2005er Album einer der harmonieverliebtesten Singer-Songwriterinnen unserer Tage. Auch mit ihrer fünften Platte (ein Konzeptwerk um die fiktive geschichte von John und Caroline) bleibt sie ihrem dem Beatles-Schaffen nicht fernen Harmonie-Verständnis treu, ist das Ersthören ihrer neuen Songs wie eine Heimkehr in den ersehnten Hafen nach sturmgeplagter Überfahrt, empfängt einen die angenehm unaufgeregte, prägnante Stimme mit offenen Armen. Mann-Songs haken sich unmittelbar im Ohr fest, die Melodien strahlen die gelassene Ruhe alter Freundschaft aus. Doch nicht zuletzt Dank des Produzenten Joe Henry zeigt sich das neue Album bei aller bewährten/bewahrten Naturbelassenheit (immer noch zählen die akustische Gitarre und das prächtig parlierende Piano zu den prägenden Instrumenten) energischer, rockiger gar. E-Gitarren drücken auch den Midtempo-Song unauffällig nach vorn, eine schwelgende Orgel sorgt gemeinsam mit prallen Piano-Akkorden für machtvolle Breite, ein satter Bläseratz füllt den akustischen Raum, auffällig und berührend aber auch die sowohl an Procol Harum-Prog-Phantasie als auch an Gospel-Wurzel-Wärme erinnernden Momente, die eine sakrale Ruhe verströmen. Dennoch ist die Produktion naturbelassen, ganz auf Aimee’s Stimme und ihre herzwärmenden Melodien konzentriert. Die limitierte Edition des Albums kommt im Digipak incl. eines aufwendigen Booklets.

(Glitterhouse)

The prospect of an Aimee Mann concept album concerning an addicted boxer returning from the Vietnam War isn't necessarily enticing, but after the meandering, adrift Lost in Space, a change of pace of any kind is welcome for the acclaimed, gifted, and increasingly predictable singer/songwriter. Mann must have sensed this too, since she not only committed herself to a narrative song cycle, but she cut the record live with a new band under the guidance of producer Joe Henry. The results aren't quite as different as you might expect -- her music is very much in the vein of Bachelor No. 2, right down to the vague carnivalesque overtones associated with Jon Brion -- but the project helped focus Mann both as a writer and a record-maker. The songs on The Forgotten Arm are sharper, stronger, more memorable than those on Lost in Space and the performances are robust and lively. As the record progresses, the songs take on a certain samey quality -- a flaw that's not uncommon to Mann's albums -- but as individual cuts, the songs are quite strong. That is a bit of an oddity for a concept album, but the concept seems like a MacGuffin anyway, a way for her to write some stark songs about addiction and to force discipline upon herself. She had a similar situation with the songs from Magnolia that spilled onto Bachelor No. 2 -- when she had to fit her tunes to the requirements of Paul Thomas Anderson's film, it made for better music. While the music here isn't as good as that on Bachelor, the strict structure does help give The Forgotten Arm direction, helping shape it into one of her more consistent albums.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Ich habe viele Platten und CDs. Mehrere raumhohe Regale zu Hause, stapelweise hier im Büro und reichlich in Kisten im Keller und auf dem Dachboden. Und jeden Tag kommen mehr dazu, auch welche, die ich eigentlich gar nicht haben will. Nur selten kann man sich etwas lange widmen, nach dem Katalog ist vor dem Katalog und wieder wollen 50 Platten angehört und besprochen werden. Da greift man in Pausen, oder wenn nichts mehr geht, gerne zu Bewährtem wie Neil Young oder Van Morrison. Eine Platte, die ich in den letzten 5 Jahren in solchen Situationen immer wieder aus dem Schrank genommen habe, ist Beauty In Madness, das Debüt von Hobotalk. Das ist wie gute Medizin in Musikform. Und als ich vor kurzen mal in Internet checkte, was eigentlich aus der Band geworden ist, stand ein neues Album an. Das mussten wir uns für unser Territorium sichern. Und seit dem streiche ich mir Notes On Sunset jeden Morgen als erstes auf die Seele.

