seit über 13 Jahren, mit Songs, die von Payne und Tacket sowie den neuen Feat-Mitgliedern Sharrrard und Leone geschrieben wurden. Produziert wurde das Album von dem mehrfachen Grammy-Preisträger Vance Powell (Phish, Chris Stapleton, Jack White) und Bill Payne. Der Song »Bluegrass Pines« mit den Special Guests Molly Tuttle und Larry Campbell & Teresa Williams wurde von Payne und dem Grateful Dead-Texter Robert Hunter geschrieben, und beim Titelsong sind Rebecca und Megan Lovell (Larkin Poe) als Gastsängerinnen zu hören.

»Waves of Desire« des kanadischen Singer / Songwriters Jerry Leger ist der perfekte Nachfolger seines letzten Studioalbums »Donlands«. Produziert von Mark Howard (bekannt für seine Arbeit für Lucinda Williams, Bob Dylan und Tom Waits), ist es ein Album voller Verletzlichkeit, Raum und Atmosphäre. »Waves of Desire« knüpft daran an, allerdings mit mehr Pop-Sensibilität und Texturen. Ron Sexsmith, einer der angesehensten Singer-Songwriter, sagt: »Leger hat diesen Funken in sich, den alle großen Songwriter haben. Er ist das einzig Wahre«

Louis Philippe und The Night Mail sind 2025 zurück mit einem neuen, fesselnden Album, auf dem die Songs wieder einmal makellos sind.

Die Reise geht dieses Mal weiter, weg vom Klassischen, hin zum Unerwarteten. Neue Synthesizer und Claps machen das Ganze unmittelbar und plötzlich, während Stimmen wie aus luftiger Höhe und scheinbar spielerisch-furchtlos durch das Album rufen. Neben den üblichen Geschichten, die man sich so erzählt, gibt es eine geheime, parallele Version der Pophistorie, die von den wahren Enthusiasten und Eklektikern geschrieben wurde.

Von jenen, für die ein Dauerbrenner wie Pet Sounds nicht nur Anlass zu endlosen Behauptungen über seine Außergewöhnlichkeit war, sondern auch mündete in einer Aneinanderreihung harmonischer Reichtümer, die bis ins einundzwanzigste Jahrhundert reicht. In diesem alternativen Universum ist Philippe Auclair alias Louis Philippe, anglo-französischer Singer-Songwriter sondergleichen, seit vier Jahrzehnten eine bewunderte Größe. Philippes musikalische Anfänge liegen als Pop-Protagonist und Haus-Produzent bei Mike Always legendärem Label él Records. Von hier aus führten ihn seine Ausflüge in den Shibuya-Sound und zur Zusammenarbeit mit Leuten wie Bertrand Burgalat, Dave Gregory von XTC, Sean O"Hagan von High Llamas und Stuart Moxham von Young Marble Giants bis hin zu seinen jüngsten Abenteuern mit The Night Mail.

The Night Mail kamen vor zehn Jahren zusammen, um ein Album mit dem unterschätzten Post-Glam-Genie John Howard aufzunehmen. Nach diesem einmaligen Projekt verbrachten sie ein paar Abende in London, um als Begleitband für Robert Forster und Louis Philippe zu spielen, und schlossen dabei eine Allianz mit Letzterem, die 2020 zu ihrem ersten gemeinsamen Album Thunderclouds führen sollte. Angesichts der Komplexität, den reichhaltigen Sound dieses Albums auf der Bühne zu realisieren, holte Philippe seinen langjährigen Partner, musikalische Koryphäe und Multiinstrumentalist Danny Manners an Bord.

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Nach zwei pandemisch bedingten »Reaktions«-Alben -Yay! (2023) und Neigh!! (2024), ein paar Non-Album-Singles und einem Compilation-Album sind Motorpsychaut wieder da, wo wir sie alle kennen und lieben: mit einem epischen, ausufernden Doppelalbum, das bis zum Rand gefüllt ist mit einfallsreicher, organischer und ekstatischer Rockmusik. Freut euch auf Psychonaut!

