Ben Watt erreicht hier hin und wieder die Klasse großer britischer Songschreiber wie Terry Hall und Roddy Frame, manchmal glaubt man sich gar an Paul McCartney erinnert.

(Rolling Stone, April 2014)

Die Rückkehr von Damien Rice: »My Favourite Faded Fantasy«

Das Studioalbum »My Favourite Fantasy« nahm Damien Rice zunächst in Los Angeles auf. Abgeschlossen wurde es in Island. Ein bisschen ist es ja wie Luftanhalten, wenn die Fans eines Sängers wie Damien Rice, der eher ein leidenschaftlich-stiller Star ist, auf ein Nachfolgealbum warten. Nach den weltweit erfolgreichen Alben »O« und »9«, aus denen Hits in zahlreichen Filmen und Fernsehserien eingesetzt wurden, sind ihm trotz Wartezeit alle treu geblieben. Jetzt ist Durchatmen angesagt.

Schon die ersten Videos und Singles »My Favourite Faded Fantasy« und »I Don't Want To Change You« zeigen, wie sehr sich unsere Ausdauer und Loyalität gelohnt hat. Das ist und bleibt erkennbar Damien Rice. Aber langweilig wird das nie, denn die neuen Songs leben jeder für sich von seiner eigenen Emotionalität.

Damien Rice ist sich selbst absolut treu geblieben. Für Fans bedeutet das: Neues Album, neues Glück. LP bestellen – alles gut.

»Damien Rice schreibt Songs, die man nicht beiläufig hören kann, die jeden verdammten Augenblick illuminieren, die man nie mehr vergessen wird, die sich aufbauen wie Monster und einen zitternd, schaudernd, aufgelöst zurücklassen.«

(Rolling Stone, November 2014)

Damien Jurado verkörpert jeden Charakter in jedem einzelnen seiner Songs. Er ist die Waffe, der purpurfarbene Ameisenbär, die Papierflügel, die Lawine, das Flugzeugunglück, Ohio, der Geist der Frau seines besten Freundes. Es ist ein eigenes Universum mit eigenen Symbolen, Mythen und eigener Liturgie. Manch einer mag vielleicht so weit gehen, es eine Religion zu nennen, in der allein einzelne Figuren bereits ein Konstrukt aus Religionen sind. Damien Jurados neues Album „Brothers And Sisters Of The Eternal Son“ enthält 10 Songs und wurde produziert von Richard Swift. Rezensionen ,,... experimentierfreudig und zugleich wunderbar eingängig klingt Jurados neues Album." (Audio, Februar 2014) ,,Angenehm ruhige Grundstimmung, guter Klang, die Musik mal zugänglich, mal mystischer." (stereoplay, Februar 2014) ,,Spukiger Folk, Prog- und Space-Pop: Der US-Sänger und -Songwriter lässt uns an seinen spirituellen Erkundungen teilhaben." (musikexpress, Februar 2014) „Jurado ist seit Jahren einer der interessanteren amerikanischen Singer-Songwriter im erweiterten Folk-Dunstkreis, doch mit seinem erneut von Richard Swift produzierten elften Studioalbum scheint er sein Meisterwerk aufgenommen zu haben.“ (SPEX 01 / 2014) ,,Damien Jurados fantastisches neues Album setzt in mehrfacher Hinsicht ,,Maraqopa" (2012) fort." (Stereo, März 2014)

Long-running indie singer/songwriter Damien Jurado branched out into even deeper sonic territory with his Richard Swift-produced 2012 album, Maraqopa. That album's production managed to be in a constant state of tense flux without ever becoming busy or overblown, winding subtle touches of psychedelia and haunted echo around the acoustic core of Jurado's songs. A few years later, the duo of Swift and Jurado return with the sublime and even further out Brothers and Sisters of the Eternal Son, a twisting set of songs that hides intricate production techniques in Jurado's increasingly layered and complex compositions. The most remarkable element of the production is the heavy '70s dub influence that hides in the corners at first but eventually sprawls out over the course of the album. The treated vocals of "Jericho Road" flutter with distorted echoes as the song builds into what sounds like an update of a lost track from Jesus Christ Superstar, with a far more demented mix. This song spills into the epic "Silver Donna," also drenched in watery echo, groove-heavy hand percussion, and falsetto vocals from Jurado, reaching their crescendo with rippling call-and-response harmonies near the song's end. Somewhere between the most driven moments of early Crosby, Stills, Nash & Young and the lovely confusion of the Lee Perry-produced Congos albums, the song finds its uniquely cracked voice. Elsewhere on the album, lofty autoharps, psyched-out organ tones, and Swift's bright, often orchestral arrangements leave no space too empty or too exposed. Like a far more experimental take on the perfect pacing of Bon Iver's best work, songs like "Silver Katherine" meld Jurado's always beautiful songwriting with gorgeous accompaniment and just enough studio magic to keep things moving forward for the duration of the album. What could have been a somewhat sleepy album is taken into a place of curious introspection, heightened emotional dynamics, and mysterious religious undercurrents. This album continues the colorful and reaching work of the albums that preceded it, and if this pairing of Swift's deft production and Jurado's risk-taking songwriting continues, even greater things are on the horizon than these already gorgeous songs.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Temples ist eine Formation aus Kettering, England und besteht aus James Bagshaw (vocals & guitar), Tom Warmsley (bass & backing vocals), Sam Toms (drums) und Adam Smith (keys). Sie verzücken bereits seit einiger Zeit die Blogs dieser Welt mit Songs wie "Shelter Song" oder "Colours To Life". Nun haben sie endlich ihr mit Spannung erwartetes erstes Studioalbum "Sun Structures" veröffentlicht.

"Sun Structures" wurde in Kettering, der Heimatstadt der Band, aufgenommen und von Sänger James selbst produziert. Das Quartett begeistert auf dem ersten Werk mit einem feinen Gespür für wunderbare Popmelodien, verpackt mit Psychedelic-Elementen und dem Geist von Bands wie den Beatles oder Byrds.

Auf "Sun Structures" gibt es unglaublich viele Sounds und Details zu entdecken. Man kann schnell hören, dass Temples gerne experimentieren. Dies ist ein wahnsinnig aufregendes und einzigartiges Album.

Vier toll-dreiste Engländer katapultieren sich mit ihrem Debüt von den Erdbeerfeldern direkt hinein in die fünfte Dimension.

(Rolling Stone, Februar 2014)

In auch optisch lässiger Untertreibung gelangt das 2014er Rossmy-Reifwerk ohne viel Firlefanz in schlichtem Pappschuber zu uns, Schattenrisse des lakonischen Sänger-Liedschreibers schmücken dezent ein 13-Song-Werk, das schlicht alles bietet, was wir am Meister mögen. Wie stets bemerkenswert begleitet von Folke Jensen (alles, was Saiten hat) und Ralf Schlüter (alles, was Tasten hat), mal dezent, mal deftig schlagwerk-unterstützt von Flo Kapfer und ungemein bereichernd von Ana Detree im Hinter- und Vordergrund vokal umgarnt, lässt der sonore Sänger seine allürenfrei-altersweisen Alltags-Ansichten sanft dahinfließen und schmeichelt dabei manch schmerzliche Einsicht („…die Freundschaft zu Arschlöchern war die Ursache für alle meine Depressionen…) sanft in Ohr, Herz und Hirn. Wie gewohnt wird der instrumentalen Verpackung der schwebend-schweren Worte liebevoll-erfahrungsreicher Wert beigemessen, gemeinsam zelebrieren die von Musik-Moden unbelästigten, wunderbar versiert aufspielenden Althasen ebenso lässig-abgehangene wie von Spiel-Kunst und –Lust geprägte Handwerkskunst, reif und rund im weiten Feld zwischen Singer-Songwriter-Ballade und rollendem Roots-Rock, zwischen Folk, Alternative Country und Chanson-Charme angesiedelt und ganz dazu angetan, dem samt-rauhen Tief-Tönen ein ebenbürtiges, auch allein für sich strahlendes Umfeld zu schaffen. Ein seelentröstendes Songwerk von gelassen-genialer Güte.

(cpa, Glitterhouse)

„Umso besser, dass es Gefährten gibt, die dabei bleiben, die immer wieder kommen“

Sucht man nach den wichtigsten deutschsprachigen Pop-Poeten zwischen Udo Lindenberg in den 1970ern und Andreas Spechtl heute, so fallen einem Namen wie Peter Hein, Nils Koppruch, Andreas Dorau, Christiane Rösinger, Sven Regener oder Jochen Distelmeyer ein. Auch in diese Liste gehört zweifelsohne Tilman Rossmy, der mittlerweile nur noch sporadisch und komplett auf eigene Kappe in Erscheinung tritt.

Eher zufällig bin ich im Netz auf der Seite von Tilman Rossmy auf das neue Album gestoßen. Mit 10 Euro direkt an den Künstler ist man dabei. Eine Stunde später kommt eine Mail von Herrn Rossmy mit dem Link zur digitalen Version der Platte, zwei Tage später liegt das Album im Briefkasten – mehr independent geht nicht.

Im Schnelldurchlauf die Musikkarriere von Tilman Rossmy: Anfang der 1980er das erste Kapitel seiner Band „Die Regierung“, dem ein zweites erfolgreicheres in den frühen 90ern mit dem vierten und letzten Album „Unten“ folgt. Für mich eine der deutschsprachigen Platten überhaupt. Danach zwei Soloplatten und ab Ende der 90er das Tilman Rossmy Quartett mit mittlerweile sieben Alben, das nur online verfügbare Minialbum „Intuition“ mitgerechnet. In den letzten zehn Jahren ist es leider verdammt ruhig geworden um Tilman und seine Band. Ging man anfangs noch auf eine kleinere Tour zur jeweils neuen Platte, sind sie jetzt schon länger nicht mehr unterwegs gewesen.

Das ist sehr bedauerlich, sind doch Rossmy Konzerte von außergewöhnlicher Qualität und haben eine ganz besondere Atmosphäre. Ich habe die Band z. B. mehrmals im formidablen Subrosa in Dortmund oder der legendären Luna-Bar in Münster bewundern können. Tilman, lakonisch und tiefenentspannt, begleitet vom auch nicht als Hektiker bekannten Folke Jensen an der Gitarre und dem unglaublich groovenden Ralf Schlüter am Piano. Schlagzeuger Rob Feigel ist über die Jahre leider abhanden gekommen und wird nunmehr von Flo Kampfer ersetzt.

Die Themen sind auch auf „Ich weiß nicht wer du bist“ die von Tilman Rossmy bekannten: Die gute wilde Zeit, Unterwegssein, Selbstfindung, Suchen. Neu sind die zusätzliche Sängerin Ana Detree und das eine oder andere Soundexperiment. Los geht es mit „Irgendwohin“ einer gut abgehangenen Country-Nummer. Ja, das ist sie, die kleine geölte Landstraßenkapelle, wie Rossmy seine Band auch bezeichnet. Eine entspannte Gitarre, ein perlendes Klavier, etwas Mundharmonika und die sonore Stimme von Rossmy, hier im Duett mit Detree. Danach drei Uptempo-Nummern mit Hitpotenzial: recht rockig in „Beinahe berühmt“, der Vocoder bei „Eigentlich“ ist zunächst etwas gewöhnungsbedürftig, passt aber doch irgendwie gut. Und schließlich „Jedes Jahr um diese Zeit“ mit der Textzeile „Am frühen Nachmittag treffen wir uns an der Bar und wir trinken Bier aber nicht mehr so viel.“ Spektakulär.

Etwas ruhiger geht es bei den nächsten Nummern mit dem typischen Rossmy-Sprechgesang weiter. Ein weiteres Highlight im mittleren Teil der Platte ist „Schüttel dein Haar und tanz“ mit dem obligatorischen „Ja, ja, ja, ja“. Am Ende franst die Platte leider etwas aus, eine Nummer wird von Ana Detree alleine gesungen, etwas seltsames Gefrickel auf „Sonnenschein“ und der Rausschmeißer „Dieser Weg ist dein Weg“.

Aber egal: Insgesamt endlich wieder ein Lebenszeichen von einem großartigen deutschen Liedermacher und seiner coolen Band, die eine andere Aufmerksamkeit verdient hätten. Aber so ist das nun mal, meinte auch schon der ebenfalls gerade mit einer sagenhaften Platte reüssierende Andreas Dorau. Und so kann man Exklusiv-Fan-Sein mit der vom Künstler persönlich geschickten Platte zelebrieren. Jetzt aber mal wieder ein Gig z. B. im Subrosa wäre das I-Tüpfelchen…

(Wolfgang Buchholz, culturmag.de)

War On Drugs: „Lost In The Dream“ – die Indie-Rockband startet wieder voll durch

Zwei Jahre nach ihrem ausgiebig gefeierten Meisterwerk „Slave Ambient“ (2011), ist nun ihr neues Album „Lost In The Dream“ erschienen. Die Platte ist das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band The War On Drugs.

„Lost In The Dream“ stellt das neue Ganzstück der Band um Adam Granduciel dar, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Der langersehnte und verdiente Durchbruch gelang War On Drugs mit der Veröffentlichung ihres letztes Albums „Slave Ambient“, im Jahr 2011.

In den vergangenen zwei Jahren tourte die Band durch die USA. Von North Carolina bis New York City spielten sie in allen Rockclubs, ebenso wie auf unzähligen Festivals und in Late-Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit der gewonnen Erfahrung dieser langen Tour, tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u. a.) am neuen, dritten Album. Zur Band gehören außerdem noch Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u. a.), die auch im privaten Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören.

Adam Granduciel sagt selbst zu der neuen Platte: „Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album – Freundschaft, das Erwachsenwerden, das Leben leben und einander zu helfen.“ Man kann diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung auch sehr gut im Sound der Band hören. Ganz abgesehen davon ist Adam Granduciel nicht nur Kopf der Indie-Rockband War On Drugs, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

Mit „Lost In The Dream“ bietet die Band War On Drugs wieder vielschichtige Musik, ganz frisch und aufgeweckt. Die neue Platte stellt ihre bisher eingängigste und poppigste Arbeit dar.

Die Band aus Philadelphia macht weiterhin vielschichtigen Indie-Rock.

(musikexpress, April 2014)

Tolle epische Rocksongs der postmodernen Traditionalisten.

(Rolling Stone, April 2014)

Dreampop, US-Mainstream und Krautrock: Das dritte Album der Philadelphia-Band verbindet diese Gegensätze zu einem verblüffend homogenen und geradezu verstörend schönen Soundkonzept.

(Audio, Mai 2014)

Leiden, zumal das melancholische, ist ja selten mit dramatischen Gefühlsausbrüchen verbunden, sondern tobt zumeist im Inneren, zum Beispiel, kurioserweise, beim Betrachten einer schönen Landschaft, eines Sonnenuntergangs oder souverän ausschreitender, Glück und Zufriedenheit verströmender Passanten beim Parkspaziergang, die alles zu haben scheinen, was man selbst schmerzlich entbehrt. So sitzt man dann auf der noch winterfeuchten Bank, blinzelt in die ersten wärmenden Sonnenstrahlen - und simmert in seiner inneren Unruhe. Der US-Songwriter Adam Granduciel, Chef der Band The War On Drugs, hat für diese vordergründig phlegmatische Seelenpein nach drei Alben des Ausprobierens den passenden Sound gefunden, der sich nun nicht nur, aber vor allem im sechsminütigen, extrem zurückgelehnten, extrem angespannten "Suffering" offenbart. Über ein Jahr brachte Granduciel mit der Produktion von "Lost In The Dream" zu, bis jeder Ton saß, jeder Klang sich perfekt über dem anderen schichtete, und alle Songs, bei aller Komplexität, so klar und simpel schienen wie nie zuvor in der noch kurzen Historie dieser Rockband, die keine leere Vorsilbe wie Indie- oder Alternative- braucht.

Hall-Exzesse und psychedelische Spielereien, die noch das letzte Album "Slave Ambient" (2011) unnötig behinderten, verschwanden zugunsten eines transparenten, wiewohl lullenden, träumerisch-flächigen Mäanderns, dass sich zu gleichen Teilen aus dem Dreampop der Achtziger (vergleiche "Disappearing" mit frühen Tears For Fears) und dem oft verfemten Mainstream-Rock desselben Jahrzehnts speist. Drumcomputer- und Synthie-lastige Alben wie Springsteens "Tunnel of Love", Dylans "Infidels" und Jackson Brownes "Lawyers In Love" drängen sich als Referenzen auf, wenn nicht gar Bruce Hornsbys "The Way It Is" (vergleiche: "Eyes To The Wind"). Eigentlich also eher ein Fall für den AOR-Fan Wigger, diese Platte, die sich auf berührende Weise dem zwischen Tradition und elektronischer Moderne paralysierten Heartland-Rock der Reagan-Jahre verschrieben hat.

Unter der positivistisch schwungvoll wummernden Musik, die absichtlich immer wieder die Vier-Minuten-Grenze überschreitet, um Auszuufern und in einen wohligen Schwebezustand zu transzendieren, manifestieren sich in der ganz privaten Leidenslyrik Granduciels allgemeine, klassisch-kitschige Schwermutsbilder: die ausgeblichene rote Baseball-Kappe in der Gesäßtasche einer Jeans, ein zerrissenes Sternenbanner vor stillgelegten Stahlwerken, die Sehnsucht nach verlorener Größe, das Zurückträumen in ein verblassendes great wide open. Alles Zeichen, die aktuell, im westlichen Kanon, wieder Gültigkeit haben. "Lost In The Dream" umarmt die Betäubung, das passive Dulden, die helle, leuchtende Schönheit des Schmerzes. Das erinnert nicht von ungefähr an "Walkin' On A Pretty Daze", das jüngste Solo-Album von Kurt Vile, dem einstigen Partner von Granduciel bei The War On Drugs. Der Krieg ist verloren, was bleibt, sind die Drogen.

(Andreas Borcholte, www.spiegel.de, Mai 2014)

Sie haben sich verändert. Das erinnert mich jetzt manchmal an Sniff ´N´ The Tears meets Jackson Browne der 80er (oder Bruce Cockburn, jeweils in ihrer eher poppigen Phase/Ausprägung). Die sehr attraktive Stimme erfreut mit ihrem eigenen Charakter/recht hohem Wiedererkennungswert (auf klasse Art verhallt), die Stücke entfalten sich oft über ziemlich lange Zeiträume, manche entwickeln so eine beträchtliche Sogwirkung (z.T. außerdem atmosphärisch ausgesprochen stark!). Ganz relaxte Songs wie schnelle und präzise inkl. fast hypnotischer Rock-Grooves. Sporadisch schimmert ein Hauch Soft-Psychedelia durch, manchmal sorgen längere wunderbar flächig-ätherische Outros/Intros für eine besondere Note/Stimmung. Und Under The Pressure sowie Red Eyes (9 und 5 Min. lang) begeistern, melodisch/harmonisch absolut packend!

(dvd, Glitterhouse)

In Zeiten, wo monatlich die neueste musikalische Sau durch’s Dorf getrieben wird, hebt sich das Debut von Distance, Light & Sky wohltuend von der Masse ab. Zeitlos, erhaben kommen die zehn Songs daher, die die Band unter Regie des legendären Phill Brown (der seinen Ruhmeshallenplatz seit der Produktion von Talk Talk’s „Spirit of Eden“ für immer sicher hat) in den analogen Prager Sono Studios aufnahm. Chris Eckman knüpft mit seinem Songwriting an die besten Zeiten der Walkabouts an, wobei das hier mitnichten ein „weiteres“ Eckman Solo- oder Seitenprojekt ist, im Gegenteil, Distance, Light & Sky sind eine Band, eine Einheit.

Zu Eckman gesellen sich die unglaublich talentierte niederländisch/britische Sängerin und Songschreiberin Chantal Acda, die mit den Isbells, aber auch solo bereits für diverse Highlights gesorgt hat, so wurde ihr letztjähriges mit Nils Frahm und Peter Broderick (Efterklang) eingespieltes Album „Let Your Hands Be My Guide“ von MOJO ebenso mit einer 4 Sterne Kritik bedacht („Exquisite. As soft as snow“), wie vom zweiten großen englischen Musikmagazin, Uncut, mit den selten vergebenen 8 von 10 Sternen und dem schlichten, aber treffenden Fazit "Starry-eyed beauty". Abgerundet und zum Trio wird Distance, Light & Sky durch den klassisch ausgebildeten belgischen Percussionisten und Komponisten Eric Thielemans, Insidern durch das EARR Ensemble (Ensemble Artist Repertoire Research) oder seine Zusammenarbeit mit dem legendären Sun Ra Saxophonisten Marshall Allen durchaus nicht unbekannt. Wie und unter welchen Umständen diese drei Musiker zusammengefunden haben, würde den Rahmen dieses Infos sprengen und ist letztlich auch nicht wichtig. Wichtig ist, dass sie zusammen gefunden haben und dass aus diesem Moment heraus eine Band entstanden ist, in der drei gleichberechtigte Musiker mit gänzlich unterschiedlichem Background, aber einer gemeinsamen Vision auf Dauer zusammen arbeiten werden.

Als erstes Resultat liegt nun „Casting Nets“ vor, ein Album, auf dem die ruhigen Töne vorherrschen. Dass allerdings „ruhig“ nicht gleich zu setzen ist mit „einförmig“, beweisen die zehn Songs auf „Casting Nets“ aufs Eindrücklichste. Nuanciert, detailreich und geprägt von den unterschiedlichen Charakteren der drei Songschreiber Eckman, Acda und Thielemans entwickelt sich eine wohltuende Spannung, melancholisch und doch stets mit optimistischem Unterton. Dank der einzigartigen Aufnahmetechnik Phill Brown’s auch klanglich ein ganz außergewöhnlicher Genuß. Ebenso, wie übrigens endlich mal wieder Chris Eckman’s sonoren Bariton im Duett mit einer großartigen weiblichen Stimme zu erleben. Was aber am meisten fasziniert, ist die Tatsache, dass es die drei geschafft haben, all ihre unterschiedlichen Hintergründe in einen homogenen, zutiefst harmonischen Sound zu gießen, der eine einzigartige Entspanntheit ausstrahlt und den Hörer vom ersten bis zum letzten Ton auf angenehmste Weise gefangen nimmt.

Distance, Light & Sky eröffnen neue Horizonte, ziehen einem die Grauschleier des Alltags von den Ohren und erfüllen nicht nur die Herbst- und Winterabende mit wohliger Wärme. „Casting Nets“ ist ein ebenso unspektakuläres wie wunderschönes Album mit langer Halbwertzeit geworden. Wir freuen uns, diese neue Band bei uns begrüßen zu dürfen und wissen schon jetzt, dass hier Großes im Entstehen ist!

Classic and sublime songs seperate artists like Distance, Light & Sky from the mainstream. Their wonderful debut album consists of 10 amazing tracks analogue recorded in the Sono Studios in Prague with legendary producer Phill Brown (Talk Talk - „Spirit of Eden“). Songwriter Chris Eckman knows how to tie on to the best times of The Walkabouts but Distance, Light & Sky is not a solo- not either a side project it is truly a band of its own.

Alongside Chris Eckman you'll see the adorable female singer and songwriter Chantal Acda from the Netherlands/England. Chantal is well known for her work with the band the Isbells and recorded her last solo album „Let Your Hands Be My Guide“ with Nils Frahm and Peter Broderick of Efterklang („Exquisite. As soft as snow“ - MOJO 04/05, „Starry-eyed beauty“ - Uncut 08/10). Next to her and Chris there's percussionist and composer Eric Thielemans of the EARR Ensemble who's famous for his work with the legendary Sun Ra saxophonist Marshall Allen. You'll see that Distance, Light & Sky consists of 3 musicians coming from a different backround connected by a common musical vision.

Their debut „Casting Nets“ is a melancholy but optimistic album made of quiet and calm sounds, multifarious and nuanced, shaped by its composers and their various characters Eckman, Acda and Thielemans and the unique recording technique of producer Phill Brown. It's a true pleasure to listen to the duets of Chantal Acda with her female voice and Chris Eckman with his sonorous baritone voice. Most fascinating of all is the fact that these 3 totally different artists made the grade to bunch their varied influences into a homogenous and harmonic sound construct called „Casting Nets“.

Distance, Light & Sky explore new horizons and they'll help you to escape the drab monotony of everyday life. „Casting Nets“ is an unspectacular but truly wonderful album for the cold seasons of the year. We're very happy to welcome this amazing band at Glitterhouse Records.

(Glitterhouse)

Für „The Man Upstairs“ tat sich Robyn Hitchcock mit dem legendären Produzenten Joe Boyd (Nick Drake, Fairport Convention) zusammen, um eins der einzigartigsten Alben in seiner sowieso schon exzeptionellen Karriere aufzunehmen.

Anstatt einfach nur eine neue Sammlung von Songs aufzunehmen, schlug Boyd vor, etwas aufzunehmen, das er „Judy Collins Album“ nannte - ein Album, wie 1967 auf Elektra erschienen wäre: teils bekannte Gassenhauer, teils persönliche Entdeckungen und teils eigene Songs. Dieser vielseitige Zugang zum Album bescherte Hitchcock die seltene Gelegenheit, als Performer in Erscheinung zu treten und nicht nur als weiterer Singer/Songwriter, der dem Publikum seine frischgelegten Eier präsentiert. Auf diese Weise treffen moderne Standards wie „To Turn You On“ von Roxy Music, „The Crystal Ship“ von The Doors und „The Ghost In You“ auf weniger bekannte Juwelen von Freunden wie Grant-Lee Philips („Don’t Look Down“) und „Ferries“ von I Was A King, das mit der Gitarre von Anne Lise Frokedal eben dieser norwegischen Indie Pop Band aufwartet. Neue Hitchcock Originale wie „Trouble In Your Blood“ und „Comme Toujours“ zählen zu seinen zerbrechlichsten und herzzerreißenden Songs. Sein starker Gesang und seine Gitarre treffen bei Boyd auf die sanfte, herbstliche Unterstützung von langjährigen Kollaborateuren wie Jenny Adejayan (Cello), Charlie Francis (Klavier) oder die obengenannte Frokedal (Harmonien).

Aufgenommen und abgemischt im Londoner Snap Studio in nur einer kurzen Woche im Oktober 2013 wird „The Man Upstairs“ überdies vom vergnüglich-makabren Cover aus dem Pinsel von Grammy Award Gewinnerin Gillian Welch komplettiert.

Dem Mann aus Cambridge ... gehört ein Denkmal gesetzt - das er sich hier und jetzt quasi selbst errichtet. Und das auf ganz unprätentiöse, bescheidene Weise.

(musikexpress, September 2014)

Beseelte Covers und eigene Songs, von Joe Boyd kongenial produziert.