Und wie diese Band klingt: Folky Pickings, ein leichtes Anlehnen an Americana, das Wissen um die Kraft reduzierter Popsongs und Marc Pilleys über allem strahlende Stimme tragen das Zweitwerk. Im Ergebnis hört man manchmal swingende und manchmal traurige, verspielte oder auch leicht ätherische Stücke, die die Sehnsucht nach reiner Schönheit nicht nur erwecken sondern auch direkt erfüllen. Pilleys außergewöhnliche Stimme ist bereits mit Größen wie Tim Hardin oder dem jungen David Crosby verglichen worden. Er klingt gleichzeitig nach Verlassensein und nach Hoffnungsstrahlen. Keine Ahnung, wie er das hinbekommt.

Intensiviert wird dieser Eindruck noch durch die kompositorische Klasse der Songs und das großartige Zusammenspiel seiner Band. Gerade die unaufdringlichen, aber in fast jedem Stück präsenten Figuren, die Ali Petrie an den Tasteninstrumenten einstreut, scheinen wie aus Sommertagsschatten geschnitzt. Die Turin Brakes bewegen sich auf ähnlichem Terrain und von Instrumentierung und Arrangements ist auch Aimee Mann nicht allzu weit entfernt: Ein Balsam aus Ton und Stimme. Und obwohl die Band aus Schottland stammt, scheint hier ganz hell die Früh-70er Westcoast-Sonne.

Marc Pilley's Stimme eröffnet das Album mit dem ersten Ton, vorsichtig von der Akustischen begleitet. Nach 28 Sekunden stösst ein warmer Bass und hinzu und ein ebenso einfaches wie bezwingendes Pianomotiv ertönt. Wetten, dass es dann um dich geschehen ist…

(Glitterhouse)

“Eine Platte, die jeden begeistern wird, der ein Herz hat für herrlich melodiöse, sparsam instrumentierte, entspannt dahin fließende Songs.” MUSIKEXPRESS

„Ein Hauch verträumter Americana, ein Hauch Hippie-Folk a la Crosby & Nash, das alles aber mit einer zutiefst nordeuropäischen Melancholie dargeboten: So meldet sich Hobotalk selbstbewusst zurück und wird Fans von Midnight Choir oder The Walkabouts endgültig auf ihre Seite ziehen. Ein schmeichelndes, unspektakulär romantisches Album.“ STEREO (4****)

„Ein großer Songschreiber! Bevor Sie wieder fünf Jahre auf so unprätentiösen, sehnsuchtsvollen Folkpop warten müssen, handeln Sie jetzt. Kaufen Sie ein kleines Stück von Marc Pilleys Herz. Er hat bestimmt noch genug davon übrig.“ ROLLING STONE

„Es braucht keine zweieinhalb Minuten, und schon ist man ‚Notes On Sunset’ (...) gründlich und auf Dauer erlegen. Eines der Alben des Jahres, das kann man jetzt schon sagen.“ KÖLNER STADTANZEIGER

"In 2000 Hobotalk, aka Marc Pilley, released Beauty in Madness, an astonishingly fine album of American-tinged folk-pop. It stood out from other efforts by singer- songwriters by dint of its lack of irony. Pilley’s songs of loss, love and redemption were delivered in a direct fashion, like diary entries sung straight into a microphone.

Then there was Pilley’s voice, a mesmerising and pure instrument that recalled Tim Hardin and David Gates from Bread. Beauty in Madness was an unfashionable concoction, and its descent into obscurity was as rapid as it was incontrovertible. Pilley’s major record label decided to turn him into another David Gray by slathering his new songs with strings, beats and effects. The album was shelved, the label dropped Pilley and that was that. Another talent snuffed out by corporate stupidity. Now, though, Pilley is back and still, in his own words, “howling at the stars”.