Dieses 11-Song-Werk mit dem gleichnamigen Titel bietet genau so viel Abwechslung und Vielfalt, Harmonie und Zwietracht, wie man es von einer Band erwartet, die schon einige Alben veröffentlicht hat und heutzutage als eine Institution im europäischen Rock gelten muss. Von prägnanten 3-Minuten-irgendwas-Pop-Rockern bis zu 20-Minuten-plus-Progressiv-Epen, über akustische Intimitäten und psychedelische Ausraster, das ist geballte Motorpsychose: Rebis gestartet, Countdown eingeleitet. Immer näher. Immer schärfer...

Da die traditionelle 3- oder 4-köpfige Rockband heutzutage eine aussterbende Rasse zu sein scheint und MP ohnehin immer eine Band im Wandel war, hat in der Psychoverse eine neue pragmatische Ära begonnen. Die Band wurde, wie man es alchemistisch ausdrücken könnte, »aufgelöst und gereinigt« und ist nun wieder auf die beiden Gründungsmitglieder HMR und BS reduziert. Das ist nichts Neues, das ist schon ein paar Mal vorgekommen, aber heutzutage sind sie auch die Eigentümer und Macher der Plattenfirma NFGS, die jetzt der Dreh- und Angelpunkt aller Bandaktivitäten ist, und Motorpsycho markiert zum ersten Mal seit 35 Jahren die endgültige Trennung von bestehenden Verbindungen zu anderen Labels. Wenn »Freiheit frei von dem Bedürfnis ist, frei zu sein«, dann ist es das hier. Igitt!

Der minimalistische Titel des Albums ist dann nicht nur einprägsam, sondern auch ein Statement: Eine neue Ära in der Psychoverse hat begonnen, ein Zustand, der sich in Ausführung und Details ebenso widerspiegelt wie im Titel, wenn nicht gar in Anspruch und Umfang: »Senex psittacus negligit ferulam« *.

Dies ist eine Zeit des Neubeginns für eine Band, die zwei Jahre damit verbracht hat, sich zu konsolidieren und neu auszurichten, bevor sie sich mit schmetternden Trompeten auf einen neuen Weg begibt (... und Trompeten werden in der Psychoverse nicht viel lauter geschmettert als bei dieser großspurigen Übertreibung. Das macht Spaß! ). In der Tat, ein neuer Tag bricht an.

Die Kernband wurde bei diesen Aufnahmen geschickt von einer Schar von Größen aus der gesamten skandinavischen Musiklandschaft unterstützt: Die Schlagzeuger Ingvald Vassbø und Olaf Olsen, die Streicherarrangeurin/Violinistin Mari Persen, die Sängerin Thea Grant und - wie üblich - der Ehren-Psycho, Bruder Reine Fiske, waren alle Mitreisende auf dieser musikalischen Reise.

Motorpsycho wurde von der Band und Deathprod koproduziert und von Andrew Scheps gemischt.

Motorpsycho sind nicht die Besten in dem, was sie tun, sie sind die Einzigen, die tun, was sie tun.

.​.​.​mehrstimmige Gesänge, großartige Gitarrenläufe, eine vom Fuzz-Bass getriebene Rhythmusfraktion und zum Glück immer wieder mal der eine oder andere besinnliche, fast folkige Moment, der zum Durchatmen einlädt.​ Von solchen ›Comebacks‹ bitte mehr!

(GoodTimes, April/Mai 2025)

Die Indie-Rock-Band The Apartments veröffentlichen ihr achtes Album »That's What The Music Is For«.

Peter Milton Walsh begann 2023 mit der Aufnahme von »That's What The Music Is For« gemeinsam mit Produzent Tim Kevin, wobei er die Songs nach und nach wie ein Pointillist entstehen ließ. Unterstützt wurde er dabei von Musikern wie Tim Kevin (Gitarre, Percussion, Piano, Melodica, Backing Vocals), Nick Kennedy (Schlagzeug, Maracas), Adrian Workman (Bass), Natasha Penot (Gesang), Jeff Crawley (Trompete), Neysa May Barnett (Gesang), Pauline Drand (Gitarre) und Xavier Guéant-Mata (Gitarre).