(Rolling Stone, September 2014)

…›The Ghost In You‹ (Psychedelic Furs), ›To Turn You On‹ (Roxy Music), ›Don’t Look Down‹ (Grant Lee Phillips) und ›Crystal Ships‹ (The Doors) in Hitchcocks reduziertem Folk hervorragend funktionieren, liegt sicherlich am schon legendär zu nennenden Produzenten Joe Boyd…

(Good Times, Oktober / November 2014)

nach dem ungewohnt schwachen Album letztes Jahr nun (auf Yep Roc) wieder in Top-Form! Produziert von Legende Joe Boyd, ganz natürlich, old-fashioned, oft live in 1 Take. Überwiegend akustisch, die Gitarre als Rückgrat, zur Hälfte und z.T. selbst dort nur punktuell kommt elektrische hinzu, ab und zu Piano, weit öfter ein Cello. No Drums. Zur Hälfte Covers (von u.a. Psychedelic Furs, Roxy Music, Grant Lee Phillips), denen er eine sehr individuelle Note aufdrückt. Songwriter-Folk und – Pop alter Schule in einem (mal eher abgespeckter Folk Rock), einige schnelle gleichwohl reduzierte bzw. rhythmische bluesig-lebhafte oder ganz relaxte doch intensive Songs, die Highlights jedoch (und es sind mit Ausnahme von Crystal Ship der Doors, das es sich gänzlich zu eigen macht, alles eigene Songs) sind die (auch vokal) sanften, poetisch schlichten z.T. ungeheuer lyrischen bis intimen, sehr berührenden. San Francisco Patrol z.B. ist einfach bezaubernd, mit typischer wunderschöner Melodie, ebenso Recalling The Truth – und das ruhige Trouble In Your Blood kann man sich dennoch als druckvollen klassischen (hochmelodischen) Hitchcok-Rocker vorstellen. Gesanglich stark, er geht auch in die Höhen! Und vergleicht die LP selbst mit seinem Klassiker I Often Dream Of Trains – nicht ganz zu Unrecht!

(dvd, Glitterhouse)

Als Kevin Hamann 2005 nur mit Achtspurrekorder und Akustikgitarre bewaffnet sein Albumdebüt vorlegte, fiel sein akustisch-filigraner Musikentwurf zwischen beschwingtem Indiepop, Unplugged-Emo und reflektiert-pointiertem Singer-Songwriter-Gestus sofort auf fruchtbaren Boden. Fans, Kritiker und nicht zuletzt Bernd Begemann bescheinigtem dem in Ostberlin geborenen und in Norddeutschland mit Punkrock- und D. I.Y.-Background aufgewachsenen Hamburger eine vielversprechende Zukunft, und mit den folgenden Werken „Nichts Für Ungut“, „Den Umständen Entsprechend“ sowie „Du Ich Wir Beide Zu Den Fliegenden Bauten (Live)“ konnte sich der auch für seine unnachahmlichen Texte geliebte Künstler einen ihm stets vorauseilenden vorzüglichen Ruf erspielen. Zeilen, die lakonische Kühlheit und berührende Emphase im selben Moment ausdrücken, lyrische und doch mit der gesellschaftlichen Wirklichkeit verankerte Texte, behutsam miteinander verwobene Beobachtungen, Gedanken und nicht zuletzt die packenden Slogans, die sich die rasant wachsende Fangemeinde aufs T-Shirt wünschte. Geistesverwandte Musikerkollegen wie Gisbert Zu Knyphausen oder Markus Wiebusch wurden von genannten Referenzen zu echten Freunden, Förderern und Kollaborateuren. Auch wenn ClickClickDecker stets mit Kevin Hamann in Personalunion wahrgenommen wurde, gab es seit dem dritten Album eine vierköpfige Bandbesetzung, aus der sich Gitarrist, Arrangeur und instrumentales Multitalent Oliver Stangl als verlässlich-konstanter Partner herauskristallisierte, so dass spätestens mit „Ich Glaub Dir Gar Nichts Und Irgendwie Doch Alles“ von ClickClickDecker als faktisch gleichberechtigtem kreativem Duo gesprochen werden muss.

Das neue Werk enthält 13 Songs (+ Hidden Track), die im Studio Watt’n Sound, einer ehemaligen Bauernschule im Friesischen Emmelsbüll zwischen Juli 2012 und Mai 2013 entstanden. Mit ungewöhnlich viel Zeit und Hingabe komponierten und arrangierten Oliver Stangl und Kevin Hamann das neue Album, schichteten behutsam Spur über Spur und schufen so Lieder von einzigartiger Intimität, die gleichzeitig große Weite verströmen und unzählige Details oft erst nach und nach preisgeben. Das organische Zusammenwirken der akustischen Instrumente wie Gitarren, Klavier, Kontrabass, Schlagzeug und Percussions mit dezenten elektronischen Elementen und vor allem der fast übernatürlich räumlichen Produktion sind der Rahmen für die besten ClickClickDecker-Songs bisher. Ob beschwingt wie „Erledigungsblockaden“, „Tierpark Neumünster“ oder „Und Darüber Nachdenken Nicht Nötig“, getragen und verträumt wie bei „Schaumburgen Und Ellipsen“, „Ausbalancieren“ und „Niemand Wird’s Gewesen Sein“ oder countryesk bis folkig („Durch Die Kastanienanlagen“, „Die Nutzlosen (Unentbehrlich)“) - „Ich Glaub Dir Gar Nichts Und Irgendwie Doch Alles“ ist ein in sich geschlossenes, organisches Gesamtwerk, aus dem die einzelnen Songs dennoch wie funkelnde Sterne herausstechen. ClickClickDecker haben sich nicht radikal neu erfunden, sondern ein berührendes und hervorragend inszeniertes Album mit akustischer, deutschsprachiger Popmusik aufgenommen, die Attribute wie „Indie“ oder „Singer / Songwriter“ zwar verträgt, aber nicht mehr nötig hat.

Die perfekte Winterplatte für Menschen, die nicht nur Winter nicht mögen.

(Visions, 9 von 12 Punkten, Platz 6 im Soundcheck)

Kevin Hamann ist einer der furchtlosesten deutschsprachigen Texter: Zwischen bordsteinhartem Realismus, an dem man sich die Zähne ausbeißt, und lyrischen Kopfgeburten wechselt er so mühelos wie andere das Standbein. (...) Der Kaffee ist warm, die Heizung auch, das Herz brennt.

(Hamburg: Pur, Platte des Monats, 5 von 5 Sternen)

(...) ein wirklich guter Texter, der gelernt hat, Momente zu Musik zu machen.

(Melodie & Rhythmus, 9 von 10 Punkten)

Ein Song-Kleinod der charmanten, norddeutschen Klugheit.

(musikexpress, Februar 2014)

Rodrigo Amarante wurde bekannt als Mitglied von Los Hermanos, einer der beliebtesten Alternative-Bands Brasiliens. Seit Jahren lebt er in den USA und trat zuletzt in Devendra Banharts Liveband sowie als Gründungsmitglied der US-brasilianischen Band Little Joy (neben dem Strokes-Schlagzeuger Fabrizio Moretti und Binki Shapiro) in Erscheinung.

Sein Solodebüt "Cavalo" ist ein mutiges, ehrliches und zutiefst persönliches Album, das sich mit dem amerikanischen Exilleben des Brasilianers beschäftigt. Der nämlich lebt seit 2008 in Los Angeles, ein Umstand, den man "Cavalo" auch anhört: Das Album lebt von einem leicht diesigen, verträumten West-Coast-Vibe, die Songs atmen verschiedene Stimmungen, Sprachen und Tempi. So ist das erste Stück "Nada Em Vao" eher schlafwandlerisch unterwegs, während "Hourglass" ein schnell bewegender psychedelischer Stomper ist und "Mon Nom" als sonnenfleckiger, französischsprachiger Folktronic-Walzer kommt.

Ein verführerisches Album, das atmosphärisch irgendwo zwischen David Crosby, Bon Iver und Cat Power anzusiedeln ist.

The road leading to Brazilian singer/songwriter Rodrigo Amarante's first solo album was a long one. The journeyman artist began his career in the late '90s taking a sideman role in the popular Brazilian rock group Los Hermanos and eventually emerging as the band's driving force and key songwriter. He was a member of the samba big band supergroup Orquestra Imperial, recorded in America with Devendra Banhart, and then formed the indie project Little Joy with Strokes drummer Fabrizio Moretti. But it took nearly two decades until he was ready to make his most personal artistic statement, 2014's sublime Cavalo. A thoughtful and beautifully rendered blend of classic tropicália and indie folk and rock styles, Amarante evokes the pan-global creativity of Caetano Veloso, the wry and romantic charm of Paolo Conte, and the experimental pop meanderings of Andrew Bird. This is a unique record by an artist who is hard to define as he jumps from Portuguese to French to English throughout songs that are moody, melancholic, and at times jaunty. From the strange beauty of opener "Nada em Vão," whose sonic bed resembles Bibio's Silver Wilkinson album, to the spare, enchanting closer "Tardei," Amarante presents a diverse but ultimately cohesive set fixated on themes of quiet solitude, exile, and discovery. Two of the most striking tracks, "Mon Nom" and "Irene," sit together in the sequence, wistfully sung and gently played on solo classical guitar through a warm, gauzy filter that best represents the overall tone of Cavalo. When he does pick up the tempo, as on the Spoon-esque "Hourglass" or the bright, tropical romp "Maná," it changes the mood enough to further flesh out Amarante's unique personality without disrupting the album's flow. Already a well-known figure in the Brazilian pop scene, this wonderfully creative and understated solo debut ought to vault him further into international favor and critical success.

(by Timothy Monger, All Music Guide)

Es gibt nicht viele Musiker, die ein Genre so nachhaltig mitgeprägt haben, wie Mark Olson als Gründer und Sänger der Jayhawks das des Alt. Country oder Americana. „Hollywood Townhall“ (1991) und „Tomorrow The Green Grass“ (1995) gelten zu Recht als Meilensteine und haben schadlos den Test der Zeit überstanden. Doch gerade, als sich auch der kommerzielle Erfolg der Jayhawks abzuzeichnen begann, verließ Mark Olson die Band, um sich mit seiner damaligen Frau Victoria Williams in Joshua Tree, CA am Rande der Mojave Wüste nieder zu lassen und in den Folgejahren selbstbestimmt und unabhängig von jeglichen kommerziellen Zwängen der Musik-Business diverse wunderschöne Platten unter dem Namen Original Harmony Ridge Creek Dippers aufzunehmen. Nach der Trennung von Victoria in 2006 kam es im Folgejahr bei den Aufnahmen zum ersten Solo Album Mark Olson’s „The Salvation Blues“ erstmals seit über 12 Jahren wieder zu einer Zusammenarbeit mit Olson’s kongenialen Songwriting und Duett-Partner bei den Jayhawks, Gary Louris. Dies funktionierte so gut, dass Olson und Louris mit „Ready For The Flood“ ein viel beachtetes Duo-Album herausbrachten, um dann in 2011 die weltweit herbei gesehnte Jayhawks Reunion zu vollziehen, deren Resultat, das wunderschöne „Mockingbird Time“, sich mit Platz 38 in den Billboard Top 100 Charts zum größten kommerziellen Erfolg in der Karriere der Jayhawks entwickelte. Wiederum konnte sich Olson nicht mit den daran geknüpften Zwängen und Verpflichtungen anfreunden und nach über 100 Shows im Anschluß an die Album-Veröffentlichung entschloss sich Mark Olson dem hektischen und zum Teil von unangenehmen Begleiterscheinungen geprägten Rockstar-Leben endgültig Adieu zu sagen.

Olson, der inzwischen mit der norwegischen Sängerin und Multi-Instrumentalistin Ingunn Ringvold (die unter dem Künstlernamen Sailorine drei beachtenswerte Alben für Voices of Wonder aufgenommen hat) eine neue kongeniale Partnerin für Leben und Musik gefunden hatte, sodass es nur noch ein kurzer Schritt war, das „Projekt“ „Good-bye Lizelle“ in Angriff zu nehmen.

Und das hatte es in sich. Beseelt von dem Wunsch ein auch aufnahmetechnisch perfekt harmonisches, eine Vielzahl von unterschiedlichsten Einflüssen vereinendes Album aufzunehmen, machten sich Mark Olson und Ingunn Ringvold mit ihrem Nagra Aufnahmegerät in verschiedenen Ländern, von Armenien über Südafrika, den USA bis Norwegen, Finnland oder Tschechien mit einer großen Zahl an Gästen (u.a. Neal Casal, Aaron Sterling (Liz Phair, William Fitzsimmons), Danny Frankel (u.a. k.d. Lang, Rickie Lee Jones), oder Oystein Greni von Norwegens Rockband Nr.1, Big Bang) diese elf poetischen Songs aufzunehmen, die eine einzigartige Wärme, ein bemerkenswertes Vintage-Feeling transportieren. Mark Olson’s herausragendes Talent als Songschreiber, aber auch als Arrangeur und Soundvisionär kommt hier voll zum Tragen: Reminiszenzen in Aufnahmetechnik wie Sound an das Laurel Canyon Joni Mitchells, Graham Nashs oder Chris Hillmans, ohne je Gefahr zu laufen, als „Retro“ abgestempelt zu werden. Darum geht es Mark Olson auch nicht, seine Welt ist geprägt von Emphatie, der Suche nach dem perfekten Sound, der perfekten Instrumentierung seiner nachdenklich-philosophisch geprägten Songs, die immer neben aller Melancholie eine positive, lebensbejahende Grundstimmung behalten. Elf kleine, manchmal leicht verschroben wirkende Juwelen, jeder Song eine Geschichte, jeder Song mit wenigen Worten eine Anregung, ein Hinweis, etwas zum Nachdenken- und Fühlen. Echte Tiefe, Substanz. Dazu mit Ingunn Ringvold eine großartige Duett- und Harmony-Partnerin. Kurzum: ein wundervolles, ruhiges Album zum ganz tiefen Eintauchen. Wir sind stolz, dass Mark dieses unbedingt mit uns veröffentlichen wollte!

(Glitterhouse)

Der US-amerikanische Singer/Songwriter Bonnie »Prince« Billy veröffentlicht ein fulminantes Album, welches er Anfang des Jahres mit einem kleinen Orchester in Nashville aufgenommen hat!

Es hat schon Tradition bei Will Oldham, aka Bonnie Prince Billy: Nichts Genaues weiß man nicht. Bonnie Prince Billy war und ist immer für große Überraschungen gut. Wir haben uns daran gewöhnt, dass er seine eigenen Regeln hat, was die Veröffentlichung seiner Musik anbelangt. Sein letztes Album, »Bonnie ›Prince‹ Billy (self titled)« hat er nicht nur selbst produziert, sondern 2013 auch noch selbst in einige wenige, von ihm auserwählte Läden gestellt.

Nun erscheint sein neues Album »Singer’s Grave A Sea Of Tongues«, das Mitte September einem weiteren Personenkreis zugänglich gemacht wird. Es ist ein musikalisches Kleinod, auf dem Bonnie »Prince« Billy einige Songs aus dem 2011 erschienenen Studioalbum »Wolfroy Goes To Town« noch einmal überarbeitet und mit Hilfe von Mark Neves (Lambchop, Silver Jews) in Nashville aufgenommen und produziert hat. Während die entsprechenden Songs auf »Wolfroy Goes To Town« in ihrer Instrumentierung eher puristisch ausgestattet waren, zumeist mit nicht viel mehr als einer akustischen Gitarre, hat sich Will Oldham für die neuen Aufnahmen mit 13 Musikern fast schon ein kleines Orchester ins Studio eingeladen und die Schönheit und Meisterschaft der Songs mit deren Hilfe auf's Schönste herausgearbeitet und mit traumhaften Arrangements versehen.

»Singer’s Grave A Sea Of Tongues« ist der ganz große Wurf von einem der sowohl talentiertesten als auch produktivsten amerikanischen Singer/Songwriter.

Will Oldham's path has never been straight and narrow. Over his lengthy, prolific run, the warbly-voiced troubadour has peppered his heartbreakingly beautiful songwriting with moments of absurdity, humor, and deeply unexpected or confounding moves that could spell commercial suicide for a lesser artist. Early on he changed the name of his project almost record to record, offering albums as Palace, Palace Brothers, and under his given name before settling with the Bonnie "Prince" Billy moniker. In the time between 2011’s Wolfroy Goes to Town and his 11th full-length, Singer's Grave/A Sea of Tongues, Oldham offered up an EP of reworked songs from deep in his catalog, an album of Everly Brothers covers, and a completely unannounced album he self-released and distributed, carrying copies in person to various independent record stores. So it should come as no huge surprise that the first largely available album of new Bonnie "Prince" Billy material in years is largely reworkings of songs from the most significant album just before it. The majority of the eleven tracks on Singer’s Grave are revisions of tunes that first appeared on Wolfroy Goes to Town or were released in the same general time-frame. Wolfroy tunes like “Night Noises,” “Quail and Dumplings,” and “We Are Unhappy” re-appear, in some cases replacing the spare, late-night confessional feel of the originals with rollicking bluegrass instrumentation. “No Match” is refurbished as “Old Match,” trading the soft wooziness of the Wolfroy version for a spirited, drum-heavy arrangement and swapping out Angel Olsen's sad-eyed backing vocals for a full-on gospel choir. The difference in some cases almost feels overly theatrical, with “So Far and Here We Are” recasting the protracted folk dirge that was once titled “New Whaling” as an electrified slab of cowboy rock with caterwauling backing vocals standing in for the ghostly chorus of the original. All told, Singer’s Grave remains valid and engaging by offering such vivid counterpoints to the usually subdued Wolfroy Goes to Town versions. Oldham’s intentions behind re-recording these relatively recent songs are puzzling, but the curious nature of the album is just another chapter of the mysterious, and in this case highly enjoyable saga of Bonnie "Prince" Billy.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Es dauert ein Weilchen, bis man dieses unfassliche Album verinnerlicht hat - und man begreift, dass es schon jetzt zu den besten des Jahres gehört.

(Rolling Stone, Juni 2014)

Seine staubigen, sich dahinschleppenden Songs werden von Fachkräften wie dem Schlagzeuger Jay Bellerose und dem Saitenvirtuosen Greg Leisz sachgerecht zerdehnt und in gemächlichem Tempo ihrer Bestimmung zugeführt: sich nachhaltig im Ohr des Hörers festzukrallen.

(Jazzthing, Juni - August 2014)

Er hat nicht immer Grund, gut gelaunt zu sein. Der Mann steht unter Druck. Im Beruf macht er immer mehr für immer weniger. Ist er zu Hause, fängt das Chaos erst richtig an. Im schlimmsten Fall entzieht ihm die Gattin das Vertrauen und läuft fort. Zwei von drei Trennungen gehen von der Frau aus, so die Statistik. Darüber hinaus gibt es andauernd die Debatte um die Frauenquote in der Politik. Sportlich gesehen waren die Damen Fußball-Weltmeister, lange bevor es die Kerle wieder geschafft haben. Selbst in der Popmusik geht heute scheinbar alles von Ladys aus. Es ist alles anders geworden. Was tun?

Einige Herren der Schöpfung haben sich zusammengetan und betreiben eine Analyse. Um wen genau es sich handelt, erklärt eine offizielle Verlautbarung. „Mit der Hilfe von Freunden der 3D-Produktionsfirma Industriesauger-TV aus Köln und dem Berliner Maler Helmut Kraus haben wir uns dann an die Arbeit gemacht – und verschwanden mit unserer Libido und ihren Liedern endgültig im Netz: als virtueller Mann.“ Es handelt sich also um eine Kooperation von Vertretern verschiedener künstlerischer Disziplinen. Zuerst vermutet man auch einen fiktionalen Kontext, mit dem seit Auftauchen von Fraktus immer zu rechnen ist. Klar ist dann aber doch, dass vor allem Mitglieder von Die Türen mit Chef Maurice Summen über sich und ihre Geschlechtsgenossen sinnieren.

Sie beginnen das Album mit Hinweisen auf die Musik aus Bowies „,Heroes‘“, die aus einer Zeit stammt, als man noch an Übermänner geglaubt hat. Doch in ihrem Fall ist der Mann kein Held mehr, sondern nur noch Ernährer. Es zählen Job, Geld, Haus, Auto, Katz und Maus. Da ist man schnell frustriert. „Und die Nachbarn, die mich achten, werde ich bald vermutlich abschlachten, denn den Unsinn hält auf Dauer doch keiner aus“, lässt der Sänger wissen. Es kann nicht immer glatt laufen. „Menschen machen Fehler, und das ist immer ein guter Grund, schlecht drauf zu sein.“ Eingängigkeit ist dieser Band wichtig, das klingt immer wieder durch. „Ist alles keine Arbeit, es muss nur gemacht werden“, heißt es an anderer Stelle. Hier sind leibhaftige Gassenhauer-Qualitäten zu erkennen. Sie kommen auch in „Ich bin ein Mann“ zum Vorschein. Es geht darum, was an Menschen und Gegenständen so alles ärgerlich sein kann. Es sind simple Dinge. „Was mich an Facebook stört, sind die Freunde. Was mich an Partys stört, sind die Leute. Was mich am Fernsehen stört, ist das Programm“, heißt es in einer Aufzählung. Vom Tonfall her geht es sehr in die Richtung der frühen Foyer Des Arts.

Es ist erstaunlich, wie problemlos Der Mann bei all dem die Balance halten. Sie reden nicht um den Ernst der Lage herum, wissen aber auch, dass die Diskussion besser funktioniert, wenn man es mit Lockerheit angeht. So spricht sich die Band auch ausdrücklich für den Verbleib des Reformhauses aus. Deren Betreiber müssen sich gegen Supermärkte und Bio-Läden zu Wehr setzen und ihre Läden reformieren, wollen sie im Konkurrenzkampf eine Chance haben. Man(n) hat die akustische Liedform gewählt und hofft auf ein gutes Ende für das „Freudenhaus des Stuhlgangs“. Persönlicheren Inhalt entdeckt man in „Nur für dich alleine“. Die Musiker nehmen dem Single-Leben-Thema das Drama, indem sie Versatzstücke aus dem 70s-Rock integrieren. Andeutungen von barocken Soli, Prog-Sequenzen und der Disco-Drive aus „Miss You“ von den Stones spielen herein. Am Ende passt es, wie so vieles auf diesem famosen Album. Mit ihm geht für das von Summen betriebene Berliner Label Staatsakt ein sehr gutes Jahr (Ja, Panik, Dieter Meier, Jens Friebe, Chris Imler, Die Sterne) zu Ende.

(Thomas Weiland, Musik Express)

Ein Himmel voller Geigen: Reissue des 1996er-Albums der Amerikana-Band.

1996 standen die Walkabouts an einem Scheidepunkt. Die Band aus Seattle brauchte ein neues Label, die Major-Firma Virgin ein bisschen Glaubwürdigkeit. Das erste Resultat der Zusammenarbeit war das Album „Devil’s Road“. Ein höheres Budget ermöglichte den Walkabouts die Umsetzung einer Idee, die Songwriter Chris Eckman schon lange im Kopf herumspukte: Die Songs der Band - zartbittere Balladen und Midtempo-Nummern zwischen Folk, Country und Klagelied - sollten mit Streicherarrangements versehen werden.

Zusammen mit dem Arrangeur Mark Nichols arbeitete Eckman an den Arrangements, die in einem Rundfunkstudio in Warschau mit Streichern des Warschauer Philharmonieorchesters aufgenommen wurden. Es war ein weiterer Meilenstein auf dem Weg der Band zur ewigen Suche nach dem perfekten Song. Eckman: „Auf jeden Fall haben die Songs die Zeit überdauert. Wir haben sie noch sehr lange live gespielt, in sehr unterschiedlichen Versionen.“ Und: „The Light Will Stay On“ wurde ein kleiner Hit.

Beide kennzeichnet die abwechslungsreiche Mischung aus Balladen und Rocknummern, der Wechsel von laut und leise – alles auf hohem Niveau.

(Good Times, August / September 2014)

Im Herz der Finsternis: Reissue des 1997er-Albums der Amerikana-Band.

Seit ihrer Gründung 1984 steht ein großes Thema im Zentrum des reichhaltigen Schaffens der Walkabouts: Amerika – mythischer Ort der Sehnsüchte, Hoffnungen, Widersprüche und Ungereimtheiten. So auch auf dem 1997 veröffentlichten zweiten Album für das Label Virgin: „Nighttown“. Wieder ist das Warschauer Philharmonieorchester dabei, wieder Arrangeur Mark Nichols. Angestachelt durch die Erfahrungen mit „Devil’s Road“ (1996) trauen sich die Walkabouts jetzt Dinge, die sie vorher für übertrieben hielten.

Streicherarrangements werden üblicherweise in der Popmusik zur Verkitschung eingesetzt, bei „Nighttown“ tragen sie zur kunstvollen Verdüsterung der ohnehin traumgleichen Atmosphäre bei. „Die Walkabouts sind unpeinliche Romantiker, selbstbewusste Außenseiter, melancholische Lebenskünstler, die wissen: Das Dasein ist ein langer, ruhiger Fluss, der mitten hineinführt ins Herz der Finsternis" schrieb der „Musikexpress“ damals.

Die Reunion-Konzerte von '93 gibt's in zwei Varianten: als Einzel-CD im lila Cover mit zehn Songs, als Doppel-CD mit 34 Stücken im blauen Cover. Die zweite ist klar erste Wahl, weil nur sie die ungebrochene Faszination der originalen Underground-Helden Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison und Moe Tucker in allen schillernden Facetten vermittelt.

(© Audio)

Die Sensation ist perfekt: Velvet Undergrond; die Urzelle aller neuzeitlichen Untergrund-Bands, geht nach 20jähriger Pause in der originalen Quartett-Besetzung wieder auf Tournee. Ihrer Rolle als Säulenheilige des unverbogenen Minimal-Rock sind sich Lou Reed, John Clae, Sterling Morrison und Maureen "Moe" Tucker wohl bewußt - dafür sprechen schon die lateinischen Lettern in der Jahresangabe des jetzt auf CD festgehaltenen "Live"-Events. "MCMXCIII", 1993, im Juni, gastierten die vier Velvets für drei Nächte im ehrwürdigen Pariser "Olympia". Dort spielten sie ihr klassisches Schauerrepertoire, von "Venus in Furs" und "Femme Fatale" bis "White Light / White Heat", angereichert um weniger berühmte Underground-Perlen und den brandneuen Song "Coyote". Diese ergrauten Wüteriche sind, daran läßt der vorliegende Mitschnitt keinen Zweifel, "still crazy after all these years". An spontanen Beifallswellen des Publikums kann der CD-Hörer ablesen, daß einer der vier jung gebliebenen Exzentriker immer mal wieder auf einen effektgewissen Egotrip geht. Musikalisch lieben es die Velvets immer noch sehr laut, aber disziplinierter. Das macht, daß diese Livekonserve - kratzt man einmal das Goldlamé der Heldenverehrung ab und läßt man die unbestreitbare Qualität der Kompositionen außer acht - nicht viel mehr Aura hat als die mancher gestandenen "normalen" Rockband. Lou Reed & Co. legen hier eine spielerische Routine an den Tag, die das Dämonische, Unberechenbare, Bösartige, Kakophonische ihrer Kunst allenfalls erahnen läßt. Ausnahmen, wie John Claes Interpretation von "All Tomorrows Parties" und Teile des Finales, bestätigen die Regel. Das Paris-Konzert ist auch in einer komprimierten Fassung als Einzel-CD (WEA 9362-45465-2) erhältlich.