Das Album erzählt Geschichten über Zeit, Erinnerung und Abschiede und verbindet Elemente von Melancholie, Blechbläsern, Streichern und feinsinniger Komposition. Walshs Stücke laden dazu ein, eigene Deutungen der Erzählungen zu finden, und spiegeln so die Essenz großer Kunst wider. The Apartments werden im Frühjahr 2026 auf Europatour gehen.

Kinky Friedmans letztes Album »Poet Of Motel 6« ist eine bewegende Sammlung von zehn Songs über Liebe und Verlust.

Von seiner Hommage an Billy Joe Shaver bis zu seinem Lobgesang auf die verstorbene, berüchtigte Mystery Woman Miranda Grosvenor in »Whitney Walton Has Flown Away« lotet Kinky auf seinem letzten Album die Tiefen von Liebe und Sterblichkeit aus. Zusammen mit texanischen Größen wie Jimmie Dale Gilmore, Rick Trevino, Amy Nelson und Rodney Crowell und produziert von David Mansfield, einem ehemaligen Mitglied der Rolling Thunder Revue, legt dieses Album das Herz dieses texanischen Barden frei.

Leider verstarb Kinky Friedman am 27. Juni 2024.

»Horror« befasst sich mit der Geschichte und den Hinterlassenschaften des britischen Imperialismus, wobei die Texte mit einem Mekons-typisch eklektischen Sound unterlegt sind, der alles von Dub, Country, Noise, Rock'n'Roll, Electronica, Punk, Music Hall und Polka in sich vereint, und bei »Sad And Sad And Sad« kann man sogar mit seinem Partner einen schönen Walzer tanzen.

Die Wurzeln ihres globalen Sounds spiegeln ihre nomadische Reise durch Zeit und Raum von Leeds nach Kalifornien im Westen und Sibirien im Osten wider und sind in das Gewebe und die Feinheiten ihrer Songkreationen eingewoben. In »Mudcrawlers«, das wie The Chills und R.E.M. zu Zeiten von I.R.S. Records klingt, singt fast die gesamte Band zusammen mit Jon Langford über die irische Hungersnot und Flüchtlinge, die nach Wales reisen. War Economy» lässt die Kälte solcher mit Boroughs gespickten Einzeiler erzittern: »Mit klinischem Zwang lässt sich keine Vorherrschaft erreichen!« Der Song, der klingt, als stamme er direkt von einem Neonschild von Jenny Holzer (sie ist die Autorin von Abuse Of Power Comes As No Surprise), wird von einem verärgerten, schwadronierenden Riff zusammengehalten, das eine Explosion der Beunruhigung untermauert. In der Zwischenzeit übernimmt Rico die Führung bei dem bösartigen, üppigen »Fallen Leaves», einer entsetzten und entsetzlichen Hammer-Horror-Version des Klimazusammenbruchs, die an Rolling Thunder Dylan und an The Pogues in ihrer introspektivsten Form erinnert, deren keltische Dämmerung durch Susie Honeymans klagende Geige verstärkt wird, während die sterbende Sonne untergeht und der Fluss Styx in der pechschwarzen Nacht weiterfließt. Nach fast 50 Jahren verblüffen die Mekons immer noch mit ihrem Sound, ihren Gefühlen und ihrer Vortragsweise, die vom Bassisten und Studiomagier Dave Trumfio zur Perfektion gebracht wurden. Die Mekons sind Jon Langford, Sally Timms, Tom Greenhalgh, Dave Trumfio, Susie Honeyman, Rico Bell, Steve Goulding und Lu Edmonds.

Die Zeit vergeht wie im Flug, wenn man Tunng heißt. Kann es wirklich schon über zwei Jahrzehnte her sein, dass die Band ihre genreübergreifende »Pagan Folktronica« zum ersten Mal in einem Studio im Osten Londons mit einer Reihe von Singles auf dem kleinen Label Static Caravan veröffentlichte, die von Gilles Peterson unterstützt wurden? Das kann es sicherlich. Im Januar 2025 jährt sich das Erscheinen von »This is Tunng... Mother's Daughter and Other Songs«.

Das Album, das akustische Gitarren und poetische Abhandlungen über Natur, Mythologie und den Zustand des Menschen durch ein Gitter aus gebrochenen Beats und knisternder Elektronik filtert, klingt immer noch wie eine pietätlose postmoderne Hochzeit des Rustikalen und Synthetischen, des Rätselhaften und Futuristischen. Wie auch immer man es beschreiben mag, der 20 Jahre alte, unverkennbare Sound kehrt auf Tunngs achtem Studioalbum »Love You All Over Again« zurück, das am 24.Januar 2025 über Full Time Hobby erscheint.

Das kultige Album "Dublin Blues" des legendären Songwriters Guy Clark erstrahlt mit dieser neu abgemischten und remasterten Neuauflage in neuem Glanz. Das Album wurde von Miles Wilkinson, dem ursprünglichen Co-Produzenten und Toningenieur, im Compass Sound Studio in Nashville (ehemals Glaser Sound Studio, auch bekannt als „Hillbilly Central“) neu abgemischt. Die Liner Notes wurden von Wilkinson und Clarks ehemaligem Tourpartner, dem gefeierten Singer-Songwriter Darrell Scott, verfasst. Mit Sam Bush, Travis Clark, Donivan Cowart, Rodney Crowell, Ramblin' Jack Elliott, Nanci Griffith, Emmylou Harris, Jelly Roll Johnson, Kenny Malone, Kathy Mattea, Suzi Ragsdale, Darrell Scott, Verlon Thompson, Jonathan Yudkin.

A mere three years after Boats to Build, Guy Clark offered Dublin Blues, a record filled with sizzle, inspiration, and his best batch of songs in years. Teaming with Miles Wilkinson for the third time and using in the studio for the first time his road band -- which includes über guitarist and singer Darrell Scott -- Clark delivers a batch of searing portraits, intimate observations, first-person narratives, and one dumb throwaway cut ("Baby Went to Memphis in a Limo"). As usual, some old friends return to the fold -- Rodney Crowell, Emmylou Harris, Sam Bush, Verlon Thompson, Kenny Malone, and Suzy Ragsdale -- but there are new faces as well like Ramblin' Jack Elliott, Nanci Griffith, and Kathy Mattea. The magic begins with the title track. Haunted Celtic melodies played on the fiddle and a mandolin with an acoustic guitar usher in a country song that could be from the countryside of Ireland. With Mattea on the backing vocals, the listener is transported between worlds in time and space. "Black Diamond Strings" is a friendly little number about what else: guitar strings! Its catchy hook and singalong chorus make it a Clark winner. "Shut Up and Talk to Me" features Scott playing the swinging blues as Clark counts off the music like a fierce memory. "Stuff That Works" is another of Clark's quiet observation tunes, where his words speak volumes and the instruments underline their meanings. It's a workingman's anthem sung seemingly from the workshop bench. But "Hank Williams Said It Best," "Tryin' to Try," "Cape," and "Hangin' Your Life on the Wall" are all tremendous in their scope and intimacy. They are full of dimension and depth, and Wilkinson gives them textures. The set ends with a re-recording of the spooky yet shattering elegy "The Randall Knife" Clark cut on Better Days. The difference here is age. The view Clark sings from is one of distance and age. "The Randall Knife" doesn't feel quite so spooky this time out, but it does resonate with empathy and even tenderness. As it winds to a close, the listener is left not in bewildered silence but in awe that such a bond exists at all.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Im Oktober 2024 kündigt die legendäre britische Band Cymande ihre musikalische Rückkehr mit ihrem ersten Studioalbum »Renascence« seit vielen an, das im Januar 2025 folgt.

»Renascence« ist eine echte Rückkehr zur Form und das Kronjuwel ihrer legendären Diskographie. Es setzt dort an, wo ihr Album »Promised Heights« aus dem Jahr 1974 aufgehört hat – ein spiritueller und klanglicher Nachfolger, der ihrem legendären Sound, der für die frühen Hip-Hop- und Funkszenen in den USA und Großbritannien grundlegend bleibt, eine frische, moderne Note verleiht. »Renascence« erzählt die Geschichte einer Band, die damals nie ganz die Anerkennung bekam, die ihr gebührt; die aber zurück ist, um die Krone zu erobern, indem sie sich selbst treu bleibt – politisch bewusst und spirituell positiv mit ansteckenden Grooves.