(© Stereoplay)

1991 gründeten Schneider a. k.a. Dirk Dresselhaus (Schneider TM, Hip Young Things) und Krite a. k.a. Christopher Uhe (Speed Niggs, Sharon Stoned, Floor) Locust Fudge. Nach diversen gemeinsamen Konzerten ihrer verschiedenen Bands taten sie sich zusammen, um die Bielefelder Bevölkerung in der Fussgängerzone mit ihren Hits in akustischer Version zu beglücken. Davon hörte Reinhard Holstein, seineszeichens Chef von Glitterhouse Records, dem Label, das zu der Zeit noch für die europäischen Releases des Sub Pop Labels verantworlich war.

Holstein wollte ein Album für sein Label und er bekam es: »Flush« wurde 1993 veröffentlicht. Das Album enthält je vier Songs, die Schneider vorher mit den Hip Young Things sowie Krite mit den Speed Niggs aufgenommen haben. Daneben gibt es noch Coverversionen von The Notwist, Lou Reed und Neil Young. Nach diversen Konzerten als Duo entschieden sich die beiden ihren Sound zu verändern. Weg vom fast klassischen Singer-Songwriter-Stil hin zu etwas, das sie »Lofi-Glam-Folk« nannten. Das Ergebnis nannte sich »Royal Flush« und erschien 1995 ebenfalls auf Glitterhouse Records.

Nachdem 1996 noch die EP »Business Express« erschien, nahmen sich die beiden eine Auszeit von dem Projekt, ohne sich je aufzulösen. Ein letztes musikalisches Lebenszeichen gab es 2004 mit einem Beitrag zu dem The Fall Tribute Sampler »Perverted by Mark E.«. Im Dezember 2014 erscheinen »Flush« und »Royal Flush« nun endlich als gemeinsame Doppel-LP auf dem Bielefelder Label Kapitän Platte.

Wiederveröffentlichung der ersten beiden Alben dieses von uns höchst geschätzten Duos auf dem Bielefelder Label Kapitän Platte. Erstmalig auf Vinyl, auf 500 Stck. limitiert, als Doppel-LP im Klappcover, mit haufenweise Linernotes plus Downloadcode. 1991 gründeten Schneider a.k.a. Dirk Dresselhaus (Schneider TM, Hip Young Things) und Krite a.k.a. Christopher Uhe (Speed Niggs, Sharon Stoned, Floor) Locust Fudge. Ihr Debüt “Flush“ erschien 1993 auf Glitterhouse. Vier Songs aus Schneiders Feder, vier aus Krites. Dazu Covers von The Notwist, Neil Young und Lou Reed. Alles im reduzierten klassischen Singer-/Songwriter- Stil - Schönklang mit Brüchen, mit Tiefe und Herzensbildung, changierend zwischen Unschuld und weltgebeutelter Expertise. So unfertig, unschuldig und bewusst unperfekt das Album klingen mag, „Flush“ ist ein Juwel, nicht weniger als das, ein Klassiker im Glitterhouse-Label-Katalog. 1995 kam „Royal Flush“ der inhaltlich nicht zwangsläufige Nachfolger. Schneider und Krite selbst meinten, ein lebensbejahendes Easy-Listening-Album aufzunehmen. Weit gefehlt. Das Album ist eher „eine wunderschöne Sammlung verpatzter Radio-Hits mit Tiefenschärfe“ wie es der damalige Infotext ausdrückte, „Lofi-Glam-Folk“ nannten sie das selbst. Keyboards und rumpelnde Beats halten Einzug, es wird verstohlen an Knöpfchen gedreht, das ist nie ungebrochen, da lauert immer irgendwo ein Kloß im Hals. Locust Fudge flirten mit dem Desaster, gehen lächelnd Risiken ein, nehmen vorweg, was Jahre später mal an Indie-Rock gut sein sollte, haben Songs, für die andere morden würden und Soundvorstellungen, für die es Phantasie und Weitblick braucht. „Cake“ z.B. oder „Racing Horse“ sind verflucht einnehmende Großtaten, die in einer besseren Welt seit 20 Jahren die Charts dominieren würden. Eine schändlich übersehene bzw. fast vergessene Band, die nicht wieder in Vergessenheit geraten sollte. Bitte bevorraten Sie sich.

(rs, Glitterhouse)

Reissue des 1993er-Albums der US-Band mit vielen Extras.

1993 erschien das sechste Studioalbum der amerikanischen Indierockband Yo La Tengo. »Painful« markierte eine stilistische Wende in der Geschichte der 1984 gegründeten Gruppe aus Hoboken, New Jersey.

Atmosphärische Ambient-Sounds vermischen sich mit Ira Kaplans berüchtigten Feedback-Noise-Schleifen. Gleichzeitig ist »Painful« eine noch weitere Öffnung Richtung Melodie und Songwriting.

Yo La Tengo has released several fine albums before, but only Painful encapsulates their folky guitar experimentalism perfectly. Alternating between dreamy Velvet Underground-style ballads and raving, Sonic Youth guitar squalls, Painful also finds the group improving their songwriting skills immeasurably. Before, they relied on soundscapes; now, the sound fleshes out their songs, from the trance-like "Nowhere Near" to the dense "From a Motel 6" and the two versions of "Big Day Coming," which cover both ends of the spectrum. A subtly addicting album.

(by Stephen Thomas Erlewin, All Music Guide)

Jeder entspannt nach einem harten Tag auf seine eigene Art und Weise. Pat Sansone und John Stirratt erholten sich von Wochen des Auftretens vor tausenden von Leuten, in dem sie sich Zeit nahmen, ,"Fifth" zu erschaffen, ein weiteres Pop-Epos des lange bestehenden Duos THE AUTUMN DEFENSE.

Aufgenommen zwischen Tür und Angel auf Tour mit WILCO rekrutierten die beiden Multiinstrumentalisten und Produzenten zum ersten Mal Mitglieder ihrer Tourband, um ein THE AUTUMN DEFENSE Album umzusetzen. Selbstbewusste Grooves unterlegen die Myriaden von Melodien des Duos und die sorgfältig übereinandergelegten Gitarrenklänge.

"Ich glaube, dass es einen Kernsound gibt, der sämtliche Tracks verbindet", erklärt Sansone. "Vielleicht sage ich das aber nur, weil ich da war und weiß, wie das Ganze entstanden ist, aber mein Instinkt sagt mir, dass es nur so klingt, wenn eine besondere Konstellation von Musikern zusammenspielt." Die erste Single ist "This Thing That I've Found". THE AUTUMN DEFENSE kommen 2014 auf Tour.

Zart wie eine herbstliche Stimmung schmiegen sich die Melodien und Rhythmen ins Ohr (...). Zwölf fragile Feintöner, eingespielt erstmals mit einer eigenen (Tour-) Band: schlicht und wunderschön!

(Audio, Februar 2014)

Fifth is the fifth album from the Autumn Defense, the side project of longtime Wilco members John Stirratt and Patrick Sansone, and if that doesn't seem like an especially exciting name, it doesn't take long to realize that they put enough imagination into the music that they can be forgiven for not going overboard when dreaming up a title. Much like their brilliant 2007 self-titled album, Fifth is a gorgeous evocation of '70s soft rock fading into sunshine pop, and the craft of the album is unassailable: Stirratt and Sansone's lead vocals and harmonies are outstanding, the arrangements and performances are beautiful and emotionally powerful for all their smooth and sunny exteriors, and the songwriting is superb, at once capturing the sound and feel of a specific era and creating something that's absolutely fresh in its sincerity and subtle force. While it would be easy to make music like this sound treacly and ironic, the Autumn Defense understand that pop music can cover a broad emotional palette, and part of what makes Fifth so effective is Stirratt and Sansone's gift for adding the right amount of shade to their Laurel Canyon sunset fantasies. "August Song," "What's It Take," and "Calling Your Name" are near-perfect pop songs that tell tales of a less-than-perfect world, even as "Why Don't We" and "This Thing That I've Found" find them embracing the warmer side of the imaginary paradise they've created. And while in the past Stirratt and Sansone have brought in some of their well-known friends to help them bring the Autumn Defense to life in the studio, this time they've recorded with the live band they use on the road, and the performances have an ineffable warmth and nuance that come from musicians being comfortable with one another. Fifth isn't much of a title, but the music is something very special, and this is one of the smartest and best-crafted pop albums of recent memory.

(by Mark Demming, All Music Guide)

Zwanzig Jahre nach "Gore Motel" und immerhin fünf Jahre nach "Dolores" veröffentlicht das eigensinnige Quartett Bohren & Der Club of Gore ein Album mit dem recht schlüpfrigen Titel "Piano Nights", dessen Sound nur noch von ferne an die ideale Schnittmenge aus "Midnight Radio" und "Sunset Mission" denken lässt und stattdessen den Albumtitel mustergültig und voller Respekt vor dem Song einlöst. Im unverkennbaren Bohren-Style!

Nach dem 3-Track-Zwischenwerk "Beileid" (2011) war vieles denkbar, schließlich hatte die Band hier erstmals mit einem Gastsänger namens Mike Patton experimentiert und zudem auch noch unironisch Warlocks "Catch My Heart" gecovert. Verglichen damit, stellt "Piano Nights" tatsächlich so etwas wie eine Rückkehr zu den eigenen Wurzeln dar, allerdings auf der Grundlage komplexerer Arrangements und einer erweiterten Sound-Palette.

Die vier Musiker, die "Piano Nights" übrigens selbst für ihr bestes Album seit "Black Earth" halten, legen wert darauf, dass es sich bei dem Albumtitel nicht um eine Persiflage handelt, sondern um einen an sich selbst gestellten Anspruch. Zudem gelte es bei jedem neuen Album, dass über die Jahrzehnte erarbeitete Level an Verbindlichkeit zu halten und nicht in Routine zu verfallen. "Horror Jazz" is endgültig over, Baby!

Wieder also gelingt Bohren & Der Club Of Gore ein provokanter musikalischer Gegenentwurf zum rastlosen Zeitgeist, ein kosmischer Doom-Bar-Jazz-Ambient-Komacore."

(musikexpress, Februar 2014)

Attraktiver kann ein Soundtrack zur Höllenfahrt nicht sein!

(Jazzthing, Februar / März 2014)

Though there was an EP in between, it has been over five years since Bohren & Der Club of Gore's last full-length, Dolores. That record provided a shift in their trademark, "doom-ridden jazz music." There, one could actually hear lighter, breezier sounds in their suffocating, black narcotic mix. The nine tunes on Piano Nights walk a line between the haunted beauty of Dolores and the more austere, glacial darkness of earlier recordings. Co-composers Christoph Clöser (piano, saxophones, vibes) and Morten Gass (organ, Mellotron, baritone guitar, piano) create an uneasy tension that compares to something that approaches the airy compositions of Angelo Badalmenti -- with their beautiful veneer of innocence that barely conceals the sinister -- and the, mysterious, near-Gothic explorations of Harold Budd (à la The White Arcades and The Serpent (In Quicksilver). The rhythm section of bassist Robin Rodenberg and drummer Thorsten Benning remain almost tensely restrained, but given the pace of these tracks, sticking to that economic language is remarkable. While the set is constructed to be listened to as a whole, there are standouts. Opener "Im Rauch" has a lonesome saxophone solo and vibes adding color and texture to the spectral, minor-key moodiness. "Fahr Zur Hölle" is almost church-like in its processional pace, led by organ, piano, and Mellotron. Though it doesn't swing (nothing this band plays ever does), the vibes on "Ganz Leise Kommt Die Nacht" recall the approach of the Modern Jazz Quartet's Milt Jackson on the Atlantic-era MJQ album, with sparse, spacious lyrical assertions amid otherwise gray, gauzy textures. Two-thirds of the way through, a sampled, wordless vocal chorus changes the cut's entire flavor, and it becomes a funereal dirge. "Verloren (Alles)" is the most skeletal track here in terms of form; the doubled saxophones move along a nearly static scalar line as piano and rhythm section sketch in brief melodic ideas over ten-and-a-half minutes. Closer "Komm Zurück Zu Mir" brings the sampled chorale back amid pronounced tensions via the use of electric guitar and an icy tenor saxophone -- think Jan Garbarek at his most speculative and pensive. It sends Piano Nights off in an inviting if cautious wash of darkness, both earthy and otherworldly.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Nach einer mehr als vierjährigen Aufnahmepause meldet sich Singer / Songwriterin Rosanne Cash mit ihrem neuen Album, für ein neues Label, zurück. Mit ihrem Ehemann und langjährigen Songwriting-Partner John Leventhal verfasste Rosanne Cash elf wundervolle, ganz neue Songs für ihr Blue-Note-Records-Debüt “The River & The Thread”. Auch als Arrangeur, Gitarrist und Produzent stand ihr Mann John Leventhal ihr zur Seite. Rosanne Cashs letztes veröffentlichtes Album ,,The List”, aus dem Jahr 2009, war für zwei Grammys nominiert und wurde außerdem zum Album des Jahres, von der Americana Music Association, gekürt.

Ein Bestseller wurden Rosanne Cashs Memoiren, die sie im Jahr 2010 unter dem Titel “Composed” publizierte. Von der Chicago Tribune wurde Rosanne Cash als ,,eine der besten Aufzeichnungen eines amerikanischen Lebens, die man jemals lesen wird” gefeiert und bejubelt. Auf “The River & The Thread” befasst sich Rosanne Cash nun mit anderen amerikanischen Lebensgeschichten und Orten. Die Landschaft des amerikanischen Südens beschwört dieses Album sowohl musikalisch, emotional und physisch herauf und setzt sich mit den unauslöschlichen Spuren auseinander, welche diese im Besonderen bei Rosanne Cash wie auch im Allgemeinen und in der amerikanischen Kultur hinterlassen haben.

In Rosanne Cashs neuen Songs tauchen einzigartige Charaktere auf, welche viele Generationen umspannen: das Spektrum reicht von einem Bürgerkriegssoldaten, der nach Virginia in den Kampf zieht, über einen Farmer der New-Deal-Ära in Arkansas bis zu einem Paar im heutigen Mobile, Alabama. Die Song-Kollektion dieses neuen Albums ist durch und durch zeitgenössisch und das obwohl Rosanne Cash und ihr Mann John Leventhal doch von einer breiten Palette musikalischer Stile inspiriert wurden, die man mit dem Süden der USA assoziiert (u. a. sumpfiger Delta-Blues, Gospel, Folkmusik aus der Appalachia-Region, Country und Rock). Rosanne Cash hat eine wundervolle kristallklare Stimme und gemeinsam mit Johns Leventhals bezwingendem Gitarrenspiel bildet sie das Herz diesen Albums. Die Instrumentierung variierten sie allerdings immer wieder um dem Charakter eines jeden einzelnen Songs gerecht zu werden. Also hören wir delikate orchestrale Passagen in “Night School” (als Reverenz an Stephen Foster, den so genannten “Vater der amerikanischen Musik”, der den Süden der USA leidenschaftlich liebte) und geisterhafte Keyboard-Klänge im abschließenden Song des Albums, “Money Road”. “Selbst wenn ich nie mehr ein anderes Album aufnehmen sollte, werde ich zufrieden sein, weil ich dieses gemacht habe”, sagt Cash über ihr neues Werk “The River & The Thread”, das sich deutlich von ihren früheren Arbeiten unterscheidet.

Auch mit guten Freunden und musikalischen Weggenossen trafen sich Rosanne Cash und John Leventhal bei den Aufnahmen, Menschen die – wie sie selbst – eine tiefe Zuneigung zum Süden hegen und / oder dort ihre Wurzeln haben: Cory Chisel, Cashs erster Ehemann Rodney Crowell (der auch Ko-Autor eines Songs war), Amy Helm, Kris Kristofferson, Allison Moorer, John Prine, Derek Trucks, John Paul White (The Civil Wars), Tony Joe White und Gabe Witcher (The Punch Brothers).

“Wir träumten von der Tallahatchie Bridge, und wir haben sie tatsächlich gefunden”, sagt Rosanne Cash in Anspielung auf Bobbie Gentrys 1967 Smash-Hit “Ode To Billie Joe”, den wohl weltweit bekanntesten “Southern Gothic”-Songklassiker. Ihre eigene faszinierende Reise durch den Süden der USA unternimmt Rosanne Cash nun auf “The River & The Thread” und beschwört dabei dessen mythischen Geist herauf.

Rosanne Cash wurde als älteste Tochter der Country- und Rock’n’Roll-Legende Johnny Cash 1955 in Memphis geboren und wuchs in Kalifornien auf. Sie hat bisher zwölf Studioalben in ihrer Karriere aufgenommen, darunter die beiden vergoldeten Klassiker “Seven Year Ache” (1981) und “King’s Record Shop” (1987), und unglaubliche elf Nummer-1-Singles in den Country-Charts platziert. Rosanne Cash wurde bereits zwölf Mal für einen Grammy nominiert und im Jahr 1985 gewann sie die Auszeichnung auch und zwar für “I Don’t Know Why You Don’t Want Me”. Außerdem ist Rosanne Cash seit geraumer Zeit auch eine erfolgreiche Autorin: vier Bücher publizierte sie bereits und schrieb Essays und fiktionale Texte für die New York Times, den Rolling Stone, Newsweek und das New York Magazine.

Für Euch, die Ihr keine Zeit zum Lesen habt, machen wir es kurz: Eines der gelungensten Alben aus der CSN-Nachlassenschaft der vergangenen Jahrzehnte. Eine einzige filigrane, fließende, frenetische Freude. Ein Alterswerk ohne Alter, vielleicht sein bestes Solo-Album, sicher aber sein geschlossenstes, im Ganzen gelungenstes Werk. Für alle anderen ein paar Wörter mehr: So prägend und in uns allen nachhallend Schaffen und Stimme Crosby’s ist, so überschaubar ist die Zahl seiner Solo-Alben, das letzte Studiowerk mit eigenen Songs liegt so lange zurück, dass es kaum noch wahr ist. Anstatt aber wie andere Altersgenossen auf No. Sicher zu gehen (Live-Dokumente aus besseren Zeiten hervorkramen/eigene Klassiker neu einspielen/ein Album mit Coverversionen aufnehmen/sich mit anderen großen Namen kurzerhand zu einer eher belanglosen Super-Gruppe zusammentun), schenkt uns der alte Querkopf mit der engelsgleich weichen Stimme ein Album mit elf neuen Crosby-Kreationen und damit das Beste, was er (und andere Altersgenossen) seit langem geschaffen hat. Wurden aber zum Beispiel die immer noch erinnernswerten Veröffentlichungen des CPR-Trios nicht nur von ehernen Verehrern in erster Linie als Crosby-Alben verstanden, so ist im Gegenzug Croz das Werk einer kongenialen Kreativ-Cooperation, prägt Sohn James Raymond als beindruckender Vielinstrumentalist das komplette Werk, sorgen Alt- und Junggefährten wie Shane Fontayne und Marcus Eaton und Steve DiStanislao als durchgehend feste, bemerkenswert versiert agierende Band für den glasklaren genreübergreifenden Country-Rock-Kosmos, in dem sich Crosby’s Gesang hörbar wohlfühlt. Die Songs tragen sämtlich die leis versponnene, meisterlich melodie-mäandernde, flirrend-frei fließende Handschrift des Meisters, immer wieder verweisen himmlische Harmonie-Chorsätze auf seine glorreiche Geschichte, auserwählte Gäste wie Mark Knopfler, Wynton Marsalis, Steve Tavaglione und Leland Sklar setzen Zeichen, hinerlassen Spuren, ohne den Crosby-Kern zu verfälschen, helfen dem Freigeist beim Spielen mit den Stilen. Zurückgelehnt, gelassen-ausgelassen zelebriert der würdevolle Schnurrbart-Träger seine oft und gern ausufernde Art, Songs in formsprengenden, fließenden Spannungsbögen zu arrangieren, eröffnet himmlische Harmonie-Horizonte, nimmt uns mit auf eine von Stil-Strömungen und Musikmoden unbelästigte Reise durch die Zeit, getragen von meisterlichem Musik-Handwerk, gebettet in kristallklarer Produktion, und gekrönt von grandiosem Gesang, der kein Alter zu kennen scheint. Welch eine wundervolle Rückkehr!

(cpa, Glitterhouse)

It's been 20 years since David Crosby released a collection of new songs, but he's hardly been quiet in those two decades. His occasional reunions with Stephen Stills, Graham Nash, and sometimes Neil Young get the most attention, but he also appeared on David Gilmour's 2006 album On an Island and, more notably, often worked with his son James Raymond on a band called CPR. Raymond is David's chief collaborator on Croz, a skillful evocation of Crosby's early-'70s haze as filtered through early-'90s professionalism. As always, Crosby is supported by a cast of heavy-hitters, but where 1993's A Thousand Roads sometimes seemed weighed down by cameos (an emphasis on covers also helped shift the spotlight away from the man at the center), Croz is tastefully decorated with sly solos by Mark Knopfler and Wynton Marsalis, the focus forever remaining on Croz himself. At the age of 72, his voice remains sweet, sometimes airy, and he and Raymond take advantage of both qualities, occasionally conjuring ghosts of CSN's early-'80s soft rock ("Radio" could easily have slipped onto Daylight Again), but usually allowing the music to amiably drift and linger, sometimes settling in the conscious, sometimes dissipating. Even with songs as spare and haunting as "If She Called" -- nothing more than an electric guitar and voice there -- Croz is too dedicated to tasty, in-the-pocket grooves and cleanly sculpted digital production to truly be an heir to If I Could Only Remember My Name, but it's the only other solo record of Crosby's that attempts to reckon with similar emotions and sounds. That Croz prefers certainty to the untrammeled melancholy of If I Could Only Remember My Name is a reflection of where he stands in 2014: he's aware he's building upon a past he sometimes pines for, yet he's restless enough to forage ahead into new territory, but only when he's surrounded by cozy, familiar settings.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

„Libertatia“ ist das neue Album von Ja, Panik.

Ein Album für die Ewigkeit – das liefern uns die Wahlberliner um Frontmann Andreas Spechtl nun mit ihrem neuen Album „Libertatia“, auf dem federleichter Wavepop zu hören ist.

Im Nordwesten vor Madagaskar soll er gelegen haben: Ein anarchistischer Ort mit dem Namen Libertatia. So heißt nun auch das neue Album der Band Ja, Panik. Und wie immer man sich Libertatia als Ort, als Soundtrack, als Utopie im 21. Jahrhundert auch vorstellen mag: Bei Ja, Panik klingt er einladend und entspannt. Und unter einem Papierberg von notierten Zweifeln ist die Botschaft der Band am Ende extrem befreiend und lebensbejahend: "One World, One Love, Libertatia".

„Libertatia“ wurde von Tobias Levin produziert. Ja, Panik haben auf diesem Album zu einem neuen Sound gefunden, einem, der die Utopie formal und inhaltlich zusammendenkt: Soul-Bässe, Postpunk-Rhythmen, New-Wave-Gitarren, Synthesizerflächen und ein Gesang, der einem immer intim und vertraut vorkommt: Andreas Spechtl als großer, romantischer Songschreiber zwischen Kerzenlicht und Discokugel.

Man braucht ein wenig Zeit bis man „Libertatia“ versteht und auch erkennt, dass das, was Ja, Panik ausmacht, nämlich die Wut, auch auf diesem Album stattfindet, nur ist sie in den Songs eben etwas versteckt. Dass auch ihre bevorzugte Artikulationsweise (Stichwort: Querverweise Richtung Philosophie und Pop, Denglisch) auch auf „Libertatia“ noch angesagt ist, ist wirklich gut so. Denn so kennen und lieben wir doch diese Jungs.

Die Berliner haben zusammen mit Tobias Levin ein Album aufgenommen, das (…) eher Pop als Rock ist und gelegentlich an Aztec Camera, Lloyd Cole, Blurs "Beetlebum" und Tocotronic zu Tocotronic-Zeiten erinnert.

(musikexpress, Februar 2014)

Lässiger, verrätselter, utopischer Pop vom Trio um Andreas Spechtl.

(Rolling Stone, Februar 2014)

Andrea Schroeder ist eine Ausnahmeerscheinung unter den deutschen Sängerinnen. Eine Songpoetin, deren Stimme ebenso fesselt, wie ihre lyrischen, oft melancholischen Texte. Mit „Where The Wild Oceans End“ legt die Berlinerin nun ihr zweites Album vor, aufgenommen in einem kleinen, wunderbar ausgestatteten, analogen Studio an der norwegischen Atlantikküste, unter der Regie des US-amerikanischen Produzenten Chris Eckman (The Walkabouts, Tamikrest, Midnight Choir). Verglichen mit ihrem 2012er Debut „Blackbird“, das von Kritik wie Publikum gleichermaßen euphorisch aufgenommen wurde und die Messlatte entsprechend hoch legte, ist mit „Where The Wild Oceans End“ dennoch ein Quantensprung gelungen. Die Entwicklung, die Andrea Schroeder und ihre Band um den dänischen Gitarristen und Songwriting-Partner Jesper Lehmkuhl in den anderthalb Jahren seit Erscheinen ihres Debuts genommen haben, ist faszinierend. Ohne ihre Wurzeln zu verlassen, haben sie ihr Spektrum deutlich, aber in logischer Konsequenz erweitert. Nach wie vor steht Andreas verstörend-verführerische Stimme im Mittelpunkt, sind die Geschichten, die sie transportiert von tiefer, fragiler Melancholie geprägt, die musikalische Vision ist jedoch deutlich gewachsen. „Where The Wild Oceans End“ ist ein Album wie aus einem Guss geworden, es hinterlässt Spuren, berührt die Seele und vermittelt doch ein wohlig-warmes Gefühl tiefster Befriedigung beim Hörer.

(Glitterhouse)

Thee Silver Mt. Zion haben über sieben Alben seit 1999 hinweg einen stacheldrahtbewehrten Bogen der Protest Music gespannt. Erst kürzlich haben sich Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra auf nur fünf Musiker zurückgestutzt. Menucks massive E-Gitarre fungiert hier als Rückgrat, um das zwei Geigen, ein Bass (dieser Tage öfter elektrisch als akustisch) und das Schlagzeug rotieren.

“Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything" ist das erste definitive Dokument des neuen Sounds und Stils der Band als Quintett. Das Kernstück des Album, „Austerity Blues“ mit seiner Abschlusszeile "Lord let my son live long enough to see that mountain torn down" gesungen in verschiedenen Spielarten über die zweite Hälfte des 14-minütigen Epos, personifiziert den unerschrockenen Blick Menucks auf eine Welt voller Erbärmlichkeit, Gier und Ungerechtigkeit, betrachtet durch die Linse von Elternschaft, Sterblichkeit, Durchhaltevermögen und Trotz. Dies ist keine fröhliche Musik, aber sie kann auch nicht einfach so als apokalyptisch und weltmüde abgestempelt werden.

"Fuck Off Get Free" wütet voller Zorn und Hoffnung und ist zugleich absolut leidenschaftlich und bewusst unromantisch. Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra zeigen einmal mehr, das es so viel gibt, gegen das sich kämpfen lässt. Im Unterschied zu anderen Bands haben Thee Silver Mt. Zion die passenden Kampfsongs im Gepäck.

Thee Silver Mt. Zion has traced a barbed-wire arc of genre-defying protest music, through seven albums, since its inception in 1999. Recently Thee Silver Mt. Zion has pared back to five players, with Menuck's massive spectrum-spanning electric guitar sound emerging as the spine around which two violins, bass (now more often electric than acoustic) and drums are supported and deployed.

"Fuck Off Get Free We Pour Light On Everything" is the first definitive document of the band's newfound sound and style as a quintet. The album centerpiece "Austerity Blues" with its closing lyric "Lord let my son live long enough to see that mountain torn down" sung in varying incarnations throughout the second half of this 14-minute epic, encapsulates Menuck's unflinching take on a world replete with shabbiness, greed and injustice, seen through the lens of parenthood, mortality, endurance and defiance. Feel-good music this is not; but neither can it reductively be tagged apocalyptic or world-weary.

"Fuck Off Get Free" rages with scorn and with hope, utterly passionate but pointedly unromantic. Thee Silver Mt. Zion once again demonstrates, like few other bands working today, that there is much to fight against, much to fight for, and plenty more fight songs to sing.

Frisch gebündelte Kräfte: Band verkleinert, Sound vergrößert, so viel Punkrock haben die kanadischen Post-Rocker bisher noch nicht auf ein Album befördert.

(musikexpress, Februar 2014)

Sich nicht entscheiden zu müssen, schon gar nicht für ein gewöhnliches vorgefertigtes Leben - das war schon von Anfang ein Thema bei Hannes Wittmer alias Spaceman Spiff. Bereits auf den ersten beiden Alben - "Bodenangst" (2009) "Und im Fenster immer noch Wetter" (2011) - war schnell klar, dass hier einer singt, der nicht nur etwas zu erzählen hat, sondern dies auch kann. Neben einem untrüglichen Gespür für große Melodien sind es vor allem die Texte, die in ihrer Stärke und Ausdruckskraft ihresgleichen suchen: eine poetische Gratwanderung zwischen Melancholie, Ernsthaftigkeit, Glück und ein klein wenig Pathos, oder, wie es "Intro" ausdrückte: "Wie verheulte Augen am nächsten Morgen. Berührend ohne Kitsch."

Mit Felix Weigt (Die höchste Eisenbahn) und Jonny König (Stoiber On Drums) haben sich ihm zwei hervorragende Musiker angeschlossen, die mit ihrer Mischung aus Perkussion, Streichern, Klavier, Bässen und Xylofon oftmals vergessen lassen, dass auf "Endlich Nichts" nur ein Trio am Werk ist.

Von wütenden Hymnen über treibende Rockstücke bis zu Filmmusikorchester-Pop gelingt ihm wieder ziemlich viel.

(Rolling Stone, Februar 2014)

Die kalifornische Post-Punk-Band Warpaint hat mit "Warpaint" ihr zweites, selbstbetiteltes, Album veröffentlicht.

Mit der von John Frusciante produzierten Debüt-EP "Exquisite Corps" konnten die vier Frauen aus Los Angeles bereits Kritiker und Publikum von ihrem melodischen und ungeheuer kraftvollen Sound überzeugen und begeistern. Außerdem war ihr Debüt Album "The Fool", das im Jahr 2010 erschien, im "Musikexpress" Platte des Monats und der britische "New Musical Express" gab Warpaint auf einem Magazin-Cover den passenden Titel "The new queens of the underground". Warpaint waren außerdem von der BBC, für den Sound of 2011 nominiert. Seither spielten Warpaint auf zahlreichen Konzerten und Festivalauftritten in Deutschland und konnten sich so eine große Fanbase aufbauen.

Nach ersten Aufnahmesessions im Joshua Tree Studio entstand 2013 das zweite Album "Warpaint". Die Platte wurde von Flood (PJ Harvey, Nick Cave etc) co-produziert. Warpaint gelang es gemeinsam mit Flood ihren einmaligen Live-Sound auf Tonträger zu bannen. Die ätherisch-sphärischen neuen Songs ziehen einen vom ersten Ton an sofort in ihren Bann und lassen einen so schnell auch nicht wieder los. Der bekannte Videokünstler Chris Cunningham (Aphex Twin) ist verantwortlich für das wunderschöne Albumcoverphoto.

Warpaint machen Musik im Post-Punk / Post-Rock Stil. Sie erinnern uns an Bands wie The Cure, Joy Division und die frühen Cocteau Twins, denn sie bieten ein Repertoire aus melancholischen Stücken, die eine atmosphärische Schwere tragen.

Das Dunkelgrau in den Liedern von Warpaint hellt sich auf, wird zu pastellenen Tönen, aber es ist immer noch eine Art positiver Existenzialistenmusik, die Warpaint spielen, natürlich ist sie auch hoch artifiziell ...

(musikexpress, Februar 2014)

Im November 2013 hat Neil Finn bereits über seinen Webcast, aus seinem Studio im neuseeländischen Auckland, die Veröffentlichung seines neuen Albums "Dizzy Heights" angekündigt. „Dizzy Heights“ ist nun auf Lester Records via Kobalt Label Services (KLS) erschienen.

„Dizzy Heights“ ist Neil Finns drittes Solo-Album nach "Try Whistling This" (1998) und "One Nil (2001)". Aufgenommen hat Neil Finn diese wundervolle Platte unter der Ägide von Produzent Dave Fridmann (Mercury Rev, The Flaming Lips, Tame Impala) im Tarbox Road Studio in New York sowie in seinem eigenen Roundhead-Studio in Auckland in der Zusammenarbeit mit den neuseeländischen Musikern Connan Mockasin und SJD. Neil Finn hat einen strukturierten, schweren Sound zusammengestellt, ausgestattet und erhöht durch schummrige Streicher und einen sich erhebenden Gesang.

"I didn't want to make it a solo record in a stripped back singer-songwriter sort of way", so Finn über sein neues Album. "I had a feeling Dave would be good at adding some odd shapes to the music. Which I always welcome - making things a little more expansive. He is good at subverting things, and making things sound a bit messed up and not as obvious, rather than being too tasteful, which is always a temptation."

Neil Finn macht als Solo-Künstler die wohl merkwürdigsten, unreinsten und doch interessantesten Pop-Platten. „Dizzy Heights“ ist durch Neil Finns und David Fridmanns Experimentierfreude zu etwas ganz einzigartigem geworden: Ein unglaubliches Highlight in Neils Finns 35-jährigen Karriere im Pop-Business und zu einem außergewöhnlichem Kreativ-Comeback. Dieses Album serviert uns bestenfalls beides, das merkwürdigste und poppigste, von Neil Finn.

One by one and over and over, the figures leap from the cliff, through the clouds, and melt into the ocean. Neil Finn had been playing on the computer with some images collected from the window of an aeroplane as it peeped above the clouds, when they abutted with footage captured in Greece, of boys jumping into the sea. "I had an accident, where I put this keying effect on there, and suddenly saw these kids jumping through clouds, and I thought I'll just use that. It was a bit of good luck."

These grainy, absorbing images play over the exhilarating whirl of "Divebomber", a song inspired by the 1950's film of the same name, and one of several on his new album that evoke a sensation of sharp ascent, of giddy height, the free-fall thrill. "It's a risk, if you fly fast enough. With a rush of blood, you can bet you'll forget anyone." Finn did not set out on his third solo album with a theme in mind. But by the time he came to call it after another track on the record, "Dizzy Heights", it had become inescapable. "It crept up on me. I started noticing it in lots of places. "You start off with a number of different threads and angles and demos, and they dictate the terms of the record. It's only in the course of the process that you maybe get a feeling there's a type of song emerging, or an atmosphere." The cloud jumpers epitomise, too, the Finn creative process: an attachment to a work-ethic and prosaic rigour - "a willingness to be disciplined, punctual and focused" - but designed for the arrival of something more, "to capture the little flashes of complete happenstance or good fortune that come your way - often from a mistake".

An indirect inspiration for the height motif is mountaineer Sir Edmund Hillary, who was the first to reach the peak of Mount Everest in 1953, five years before Neil was born. "Hilary had a huge impact on my generation of New Zealanders," says Finn. "There's something in the New Zealand DNA about trying to scale impossible heights. It's something that can be very positive, but also has its downside." Amid its vertiginous, richly melodic swirl, Dizzy Heights contemplates love ("Better than TV"), loss ("Flying in the Face of Love"), ageing ("Recluse") and allure ("Lights of New York"). It peeks, too - in "In My Blood", for example - into the abyss.

Neil Finn was 18 when he was invited by his older brother Tim to join the trailblazing art rock band Split Enz. His career since might be measured as a series of bounds, the best-known being Crowded House, which he founded with Paul Hester and Nick Seymour after the breakup of Split Enz in 1984. Four albums, among them Crowded House and Together Alone, brought the group popular and critical acclaim around the world. Along the way, there have been a host of collaborations, including with brother Tim and wife Sharon, and an array of names from Johnny Marr, Ed O'Brien, Eddie Vedder and most of Wilco. There have been two solo records, Try Whistling This and One Nil (or One All). And yet Dizzy Heights unmistakably marks a fresh leap.

With wife Sharon (bass) and sons Liam (guitar) and Elroy (drums), Finn travelled in two bursts to producer Dave Fridmann's Tarbox Road studio in upstate New York, to record songs composed at his Auckland studio, Roundhead. With Fridmann (Mercury Rev, The Flaming Lips), and with contributions from New Zealand musician SJD, and wonderful string arrangements by Victoria Kelly. Finn has assembled a textured, heady sound, furnished and elevated by woozy strings and soaring vocals.

"I didn't want to make it a solo record in a stripped back singer-songwriter sort of way," says Finn. "I had a feeling Dave would be good at adding some odd shapes to the music. Which I always welcome - making things a little more expansive ... He is good at subverting things, and making things sound a bit messed up and not as obvious, rather than being too tasteful, which is always a temptation." Finn remembers an important English teacher, from four decades ago at his high school in Te Awamutu, a small rural town in New Zealand's north island. His name was Ron Martin, and he raced them through the School Certificate syllabus in a matter of weeks, to clear space for reading, writing, arguing, making films Says Finn: "We had a very spirited debate one day in class about whether having big aspirations, big dreams, was a good idea given it can ultimately lead to disillusionment and isolation and at worst bitterness. There was quite a lot of variance of opinion, and I definitely came out for the, yeah, you've got to have the big dreams and big aspirations and it doesn't matter, what the hell. "I think of that sometimes when ambition, or having big dreams, seems slightly shallow and vain because the motivations, they shift - imperceptibly sometimes ... "It's a bit like those boys, jumping off that cliff. I keep thinking back to the one who runs to the edge and stops twice, before leaping off. Life carries on being like that."

Einer der besten Songwriter der Welt hat sich tatsächlich mal wieder in schwindelerregende Höhen aufgeschwungen.

(Rolling Stone, Februar 2014)

Ungemein zart-zärtliches, unterströmend verstörendes, stets schmeichlerisch umwehendes Psyche-Folk-Kunstwerk, verführerisch feinsinng dargereicht von der Feen-Fürstin der düsteren Americana-Klänge. Einfühlsam von Randall Dunn (Earth, Sunn O)))) zwischen aeolischen Engelschören, wehendem Wüstenwind, sakraler Getragenheit, barocker Streicher-Delikatesse, rauh-einsamer Lieblichkeit und Cohen’scher Tristesse in samt-sanfte Szene gesetzt, berühren und bewegen die elf schwebenden Song-Wolken Gemüt und Geist gleichermassen, erobern Herz und Hirn in zaubrisch-hypnotisierender Langsamkeit und belegen sämtliche Sinne mit beunruhigend bittersüßem Bann. Das intime Instrumental-Geflecht gibt sich dabei mal knochenkarg, mal von reichhaltiger Weichheit, die zentrale Akustik-Gitarre wird umsäumt von ihren twangenden und steelenden elektrischen Saiten-Schwestern, von Streicher-Samt, Zart-Schlagwerk und tranceartiger Tastenviefalt, den Reif-Ritterschlag zum finster-filigranen, final bezaubernden Traumobjekt aber erhält der Elf-Song-Düster-Diamant durch die mal geflüstere, mal gehauchte, mal getragene, mal in Himmelshöhen hypnotisierende Sangeskunst der trotz (oder wegen) aller spürbaren Verletzlichkeit nachhaltig prägenden Prinzessin der dunklen Americana-Klänge. Zeitlos-zärtliches, in endloser Ruhe beunruhigendes Singer-Songwriter-Folk-Feinwerk von tragischer Tristesse.

(cpa, Glitterhouse)

Sechs Jahre sind bereits vergangen und nun melden sich The Notwist endlich mit einem fulminanten neuen Album zurück, es heißt „Close To The Glass“.

Das neue Album ist gleichzeitig die vielseitigste und die homogenste Platte, die The Notwist bislang gemacht haben. Wenn The Notwist das Gesamtbild der zwölf Stücke ihres neuen Albums beschreiben sollen, verwendet die Band gerne den Begriff „Collage“:
Komplexe elektronische Tracks, wie das Anfangsstück „Signals“, der Titelsong „Close To The Glass“ oder „Into Another Tune“, wechseln sich ab mit Liedern, auf denen fast nur Markus Achers Stimme und eine Akustikgitarre zu hören sind („Casino“, „Steppin’ In“); es gibt das mitreißende „Kong“, den Hit der Platte, den The Notwist schon oft live vorgestellt haben.

„Close to the Glass“ mag wie eine Collage klingen – aber sie stammt von einem verschworenen Kollektiv, von einer Einheit. Nicht umsonst wollten The Notwist die gesamte Platte ursprünglich sogar live einspielen, im Vertrauen auf die berauschenden Konzerte in den letzten Jahren. Aber da sich die unmittelbare Bühnenenergie nicht ohne weiteres im technischen Aufnahmeprozess bewahren lässt, wurde sie in fast zweijähriger Studioarbeit Spur für Spur, Schicht für Schicht wiederbelebt.

„Close To The Glass“ ist eine Platte von ganz besonderer, entspannter Qualität. Fast zwei Jahre haben The Notwist an diesem Werk gearbeitet und man muss ganz klar sagen, dass sich die Arbeit absolut bezahlt gemacht hat! „Close To The Glass“ ist bisher ihre experimentierfreudigste Platte, auf die die Band unheimlich stolz ist.

Ein Album, das man am besten als Ganzes konsumiert, denn es legt Wert auf eine ausgefeilte, auf Details achtende Dramaturgie. Erst mit Blick auf die große Form offenbart sich die gesamte Genialität. Nicht nur das Songwriting hat ein neues Level erreicht, auch in der Kunst der Spannungsführung sind die Acher-Brüder und Martin Gretschmann mittlerweile Virtuosen.

(stereoplay, März 2014)

If ever there was an album for Mark Kozelek's true cult of admirers, Benji is it. Despite the trademark intimacy in his songs, Kozelek has usually concealed himself behind them. Not here. These nakedly confessional songs are adorned by his voice, nylon-string guitar, and sundry instruments and voices. The record is haunted by the ghosts of his native Ohio. Named for a 1974 kids film he liked as a child, Benji is exceptionally wordy. Once Kozelek begins unspinning his life, he can't stop. Lines collide and mundane details combine with memories and shift quickly, making songs sometimes difficult to track. In opener "Carissa," he returns to Ohio for the funeral of a second cousin who perished at 35 in a freak accident involving an aerosol can. It's a eulogy, though he cannot come to grips with what happened. Will Oldham's backing vocal provides support for his bewilderment. "Truck Driver" spookily reflects on the life and death of an uncle (her grandfather) killed on his birthday in an eerily similar accident. On "Dogs," Kozelek details his early sexual history with tenderness, embarrassment, and bravado. When referencing cultural incidents -- "Pray for Newtown" and "Richard Ramirez Died Today of Natural Causes" -- Kozelek turns them back on themselves to reflect him. The latter features a strident, monotone spoken delivery and relentless guitar playing. The serial killer is cyclically referenced, but the narrative ironically juxtaposes other culturally significant deaths -- James Gandolfini, Elvis -- as Kozelek walks through his old neighborhood, remembering its residents, bearing honorable and even generous witness to their lives -- and deaths. A lyrical Rhodes piano introduces "Jim Wise," a song about one of his father's friends who helped his wife commit suicide, then attempted to kill himself but failed. Awaiting a prison sentence, Kozelek and his father visit to bring him food from Panera. "I Watched the Film The Song Remains the Same" -- over ten minutes long -- languidly unfolds, disclosing his youthful experience being thrilled by the film, balanced by more personal experiences with mortality as a way of explaining that his well-known melancholy has been there since childhood. Two songs celebrate his parents, the delicate "I Can't Live Without My Mother's Love" and the semi-boogie of "I Love My Dad" (wherein he takes a humorous dig at Nels Cline). The lovely, tragic "Micheline" pays tribute to a girl who lived next door and to a childhood friend. It marks his grandmother's long illness and passing, and his shame in not being able to bear being near her during it. Kozelek, now middle-aged, is speaking into a mirror on Benji. It's so intimate, the listener is, by definition, a voyeur. His hardcore following will no doubt celebrate it abundantly. Given its willful indulgence, however, others may find it a tipping point in the other direction.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Das bezaubernde Debüt von Jocie Adams (Ex-The Low Anthem) überzeugt mit orchestralem Pop und verbindet gekonnt Elemente aus Folk, Soul und Jazz.

Arc Iris ist das orchestrale Pop-Projekt von Jocie Adams, besser bekannt als langjähriges Mitglied von The Low Anthem. Die zauberhafte Sängerin, Multiinstrumentalistin und ehemalige NASA-Mitarbeiterin beschreitet fortan ihren eigenen musikalischen Pfad und präsentiert uns auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum eine perfekte Klangsymbiose aus den verschiedensten Instrumenten, wie z. B. Cello, Trompeten, Pedal-Steel, Pianotönen oder Gitarren.

Der Facettenreichtum von Adams scheint keine Grenzen zu kennen, egal ob Folk, Jazz, Rock oder orchestrale Klänge – Arc Iris besticht vor allem durch die verschiedenen Klangfarben und malt so ein buntes Porträt wunderbarer Musik.

Zauberhaft zeitloses Opus jenseits aktueller Stile und Strömungen, deutlich in goldende Siebziger weisende Art-Rock-Artigkeiten von fast verstörend schönem Harmoniereichtum, vielschichtig arrangierte Progressiv-Phantasie von wundersanftem Gesang gekrönt. Auch wenn Schmeichelstimme und Soft Hills-Haupt Garrett Hobba Tonnen von Keyboards auffahren, die elektrischen Gitarren zerren und das druckvolle Schlagwerk scheppern lässt, so umgibt das 2014er Elf-Song-Epos eine kaum greifbare Atmosphäre der unendlichen Sanftmut, vergleichbar allein den frühen Czars-Alben, zudem klingt Departure für das Album einer Rock-Band aus Seattle erstaunlich europäisch (in den Tagen der psychedelischen Pink Floyd-Exkursionen und des melancholischen Moody Blues-Mellotrons). Von den Americana-Elementen der Vorgänger-Werke ist kaum mehr als die erdgebundene, saiten-versilberte Verbindung zu himmlischer Harmonie geblieben, ein Hang zu sonnenverliebten Westcoast-Weichheiten bleibt spürbar, Instrumente verlieren sich in filigran-verspielten Post-Rock-Phantasien, verträumte Shoegaze-Wellen umnebeln die Sinne, aber auch Ausbrüche in nahezu Hard-Rock-heftige Gefilde passen ins Softhill-Klangbild. Gebettet in ein von schillerndem Saiten- und vielfarbigem Tastenwerk gleichermaßen geprägten, reichhaltig ausgestatteten Klang-Lager krönt der mal solitär regierende, mal in köstlichen Mehr-Stimmlagen dargereichte wunderbar weiche Gesang, verwandelt so auch eindeutig-deutlichste Schlagwerk-Zeichen und Art-Rock-Energie-Explosionen in sanft-schmeichelnde Schall-Wogen und verzaubert uns mit ungemein wohltuenden Harmonie-Streicheleinheiten, wie ich sie in dieser finalen Schönheit selten erlebt habe. Die Czars mögen noch einmal als Hör-Hinweis dienen, auch Kenner des einmaligen Beauty Room-Albums befinden sich auf der richtigen Vergleichsfährte, dennoch zeigt Departure noch deutlicher die einzigartige Schönheit der Soft Hills-Klangwelt.

(cpa, Glitterhouse)

Under the tireless leadership of songwriter Garrett Hobba, Seattle-based indie psych act the Soft Hills began turning in nearly annual albums of spacy folk in 2010, each record slowly gaining more focus. Released in 2013, Chromatisms saw the band moving away slightly from the indie folk reference points of its earliest albums, opting for experiments with echo-drenched textures instead of rootsy sentimentality. Perhaps aptly titled, fourth album Departure all but strips the Soft Hills sound of its earlier woodsy wandering, delving further into exploratory deep space and even more solid excursions into traditional indie rock. Soft Hills' basic songwriting core finds itself somewhere between the obscured melancholy of Red House Painters and the spaced-out pop sensibilities of mid-period Pink Floyd, but the edges are sharper in both directions on these songs. The straightforward album opener, "Golden Hour," has the same sung-spoken directness and chiming guitar plinks of the best Lee Ranaldo-penned Sonic Youth tracks, and the springy "Belly of a Whale" has the same lighthearted bounce and organ drones of Yo La Tengo. Elsewhere, the bandmembers flex their experimental tendencies, with druggy slide guitar lines and reverb-heavy snare hits framing the classic down-the-rabbit-hole motif of a psychedelic journey on "White Queen." "How Can I Explain?" is a less on the soft side, with driving rhythms pushing forward, gurgling guitar tones, and subdued bubbling electronic effects. Clearer in their vision than ever before, the Soft Hills turn in their brightest productions and most daring songwriting choices on Departure, setting the scene for even further refinement on future albums.

(by Fred Thomas, All Music Guide)

Dean Wareham's first full-length solo album, 2014's eponymously titled Dean Wareham, features production by My Morning Jacket's Jim James and an elegiac, lyrical tone. The album follows up Wareham's equally compelling 2013 five-song EP, Emancipated Hearts, and explores a similarly baroque and folk-pop-leaning sound with all the latitude offered by a full-length record. In that sense, the album fits nicely into Wareham's existing discography as the leader of bands like Galaxie 500, Luna, and Dean & Britta, the latter two being critically acclaimed projects with his wife and bassist, Britta Phillips (who appears here as well). While Wareham has always evinced a love of dewy-eyed '60s and '70s pop music, here he imbues his softly melodic, sweetly poignant, and often psychedelic sound with a somewhat regretful and sad tone. On the languid, torchy ballad "Love Is Not a Roof Against the Rain" (a reference to Edna St. Vincent Millay's sonnet "Love Is Not All [Sonnet XXX]"), Wareham opines "I can hold the midnight in my hand/Spoken like a singer in a band/Everyone remembers what they want/Stories told to give their life a font/What have I done with my life?/What have I done with the keys?" Cooed against a backdrop of what sounds like an acoustic guitar-led death march in an Ennio Morricone spaghetti Western, the song lets Wareham (an avowed film fanatic) showcase his longstanding knack for combining his enigmatic personal reflections with grand, cinematic imagery. Even the album's most buoyant track, the leadoff single "Holding Pattern," finds Wareham contemplating a sense of stasis in his life. Thankfully, another of Wareham's trademark traits, his deadpan humor, is also on display here as he evokes the monotony of constant touring by juxtaposing the music he's listening to on his device with the locations he find himself in. He sings "Kansas, Boston, Toto, Journey, Foreigner and Styx/San Diego over Denver seventeen to six/Living in a holding pattern, this is not my voice/Stuck inside a drop-down menu, this is not my choice." Ultimately, although melancholy has always been Wareham's default musical disposition, here he delivers his sadness with a coy, charming half-smile.

(by Matt Collar, All Music Guide)

Das amtliche Comeback – nichts weniger. Meine liebste Sup Pop-Band ist 13 Jahre nach der offiziellen Trennung auch albummäßig wieder da – live sind sie ja bereits seit zwei Jahren wieder around. Personell umbesetzt, aber natürlich mit dem einzigartigen Greg Dulli am Mic. Gitarrist Rick McCollum ist nicht dabei, dafür aber Mark McGuire (siehe auch dessen aktuelles Soloalbum „Along The Way“) und Gäste von Chavez, The Raconteurs, Squirrel Bait und Queens Of The Stone Age – in Josh Hommes Pink Duck-Sudio wurde auch der größte Teil des Albums aufgenommen. Und es klingt – wie immer! Dullis expressive Vocals sind manisch zerdehnt, gewohnt ausdrucksstark und gerne in sein leicht kaputtes Falsett kippend. Der Vibe ist tendenziell düster und schleppend, aber auch gewohnt kraftvoll und mit diesem gewissen Quantum untertourigen Funks versehen, der die Band schon immer von der Konkurrenz abhob. Grunge mit Soul ist also noch immer das unverwüstliche Afghan Whigs-Rezept, die Referenzen reichen von Grand Funk Railroad über Phil Spector bis Stax, meistens schwer und psychedelisch inszeniert, dazu mit reichlich 70s-Vibe (Mellotron!), dennoch aber auch mit der gewohnt opulenten Grandezza epischer Melodiebögen und dramatischer Inszenierung. Ohne Schnörkel, ohne Chormädels, Bläser oder Orgeln (nur minimaler Tasteneinsatz), meistens heavy oder satt rockend. Zumindest zweimal auch recht poppig. Und trotzdem fiebrig-funky, wie das sonst kaum eine laute Gitarren-Band hinkriegt. Welcome back, Afghan Whigs!

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Sacklimitierte Doppel-10"-Ausgabe des 2014er Albums, eigens zum Record Store Day im Sonderformat angefertigt.