»Chasing An Empty Dream« ist die erste Single, die von Renascence veröffentlicht wird, und wird erstmals von Chris Hawkins auf 6 Music gespielt. Sie lockt Sie zurück in die Welt von Cymande mit einem unvergesslichen Grizzly-Bassline-Hook – ganz in ihrer Art –, süchtig machenden Perkussionsinstrumenten, globalen Rhythmen, die von ihren diasporischen Ursprüngen inspiriert sind, vielschichtigen Bläsern und einer kraftvollen Botschaft für die Welt.

Die Band machte eine fantastische Show bei »Later…With Jools Holland« und spielte die Titel »Chasing An Empty Dream‹ und ›Bra‹. Sie traten zusammen mit Nia Smith, Manic Street Preachers, Jerron Patxon und MØ auf. Dies wird ihr allererster Auftritt im britischen Fernsehen sein!

Anfang des Jahres wurde Cymandes einzigartige Geschichte erstmals auf der großen Leinwand in Großbritannien (via BFI) und in Kinos auf der ganzen Welt mit ‹Getting It Back: The Story Of Cymande‹ (Regie des preisgekrönten Regisseurs Tim Mackenzie-Smith) erzählt. Es enthält Interviews mit Mark Ronson, Laura Lee und Mark Speer (Khruangbin), DJ Maseo (De La Soul), Jazzie B (Soul II Soul), Loyle Carner und vielen mehr. Die Dokumentation unterstreicht auch die Bedeutung der Band bei der Geburt des Hip Hop, wo viele ihrer Tracks von Leuten wie Fugees, Wu-Tang Clan, De La Soul, MC Solaar und Queen Latifah gesampelt wurden.

Chris Eckman ist einer dieser Songwriter mit dem Gespür eines Alchemisten. Das hat er im Laufe der Jahre als Songwriter der Seattle Rock-Folk-Band The Walkabouts sowie in seiner viel gelobten Solokarriere mit sechs Alben bewiesen. Seine Songs wurden von Townes Van Zandt, Steve Wynn, Willard Grant Conspiracy (und anderen) aufgenommen, und sein letztes Album, das sparsame, geisterhafte Where the Spirit Rests, gewann 2021 den renommierten Preis der Deutschen Schallplattenkritik.
Dreieinhalb Jahre später ist er mit »The Land We Knew the Best« zurück und hat neue Geschichten zu erzählen.

THE LAND WE KNEW THE BEST knüpft voll und ganz an die Qualität des Vorgängers an.​ Insgesamt fällt er aber nicht ganz so ruhig aus, mitunter rocken Eckman und seine Band gar Crazy-Horseartig los.​

(GoodTimes, Februar/März 2025)

Seit dem unbetitelten Debüt-Album (VÖ 2020) entsteht der Charakter von KRATZEN aus der Limitation: Die Band spielt nur das Nötigste. KRATZEN mag keine Hierarchien, keine Leadgitarren. Niemand, der sich nach vorne drängelt. KRATZEN glaubt an die Energie, die entsteht, wenn sich plötzlich kleine Dinge verändern. „III“ ist beheimatet im gleichen Koordinatensystem wie die Vorgänger, aber mit zusätzlichen Dimensionen. „III“ ist weiterhin Krautwave. Aber die Band steckt nicht in einer selbstgebauten Schublade. Sie entfaltet sich.

(André Boße)

Die Musik der Rose City Band ist sonnengeküsster, zeitloser Country-Rock, dessen scheinbar müheloser Schwung die Freude an seiner Entstehung transportiert, ohne die Dunkelheit zu ignorieren, die unser Bewusstsein durchdringt.

Rose City Band unter der Leitung des Gitarristen und Sängers Ripley Johnson haben ihre Wurzeln in seiner Liebe zu den Schallplatten der Privatpresse von Mitte bis Ende der 70er Jahre. Zur Band gehören neben Johnson der Pedal-Steel-Gitarrist Barry Walker, der Keyboarder Paul Hasenberg und der Schlagzeuger John Jeffrey, die ein ausgeprägtes Gespür für rhythmischen Schwung und Melodie mit sanfteren, üppigen Atmosphären verbinden.