Trotz im deutschsprachigen Raum bislang nur als Import erhältlichen Veröffentlichungen seiner ersten drei Alben („Blaudzun“ (2008), „Seadrift Soundmachine“ (2010), „Heavy Flowers“ (2012)) in Indie-Kreisen vor allem dank diverser Festivalauftritte (Eurosonic-, Lowlands-, Pinkpop-, Orange Blossom Special-, Rolling Stone Weekender, oder dem Reeperbahn Festival) bereits hoch geschätzt, veröffentlicht Blaudzun nun erstmals auch in hierzulande. Höchste Zeit, sich von einem der außergewöhnlichsten Künstler dieser Tage gefangen nehmen zu lassen:

Johannes Sigmond (aka Blaudzun, der Name ist eine Hommage an den dänischen Radrennfahrer und ehemaligen Weltmeister (1966) im Mannschaftszeitfahren, Verner Blaudzun) zelebriert seine Liebe für Indie-Folk und Art-Rock schon seit 2007. Nach Vergleichen mit internationalen Größen wie Arcade Fire, Ryan Adams oder Antony & The Johnsons, ausverkauften Clubtouren in den Niederlanden und Belgien, dem kommerziellen Durchbruch mit „Heavy Flowers“, welches sich seit sage und schreibe 70 Wochen in den niederländischen Album-Charts tummelt und dort gerade Gold-Status erreicht hat, nach Auszeichnungen wie u.a. dem “Dutch Public Broadcasting Award for Best Album of the Year 2012”, dem “Best Male Artist at the Dutch Edison Awards” (der holländischen Grammy-Entsprechung) und dem “Best Alternative Act at 3FM”, freut sich Glitterhouse mit „Promises Of No Man’s Land“ auf die Veröffentlichung einer großartigen und vielseitigen Platte im März 2014, die durch eine ausgedehnte Clubtour begleitet wird.

Soweit die nüchternen Fakten, aber kann man Blaudzun und seiner Musik überhaupt mit solch formellen Zeilen gerecht werden? Selbstredend nein. Denn Johannes Sigmond ist vor allem eines: Ein Magier, ein Soundvisionär der besonderen Art. Mit seiner bis zu 9-köpfigen Band entwickelt er ein faszinierendes Klanguniversum, dass seinen komplexen, ungewöhnlichen und doch sich gleich im Hirn festsetzenden Songs eine Schärfentiefe gibt, wie man sie in dieser Form derzeit nirgends sonst findet. Dazu eine Stimme, die man nicht vergisst, die einen einsaugt, gefangen nimmt, die echt, tiefgründig, ausdrucksstark, gleichermaßen unendliche Trauer wie unbeugsame Kraft widerspiegelt. Und, vor allem: Songs. Alles, was hier vorher geschrieben wurde, wäre obsolet, würde nicht Johannes Sigmond’s Songwriting genau diesen Qualitäten mehr als gerecht. Das war schon auf den vorherigen Alben so, aber auf „Promises Of No Man’s Land“ erreicht er nochmal ein anderes Level. Vom zart/zerbrechlichen Opener „Euphoria“ angefangen über den packend-treibenden Titelsong mit unwiderstehlicher Hookline, dem die nachfolgenden „Too Many Hopes For July“ und „Hollow People“ in nichts nachstehen, bis zum mächtigen, alles umblasenden Orkan von „Halcyon“ oder dem sanften, versöhnlichen Abschluß mit „Wingbeat“, Blaudzun’s neues Album hat die Songs, die Sounds, die Dramaturgie und die Vision eines monolithischen Klassikers.

(Glitterhouse)

Die Helden aus dem Hintergrund sind zurück – gelassen, gereift, und auf ihre ganz eigene Art sympathisch selbstbewusst. Als Vollblut-Musiker und perfekte Akustik-Handwerker sammelten die fünf Dänen um Anders Pedersen seit Jahren Eindrücke und Erfahrungen bei der Begleitung solch großer Namen wie Isobel Campbell, Mark Lanegan, Kurt Wagner, Scout Niblett und Nive Nielsen, als nahezu unverzichtbarer skandinavischer Teil der großen (Giant) Giant Sand-Familie haben sie sich ebenso unauffällig wie unausweichlich in die Herzen der Howe-Hörer gespielt, und sind dabei dennoch bemerkenswert bescheiden geblieben. Noch faszinierender aber ist, wie es den skandinavischen Wüstensöhnen gelingt, die gesammelten mannigfachen Erfahrungen zum Teil ihrer eigenen, von beeindruckender Musikalität geprägten Werke zu machen, und das bezeichnenderweise Band-betitelte dritte Album gibt nachhaltig Zeugnis von der derzeit erreichten, einzigartigen Güte der Männer aus der zweiten Reihe. Mit elf neuen Wüstenweisen zeigt sich Desoto Caucus als Alternative Country-Kollektiv mit eigenem Kopf, wird die stets spürbare Giant Sand-Dürre ebenso gepflegt wie immer wieder aufgebrochen, um neue Gestade anzusteuern. Ausgestattet mit vier perfekt harmonierenden Stimmen und bemerkenswerter instrumentaler Meisterschaft ziehen sie durch den gitarrengeprägten Gelb’schen Desert, mal nur einen leisen Hauch von der respektierten Americana-Ikone entfernt, mal weit optimistischer in stil-verwandten Oasen grasend, slide-bewaffnet durch saftig-satten Swamp-Groove watend, in Hugo Race-Drone badend, Lanegan-Larmoyanz atmend, twangend Lee Hazelwood grüßend, oder den Crooner-Kopf in die Walker-Brothers-Brise haltend. Unter sengender Sonne entfaltet sich die kreative Kollektiv-Kunst in fiebernd-filigranen Arrangements, die bei aller musikalischen Meisterschaft stets durchschimmernd-luftig bleiben, ganz dem Song, der Melodie dienen, und mitunter klingen, als habe man Gelb’s Genialität endlich mal ein echtes Aufnahmestudio gegönnt. Als getreuem Giant Sand-Gefolge streben die americana-philen Skandinavier gar nicht nach völliger Loslösung vom geehrten Vorbild, aber von Album zu Album gewinnen sie mehr und mehr an eigener, einzigartiger Alt. Country-Kontur, ohne die windumwehten Wüstenwurzeln zu vernachlässigen. Dabei gelingt ihnen der Spagat zwischen genialem Gefühl, leise lächelnder Lässigkeit, herrlichem Handwerk und unwiderstehlichem Understatement, denn bei aller spürbaren Spielkunst ist der Desoto Caucus-Country ein anheimelnd holpriger, gekrönt von einer sandgekörnten Oberfläche, an der sich prächtig reiben lässt. Die beeindruckende Begleitmannschaft schwimmt sich frei, ohne den Howe-Hafen zu verlassen. Oder: Der dänische Desert ist gelber als Gelb.

(cpa, Glitterhouse)

Vintage-Klanglandschaft: drittes Album der dänischen Americana-Band.

Die vier Dänen aus Aarhus sind seit Jahren die Band von Howe Gelb, mithin die europäischen Giant Sand. Außerdem fungieren sie u. a. als Band für Isobel Campbell und Mark Lanegan, Kurt Wagner und Scout Niblett und waren mit Nive Nielsens Deer Children und Plastic Horse auf Tour. Aber sonst sind sie als The DeSoto Caucus – ebenso seit Jahren – ganz sie selbst.

Mit eigenen Songs, die ihre Einflüsse („mainly all kinds of cosmic american music“) widerspiegeln, die aber nicht nur nach Joshua Tree, Wüste oder Sessions am Lagerfeuer klingen, sondern vielschichtig und in ihrer unprätentiösen Brillanz beeindruckend sind. Zum souveränen Songwriting gesellt sich auf dem dritten Album der Band, ihrem zweiten für Glitterhouse, höchste musikalische Akkuratesse, einhergehend mit einer lässigen Chuzpe. Komplexe Grooves und coole Gitarren in einer zeitlosen Vintage-Klanglandschaft – The DeSoto Caucus verbinden Geschmack, Stil und Kennerschaft. Die Jungs wissen, was sie tun. Und das tun sie begeisternd.

Die Linernotes stammen von Tino Hanekamp.

... viel Tex-Mex- und Staubschlucker-Rock zu knorrig-trockenen und bisweilen erstaunlich kratzigen (...) Songs. Exzellenter Klang.

(Audio, Mai 2014)

Mit Horse Thief präsentiert uns die anspruchsvolle Klangkunstschmiede Bella Union ihren neuesten Zugang.

Das Debütalbum „Fear In Bliss“ ist ein musikalisches Panoramabild aus dem Mittleren Westen, voll von Emotionen. Songs, die erst zerbrechlich intim erscheinen, steigern sich zu hymnenartigen Werken, eine Gratwanderung zwischen Besinnlichkeit und Lebendigkeit. Zusammen mit den metaphorisch schönen Texten von Frontmann Cameron Neal ist so ein Werk entstanden, das zum Schwelgen einlädt.

In Denton, Texas gegründet wurde das Quintett schnell vom Flaming Lips Management entdeckt und in Folge von Bella Union-Chef Simon Raymonde unter Vertrag genommen, der dieser fantastischen Live-Band bereits eine große Karriere voraussagt.

Die aus dem texanischen Denton stammenden und wegen eines Studiums nach Oklahoma City übergesiedelten Neulinge sind zum ersten Mal mit der EP GROW DEEP, GROW WILD aufgefallen, vor allem wegen des euphorisierenden Popsongs „I Am The Bear“. Im Vergleich dazu wirkt das Album melancholischer. Mit den perlenden Gitarren und dem Wehklagen in „I Don’t Mind“ werden Freunde von Interpol gut leben können.

„Already Dead“ dagegen ist keine Moritat, sondern weist auf das Ende des Dunkels hin: „I’ll be good, I’ll be safe for the rest of our days.“ überhaupt lässt sich feststellen, dass sich die Stimmung mehr und mehr aufhellt, je länger das Album dauert. In „Dead Drum“ und „Let Go“ ist man wieder bei den Klingelgitarren angelangt, die man von der EP kennt. Beim sphärischen Finale „Warm Regards“ weiß man endgültig, warum Simon Raymonde diese Band unbedingt für sein Label Bella Union haben wollte. Der Sound erinnerte ihn an die Achtziger, als er Mitglied der Cocteau Twins war.

(www.musikexpress.de)

Erstes Album nach 16 Jahren: Rückkehr der englischen Folksängerin.

Beverley Martyn zählte Ende der 60er-Jahre zu den bekanntesten englischen Folksängerin. Die 1947 geborene Musikerin veröffentlichte 1965 ihre erste Single, zog danach mit Paul Simon nach New York, spielte zusammen mit Simon & Garfunkel und trat 1967 beim Monterey Pop Festival auf. Zwei Jahre später lernte sie den englischen Folksänger John Martyn kennen, den sie später heiratete. 1970 veröffentlichte sie zusammen mit Martyn zwei Alben, „Stormbringer“ und „The Road To Ruin“, erst 28 Jahre später folgte mit „No Frills“ ihr bis dato letztes Werk.

Mit „The Phoenix & The Turtle“ meldet sich Beverley Martyn eindrucksvoll zurück. Es enthält Lieder aus ihrer gesamten Karriere, von ihrem ersten Song „Sweet Joy“ bis zum noch nie aufgenommenen Song „Reckless Jane“, den Martyn 1974 zusammen mit Nick Drake schrieb, als dieser nahe den Martyns in Hampstead lebte. Das Album entstand zusammen mit dem Produzenten Mark Pavey in Wales, den Bass spielt Matt Malley (Ex-Counting-Crows), Schlagzeug Victor Bisetti (Ex-Los-Lobos). Das Ganze klinge wie „an old style analogue record“, so Martyn.

Beeindruckend ruhig-reife Rückkehr der britischen Folk-Sängerin, die vor allem durch ihre beiden Collaborations-Alben mit Gatten John im Gedächtnis haftet. Mit Veröffentlichungen hielt sie sich seit Stormbringer und Road To Ruin erstaunlich zurück, nur ein einziges Werk, No Frills, unterbrach die nahezu 45-jährige Studio-Stille seit den Paar-Platten. Umso bemerkenswerter die zeitlose Gelassenheit, die die 2014er 9-Song-Kollektion durchzieht, geschuldet nicht zuletzt auch der Lied-Auswahl – die Frau mit der tief berührenden, mitunter nahezu androgynen Stimme irgendwo zwischen Marianne Faithfull und Thalia Zedek, wählte Songs aus verschiedensten Phasen ihrer künstlerischen Karriere, darunter ihr erstes Stück Sweet Joy und mit Reckless Jane eine bislang unveröffentlichte Gemeinschaftskomposition von Beverley mit Nick Drake, um ihnen neues Leben einzuhauchen. Letzterer ist es auch, der wie ein sanfter Pate über den vorwiegend akustisch dargereichten Weisen schwebt, leise Folk-Melancholie leuchtet durch kunstvolle Akustik-Gitarren-/Klavier-/Streicher-Arrangements, dezente Twang- und Country-Elemente weisen immer wieder über den großen Teich, während die unterschwellig düster-bedrohlichen Rock-Band-Stücke den grimmigen Geist Lou Reed’s atmen. In Wales aufgenommen mit Produzent Mark Pavey, Bassist Matt Malley (Counting Crows) und Schlagzeuger Victor Bisetti (Los Lobos) umgibt das weise Werk eine herrlich losgelöste Atmosphäre, scheint jeder Song irgendwie aus der Zeit gefallen, just dem Vergessen entrissen, und verlangt streng genommen nach eine warmen Vinylveröffentlichung. In Ermangelung einer LP begnügen wir uns aber dennoch glücklich mit einer CD, die uns mit in die vehement vermisste Vergangenheit nimmt.

(cpa, Glitterhouse)

Mehr als nur der weibliche Nick Drake.

Nick Drake ist einer dieser wenigen Künstler, deren Material ausnahmslos zur absoluten Extraklasse gehört. Und leider auch einer, von dem aufgrund seines frühen Todes viel zu wenig Material existiert. Umso mehr freut man sich, wenn hin und wieder doch noch eine verschollene Perle aus den Archiven auftaucht. So geschehen auf "The Phoenix And The Turtle" von der mit Drake befreundeten Beverley Martyn.

Besagte Perle hört auf den Namen "Reckless Jane" und beendet als Opener des Albums die lange Studiopause der Ex-Frau des Singer/Songwriters John Martyn. Fast vierzig Jahre sind vergangen, seit Nick Drake wenige Wochen vor seinem Tod mit Beverley an dem Lied schrieb. Nun grub sie den Track wieder aus und vollendete ihn. Das Ergebnis klingt nach einem Pink Moon-Song, instrumentiert wie zu Zeiten von Bryter Layter. Drakes Melancholie gepaart mit Beverleys markanter, gealterter Stimme und der Sehnsucht nach längst vergangenen Tagen.

Das Soundbild "Reckless Janes" prägt "The Phoenix And The Turtle" auch insgesamt. Handgemachter 60er- und 70er Folk: ruhig, nachdenklich, mit gefühlvollen Vocals, denen man die Lebenserfahrung ohne Einschränkung glaubt. Der Einfluss Nick Drakes ist allgegenwärtig spürbar ("Women And Malt Whiskey"), Beverley Martyn verleiht den neun Liedern jedoch auch eine deutliche eigene Note. Allerdings reicht leider keines der anderen Stücke – lyrisch wie musikalisch – an "Reckless Jane" heran.

Songs wie "Potter’s Blues" oder "Sweet Joy" haben zwar immer noch einen sehr hohen Standard, zünden aber nicht richtig, sondern plätschern eher dahin. Ihnen fehlt einfach die Griffigkeit. Erst in der zweiten Hälfte ändert sich das, wenn etwa "Levee Breaks" mit einem ziemlich coolen Gitarrensolo ankommt. Dieses stammt ebenso wie "Going To Germany" aus den Anfangstagen von Beverleys Karriere, als sie mit der Jug-Band The Levee Breakers unterwegs war.

Das Schlussdoppel "Mountain Top" und "Jesse James" bietet noch einmal Singer/Songwriter-Country vom Feinsten und bleibt sogar hängen. Ein zurückhaltendes Schlagzeug klopft sanft an, die mit viel Hall und Vibrato angereicherte Cleangitarre sorgt für ein warmes Fundament, während die Zupfgitarre den Folk ins Spiel bringt. Hintergründige Details sorgen für Atmosphäre.

"The Phoenix And The Turtle" bietet eine gute halbe Stunde Weltflucht mit universellen und gleichzeitig intimen Geschichten aus dem Leben. Beverley Martyn setzt damit ein individuelles Lebenszeichen und ist weit mehr als "nur" der weibliche Nick Drake. Ganz so einzigartig und unsterblich wie dessen Lieder präsentiert sie sich auf "The Phoenix And The Turtle" aber nicht.

(Manuel Berger, laut.de)

The Phoenix And The Turtle is a warm, engaging, record. A fitting capture of an illustrious career.

(Daryl Easlea, Record Collector)

She sings beautifully throughout -- committed, authoritative, totally inhabiting the songs. Her voice is rich and mellow with a hint of smoke and huskiness around the edges. It goes down beautifully, like a fine malt..."

(Neil Hussey, Shindig Magazine)

Baleful Soul and Shimmering Blues; Life is rarely more tellingly captured in music.

(Colin Irwin, MOJO)

... she has power and expression in abundance.

(LG, New Internationalist)

Das britische Gesangs- und Gitarrenduo Smoke Fairies meldet sich mit einem wunderbaren neuen Album zurück!

Auf dem neuen herausragenden Album von Smoke Fairies kombinieren Jessica Davies und Katherine Blamire ihren ätherischen UK-Folk mit Synthies und erdigem Bluesrock.

Nach ihren international erfolgreichen Alben sowie Touren mit Bryan Ferry, Richard Hawley und Laura Marling, einer tollen Single auf Jack Whites Label Third Man Recs und zahlreichen Gigs weltweit, standen die beiden Freudinnen am Scheideweg und stellen sogar das Fortbestehen der Band in Frage.

Gottseidank haben sie den Mut und Willen aufgebracht und nicht hingeschmissen: Im letzten Jahr sind sie schließlich in einem abgeschiedenen Industriegebiet in Kent gemeinsam mit dem Produzenten Kristopher ins Studio gegangen und haben zwölf neue Songs aufgenommen. Während der Aufnahmen halfen auch Freunde wie Andy Newmark (Sly and the Family Stone, Roxy Music, John Lennon).

Im Gegensatz zu den vorherigen Songs, die hauptsächlich auf harmonischen Duogesang basieren, haben Davies und Blamire viel mehr die individuellen Gesangsqualitäten herausgearbeitet, zwei Stimmen die miteinander kommunizieren, sich gegenseitig Nachrichten senden und nicht als eine Einheit auftreten. Das Ergebnis sind Songs, die nicht nur Dringlichkeit, Festigkeit und Stabilität aufweisen, aber auch große Experimentierfreude, sinnlich und gleichzeitig herausfordernd, ein befreiendes Album, das eine spannende musikalische Zukunft von Smoke Fairies verspricht.

Das britische Duo spannt einen Bogen von Candy-Pop zu Folk-Balladen, von kühlem Blues zu Sixties-Avantgarde.

(Rolling Stone, April 2014)

Die von diesem Duo eigentlich erwartete Verschmelzung von britischem Folk und amerikanischem Rock? Ist noch vorhanden. Aber sie ist nicht mehr die einzige Kostbarkeit im Feenversteck.

(musikexpress, Mai 2014)

Spidergawd sind das neueste Mitglied in der Motorpsycho-Seitenprojekte- Familie. Bei beiden Bands spielen Bent Saether, der sich hier Mr. Bassman nennt, und Schlagzeuger Kenneth Kapstad.

Außerdem gehört Per Borten zur Band, mit dem Kapstad und Saether in Kontakt kamen, weil sie Fans seiner ehemaligen, wie Motorpsycho aus dem norwegischen Trondheim stammenden Band Cadillac waren.

Entstanden ist ein namenloses Debütalbum, das in Norwegen über Crispin Glover Records (sic!) und bei uns über das Motorpsycho-Label Stickman erscheint – und zwar physisch nur auf farbigem 180-Gramm- Vinyl mit beigelegter CD.

Absolut überwältigende Attacke auf Hochleistungs-Hörgänge, Fuzz-betankte Verzerr-Orgie (mit allen Reglern auf 11!) für den Fan deftiger 70’s Kost, hochoktaniger Heavy Blues-Sprit für endlose Himmelfahrten weit über den Horizont hinaus. Per Borten, Cadillac-Kopf (der anderen Band aus Trondheim), hat sich mit zwei Motorpsycho-Mitgliedern (Bent & Kenneth) zusammengetan, um mal richtig die saftige Saiten-Sau rauszulassen, Schlagwerk-gepeitscht und Bläser-getrieben, dass es eine einzige atemlose Freude ist. Dreckig-deftig, satt und saftig geht es zurück in die Siebziger, mitreissende, bei aller Wucht dennoch melodische Shouter-Attacken wechseln sich ab mit lustvoll ausgespielten progressiv-psychedelischen Instrumentalpassagen, zügelloses Zerren und treibendes Toben treffen auf phantasievoll-trickreiche Saiten-Spielkunst, Motorpsycho treffen auf Mando Diao, Black Sabbath auf Big Bang, Led Zeppelin werden zum Düsenjet und Jimi Hendrix kriegt den Heavy-UFO-Blues. 44 Minuten Vollbedienung, und nach den letzten Klängen eines feisten Fat Possum-Blues bleibt der Hörer atemlos, aber glücklich zurück. Das Kraft-Werk kommt als schweres, rotes Vinyl mit dem kompletten Album als CD-Dreingabe.

(cpa Glitterhouse)

Eine wunderbare Doppel-CD als Tribut an den großen U. S. Singer / Songwriter Jackson Browne mit exklusiven Songs von Bruce Springsteen & Patti Scialfa, Bonnie Raitt, Don Henley Ben Harper, Lyle Lovett, Joan Osborne, u. v.a.!

Ben Harper, Don Henley, Lyle Lovett, Keb’ Mo’, Bonnie Raitt, Bruce Springsteen & Patti Scialfa und Lucinda Williams sind nur einige der großen Namen, die dem amerikanischen Singer / Songwriter mit deutschen Wurzeln, Jackson Browne, mit „Looking Into You“ ein Denkmal setzen.

Jackson Brownes über 30-jährige Präsenz im Musikgeschäft, während der er den Folk- und Country-Rock in Amerika beeinflusste, wurde im Frühjahr 2004 mit der Aufnahme in die Rock ’n’ Roll Hall of Fame gewürdigt. 2007 erfolgte die Aufnahme in die Songwriters Hall of Fame. Anfang der 1970er Jahre war er einer der bedeutendsten amerikanischen Songwriter neben Joni Mitchell und James Taylor. Unvergessen ist sein Song „Running On Empty“, der später auch im Soundtrack des Kinofilms „Forrest Gump“ gespielt wurde, als Tom Hanks alias Forrest Gump seinen Monate andauernden Lauf quer durch die USA unternahm. Zusammen mit Glenn Frey schrieb er auch den ersten Hit der Eagles, „Take It Easy“. David Crosby von Crosby, Stills, Nash and Young bezeichnete in den 80er-Jahren Browne einmal als den „verdammt besten Songwriter im heutigen Amerika, bei dessen Songs man eine Gänsehaut bekommt“.

Das Doppel-Album „Looking Into You: Jackson Browne Tribute“ mit 23 Songs aus Brownes Feder ist nun das erste und längst überfällige Tribute-Album, das dem Schaffen Jackson Brownes gewidmet ist.

Als der Plan einer Jackson-Browne-Hommage die Runde machte, meldeten so viele berühmte Bewunderer (...) ihr Interesse an, dass das Vorhaben kurzerhand zum Doppelalbum aufgestockt wurde. Am Ende hat man 23 Liedklassiker des Geehrten tadellos neu eingespielt.

(Stereo, Mai 2014)

Soft Rock: Wir denken an die 1970er Jahre. Soft Rock: Wir hören Fleetwood Mac, ELO, Wings, 10cc. Soft Rock: Wir sehen befremdliche Frisuren und ebensolche Kleidungsstücke, in denen extrem gut gelaunte Menschen stecken. Soft Rock: Lange verpönt, längst rehabilitiert, nach wie vor verführerisch wie ein frisch gemachtes Bett aus Zuckerwatte. Soft Rock: Das neue Album von Loretta.

Keine Missverständnisse: Der Titel bedeutet weder bescheidwisserische Ironie noch modische Anbiederung. Schließlich sind oben genannte Künstler erklärte Idole der Band. Und schließlich beackert man dieses Feld bereits seit einem guten Jahrzehnt. Nur recht und billig also, dieses schöne Genre vom Popfeuilleton zurückzufordern. Und es mit Songs zu bereichern, die McCartney & Co. irgendwie vergessen haben, selbst zu schreiben. Vom Aufbruch-Pop von “God’s Happy Man“ bis zum Endzeit-Folk von “The Harbour“, von der Roxy-Music-Verbeugung “Crash“ zur Springsteen-Fantasie “Driving Into The Night“: Stimmig unterteilt in eine beschwingtere und eine entspanntere Hälfte – hart und weich, maskulin und feminin, Rock und Soft –, bestätigt das Album eine alte Wahrheit: Die neue Loretta ist die beste Loretta. Willkommen im Soft-Rock-Himmel.

Schwelgerisch statt seicht: So schön kann Softrock sein

Wie die Truffauts lassen sich auch die Stuttgarter von Loretta von den Widrigkeiten des Lebens nicht abhalten, hin nd wieder herrliche Musik zu machen. Ihr „Soft Rock“ beginnt mit Bryan Ferrys „All I Want Is You“ und erinnert immer mal wieder an Big Star, manchmal aber auch an Lloyd Cole - ohne dessen bittere Seite. Da wird bei „God's Happy Man“ in Zweckoptimismus geschwelgt, während „You Make It Worthwhile“ fast wie Liebe taumelt. Selten klang Resignation so erstrebenswert wie in „Looks Like I Lost Again“, und dann entdeckt Sänger/Songschreiber Andreas Sauer auch noch seinen inneren Springsteen („Drive Into The Night“), bleibt dabei aber doch ganz bei sich selbst. Schön, dass es solche Bands noch gibt. Kein Image, keine Show, nur traumhafte Songs.

(Birgit Fuss, ROLLING STONE, 4/2015)

Steeped in timeless U.K. folk and rock traditions, London duo the Rails deliver a debut LP full of warmth and grace. Kami Thompson is the daughter of British folk-rock icons Richard & Linda Thompson and her musical partner and husband James Walbourne is a veteran solo artist and erstwhile guitarist for the Pretenders and the Pogues, among others. Bearing the weight of their combined musical heritage, the two singers have come out of the gate with a modern gem on their finely crafted album Fair Warning. While her brother Teddy Thompson has worked hard to forge a more contemporary musical path, Kami fully embraces the family tradition on alluring tracks like "Bonnie Portmore" and "William Taylor," where she and Walbourne weave their rich harmonies around classic English balladry. For his part, Walbourne seems equally at home leading the charge on more traditional fare like the bouncy, Celtic romp "Jealous Sailor" while flashing his substantial electric guitar chops on "Panic Attack Blues" and "Borstal." As singers, both he and Thompson each have a strong solo presence, but as the Rails, they are at their most effective, creating a truly classic blend on songs like the sublime country-folk closer "Habit." Produced with a deft touch and a great respect for the material, former Orange Juice frontman Edwyn Collins puts his own stamp on Fair Warning by letting the album revel just enough in its classic folk-rock pageantry without wearing it on its sleeve. Rather than presenting an overtly retro production, the Rails simply sound like very good musicians performing very good music in a warm, familiar style. Perhaps the album's finest, or at least most representative moment is the wonderful single "Breakneck Speed," a track which blends bits of Celtic, soul, blues, and folk so agelessly that it could belong in 1974 or 2014. This is no easy trick, but the Rails pull it off gracefully, sounding perfectly comfortable and natural in their own skin.

(by Timothy Monger, All Music Guide)

3. Album der Truppe um den Black Crowes-Sänger und den guten, alten Neal Casal, die sich in den USA durch viele Liveauftritte eine große Fangemeinde erspielt haben. Im Prinzip bewegt sich das musikalisch nach wie vor im schwer definierbaren Jamband-Genre – quasi eine Mixtur vieler amerikanischer Wurzeln - mit großer Affinität zu den Grateful Dead, wobei Robinson's Stimme eine gewisse Nähe zu Bob Weir aufweist und Neal Casal auf der Gitarre Garcia's perlend-psychedelische Tonleitern auch recht genau trifft. Und um zu zeigen, dass man ab sofort „in space“ ist, rührt der Keyboarder auf seinem Synthie Vintage-Atmosphäre an. Der Opener Shore Power kommt mit seinen Uptempo-50s Rock & Roll Versatzstücken überraschend, aber danach begeben sie sich in gewohntes Terrain und gleiten souverän durch vielfach live getestete Songs, die zwar selten die 7 Minuten Marke überschreiten, aber trotzdem Raum für Improvisationstrips bieten. Zu 100% Retro ist die Chris Robinson gleichermaßen für Jamband-Fans, Dead-Heads und Westcoast-Psychedeliker wie handgeschnitzt. Die 7“ des Doppelvinyl bietet zudem zwei non-CD Bonussongs.

(rh, Glitterhouse)

Die beiden hier werden in den USA schon als das coolste Paar der Americana-Szene gefeiert. „Our Year“ hebt sie noch näher ran an Johnny ’n’ June oder George ’n’ Tammy.

If Austin’s happily egalitarian music scene suddenly switched to a monarchy, Bruce Robison and Kelly Willis might have to learn to perform while balancing hefty crowns. The two already reign as one of Americana music’s coolest couples, and their latest release, Our Year, elevates them closer to the lofty territory once occupied by beloved royals Johnny ’n’ June and George ’n’ Tammy. Working again in Nashville with producer Brad Jones (Cheater's Game), they delivered their musical thoughts in 10 outstanding tracks, from formidable originals to well-honed covers including a knockout version of the Tom T. Hall-penned “Harper Valley PTA.” Jeannie C. Riley’s 1968 hit sounds like a classic all over again in the hands of this pair - and the chicken-pickin’, mandolin-plucking, shaker-grooving players who back them on this tart tale. The desire to capture that live dynamic - their “swampier, grittier side” - drove the creation of Our Year, Willis says. Robison calls their style “a modern take on classic country music, without being retro.”

Jazzig, aber kein Jazz: Debütalbum des Projekts aus dem The-Notwist-Umfeld.

2014 begann gut für Micha Achers Stammband The Notwist, das Album „Close To The Glass“ erhielt weltweit fabelhafte Besprechungen. Der perfekte Zeitpunkt also, um Achers Projekt Alien Ensemble vorzustellen. Begleitet wird Acher (zu hören an der Trompete und dem indischen Harmonium) von den Notwist-Kollegen Karl-Ivar Refseth (Vibrafon) und Andi Haberl (Schlagzeug) sowie von Mathias Götz (Posaune, Harmonium), Stefan Schreiber (Bassklarinette, Saxofon), Oliver Roth (Altflöte) und Benni Schäfer (Bass). Dem Alien Ensemble geht es um das Erforschen ganz persönlicher Klangwelten und um das Entwickeln einer eigenen musikalischen Sprache. Alles dreht sich um die Einflüsse akustischer Musik, auf Elektronik wird verzichtet.

Die Musiker sind allesamt jazzgeschult, praktizieren aber keinen Jazz im herkömmlichen Sinne. Es finden sich Elemente der Minimal Music und des Krautrocks genauso wie feinste Bläsersätze und Anklänge an den Soundmix in New Orleans.

14er, Band von Notwist Micha Acher mit K.I. Refseth und Andi Haberl von eben denen + u.a. Stefan Schreiber (Tied & Tickled Trio) und Oliver Roth, auch schon für Notwist tätig. Aber ganz anders. Und toll! Schon der 10-minütige Opener: Äußerst fein gesponnener unglaublich lyrischer, sodann erhabener fast feierlicher spirituell aufgeladener Jazz, später wunderbar federnd-fließend, rhythmisch forciert mit afrikanischem Einfluß, kurz frei auslappend, feinziseliert und luftig-filigran… - so geht das weiter, herrlich… Manchmal sehr leise, zart, getupft nur, andere Stücke begeistern mit intelligentem lockerem doch packendem (Ethno-beeinflußtem resp. polyrhythmischem) Groove in z.T. etwas kräftigerem Umfeld, kurz gar New Orleans-Brass-Anleihen, gelegentlich ein bezaubernder melancholischer Ton... Das alles ereignisreich, exquisit und einfühlsam, klangfarbenreich arrangiert, die Bläser (Posaune, Trompete, Bassklarinette, Sax) sowohl in getragenen strahlenden Flächen (gerne!) als auch feinnervig vernetzt, in harmonischem Zusammenspiel oder freien Soli, dazu betörende Sounds von Vibrafon, Harmonium, Flöte. Obendrein becirct diese Musik ständig mit bestechend schönen Melodien! Ab und zu dachte ich an eine Fusion von früher Carla Bley, Pharoah Sanders und Charlie Haden. Es gibt so viel langweiliges Zeug in der oft hochgelobten deutschen Jazz-Szene, aber das hier… Großartig!

(dvd, Glitterhouse)

Die Band, die Krautrock definiert hat, Amon Düül II, meldet sich mit dem ersten CD/Vinyl Release in beinahe 20 Jahren zurück. Das neue Album ist progressiv und abgespaced wie nie!

Dieses besondere Projekt featured die Gründungsmitglieder John Weinzierl (Gitarre), Chris Karrer (Gitarre, Violine) und Renate Knaup (Gesang) sowie die langjährigen Mitglieder Lothar Meid (Bass) und Daniel Fischelscher (Schlagzeug)!

Amon Düül II haben weltweit eine Reputation als die vielleicht einflussreichste Experimental Band und sich im Laufe ihrer Karriere eine breite und treue Fangemeinde erworben.

Die Rückkehr der legendären Brit-Pop-Band.

James? Die James? Ja! Die bereits 1981 in Manchester gegründete Gruppe gehört zu den respektabelsten Brit-Pop-Bands der vergangenen Jahrzehnte. Nach sechs Jahren melden sich die Mannen um Sänger Tim Booth mit „La Petite Mort“ zurück. Produziert von Max Dingel (Killers, Muse, White Lies) und wie immer von der Band geschrieben, zählt dieses Album zu den besten ihrer lang andauernden Karriere. Als Highlights können die erste Single „Moving On“, das hymnische „Curse Curse“ und „Frozen Britain“ genannt werden.

Thematisch fällt das Album eher düster aus, im Vorfeld seiner Entstehung waren sowohl Booths Mutter wie auch ein guter Freund von ihm gestorben. Dennoch hat das Album viele sehr mitreißende Momente.

...kraftvoll und mit genau der richtigen Portion Pathos drückt er den neuen Songs, die zwischen Independent Rock und Psychedelic Pop pendeln, seinen Stempel auf, macht das neue Werk zu einer starken Vorstellung.

(Good Times, August / September 2014)

Eine Platte über den Tod, eine bewegende Ode an das Leben.

(Audio, August 2014)

„When Plants Turn Into Stones“ ist das neue konzeptionelle Meisterwerk der Band O, welche im Dreiländereck Belgien / Niederlande / Deutschland beheimatet ist.

Inhalt des Albums ist der Kreislauf des Lebens – Das immerwährende Werden und Vergehen, das Streben nach Einklang mit Leben und Universum. Wie auch das Leben selbst, braucht das Album auch seine Zeit, um sich voll zu entfalten, die Vielzahl an verwendeten Instrumenten, Stimmungen und Soundlandschaften einzufangen und zu verarbeiten, dann aber eröffnet sich dem Hörer ein einzigartiges musikalisches Erlebnis, welches lange anhält und nachhaltig begeistert.

Der glasklare und organische Sound der Produktion stammt von Harris Newman, der schon für Bands wie Arcade Fire, Gybe! oder Silver Mt. Zion an den Reglern saß. Eine zeitlose Reise durch unbekannte Zonen, welche Erinnerungen an „Millions Now Living Will Never Die“ von Tortoise oder generell auch an Sigur Ros wachruft.

Dieses Album wird im modernen Postrock Referenz für viele kommende Alben sein. Auch Hörer abseits dieses Genres werden ihre Freude haben und begeistert sein.

Zunächst zum Bandname: der Kringel steht für Kreis oder Circle, die Truppe besteht aus Belgiern, Holländern und Deutschen. Ist also eher international, obwohl auch die Songtitel zwischen deutsch und englisch wechseln. Ist aber insofern egal, dass es sich hier um weitestgehend instrumentalen Postrock handelt. Und zwar in der ultraentspannten Hippie/Kraut-Variante. Die sechs langen Tracks oszillieren (das Wort passte nie besser) zwischen den leisesten Momenten der frühen Pink Floyd, der subtilen Esoterik der wunderbaren Kraut-Legenden Popol Vuh und der elegischen Schönheit von Islands Sigur Ros. Es passiert also nicht allzu viel und wenn, dann geschieht es langsam. Mit Super-SloMo-Beats, sehr verhallten Gitarren, aber auch impressionistisch hingetupften Hippie-Flöten und historisch-analogen Tasteninstrumenten – alles in einen langen, ruhigen und trägen Fluss versetzt. Das Ganze ist hervorragend produziert und funktioniert eher als Hörspiel denn als Rockmusik. Ein wirklich sehr sanfter Trip von beachtlicher Suggestionskraft.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

Vinyl-only Release des sizilianischen Songpoeten, der hierzulande durch seine Zusammenarbeit mit Calexico oder Spain zumindest Insidern ein (Qualitäts-) Begriff sein dürfte. Paolo Fuschi, kongenialer Partner auf diesem Album an den elektrischen wie akustischen Gitarren, kommt aus dem engeren Paul Weller Umfeld und ist seit Jahrenden in Manchester ansässig, wo auch „Skint And Golden“ unter Mithilfe von Justin Shearn (kb), Matt Owens (double-bass) und Adam Dawson (drums) über die Jahreswende 2013/2014 aufgenommen wurde. Wie schon auf dem 2012er Album „Room“ (auch sehr zu empfehlen) zeigt sich Cammarata als vielseitiger Songschreiber, dessen Vorlieben für Klassiker wie Van Morrison hier und da angenehm deutlich hervor scheinen. Überhaupt hat diese Platte eine ähnlich zeitlose Qualität, einen fast aus der Zeit gefallenen Qualitätsanspruch, ohne auf modischen Schnick Schnack zu setzen. Was nicht heißt, dass die Songs nicht bis ins Detail mit einer Vielzahl von Ideen, Instrumenten und Melodien äußerst liebevoll arrangiert sind. Vor allem anderen aber sind es tolle Songs, tolle Melodien, ob die von perlend/rollendem Piano getragene Ballade „I’ll Be There Again“, die wundervolle Midtempo Nummer „Shine“, das dezent funkige, ungemein groovende „Can’t You See Me“, das mit karibischen Flair angehauchte „War Will Sonn Be Over“; alle Songs verströmen eine tiefe innere Wärme und atmen eine große Souveränität im Umgang mit dem zur Verfügung stehenden Instrumentarium, wobei gerade Fabrizio Cammarata’s Stimme hervor zu heben ist. Ein wunderschönes, auf den ersten Blick unspektakuläres Album, das Freunden von qualitativ hochwertigem Songwriter-Pop/Rock zwischen Billy Joel, Paul Simon und Van Morrison gut gefallen sollte.

(Glitterhouse)

Drei Jahre nach „Perfect Darkness“ erscheint am 11. Juli 2014 endlich das langersehnte, neue Studioalbum von Fink!

„Hard Believer“ wurde in 17 Tagen im legendären Sound Factory Studio in Hollywood aufgenommen, erneut in Zusammenarbeit mit Produzent Billy Bush (Garbage, Beck, Foster the People). Urban, bluesy und lebendig ist das Album eine meisterhafte Sammlung von Songs eines Künstlers auf dem Gipfel seiner kreativen Energie.

„We wanted to go deeper this time, and be more ambitious with the music to move the sound forward without losing touch of where we’re from.“

(Fin Greenall)

Nachdem Fink von Ninja Tune unter Vertrag genommen wurde, sich vom gefragten Club DJ und Electronic-Produzenten zum Songschreiber für Acts wie Amy Winehouse, John Legend oder Professor Green mauserte, bestieg er selbst die Bühnen dieser Welt mit seinen Bandkollegen Guy Whittaker und Tim Thornton um seine eigenen Songs zu spielen und verbuchte für seine Live-Qualitäten, als auch seine ersten vier Studioalben, allseits das Lob der Kritiker und Fans. Sein neues Album „Hard Believer“ erscheint auf Greenalls frisch gegründetem Label R’COUP’D in Zusammenarbeit mit Ninja Tune.

Fink sind Fin Greenall (Vocals/Guitar) zusammen mit Tim Thornton (Drums/Guitar) und Guy Whittaker (Bass).

14 Klassiker des britischen Folkbarden Richard Thompson jetzt in der akustischen Version!

Richard Thompsons neues Album „Acoustic Classics“ versammelt 14 zeitlose Klassiker aus seiner über 40 Jahre andauernden Karriere in neuem akustischen Gewand. Ein Album also, das es in Thompsons reichhaltiger Diskografie so noch nicht gegeben hat.

Erstmals hat er mit der akustischen Gitarre Versionen von grandiosen Klassikern wie „I Want To See The Bright Lights Tonight“, „Dimming Of The Day“, „1952 Vincent Black Lightning“ oder „Beeswing“ eingespielt.

„Ich wollte schon immer diese Aufnahmen machen, die unsere akkustische Shows widerspiegeln,“ erklärt Thompson, und da es keine zufriedenstellenden Aufnahmen gab, buchte er kurzerhand Studiozeit und präsentiert nun das überzeugende Ergebnis auf „Acoustic Classics“.

If Richard Thompson had only written and released, "1952 Vincent Black Lightning", for me that would have been enough, but the reality is that that song is the peak of a very impressive mountain of work and one that features on the fourteen song, greatest hits package, "Acoustic Classics". I say greatest hits package, but the reality is these are songs that he has chosen to re-record, with the big mystery being how he chose to whittle the list down to just fourteen.

Okay, where I have "1952 Vincent Black Lightning", others have got, "Beeswing", others still, "Valerie" and yet more have, "From Galway To Gracelands" or "Shoot Out The Lights" and that's the thing, over his illustrious career he has become many different things to many different people and I guess your view on this compilation is tainted by whether or not your particular favorite made it to the album and if it did, do you like the way he's reinterpreted it.

The reality is that it will only change your thoughts on the album very slightly because regardless of track listing, this is an album that really captures the many different facets of the man as both writer and performer, a man capable of carrying off so many different styles without losing a sense of identity.

Naturally you will still find yourself trying to imagine how many musicians are really playing on some of the tracks as his guitar playing transcends the mere mortal so many times as does his story telling, how does he get so many life stories into so short a space?

It's a question that I'm not even going to attempt to start answering, mainly because I simply don't know, I'm just content to know he does and that he's cemented both music and reputation into England's music psyche and has once again delivered an album that he can be assuredly proud off, because to my ears, it sounds great.

(Neil King, www.fatea-records.co.uk)

Lakonisch schön: Niels Frevert im »Paradies der gefälschten Dinge«

Das neue Album »Paradies der gefälschten Dinge« ist das fünfte Soloalbum von Niels Frevert in 17 Jahren. Diese stets erwähnte niedrige Frequenz seiner Platten ist traurig für diejenigen, die gerne mehr Frevert hören würden – und gleichzeitig macht sie jeden einzelnen Ton und jedes einzelne Wort des Sängers so wertvoll. Zwar sind wir alle Individuen auf dieser Welt, aber in der Welt des Deutsch-Pop ist Niels Frevert schon ein ganz besonderer, einer wie keiner.

Niels Frevert hat mit »Paradies der gefälschten Dinge« das Plattenlabel und die Konzertagentur gewechselt. Das könnte uns als Hörer erst einmal egal sein, wenn man den Labelwechsel nicht tatsächlich hören würde. Niels Frevert hat dem Rolling Stone gegenüber im Interview geäußert, er wolle den anderen den gehobenen Mainstream nicht kampflos überlassen. Und doch tritt er diesen trotzigen Kampf im Frevert-Stil an. Man kann deshalb nur hoffen, dass der Mainstream die cleveren Texte zu goutieren weiß.

Die Texte von »Paradies der gefälschten Dinge« sind lakonisch-melancholisch wie gewohnt. Bisweilen grenzen die in den Songs erzählten Geschichten ans Zynische. Aber das alles geschieht mit Stil. Nichts ist gewollt böse oder ironisch getextet. Bei Niels Frevert sitzt nur einfach jedes Wort, und zwar so gut, dass diese Worte eben auch wehtun können. Hinzu gesellt sich beste Musik. Die ist von Klang und Instrumentierung tatsächlich mehr im Mainstream angekommen. Gemischt wurde von Olsen Involtini, der auch für und mit Seeed und Peter Fox gearbeitet hat. Das klingt opulenter und dynamischer, wenn in Songs wie »Das mit dem Glücklichsein ist relativ« satte Bläser mitspielen oder sich in »Schwör« ein zarter Streicher-Klangteppich ausbreitet. Gerade angesichts der Texte und in Anbetracht der Tatsache, dass die Alben von Niels Frevert so lange brauchen, weil er nichts dem Zufall überlässt, könnte man diese ›reiche‹, klassische Pop-Hymnen-Instrumentierung allerdings als deutliches Ironiesignal werten.

Von daher: Das »Paradies der gefälschten Dinge« von Niels Frevert klingt ein wenig anders als seine bisherigen Alben. Wer genau hinhört, erkennt aber reinen Frevert, der musikalisch anspruchsvoll und mit einzigartigem Wortwitz auf hohem Niveau Deutsch-Pop macht.

... die Arrangements sind wirklich große Klasse.

(musikexpress, September 2014)

Das vierte Album des Indie-Ensembles fesselt mit dem gewohnt charismatischen Mix aus Indie-Rock, Polka und hungarophiler Selbstinszenierung.

Nach eigenen Angaben entstammen die acht den Zunamen Bertholini tragenden Musiker einer ungarischen Zirkusdynastie, aber auch die internationale Musikmanege weiß die illustre Familienbande mit ihrem charakteristischen Spektakel aus Indie-Rock, Gipsy und zeitweilig zur Melancholie neigender Blasmusik-Polka bravourös zu bespielen.

Seit ihrem Debüt »Objects Travel In More Than One Direction« (2006) werden die Darbietungen der »hungarophilen Philharmonie mit dem Antipopstarnamen« von einem medialen Beifall begleitet, der zu ihrem den Geheimtipp-Status auflösenden Letztwerk »Gradual Unfolding of a Conscious Mind« (2010) noch einmal lauter wurde und honorige Vergleiche mit Kaizers Orchestra, Beirut oder Calexico aufbrachte. Auch bei seinen zahlreichen außergewöhnlichen Live-Performances schart der spielwütige Clan eine stetig wachsende Anhängerschaft um sich. Ob auf dem Fusion Festival (2008), als Headliner der Wiener Ungarn Tage, als Opener der Salzburger Festspiele oder Hauptakt beim größten deutschen Worldmusikfestival TFF in Rudolstadt. Die Bertholinis sind live wie auf Platte eine beachtenswerte Erscheinung.

»Brothers & Devils« knüpft nahtlos an diese Erfolgsgeschichte an: Mit Pauken und Trompeten, mit Banjo und Balalaika, vereint die Vagabunden-Bande osteuropäisches Klanggut und anglophile Gitarrenmusik so, als wäre der 47. Breitengrad schon immer eines der Epizentren postmoderner Populär-Kultur gewesen.

Das erinnert in seinen besten Momenten schon mal an das großartige Arcade-Fire-Album ›Funeral‹.

(OX)

Gute Musik von einer gewachsenen Band: Honig mit ihrem neuen Album »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost«

Zwei Jahre sind seit dem Vorgängeralbum von Honig vergangen. Die spannenden Fragen sind: Was ist neu, was hat sich verändert, was ist aus Honig geworden? »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost« liefert die erfreuliche Antwort.

Gestartet als Singer-Songwriter hat Stefan Honig mit den befreundeten Musikern, aus denen sich die Band Honig zusammensetzt, in den letzten beiden Jahren über 300 Konzerte gespielt. Auch die Tourdaten mit dem neuen Programm »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost« sind ambitioniert und fleißig. Im Sommer 2013 haben sie mit der Arbeit an diesem Longplayer begonnen – und die Songs sind völlig anders entstanden als bisher.

Spielfreudig wie sind, haben Honig durch die vielen Konzerte der letzten beiden Jahre nicht nur zusammengefunden, sondern sind eine eingeschworene, äußerst musikalische Einheit geworden. Der abwechslungsreiche Sound der Band ist geprägt durch die Instrumente (bis auf den Drummer spielen alle auf Zupfinstrumenten – ›klassische‹ Keyboards fehlen) und den mehrstimmigen Gesang, den die Band einfach perfekt draufhat. Zeichnete Stefan Honig für die Songs auf Vorgängeralbum »Empty Orchestra« noch allein verantwortlich, so sind die Songs auf »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost« im Team entstanden und gewachsen.

Das Ergebnis lässt sich hören. Ein ruhiges, intimes und feinfühliges Werk ist »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost« von Honig. Stefan Honig hat für sich die Gitalele (eine Minigitarre in Ukulelengröße) entdeckt, die den Klang einiger Songs wie »Leave Me Now«, »Lemon Low« und »Golden Circle« prägt. Vielschichtig und rhythmisch komplex sticht »Overboard«, die erste Single-Auskoppelung, heraus. Auch stimmlich gibt es Abwechslung: Im hymnischen »Swimming Lessons« klingt die Stimme von Stefan Honig rockig-rau.

Über »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost« sagen Honig selbst, sie würden weder Bombast noch Feinmechanik fürchten. Das feinmechanische musikalische Können hört man dem Album in jeder Note an. Der Bombast bleibt bei vergleichsweise leisen Tönen. Stilistisch könnte man das Album als Indie bezeichnen, auch wenn Honig selbst von Folk-Pop spricht. Wie immer ein gutes Zeichen für viel Kreativität, wenn man einer Band keinen eindeutigen Stempel aufdrücken kann.

Das Album ist bereits herumgekommen, bevor es erscheint: Aufgenommen hat Honig »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost« im Zeitstrahlstudio am Niederrhein, gemischt wurde es von Addi 800 in den Room 313 Studios in Reijkjavik und gemastert von Mandy Parnell in den Black Saloon Studios in London. Da Honig ab Erscheinungsdatum selbst wieder sehr fleißig auf Tour sind, gibt es jede Menge Gelegenheiten, die Band live zu erleben. Durch das Album wächst schon jetzt die Vorfreude.

Das sagt Stefan Honig über »It’s Not A Hummingbird, It’s Your Father’s Ghost«: »In den letzten zwei Jahren sind wir sehr viel getourt, auf diesen Reisen sind die meisten Ideen zu den neuen Songs entstanden. Die vielen Eindrücke haben bei mir eine ganze Reihe von Erinnerungen geweckt. Ich bin immer sehr viel mit meinen Eltern gereist und sowohl der Albumtitel, als auch das Artwork nehmen einen direkten Bezug auf eine Reise in die USA, die ich 1990 mit meinen Eltern unternommen habe. Unterwegs zu sein, ist immer eine Inspiration für mich und in den Songs und Texten steckt viel davon.«

Oh. Mein. Gott. Eineinhalb Tage und sieben Songs – mehr braucht es nicht, um ein ultimatives Americana-Album aufzunehmen. Von mir nahezu unbemerkt (sie mag es mir verzeihen, dafür bin ich ihr jetzt mit Haut und Haaren verfallen) feilte die Artistin aus Austin, TX, zunächst als zweite Hälfte des Folk-Duos Jed & Kelley, dann als prägender Part der Trishas, an ihrer Alternative Country-Kunst, um schließlich all ihre kreative Kraft zu diesem 2014er Solo-Debut zu bündeln. Umgeben von einer kleinen, erlesenen Musikerschar aus Memphis (Tim Regan, Eric Lewis, Paul Taylor, Mark Edgar Stuart) und bemerkenswerten Gästen (Kevin Welch, Brandy Zdan und Owen Temple) gelingt es ihr, in gerade einmal 32 Minuten und sieben Songs alles zu sagen und singen, was man über Americana wissen muss. 5 Mickwee-Originale und 2 wohlgewählte Coverversionen (Blameless/John Fullbright und Dark Side Of Town/Eliza Gilkyson) reichen diesem phantastischen Phoenix, um aus der Asche meiner Unwissenheit aufzusteigen und den Singer-Songwriter-Country-Soul-Himmel gleich auf der höchsten Stufe zu betreten, zwischen Tift Merritt und Kelly Willis hindurchzuschlüpfen und auch das Herz des verstocktesten Roots-Freundes im Sturm zu erobern. Dabei vereint sie verschiedenste Elemente inner- und außerhalb dieses geliebten Genres, verbindet Memphis-Soul und Swamp-Groove, Desert-Twang und Gospel-Segen, herzrührende Country-Ballade und wüstentrockenes Cowboy Junkies-Wehen zu einer magischen Melange, die immer wieder überrascht, stets berührt und bei jedem neuen Hören tiefer bewegt. Köstlichste Melodien, wundervolle Vokalharmonien, eine perfekt aufspielende Band und eine über allem segnend schwebende Steel – dies ist der wahre Stoff, aus dem Americana-Träume gewoben werden. Selten hat sich jemand derart stürmisch einen Platz in meinem Herzen (und in meinen Jahrescharts) erobert.