Die nuancierten Darbietungen und das Zusammenspiel der Musiker entfalten sich wie Wüstenblumen, die Farbe in eine karge Landschaft bringen. Die beschwingten Momente des Ensembles gleiten immer noch mit Leichtigkeit dahin, aber es gibt auch Raum, um sich im Schatten einer dunklen Wolke zu erholen. Johnsons geschmackvolle Gitarreneinwürfe und seine beruhigende Stimme werden durch das vielseitige Spiel von Walker, Hasenberg und Jeffery ergänzt, mit einem besonderen Gastauftritt der Synthesizer-Sängerin Sanae Yamada.

Der Abschluss des Albums »The Walls« fängt die forschenden und ausladenden Songs der Band perfekt ein, wobei Hasenbergs gefühlvolles Organ das Album zu einem emotionalen, kathartischen Abschluss bringt. Während seiner langen Karriere mit Wooden Shjips, Moon Duo und jetzt Rose City Band hat sich Johnsons Musik stets um Erkundung und Entdeckung gedreht. Sol Y Sombra durchtränkt seine Vorliebe für Raum und strahlende Tonalität mit einem dichteren Amalgam seiner Einflüsse durch ein delikates Gleichgewicht von Düsternis und Heiterkeit, von subtilen Entwicklungen und vertrauten Klängen, Sol Y Sombra sorgt für eine ganzheitlich freudige Erfahrung, die sowohl in der Sonne als auch im Schatten Trost findet.

Rose City Band’s music is sun-kissed timeless country rock whose seemingly effortless momentum carries the joy of its creation without ignoring the darkness pervading our consciousness. Led by guitarist/vocalist Ripley Johnson, the music of Rose City Band is rooted in his love of private press records of the mid to late 70’s. The band, in addition to Johnson, features pedal steel guitarist Barry Walker, keyboardist Paul Hasenberg and drummer John Jeffrey who enmesh a keen sense of rhythmic drive and melody with gentler, sumptuous atmospheres. Sol Y Sombra digs its heels into insatiable grooves, its parade of catchy songs conjuring a sunset drive through an open desert, both a celebration of a sojourn and a reach for the warmth of home.

The contrasts of Sol Y Sombra, the musical equivalent of bright stars in a night sky, are to Johnson an inevitability. “With Rose City Band, I'm generally trying to make uplifting music, good time music,” says Johnson. “This time I couldn't avoid the shadow being more of a presence. There's no getting away from it. The shadow is always there. So, I left it in.” Like many genre-breaking private press albums, the melancholia-infused Sol Y Sombra’s contrasts equally enhance moments of joy and movement whilst elevating the music with its honesty and intimacy. Nuanced performances and interplay between players unfurl like desert flowers splashing color onto an arid landscape. The ensemble's buoyant moments still glide with ease, but there is room to revel in respite of the shade of a dark cloud. For Johnson, the album finds places where the conscious meets the unconscious, the songs emanating the more mercurial and curious aspects of their sonic dream world, using darker hues to paint the panorama around them.

Sol Y Sombra’s opener “Lights on the Way” is halogen on the highways, a beam of light pressing onward past dashed lines and soaring with Johnson’s guitar work and lush harmonies. The album’s first half is rife with blissful Americana, from upbeat rollicks to ballads dripping with sweet molasses. Walker’s pedal steel speckles the slow-motion shuffle of “Evergreen” with glinting starlight. His playing throughout pairs perfectly with Johnson’s effervescent guitar lines, exuding the casual virtuosity of pedal steel country legends while lending remarkable modern twists to his graceful licks. Across the album, Johnson’s tasteful guitar interjections and soothing voice are met in kind with the versatile playing of Walker, Hasenberg, and Jeffery, with special guest performances by synthesist/vocalist Sanae Yamada. Album closer “The Walls” perfectly captures the band’s explorative and expansive songs, Hasenberg’s soulful organ driving the album to an emotionally cathartic conclusion.