(cpa, Glitterhouse)

Peter Rowan ist eine lebende Legende des Americana und US-Pop. Er arbeitete zusammen mit Größen wie Bill Monroe’s Bluegrass Boys, Opener für die Doors, spielte mit Jerry Garcia und Art Of Noise, Sir George Marin produzierte ihn.

Und nun gibt es einen weiteren Meilenstein: 12 neue Stücke, aufgenommen in Sausolito und New Orleans, produziert von John Chelew (John Hiatt, Donovan, Blind Boys of Alabama) und Gastauftritten von Jack Cassady (Jefferson Airplane) und Gillian Welch.

Der Name klingt so unverwechselbar wie der Mann dahinter! Vor mittlerweile fast 30 Jahren trat dieser vielseitig talentierte, stilistisch wandlungsfähige Künstler erstmalig in Erscheinung: Als charismatischer Leadsänger und Songschreiber der Alt. Country Rock-Pioniere The Silos, die einen enormen Einfluss auf die No Depression-gefärbte Americana-Szene gehabt haben.

In all den Jahren hat Salas-Humara nicht nur seine Silos ständig wiederbelebt und mit ihnen etliche Platten veröffentlicht, sondern an so vielen anderen Projekten mitgewirkt, dass man es eigentlich gar nicht glauben mag, dass sein brandneues Solowerk erst sein drittes Album unter eigenem Namen sein soll - dabei sogar das erste seit über 18 Jahren!

‚Counting On You‘ startet als einschmeichelnder, folkig schlurfender Opener mit flirrenden Gitarren, geht dann fließend über in den lässig vertrackten Psych Rock von ‚The Craziest Feeling‘. ‚What We Can Bring‘ kommt als opulent mit vier Gitarren plus Keyboards und Rhythm Section arrangierter Balladenrock der Extraklasse, mit herrlichen Twin Lead Guitars in feinster Southern Rock-Manier. ‚Hoping For A Comeback‘ und ‚Uncomplicated‘ kennen eingefleischte Fans bereits von dem I‘m Not Jim-Nebenprojekt ‚You Are All My People‘ von 2008 - beide Tracks wurden allerdings hier, ähnlich wie ‚Two Inches Two Hours‘, eine weitere, bislang unveröffentlichte Co-Arbeit mit Jonathan Lethem, völlig umgemodelt und näher in den Silos-Modus transferiert.

‚I Love That Girl‘ ist eine wahre, mit kratziger Stimme berührend gesungene Solonummer, Salas-Humara wird hier sehr einfühlsam nur von Ryan Williams an den Tasten begleitet.

Der Titelsong ‚Curve And Shake‘, karg mit akustischer Gitarre, Percussion und E-Piano instrumentiert, aber mit zwingender Hookline ausgestattet, sowie das folk-poppige ‚Satellite‘ erscheinen dagegen wie längst vergessene Silos-Juwelen. ‚Way Too Heavy To Float‘ ist eine komplexe, vertrackte Ballade mit viel Input von Groove Session-Kopf Sarven Maguiat und ausgefeiltem Backingchor.

Dieses Album überzeugt als Gesamtwerk mit seiner großen Qualität und all den feinen Kleinigkeiten, die es hier zu entdecken gilt. Ja, dieser Salas-Humara hat seinen ungebrochenen Status als wichtiger Musiker im Independent-Bereich und als Darling der Alt. Americana / No Depression-Szene mal wieder kräftig untermauert.

Dass auch an Salas-Humara die Jahre nicht ohne Spuren vorübergehen, zeigt die gelassene, größtenteils sehr ruhige Herangehensweise an die Songs, hier muss niemand mehr etwas beweisen ...

(Good Times, Oktober / November 2014)

„Manchmal schleicht sich ihre Stimme davon wie eine Katze.“

(Spex, Oktober 2011)

Und manchmal nimmt die Stimme die Künstlerin gleich mit… Knapp drei Jahre sind vergangen, seit die Spex über das Debüt der finnischäthiopischen Künstlerin MIREL WAGNER geschrieben hat, nun meldet sich die Künstlerin mit ihrem neuen Album „When The Cellar Children See The Light Of Day” zurück.

Ihr selbstbetiteltes Debüt schlägt immer noch Wellen bis zum heutigen Tag. Die neun Songs destillierten die Essenz von Düsternis und spiegelten das Skelett des Blues wider. Es war ein fehlerloses Album, eines, dass man unschwer noch besser machen konnte.

Ihr neues Album „When The Cellar Children See The Light Of Day” ist, laut MIREL WAGNER „im Grunde identisch”. Aber, und wer hätte das gedacht: Es ist trotzdem ein bisschen besser geworden. Es ist faktisch eine besser aufgenommene, besser geschriebene, besser gesungene, tiefere Version des Debüts.

„People keep asking me to somehow define this record in context with the first. I started using a plectrum, but maybe that’s not really it, either. It’s just ‘more,’ in some way. ‘One louder,’ if you will.” (MIREL WAGNER)

„When The Cellar Children See The Light Of Day” wurde aufgenommen in den Shark Reef Studios in Hailuoto von Vladislav Delay (LUOMO, UUSITALO). Geschrieben wurden die Songs in der Einsamkeit des finnischen Nordens.

In einer Blockhütte auf der Halbinsel Hailuoto verbrachte MIREL einen Monat allein in einer Blockhütte nahe dem Familiensitz von MIRELs Manager Aki Roukala.

Die krasse Isolation (keine Heizung, keine Elektrizität, eine Maus, mir der sich MIREL das Essen teilte, als einzige Mitbewohnerin) waren Geburtshelfer der neuen Songs, die deutlich näher an den SWANS, denn an der folkigen Jovialität eines BOB DYLAN sind.

“When The Cellar Children See The Light Of Day” ist nur eine Vision von MIREL WAGNER. Manchmal träumerisch bis verspielt, manchmal kalt und emotionslos - WAGNER lässt sich nur schwer festlegen.

"Haven't Got The Blues (Yet)", oder abgekürzt "HGTB(Y)", ist das 26. Album in der illustren Karriere von Loudon Wainwright III. Das neue Album ist der Nachfolger des erfolgreichen Albums "Older Than My Old Man Now" aus dem Jahr 2012, oder wie Wainwright es selbst nennt 'sein Todes- und Zerfall-Opuswerk'.

Auf "HGTB(Y)" bietet er seinen Fans 14 Songs an, die sich mit Depressionen, Trinken, Senioren-Dasein, Waffenkontrolle, Liebesherzschmerz, Tierhaltung und mit obskuren Autopark-Praktiken in NYC beschäftigen. Produziert hat das Album ein langjähriger Freund von Loudon: David Mansfield.

Und als Top-Player findet man auf dem Album Tony Trischka (Banjo), Steve Elson (Sax), Sammy Merendion (Drums), Tim Luntzel (Bass) sowie Chaim Tannenbauch (Backing Vocals).

Ein sehr persönlicher Liederreigen mit Gästen wie Aoife O'Donovan und Tony Trischka.

(Stereo, September 2014)

Für sein bereits achtes Studioalbum, welches Mitte August via Domino erscheint, hat sich James Yorkston eine illustre Schar an Mitspielern ins Studio eingeladen.

Während KT Tunstall ihr wertvollstes, nämlich ihre Stimme, beisteuert, fiel Alexis Taylor von Hot Chip die Rolle des Produzenten zu. Neben den genannten waren noch The Pictish Trail, Fimber Bravo sowie James langjährige Mitstreiter Jon Thorne und Emma Smith mit von der Partie.

Herausgekommen ist ein wunderbar warmes Songwriter Album, das ein paar echte Perlen bereit hält!

So verwandelt Yorkston schlichte Akustikgitarren-Arrangements (...) zu verwunschen-verträumtem »Neofolk« (...).

(Audio, September 2014)

... zeitlos schöne Folk-Songs ... die das keltische Erbe lediglich zart zitieren und mit bestechenden Harmonien im offenen livehaftigen Klangbild verzaubern.

(stereoplay, September 2014)

Tribute-Compilation zu Ehren des Hamburger Musikers.

Knapp zwei Jahre nach dem plötzlichen Tod Nils Koppruchs am 10. Oktober 2012 verneigen sich viele renommierte Künstler vor Leben und Werk des Hamburger Musikers.

Auf dem Doppelalbum "A Tribute To Nils Koppruch + Fink" finden sich 28 exklusiv eingespielte Interpretationen von Koppruch- bzw. Fink-Titeln u. a. von Halma feat. Martin Wenk, Johannes Oerding, Peta Devlin & Ecki Heins (Cow), Tim Neuhaus, Olli Schulz & Band, Kettcar, Fehlfarben, Gisbert zu Knyphausen, Niels Frevert, Moritz Krämer & Francesco Wilking (Die Höchste Eisenbahn), Click Click Decker und Wiglaf Droste.

Kein deutscher Songschreiber wurde so sträflich ignoriert wie Nils Koppruch.

(musikexpress, September 2014)

28-Song-reiche, mit bekannten und kennenlernenswerten Namen gespickte Verneigung vor dem Fink/Koppruch-Liedwerk, zahlreiche Weggefährten, Mitmusiker, Sänger und Songwriter, Solisten und Gruppen machen sich ausgewählte Tracks aus den Band- und Solo-Alben zu Eigen und erweisen dabei nicht nur Respekt und Ehre, sondern erschaffen einen Song-Zyklus, der von bleibend-eigensinniger Güte kündet und als eigenständiges Album nachwirkt. Nur ein kleiner Blick auf die bemerkenswerte Beiträgerschar: Click Click Decker, Fehlfarben, Halma, Kajak, Torpus & The Art Directors, Niels Frevert, Locas In Love, Bernadette La Hengst, Peta Devlin, Knarf Rellöm, Kettcar, Wiglaf Droste, Olli Schulz, Peter Lohmeyer und Gisbert zu Knyphausen.

(Glitterhouse)

Wunderschöne Popmomente: Soloalbum des ehemaligen Gitarristen der Boo Radleys.

Martin Carr werden Pop-Afficionados noch als Gitarrist der Boo Radleys, unter dem Pseudonym Bravecaptain oder von seinen Soloalben kennen. Aufgenommen wurde »The Breaks« im Januar 2014, aber die meisten Songs sind schon drei oder vier Jahre früher entstanden. Nachdem Carr im Jahr 2009 das Vorgängerwerk »Ye Gods And Little Fishes« produziert hatte, beschloss er, noch ein paar Demotracks aufzunehmen und sie »in alle Welt« zu schicken. Unter anderem nach Hamburg, wo das Label Tapete hellhörig wurde.

Auf »The Breaks« finden sich viele wunderschöne Popmomente: die meisterhafte Hommage an Isaac Hayes und sein Label Stax in dem Opener »Santa Fe Skyway«, die pulsierende Orgel in »St. Peter In Chains« und Carrs beeindruckende lyrische Chuzpe, wie sie zum Beispiel in »I Don’t Think I’ll Make It« zum Ausdruck kommt, wenn er »heart« auf »Descartes« reimt. Nicht zu vergessen: Mit dem herrlichen »Mainstream« und seinen bezaubernden Frauenstimmen gelang Carr eine berauschende Tränendrüsen-Orgie in der Tradition von Harry Nilsson und Jeff Lynne.

Dieser ehrliche, beatleske Folk-Sound dockt an keinen Trend an, wird aber bei Indie-Veteranen auf offene Ohren stoßen.

(stereoplay, November 2014)

Bei Electric Würms handelt es sich um das neue Nebenprojekt von Wayne Coyne und Steven Drozd von The Flaming Lips, die mit "Musik, die schwer zu twerk" am 22.08.2014 ihr Debütalbum über Bella Union veröffentlichen werden.

Neben Wayne und Steven finden sich auch vier Mitglieder von Linear Downfall auf dem Album wieder. Außerdem wird gemunkelt, dass Bandmitglieder von MGMT involviert gewesen sein sollen.

Sechs Songs umfasst diese besondere Veröffentlichung, inklusive einer Coverversion von YES' "Heart Of The Sunrise", die weltweit in einer kleinen, limitierten Auflage erscheint.

With the release of Embryonic in 2009, the Flaming Lips ushered in yet another era in their continually evolving brand of psychedelic insanity, diving into the realms of prog, Krautrock, and Miles Davis-inspired musical freakouts with reckless abandon. Along with producing some of the band's most exciting work in years, the album also kicked off an unprecedented prolific streak, with new musical experiments arriving at an amazing clip. Where other musicians might be content with putting out over a dozen releases in five years, Lips' members Wayne Coyne and Steven Drozd continue their relentless pursuit of crunchy, prog-perfection with their new side project, Electric Würms, making their exploratory and mind-expanding debut with Musik, Die Schwer Zu Twerk. The project finds Drozd stepping into the role of frontman, with Coyne joining a supporting cast that includes the entirety of Nashville psych-rock quartet Linear Downfall. At the controls of Electric Würms' sonic spaceship, Drozd leads the band on a musical exploration that feels refreshingly unfettered, following ideas wherever they may lead, giving the album a looser, more improvisatory vibe. Given Musik, Die Schwer Zu Twerk's far-out leanings, the biggest surprise is that the album clocks in at just under 30 minutes. Although this might seem short for an album looking to revive the ways of prog legends like Yes (who are covered here with a condensed version of "Heart of the Sunrise"), it shows the kind of focus that Drozd brings to his composition, with only the most essential moments of any jam making their way to album. Electric Würms are a band with the creative enthusiasm of bold young upstarts and the kind of practiced restraint that comes with decades of experience, a mix that helps the band separate itself, even if just a little bit, from the Flaming Lips. This allows Musik, Die Schwer Zu Twerk to be an album that caters to the sensibilities of the Lips'-voracious fan base without doing so exclusively, providing an entryway for old-school prog lovers to check out how weird the guys from that little band that did that jelly song have gotten over the last couple of decades.

(by Gregory Heaney, All Music Guide)

Mani is an old friend of mine. Near the end of 2012, he came to visit me in Austin where I had organized a show for him to play. We also planned to do some recording for a follow up project to Cosmic Couriers Other Places, which was released on Cleopatra in the ‘90s. At the same time I was working with bass player Scott Telles of ST 37, and when Scott heard that Mani was in town, he wanted to meet him since he had always been a big fan of Guru Guru. So the three of us got together at his rehearsal studio and started jamming right away. We had a great chemistry, so we decided to record a few tracks with a little digital recorder, and also at Ohm Recording Studio. When we listened to the tracks later, we realized that we had some really good material that should see the light of day, and so those recordings became the Guru Freakout album.

The music is built around Mani’s relentless weaving drums. The guitar – psychedelic, atonal, bluesy and aggressive. At the same time, the bass – thunderous, Lemmy-sounding, with the energy of Peter Hook. All these elements combined to make for a very unique psychedelic experience…It’s Guru Freakout time!

(Jürgen Engler)

NRBQ sind die Mutter aller Eklektizismus-Bands. Schon auf ihrem 1969er Debüt-Album coverten sie Sun Ra, spielten Eddie Cochran-Rock & Roll und komponierten die tollsten Popsongs, was Yo La Tengo, Bonnie Raitt, Paul McCartney, Elvis Costello oder den Chefnörgler Keith Richards zu ihren größten Fans gemacht hat. Sie sind die ewige Lieblingsband vom Drehbuchautor Marc Scully, was sie zur wohl unbekanntesten Band macht, die jemals bei den Simpsons einen Auftritt hatte. Was aber auch dazu führte, das Sponge Bob Schwammkopf immer wieder ihre Lieder sang. Aus der Original-Quartett ist leider nur noch Keyboarder und Sänger Terry Adams übrig, aber die aktuelle Besetzung, die seit nunmehr 8 Jahren zusammen spielt lässt für eingefleischte NRBQ Fans keinen Wunsch offen.

Das neue Album »Brass Tacks« zeigt NRBQ in ihrer ganzen prächtigen Vielfalt. Das Berliner Label Staatsakt, das auch zum Kreis der großen NRBQ-Fans gehört, ist sehr glücklich, sich in Deutschland um die Vermarktung und Promotion für »Brass Tacks« zu kümmern.

... nichts klingt hier wie eine Retronummer aus der Jukebox der Goldenen Jahre. Nichts wie eine Neuerfindung. Alles wie NRBQ, kompetent und cool.

(musikexpress, Dezember 2014)

On Brass Tacks, NRBQ's third album since Terry Adams re-formed the group in 2011, the group sounds more like the old NRBQ than ever, and given how great that band was, that's a fine thing. Now as always, Adams is a tremendously gifted keyboard man, songwriter, and vocalist, and he's fired up his bandmates with the sound and feel that was the band's trademark, and while one would rightly expect the songs Adams wrote to recall classic Q, the tunes contributed by guitarist Scott Ligon and bassist Casey McDonough fit the band's traditional template so well that it seems spooky at times, as if they've been channeling the spirits of Al Anderson and Joey Spampinato. But just as importantly, Adams and his bandmates -- Ligon, McDonough, and drummer Conrad Choucroun -- have achieved the sort of musical interplay, comfortable but deeply intuitive, that has always been NRBQ's greatest gift, and that comes through loud and clear on these performances, which are too accomplished to suggest these guys are just aping the old lineup's style. NRBQ's mix of rock & roll, jazz, and R&B is as singular and as satisfying as ever, and this wouldn't sound out of place next to much of the classic lineup's recordings, no small accomplishment. As usual, Adams has brought in a handful of sneakily witty tunes, including the ode to credit card debt "Greetings from Delaware," the Sun Ra homage "Places Far Away," and the rollicking "I'm Not Here," while Ligon's sweetly easygoing "I'll Be Alright" is a gem and Jim Hoke of the Whole Wheat Horns contributes "I'd Like to Know," a beautifully downbeat bit of lovelorn pop. One might expect this edition to NRBQ to develop more of a unique personality by now, but there's no arguing that they're doing what they do very well indeed, and Brass Tacks suggests this lineup has a lot of life in it yet.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Einen Monat lang zum Sonderpreis – das 2014er Mammut-Werk der Grand Dame des Roots-Rock-betonten Americana. 20 Songs, mehr als 100 Minuten neues Williams-Schaffen gilt es dabei zu erkunden, eine Menge Wurzel-Holz, das nach eingehender Beschäftigung reibt, rauht und ruft, aber mit jedem neuen Hörgang an Größe und Bedeutung gewinnt. Begleitet von einer beeindruckenden Musikerschar (mit u.a. Bill Frisell, Tony Joe White, Ian McLagan, Pete Thomas, Jakob Dylan, Greg Leisz) steckt sie ihren Country-Rock-Claim ab, füllt das weite Feld mit rauh rockenden Gitarren, mit schneidendem Twang, seelenvollen Bläsern, strahlendem Byrds-Gleißen und hymnischen Heartland-Rock, schleppenden Swamp-Passagen und klassischem Country-Glanz, lässt ihr ganze Songwritingkunst sprechen und ihre einzigartig lakonische Stimme unter die Haut schneiden, und dabei eine Song-Kollektion entstehen, die fast wie eine Essenz ihrer gesamten Künstlergeschichte wirkt. Um das prägend-tragende Gesangszentrum herum entsteht dabei ein meisterlich angerichtetes, perfekt gewürztes Instrumental-Roots-Rock-Menu, zubereitet mit allen nur denkbaren Wurzel-Zutaten, von den bestdenkbaren Köchen dargereicht, und final gesegnet von einer unvergleichlichen Meisterin ihres eigenen Fachs. Mit ihrem elften Studiowerk hat sich Lucinda selbst ein beeindruckendes, bleibendes Denkmal gesetzt.

(cpa, Glitterhouse)

Die aus Norwegen stammende Indie-Pop-Formation Einar Stray Orchestra meldet sich mit ihrem grandiosen neuen Album »Politricks« zurück! Ein intensives Musikerlebnis!

In seiner norwegischen Heimat gilt das Einar Stray Orchestra noch immer als ein Geheimtipp im musikalischen Underground. Als vor drei Jahren das Debütalbum »Chiaroscuro« – damals noch unter dem Namen Einar Stray – in Norwegen erscheint, ist dies immerhin der Startpunkt eines beindruckenden Werdegangs. Die Reaktionen sind ausnahmslos positiv.

Das neue Album »Politricks« des Einar Stray Orchestra aus Oslo erzählt die Geschichte des Übergangs von unschuldigen Kindheitstagen zur nicht so wirklich unschuldigen Erwachsenenwelt. Es geht um Risse, die plötzlich entstehen, vom Konflikt mit der eigenen Herkunft, vom Verlust des Glaubens. Musikalisch kommen die Einflüsse nach wie vor von Künstlern wie Sufjan Stevens und Godspeed You! Black Emperor, und doch ist »Politricks« leichter zugänglich als das Vorgängeralbum.

Von Hasse Rosbach produziert und von Nick Terry (Libertines, Klaxons, Serena Maneesh) gemischt, schimmert durch die dunkle Melancholie und die sorgsam gesetzten Arrangements hindurch doch immer ein Hang zur Popmusik.

"Lateness of Dancers" ist das fünfte Album von HISS GOLDEN MESSENGER. Es ist ein offensives, selbstbewusstes und direktes Album und fühlt sich hier und dort wie die direkte Antwort auf die Düsternis der letzten Platte von M.C. Taylor, "Haw" von 2013, oder die Suche von "Bad Debt" von 2010, die Taylor kurz nach der Geburt seines Sohnes am Küchentisch aufnahm. "Lateness Of Dancers" wurde im letzten Herbst in einer Scheune mit Blechdach in North Carolina aufgenommen und versammelt viele von Taylors langjährigen Kollaborateuren wie zum Beispiel Phil und Brad Cook von MEGAFAUN, den Gitarristen William Tyler und seinen Aufnahmepartner Scott Hirsch. Das Album handelt von der Entdeckung des Selbst und davon, wie schwierig es ist, sich selbst auszutricksen. Und trotzdem untergräbt Taylor die anrollende Dunkelheit und verwandelt sich in etwas Sinnvolles; er definiert sie, zieht ihr die Zähne und interpretiert sie neu. "Lateness Of Dancers" ist entgegen aller Wetten eine optimistische Platte. Es ist unwahrscheinlich, dass es in diesem Jahr noch eine Platte geben wird, die diese Arbeit erledigt - und die sie so gut erledigt.

Lateness of Dancers, Hiss Golden Messenger's debut for Merge, is a more melodic and polished affair than we're used to; it is also true that founder and songwriter M.C. Taylor's songwriting and vision have grown considerably since 2013's fine Haw. Lateness of Dancers -- its title taken from a Eudora Welty story -- retains that source's earthiness as it engages everything from folk, country-rock, back-country fiddle music, and even Southern R&B, the latter by way of an electric piano whose use recalls Muscle Shoals and Stax. Taylor is accompanied by longstanding partner and bassist Scott Hirsch (who also plays mandolin and pedal steel) and their veteran drummer Terry Lonergan. Guitarist William Tyler also returns and contributes considerably. Vocalist Alexandra Sauser-Monnig of Mountain Man and Megafaun's Phil and Brad Cook, as well as others, also appear. Opener "Lucia" borrows the one-two, one-two rhythmic thump so prevalent near the end of Bob Dylan's Street Legal -- smearing it with Bobby Charles' greasy groove sensibilities as Tyler's wah-wah Stratocaster, distorted steel guitars, and Wurlitzer blur in the backdrop. Taylor's lyric is couched in reverie and symbolic mysticism, and rolls atop the center confidently. While "Mahogany Dread" digs into the past, it celebrates the more humble present with gratitude, underscored by a sprawling B-3 and Tyler's tight, tasteful fills. The title track scales it all back. A simple acoustic guitar introduces Taylor's grainy vocal in offering some of the record's finest lyrics, a piano, Sauser-Monnig's gentle backing vocal, and a subtle organ to underscore his purposeful delivery. "I'm a Raven (Shake Children)" is a downright snaky, nearly funky blues; Charles' spirit and Dylan's R&B period come wafting -- though more economically -- through again. A different version of that idea -- this time evocative of J.J. Cale -- haunts the stellar "Southern Grammar." "Black Dog Wind (Rose of Roses)" is a slow country waltz. Its lyrics juxtapose the lessons of a father recalled in the protagonist's determination to make his own way no matter the cost. The wisdom of those teachings is illustrated fully -- if not deliberately -- in "Drum," the bittersweet, breezy, back-porch fiddle tune that closes the record. Four albums in, Lateness of Dancers reveals the arrived-at maturity in Taylor's songwriting, and his ability to convey, in the first-person narratives of his protagonists, a way through the complex notions and pain of living in the world by embracing them on their own terms, with no attempt at escape. The songs, arrangements, and Taylor's and Hirsch's deft production are all rimmed with -- not drenched in -- light. Taken together, they underscore the existential grit and elemental spirituality that illustrate Hiss Golden Messenger's best work.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Das Follow-Up Album der dänischen Pedal-Steel-Gitarristin und Songwriterin, die sich bereits vor drei Jahren mit ihrem Debütalbum »Coming Home« in die Herzen der Americana Fangemeinde spielte.

Ihr Solodebüt entstand zusammen mit Joey Burns und John Convertino von Calexico, Mark Lanegan und Jon Auer von den Posies. Kürzlich war sie auch auf dem neuen Jack White Album »Lazaretto« vertreten.

Für ihr neues Werk »Shaken« stellte Björklund eine exzellente Band zusammen, mit von der Partie sind u.a. Jim Barr (Portishead) am Bass, John Parrish (PJ Harvey, Sparklehorse) an der Gitarre, John Convertino (Calexico) an den Drums und Kurt Wagner von Lambchop steuert bei einem Song seine Vocals bei. Musikalisch überzeugt ihr Mix aus psychedelischem Wüstenpop, Indie Rock, Country und Americana auf ganzer Linie.

Freunde von Lambchop über Calexico bis hin zu Giant Sand werden an »Shaken« ihre helle Freude haben.

Johanna Borchert legt mit ihrem neuen Album »FM Biography« eine zwischen Pop und Ambient / Jazz-Avantgarde verortete Songplatte vor, die sie gemeinsam mit großartigen Musikern wie Fred Frith, Julian Sartorius und Shahzad Ismaily eingespielt hat.

Auf dem fantastischen neuen Soloalbum verknappt Sängerin / Pianistin Johanna Borchert das Gefüge ihrer Experimentalmusik bis zum Gehtnichtmehr, lässt alles weg, was nicht unbedingt erforderlich ist. (...) Gitarrengigant Fred Frith steuert zu den atmosphärischen Avantgarde-Songs der gebürtigen Berlinerin Saitensounds mit Sprengkraft bei.

(Stereo, November 2014)

Rolling Stones-Manager Andrew Loog Oldham wollte Vashti Bunyan in den 60ern schon als Nachfolgerin von Marianne Faithfull aufbauen. Die bewegte sich aber lieber in Folk-Kreisen im Umfeld der Incredible String Band und stieg dann ganz aus. Ende der 1990er wurde die Rarität »Just Another Diamond Day« zur Überraschung der Künstlerin wiederveröffentlicht.