Throughout his prolific career with Wooden Shjips, Moon Duo and now Rose City Band, Johnson’s music has consistently centered around exploration and discovery. Sol Y Sombra imbues his penchant for space and resplendent tonality with a denser amalgam of his influences. Johnson tactfully incorporates new elements with deftness and fluidity, while holding the band’s center intact. “One of my takeaways from making this record is that I spent a lot of energy trying to do things a little different but ended up back where I started in many ways,” notes Johnson. “And that's OK.” Through a delicate balance of the somber and the serene, of subtle evolutions and familiar sounds, Sol Y Sombra makes for a holistically joyous experience, finding solace in both sun and shade.

»Spring Board: The Early Unrecorded Songs« ist das letzte leidenschaftliches Projekt von Chills' Martin Phillipps vor seinem plötzlichen Tod. Es ist eine engagierte Neuinterpretation früher, unveröffentlichter Songs, die zu seinem künstlerischen Abschied, einem bleibenden Vermächtnis und einer Erinnerung an sein großes, unterschätztes Talent werden.

Das Album wurde mit der Liebe und dem Enthusiasmus seiner Band, der Familie und Freunden abgeschlossen. Martin Phillipps, Sänger, Songwriter und Hauptmotivator der Chills hat in den 2000er Studio- und Live-Alben veröffentlicht, während er mit dem typischen Elan in sein sechzigstes Lebensjahr ging. Inmitten dieser Dynamik suchte er immer noch in alten (Demo-)Bändern nach den Ursprüngen, die 1987 zu seinem weltweiten Erfolg geführt hatten, der zwar über Nacht eintrat und doch sieben Jahre brauchte, um zu zünden. Diese frühen Songs und Skizzen wurden wieder aufgegriffen, überarbeitet und schließlich auf Album gebannt.

»Spring Board« ist somit das letzte Kapitel des unermesslich bedeutsamen Schaffens des Martin »The Chills« Phillipps, ist alarmierend, persönlich, spröde und manchmal hoffnungslos optimistisch. Hier blickt ein Mann zurück auf eine wellenförmige Karriere, die zu nichts Geringerem als Kultstatus führte. Die Lieder eines Menschen, der seine Wurzeln und die innersten Gedanken, Hoffnungen und Ängste seines jungen Ichs wiederentdeckt und zum ersten Mal.

Enthält Beiträge von Julia Deans von Fur Patrol, Elroy Finn und Neil Finn von Split Enz/Crowded House, Hollie Fullbrook von Tiny Ruins, Greg Haver von den Manics, Troy Kingi, Shona Laing, Tami Neilson, Dianne Swann (Everything That Flies) und Clementine Valentine von Purple Pilgrims. The Chills 2024 sind/waren Martin Phillipps, Oli Wilson, Erica Scally, Callum Hampton und Todd Knudson.

"Live Mind“ ist das erste Live-Album der Rock-Supergruppe The Third Mind. Mit über einer Stunde an Auftritten wurde „Live Mind“ von Don Boles, Will Golden und Brett Brock aus Shows im Februar und März 2024 im Troubadour in Los Angeles, in der Ventura Music Hall in Ventura, Kalifornien, und im Kessler Theater in Dallas, Texas, ausgesucht und zusammengestellt. Produziert wurde das Album von Dave Alvin und Victor Krummenacher, gemischt und gemastert von Craig Parker Adams in Winslow Court, Los Angeles, CA.

Was vor vier Jahren als musikalische Wunschvorstellung begann, ist nun Realität: die Supergruppe der „Californian Psychedelic Rockers“ (Doom Charts). Die beiden Studioalben von The Third Mind - „The Third Mind" (2020) und „The Third Mind 2" (2023) - wurden von dem GRAMMY-prämierten Gitarristen Dave Alvin und dem erfahrenen Alternative-Music-Bassisten Victor Krummenacher (Camper Van Beethoven, Monks of Doom, Eyelids) ins Leben gerufen und beinhalten den Gitarristen David Immerglück (Counting Crows, Monks of Doom, Camper Van Beethoven), Schlagzeuger Michael Jerome (Richard Thompson, Better Than Ezra, John Cale) und Sängerin Jesse Sykes von ihrer von der Kritik gefeierten Gruppe Jesse Sykes and The Sweeter Hereafter. Bei den psychedelischen Live-Improvisationen von Third Mind wird der Gastgitarrist Mark Karan (Bob Weir's Ratdog, Phil Lesh, Delaney Bramlett) für Immerglück einspringen.