Nach einer musikalischen Pause von über 30 Jahren trat Bunyan als Gastsängerin bei verschiedenen Independent-Projekten in Erscheinung: Piano Magic, Devendra Banhart und Animal Collective. So nahm sie mit der letztgenannten Band zum ersten Mal nach 30 Jahren eine EP auf: Prospect Hummer (2004). Dies führte dazu, dass sie von FatCat Records unter Vertrag genommen wurde und nach 35 Jahren im Jahre 2005 ihr zweites Album veröffentlichte, »Lookaftering«. Neun Jahre nach »Lookaftering« kommt die legendäre britische Singer / Songwriterin mit einem atemberaubenden Album zurück.

Übrigens: Der von Bunyan 1966 aufgenommene »Train Song« kam im Jahr 2008 zu größerer Bekanntheit, als Reebok ihn als Teil eines Werbespots für Football-Kleidung nutzte. Im Jahr 2011 wurde der Train Song erneut in einem Werbespot der Firma Samsung eingesetzt.

Goldenes Karrierejubiläum: 20. Album der englischen Sängerin; feat. Brian Eno, Ed Harcourt.

Es ist kaum zu glauben, aber 2014 kann Marianne Faithfull auf eine 50-jährige Schallplattenkarriere zurückblicken. Seit sie 1964 in London als 17-Jährige mit dem Jagger/Richards-Songs »As Tears Go By« zum Top-10-Star avancierte, verbrachte sie ein überaus ereignisreiches Leben und produzierte ein großes und abwechslungsreiches musikalisches Werk. Zum Jubiläum erscheint neben einem luxuriösen Fotobuch (»Marianne Faithfull: A Life On Record«) das Album »Give My Love To London«.

Produziert von Rob Ellis und Dimitri Tikovoi und gemischt von Flood, beeindruckt ihr 20. Studioalbum unter anderem mit einer illustren Schar an Gästen wie Adrian Utley (Portishead), Brian Eno, Ed Harcourt sowie Warren Ellis und Jim Sclavunos von den Bad Seeds. Als Songwriter und Mitverschwörer waren Nick Cave, Roger Waters, Steve Earle, Tom McRae und Anna Calvi mit dabei - wobei die Mehrzahl der Texte von Faithfull stammt.

»Give My Love To London« ist erneut ein breit gefächertes und eklektisches Angebot einer ewig zeitlosen und großen Künstlerin.

... ist ›Give My Love To London‹ damit ein grandios intensives Album, eines dieser Leuchtturmwerke künstlerischer Unmittelbarkeit. Es fügt sich in die Reihe der Meisterstücke ein, welche Marianne Faithfull als schillernde Figur der Pop History geschaffen hat ...

(stereoplay, November 2014)

›Give My Love ...‹ ist ein exzellenter Querschnitt ihres Stil-Kaleidoskops, mit düster-getragenen, stil- und machtvollen Piano-Balladen ... und rau treibendem ... Rock.

(Audio, November 2014)

Nach Pink Floyds »Dark Side Of The Moon« haben Wayne Coyne und seine Jungs es schon wieder getan: Für ihr neues Album »With A Little Help From My Fwends« hat die Band jeden einzelnen Beatles Song des 1967 erschienenen Klassikers neu interpretiert und den Stücken mit Hilfe von befreundeten Künstlern wie Miley Cyrus, Moby, My Morning Jacket, J. Mascis, Dr Dog, Phantogram, Tegan and Sara, Grace Potter und Electric Würms ein neues Gewand verpasst.

»With A Little Help From My Fwends« ist nicht nur mit der Hilfe von Freunden entstanden, sondern soll auch helfen: alle Verkaufseinnahmen werden an die gemeinnützige Organisation The Bella Foundation gespendet, die Geringverdiener, ältere Menschen und unheilbar Kranke bei der Pflege ihrer Haustiere und ihren Tierarztkosten unterstützt.

2013 war für Husky Gawenda eine Zeit des ununterbrochenen Songschreibens. Das Ergebnis dieser Zeit der Kreativität ist Ruckers Hill, bereits das zweite Album der vielseits geliebten Band, Husky. »Ruckers Hill«, genannt nach dem Vorort von Melbourne, in dem Husky aufgewachsen ist und von dem er immer einen wundervollen Blick auf die Skyline der Stadt hatte.

Für das Album benötigte er eine lange Zeit, von 2013 bis Mitte 2014. Es gab Abschnitte, des intensiv kreativen Songschreibens, aber da gab es auch Zeiten, als ihm das Schreiben schwer fiel, dann half ihm sein Cousin, Keyboarder und Co-Producer Gideon weiter, in dem er ihm immer mit Rat und Tat zur Seite stand.

An feinen Songs herrscht kein Mangel (top: ›St. Joan‹), und oft genügen Husky 2: 50, um eine Idee auf den Punkt zu bringen – auch das eine Tugend aus lange vergangenen Tagen.

(Audio, Mai 2015)

Das beste Sonic-Youth-Album, auf dem nicht Sonic Youth steht! Im November auf Tour.

Als Gründer von Sonic Youth hat Thurston Moore Musikgeschichte geschrieben. Seine bisherigen drei Soloalben warten mit einer erstaunlichen musikalischen Bandbreite auf – von freien Improvisationen zu akustischen Kompositionen bis hin zu Black-White-Metal/Noise. Neben seinen musikalischen Aktivitäten hat sich der New Yorker mit Wahlheimat London aber auch in der Literaturszene einen Namen gemacht, u. a. als Kunstbuchverleger und Universitätslehrer.

»The Best Day« ist der Nachfolger seines dritten Solowerks »Demolished Thoughts« aus dem Jahr 2011. Musikalisch unterstützt wird er dabei vom Gitarristen James Sedwards (Nought), Bassistin Deb Googe (My Bloody Valentine) und Sonic-Youth-Schlagzeuger Steve Shelly. Das Album glänzt mit altbekannten zuckenden E-Gitarren, aber auch mit wonnigen Akustikballaden.

Das »Uncut«-Magazin schrieb über die Live-Vorstellung des Albums: »The album is excellent (...) Great songs, and a sense that Moore has found fresh inspiration (...) with his latest, formidable accomplices.«

Ein wunderbar sperriges, störrisches Album voller arabesker Gitarrengrooves ... Indie-Rock ... und twistendem Punk ...

(Rolling Stone, November 2014)

Satter, klarer Sound, Thurston Moore scheint es gut zu gehen.

(stereoplay, Dezember 2014)

“A ship at port is safe, but that’s not what ships are built for.”

(Grace Hopper)

Die Legende will es, dass die Mitglieder von Musée Mécanique diese Inschrift auf einem überwucherten Friedhof in Cape Cod an der Küste Neu-Englands lasen und in diesen einfachen Zeilen die anhaltende Inspiration für die Arbeit an ihrem zweiten Album fanden. Und so sind die Songs auf FROM SHORES OF SLEEP beseelt von der ungeheuren Sehnsucht, wie sie eigentlich nur Seefahrer kennen: von Abenteuerlust, den Geschichten von Weltreisen, der Hoffnung von Land „auf der anderen Seite“ und der Euphorie überstandener Schlachten mit Naturgewalten. Kurz: dem ganzen, großen Drama des offenen Meeres. Die Welt wird nicht an einem Tag umsegelt und so braucht auch dieses Album eine gewisse Zeit um seine volle Wirkung zu entfalten. Auch der Hörer muss für FROM SHORES OF SLEEP zunächst eine kleine Reise auf sich nehmen. Dennoch: Der Lohn ist groß. Was aufs erste Hören „nur“ wie ein hochambitioniertes und opulentes Folkpop-Album wirkt, offenbart nach einiger Zeit eine faszinierende musikalische Land- oder vielmehr Seekarte, ein Mosaik aus tausend kleinen Geschichten, aus hunderten Orten dieser und anderer Welten.

Musée Mécanique fordern ihre Hörer mit FROM SHORES OF SLEEP und vielleicht sind sie damit ein wenig aus der Zeit gefallen. Tatsächlich ist es aber die große Stärke dieses Albums: Dass es zeitlich oder gar geographisch nicht zu verorten ist und dies dem Werk auch gar nicht gerecht würde. FROM SHORES OF SLEEP funktioniert nicht wie ein simpler Reisebericht, eher wie ein fiktiver Abenteuerroman, vielleicht sogar wie ein Märchen. Dabei haben die Autoren, Musée Mécanique, die Orte, an die sie ihre Hörer mitnehmen, womöglich nie gesehen. Ihre Welten sind erschaffen, vom Schreibtisch aus, mit Blick auf eben jenes weite, alles versprechende Meer. Vielleicht wie Karl May, vielleicht wie Claude Debussy, der sich von „Exotik“, wie sie auf der Pariser Weltausstellung präsentiert wurde, inspirieren ließ. Doch eine blutleere Kopfgeburt haben Musée Mécanique keinesfalls geschaffen. Ihre ungeheure Kunstfertigkeit, mit der sie all das Seemannsgarn, die Folklore und menschliche Tragödie zu ihrem ganz eigenen musikalischen Vokabular verweben, verleiht den Songs ihre Tiefe und haucht ihnen ein neues Leben ein. Oft weiß man nicht, was man da eigentlich hört. Ein echtes Orchester oder Synthesizerklänge? Sitzen wir in einem Strandcafé in Südfrankreich, in der Vorstellung eines Disney-Klassikers oder im Zauberwald selbst? Aus einem Reisebericht wird Literatur, aus Weltmusik große Kunst. Eine, die in ihrem Selbstverständnis tatsächlich gar nicht so weit von romantischer oder impressionistischer Programmmusik eines Debussy entfernt ist. Diese perfektionistische, aber auch spielerische Kunstfertigkeit und Opulenz ruft fast automatisch auch eine andere Referenzgröße auf den Plan. Denn mit Brian Wilson und den Beach Boys haben Musée Mécanique weit mehr gemeinsam als ihren thematischen Ankerpunkt des nassen Elements. Neben eindeutigen musikalischen Referenzen ist es der zutiefst sympathische Größenwahn, der sie antreibt. Die Ereignisdichte und Klangfülle auf diesem Album ist atemberaubend. Jedoch ist die Motivation niemals progressives Muckertum oder die Angst vor dem leeren Raum. Jeder bewusst gesetzte Farbtupfer, jeder kleine Schlag auf das Glockenspiel steht allein im Dienste der erzählten Geschichte und der – pardon – Schönheit. Musée Mécanique malen ihre Bilder eher in Sepia, als in den quietschbunten Farben Wilsons. Man könnte auch sagen, sie gehen mit ihren Dämonen etwas offener um als er. MM sind von den sonnigen kalifornischen Stränden an die etwas raueren Küsten Oregons gezogen. Die Beach Boys haben Surfbretter, MM haben einen Büchereiausweis. Anzutreffen sind sie in der Reihe Hemingway bis Melville, vielleicht auch Andersen bis Verne.

Also: Schenken Sie diesem Album Zeit und Aufmerksamkeit. Es revanchiert sich mit tausend Details und hunderten von Welten verpackt in zehn Song-Geschichten. Mit dem fantasievollsten, opulentesten, ambitioniertesten und schlichtweg, denn so ist es nun einmal, „schönsten“ Hörerlebnis, das Sie seit langem hatten. Herzlichen Dank!

(Konstantin Gropper)

(Glitterhouse)

Freigeister unter sich: Der US-Chansonier trifft auf die Drone-Doom-Band.

Als Sunn O))) im Jahre 2009 erstmals bei Scott Walker anfragten, ob er einen Beitrag zu ihrem Album »Monoliths & Dimensions« beisteuern wolle, ahnte niemand, dass es einmal eine echte Zusammenarbeit geben würde. Vier Jahre später meldete sich Scott Walker schließlich bei der US-amerikanischen Drone- Doom-Band: Er habe neue Musik geschrieben und dabei stets eine Kollaboration mit Sunn O))) im Sinn gehabt.

»Soused« ist das beeindruckend wuchtige Ergebnis einer Kooperation zweier Freigeister. Scott Walker feierte in den 60ern weltweite Erfolge mit den Walker Brothers, veröffentlichte in Folge viel beachtete Soloplatten und etablierte sich als Chansonier mit teils bitterböser Lyrik. In den 80ern erfolgte ein radikaler Stilwechsel und zudem eine Änderung seiner Arbeitsweise. Alben wie »Climate Of Hunter« (1984), »Tilt« (1996) und »The Drift« (2006) zeigten einen wandlungsfreudigen Künstler, der 2013 mit dem komplexen Meisterwerk »Bish Bosh« seinen Weg fortsetzte.

Mit »Soused« folgt die logische Konsequenz Walkers künstlerischen Schaffens.

Satter Orchesterklang – Neil Young mit »Storytone«

Auf seinem neuen Album »Storytone« schöpft Neil Young akustisch und musikalisch aus dem Vollen. Kurz vor seinem 69. Geburtstag präsentiert er sich künstlerisch umtriebig und politisch engagiert wie nie zuvor. Jedenfalls ist seine Schaffenskraft ungebrochen. Zwei Alben sind dieses Jahr von ihm erschienen. »A Letter Home« war ein minimalistisches Experiment, aufgenommen in einem Voice-O-Graph aus den 1940er Jahren. Es führte selbst treue Fans an die Grenzen dessen, was man sich als audiophiler Musikkenner im 21. Jahrhundert wünscht. Da Wechselbäder bekanntlich gesund sind, verordnet Neil Young sich und uns nun »Storytone«, sein neues Album mit einem fast 100-köpfigen Orchester.

Worauf man sich bei »Storytone« freuen kann, hat uns Neil Young mit der opulent orchestrierten Fassung von »Who’s Gonna Stand Up?« vorab wissen lassen. Der Song ist auf seiner Webseite in drei verschiedenen Versionen (akustisch, mit Orchester und Chor, live mit Crazy Horse) zu hören. Mit dem Text setzt sich Young aktiv gegen den Klimawandel ein und thematisiert umstrittene Themen wie das Fracking, das im Rahmen des transatlantischen Handelsabkommens auch in Deutschland heiß diskutiert wird.

Bemerkenswert ist die Tatsache, dass Neil Young »Who’s Gonna Stand Up?« frei zur Verfügung stellt. Er bietet allen engagierten Menschen, die sich für den Umweltschutz einsetzen, an, die verschiedenen Versionen des Songs in Videos, Clips und anderer medialer Kommunikation für den guten Zweck zu nutzen. Mit der orchestralen Fassung macht Neil Young indirekt auch gute Werbung für »Storytone«, denn das klingt einfach saugut und satt. Gleichzeitig ist auf der Webseite auch die Soloversion zu hören, die ebenfalls Teaser für das Album ist.

Mit dem neuen Album »Storytone« versöhnt Neil Young alle Fans, die mit dem Vorgänger unzufrieden waren. 2014 war für Neil Young musikalisch viel los. Mit »Storytone« geht das Jahr für ihn und seine Fans gut aus.

(Produktinfo)

Storytone arrived at the end of a year that already saw another new Neil Young album -- that would be A Letter Home, a collection of folk covers recorded at Jack White's Voice-O-Graph direct-to-vinyl recording booth at Third Man Records -- which itself was only the tip of the iceberg that was Neil's 2014. That spring, Young launched a high-end digital audio system called Pono, which was followed by the summer news that he was divorcing Pegi, his wife of 36 years, an event that led to a fresh feud with David Crosby that then led to Young saying he would never play with CSN again and, if that weren't enough, Young also published his second book, Special Deluxe: A Memoir of Life & Cars, just prior to the release of Storytone. That'd be enough to sustain a few years for most artists but we all know perfectly well that Neil Young isn't like most artists. He thrives on this kind of chaos and, appropriately enough, Storytone is fairly messy -- which is quite an achievement for an album recorded in large part live in front of a full orchestra. Young does indeed croon over those strings, often rhapsodizing about the powers of new love or pleading to save the Earth, although he sometimes gets restless and rolls out a swinging big band. This means Storytone sometimes plays like a hybrid of Harvest at its most florid and the bloozy swagger of This Note's for You -- a curious combination that doesn't seem quite as extreme on the album's second disc, which houses nothing but solo renditions of the record's ten tunes, but the very fact that there's a reverse image of the album strengthens the impression that Young isn't much in the mood to keep things simple. Which is odd, because all the original songs here are relatively simple, built to withstand simple arrangements -- they sound fine when Young supports himself with no more than a guitar, piano, or ukulele -- and they don't buckle underneath the weight of an orchestra. Versatile they may be, but they're united by Young's aching sincerity. He's earnest whether he's taking a stance against fracking, romanticizing his old car, or singing about new love with the dewiness of a teenager. The open-heartedness is sweet if somewhat adolescent, a feeling not helped by the preponderance of 2014 headlines about Young's love life, but even without that tabloid gunk, songs like "Glimmer" have an optimism that sounds just a shade disarming coming from a former cynic facing 70. But that's one of the glorious things about Neil Young: he surprises and by delivering this big, sloppy valentine to everything he is and everything he loves, he's not being neat but he is true to himself.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Cornet player, composer and conceptualist Rob Mazurek is a man of many projects. One of them is of simple design but has many wondering implications: it consists in inviting a historical figure of the free jazz field to develop some work with combined approaches, his own and – because it’s a tribute – the guest’s. After doing so with Bill Dixon, short before his death, he came to Lisbon with no less than Pharoah Sanders, John Coltrane’s companion and one of the leading spirits of the pan-African mysticism. For that purpose, Mazurek crossed two of his main bands, Chicago Undeground (including Chad Taylor) and São Paulo Underground (the Brazilian improvisers Mauricio Takara and Guilherme Granado), adding the bassist Matthew Lux to the mix.

The encounter happened as the final act of the 2013 edition of the most important jazz festival in Portugal, Jazz em Agosto, and this is the live recording of that unique event. It’s one more item in the Clean Feed series established in association with the festival organized by the Calouste Gulbenkian Foundation and a special one. The music is an electrifying melting pot between jazz and free improvised music, with a tropical feeling and lots of electronics, something you never heard Pharoah do, but his tenor sax is all around, as it is his way of feeling and thinking. What a treat for our ears!

Personnel: Chad Taylor (d), Guilherme Granado (syn), Matthew Lux (b), Mauricio Takara (perc), Pharoah Sanders (ts), Rob Mazurek (cor)

Neben den Cashs und den Wainwrights sind die Thompsons die bedeutendste Singer-Songwriter-Familie. Am 5.12 erscheint von den Thompsons ein neues Album mit dem programmatischen Titel »Family«. Neben Initiator Teddy Thompson schrieben auch seine Eltern Richard und Linda Thompson, seine Schwester Kami und ihr Ehemann James Walbourne sowie Neffe Zak Hobbs neue Songs für das Album.

Mit wechselndem Lead-und Background-Gesang aller Familienmitglieder und wechselseitiger musikalischer Ergänzung, ist den Thompsons ein großartiges Album zwischen Folk und Rock, Country und Blues gelungen. Vom eher poppigen »Careful« aus der Feder Kamis zum gewohnt brillanten Folk-Stil Richards auf »That’s Enough«; von der Ballade »Bonny Boys« (Linda) zum klassischen Country-Rocker »Right«, den Teddy beisteuerte. In ihrer Eigenheit verbindet die Songs eine ganz bestimmte Ästhetik. »Ich schätze, es gibt immer diese Folkrock-Sensibilität in dem, was die Thompsons machen«, analysiert Richard Thompson.

Neben dem Standard-Album erscheint »Family« als CD+DVD-Deluxe-Edition mit einem 15-minütigen »Making Of Family«. Der Film gibt Einblicke in den Aufnahmeprozess und wiederspiegelt dabei die menschliche Wärme, das immense Talent und den Humor der Thompsons.

Zweieinhalb Jahre nach ihrem UK-Nummer-Eins-Album "Velociraptor!" veröffentlichen die britischen Superstars Kasabian am 6. Juni 2014 ihr mittlerweile fünftes Studioalbum. Der Longplayer, der von Gitarrist und Sänger Sergio Pizzorno im Alleingang produziert wurde, ist dabei buchstäblich die Summe seiner Einzelteile - zum Ausdruck gebracht wird dies u.a. im Albumtitel, der sich aus der Gesamtspielzeit der 13 Songs (von 48 Minuten und 13 Sekunden) ergibt: "48:13".

"48:13" ist dennoch unverkennbar Kasabian, ein faszinierendes Destillat ihres Trademark-haften Sounds. Es ist das Ergebnis einer fortwährenden Entwicklung und des musikalischen Experimentiergeistes einer Band, deren Karriere mittlerweile zehn Jahre und vier Alben umfasst. Neben dem begehrten Headline-Slot beim Glastonbury-Festival am 29. Juni und ihrer längst ausverkauften Homecoming-Show in Leicester in der Woche zuvor (21. Juni) wird die Band auch bei zwei Festivals in Deutschland auftreten: bei "Rock im Park" und "Rock am Ring".

Klotzen statt kleckern: Indie-Brit-Rock, der keine Zweifel kennt.

(Rolling Stone, Juni 2014)

... impften Kasabian ihrem Mix aus HipHop, Elektro und Sixties-Rock eine gesunde Mischung aus einer gewissen Kunsthaftigkeit und einem ,,Weniger ist mehr"- Prinzip ein.

(Audio, August 2014)

Ich kann mich noch genau erinnern, als mir die allererste Whiskeytown zugeschickt wurde. Von einem Minilabel in North Carolina. Angefordert von mir, heiß gemacht durch ein Review im No Depression Magazin. Da begann die Affäre zwischen mir und Bandleader Ryan Adams, dessen Veröffentlichungen wie handgeschnitzt waren für die Glitterhouse Clientele. Zugegeben, die spätere Flut an Releases hat einen dann schon erdrückt und das Interesse etwas erlahmen lassen. Probleme mit dem Ohr (Morbus Menière) zwangen ihn dann wohl, etwas kürzer zu treten. Um dann gänzlich zu verschwinden. Und nun ist er zurück. Mit einem neuen Album, eingespielt in seinem eigenen Pax Am Studio. Ich will dem Burschen eigentlich nur Gutes, bin ich recht unvoreingenommen an das Werk ran gegangen, auch wenn unser cpa vorab meinte, Ryan würde stark nach Bryan klingen (altes internes Wortspiel). Der Opener (ebenso die erste Single) Gimme Something Good wirft dann aber direkt erste Zweifel auf. Das kann ich ganz schwer einordnen. Was ist das? 70er AOR? Und warum klingen die Gitarren wie weiland bei Echo & The Bunnymen? Liegt es an mir? Ist die Magie verflogen? Die Zeit vorbei? Ist das jetzt Mainstream-kompatibel?

Fragen, die ich nicht wirklich beantworten kann. Bei den ganzen leisen Songs, wie z.B. My Wrecking Ball oder dem abschließenden Let Go, fühlt man sich an gute, alte Zeiten erinnert. Bei den meisten anderen, vorwiegend elektrisch rockenden Songs, stoßen mir oft erst mal die Gitarrensounds negativ auf und wenn ich die Kompositionen an sich seziere, sehe ich auch keine Großtaten. Tja, Zeit für ein Fazit: Ich will denen, die sehnsüchtig auf eine neue Ryan Adams Platte warten, nicht die Freude nehmen. Vielleicht liegt es an mir, vielleicht bin ich dem auch einfach nur etwas entwachsen (obwohl es in dem Genre noch genug aktuelle Platten gibt, die mir gefallen)? Ich möchte nur, dass ihr Adams Fans die Erwartungen etwas runterschraubt und vorsichtig ran geht an die Platte. Und wenn ihr dann nach 2-3 Durchlaufen leise „der rh hat keine Ahnung“ murmelt, dann ist ja alles gut.

(rh, Glitterhouse)

Father & Son: Der Wilco-Gründer spielt mit dem Nachwuchs ein Soloalbum ein.

Jeff Tweedy kennt jeder als Gründer der Chicagoer Rockband Wilco, als Grammy-Gewinner und Produzent. Das Album »Sukierae« (sprich: ssu-ki-räi) ist nicht ganz ein Soloalbum. Es ist vielmehr das Debütalbum eines Duos, das vollkommen zu Recht diesen Namen trägt: Jeff Tweedy tat sich für diese 20 Songs nämlich mit seinem 18-jährigen Sohn, dem Schlagzeuger Spencer Tweedy, zusammen. Was als wirkliche Soloarbeit geplant war, entwickelte sich durch die stete Gegenwart und Hilfe des Sohnes zu einem »Soloalbum, aufgeführt von einem Duo«, so Jeff Tweedy.

Außer Jeff und Spencer Tweedy sind auf »Sukierae« noch Jess Wolfe und Holly Laessig von der New Yorker Band Lucius zu hören sowie auf einem Track Scott McCaughey (R.E.M., The Minus Five) an den Keyboards.

Mit Sohn Spencer hat Wilco-Chef Jeff Tweedy ein faszinierendes Album mit rissigen, skizzenhaften Songs aufgenommen.

(Rolling Stone, September 2014)

... der Wilco-Chef mit seinem Sohn (und ab und zu Scott McCaughey und 2 Backing-Sängerinnen). An Wilco erinnern gar nicht so viele Stücke, noch weniger an die aktuelleren – vielleicht auch, weil manches bewußt unfertig, vieles recht rau und spontan (anderes jedoch wohlkonstruiert) klingt. Besonderen Reiz üben einige Arrangement-Ideen aus: Opulente Streicher schmücken kontrastierend einen ziemlich harten Rocker aus; ein eigenwilliger von schrägem Piano und torkelnder Gitarre durchzogener superber Song – so stelle ich mir die Beatles heute vor (es gibt aber auch 1,2 Stücke, die an die damaligen, echten erinnern); tolle grelle Gitarren-Crescendi... Es gibt polternden Rock mit leichter John Lennon-Affinität, harmonischen Laurel Canyon-Folk-Rock, intime leise/verlorene Folk-Stücke (klasse: I´ll Never Know!), simplen feinen ruhigen melodiösen Akustik-(Folk-)Rock (entfernt Neil Young ähnlich) oder ebensolchen teilelektrischen mit Pop-Anteilen oder The Band-Einfluß, Big Star- und Früh-70er Who-Anleihen, eine locker und entspannt schwingende entzückende Mc-Cartney-ähnliche Ballade, recht traditionell grundierten spartanischen US-Folk, aber auch originell-experimentellen Rock und großartigen psychedelischen Trance Rock (der mich irgendwie an Früh-70er Kevin Ayers erinnert). Und das absolut grandiose „Low Key“, edel, extrem gehaltvoll, zwischen Pop und Rock – ein zukünftiger Klassiker! Satte 72 exzellente Minuten, 20 Tracks, Erwartungen vollauf erfüllt!

(dvd, Glitterhouse)