Im Herbst 2022 lebte Phil Cook allein in einem kleinen Haus am Rande von Feld und Wald in North Carolinas Piedmont. Die meiste Zeit seines Leben lang lebte er in der Nähe der Herzen der Städte, die er sein Zuhause nannte, in der Nähe des ächzenden Verkehrs und des Trubels in den Coffee Shops. Diese Nähe Nähe trug dazu bei, dass der gesellige Cook ein produktiver Mitarbeiter wurde, als Mitbegründer von Megafaun bis zur Zusammenarbeit mit The Blind Boys of Alabama, Bon Iver, Hiss Golden Messenger und unzähligen anderen.

Aber Cooks nächster war ein Wanderweg, und so ging er hin und lauschte, hingerissen erst von der Stille und dann von den vielen Vögeln. Er begann, sein Fensterbrett jede Nacht einen Spalt offen zu lassen, damit der Chor der Vögel im Morgengrauen ihn begrüßte. Cook begann, diese verworrenen Vogelstimmen aufzunehmen, und er schloss sich ihnen an. Wenn die Sonne schließlich hoch stand, hörte Cook sich die Aufnahmen des Tages an und improvisierte in Echtzeit auf dem Instrument, das seine erste und unerschütterlichste Liebe seines musikalischen Lebens geblieben ist: das Klavier.

Als Cook diese Hütte nach einem Jahr verließ, zog er in ein eigenes Haus in Durham, mit viel Platz für seine beiden Jungs zum Spielen und für etwas, das er noch nie besessen hatte: ein richtiges Klavier. In den nächsten Monaten verbrachte Cook unzählige Stunden damit, an diesen Stücken zu feilen. Während des Unterrichts beim großen Südstaaten-Gospelpianisten Chuckey Robinson hatte dieser Cook aufgefordert, weniger Noten zu halten und seine Melodien nicht mehr durch die Verwendung der Pedale des Instruments als Krücken zu benutzen. Seine Musik hatte plötzlich mehr Klarheit, und die Klänge und Gefühle, die sie transportierten, hatten mehr Raum zum Funktionieren. Cook grub sich in die Gefahr und Freude, in die Idee, dass wir unsere Körper zu Knoten verdrehen um zu verstehen, was das Beste für unsere Herzen ist.

Im April 2024 kehrte Cook in das Chippewa Valley in Wisconsin zurück, wo er aufgewachsen war. Sein lebenslanger Freund und Bandkollege, Justin Vernon, hatte gerade die Renovierung von April Base abgeschlossen, dem Studio, in dem Cook in den letzten 15 Jahren an mehr als einem Dutzend Platten gearbeitet hat. Cook bat Vernon, Appalachia Borealis so einfach wie möglich zu produzieren, nur zuzuhören und in zwei ausgedehnten Nachmittagssitzungen Feedback zu geben, um die richtigen Takes auszuwählen, die, die das Herz erfasst haben. Natürlich wurde das Ganze komplizierter, als sie anfingen in dem Prozess zu experimentierten. Vernon fügte die Vogelstimmen zu Cooks Kopfhörern hinzu oder entfernte sie, um zu sehen, wie sie sich auf sein Spiel auswirkten. Oder sie leiteten seine Noten durch eine massive Hallkammer und Cook reagierte darauf mit hauchzarten Improvisationen.

Appalachia Borealis ist eine zutiefst ergreifende und persönliche Sammlung von 11 Klavier Meditationen, die die emotionale Bandbreite einer vollen und offenen Existenz abbilden. Inspiriert von diesen Improvisationen auf der Fensterbank, spiegelt es nicht nur die Aufruhr und die Traurigkeit einer schwierigen Zeit für Cook, sondern auch die Hoffnung, das Licht und die Freude, nach der anderen Seite zu schauen. Manchmal kann man noch die Vögel hören, deren Melodie und Zeit so viele dieser Lieder inspiriert haben. Selbst wenn sie nicht in Hörweite sind, bleibt ihre Essenz bestehen.