Notes on Sunset is not quite in the same league as Beauty in Madness, but it comes close. It bears the same confessional quality, although Pilley has added a little anger to the mix. On the anti-war Letter From a Friend he asks “Is America dying?”, although, typically, it sounds more like a regretful sigh than a roar of disapproval. He has also mixed a little soul into the folk-pop pot, but it’s the lovelorn beauty of songs such as Little Light and In the Arms of Love that still bewitches. Welcome back, Marc."

(The Times. 4/5 stars. CD of the week)

Seit zehn Jahren lebt Rouse in der für Country und Songwriting ikonografischen Stadt Nashville. Das Flair, der Qualitätsdruck, die Konkurrenz: All das schult. Rouse verschmilzt inzwischen Kreativität und Handwerk perfekt. Seine Songs formuliert er aber nicht im Countrypop-Idiom Nashvilles, sondern als beschwingten, enorm melodiösen und refrainstarken Gitarrenpop, den Produzent Brad Jones (der auch Bass und Klaiver spielt) oft sehr engmaschig webt, ohne je in die Nashville-übliche Gefahr der Überproduktion zu geraten. Rouse treibt seine in der Regel mittelschnellen Songs mit akustischer Rhythmusgitarre an, und er verhandelt die Sujets - etwa kleine Selbstbezichtigungen in Liebesdingen - mit gelassenem Ernst. Ein Album, das manchmal wirkt, als habe der junge Paul Simon beim Teenage Fan Club als Autor und Sänger angeheuert. Es gibt schlechtere Bezüge.

(Kulturnews)

Er wird immer noch besser! Der amerikanische Songschreiber mit dem grossen Pop-Appeal legt mit 'Nashville' sein fünftes Album vor - eine musikalische Huldigung an seine Heimatstadt Nashville. Obwohl natürlich nicht Nashville als Country Metropole gemeint ist. Zwar fliessen Country-Elemente (Pedal Steel) in seine Songs ein, doch steht Rouse in der Tradition britischer (60s-Pop) Bands und melodieversessenen Bands/Künstlern wie den Beach Boys und Byrds sowie Bob Dylan. Großartiger Songschreiber-Pop mit Melodien zum Mitsingen und Verlieben.

(amazon)

Josh Rouse's album from 2003 1972 was hailed by many as a triumph. He cast aside the gloom that pervaded his early records, opened up his sound to include such disparate sources as Memphis soul, '70s soft rock, '60s baroque pop and straight-ahead danceable pop. Easily the equal of any of his contemporary's work, one had the fear that it might have represented a one-time-only peak performance. Not to worry. Nashville reunites Rouse with producer Brad Jones and the two have concocted a sound even bouncier and dreamier than the already impossibly dreamy and bouncy 1972. There are hints of all the styles Rouse references on 1972 but here they are integrated into his sound more smoothly. Jones adds all kinds of varied keyboards, strings, guitar sounds, bits of sonic trickery and atmosphere to that sound which leads to each song sounding similar but also quite different. The production and sound are half the game and Rouse doesn't let his half down, as his songs are incredibly strong on Nashville. "Streetlights," the Smiths-influenced "Winter in the Hamptons," "Carolina," and the heart-broken piano ballad "Sad Eyes"; they are as hooky as anything on 1972 but have more weight and emotional power. By the time each song is through it is stamped into your memory, turning the record into an instantly familiar kind of classic. His lyrics are as sharp and surprising as ever. He is incredibly adept at dropping in lines that shock you in a very pleasant way; the very first song, the sweetly gliding "It's the Nighttime," has the wonderful lines "maybe later on/after the late, late show/we can go to your room/ I can try on your clothes." His storytelling skills are sharp, too, as the teen angst epic "Middle School Frown" amply demonstrates. Apparently his personal life has seen all kinds of upheaval in the last little while but you'd be hard pressed to hear it in the sunny melodies. You can hear hints of it in the lyrics if you listen hard especially on "My Love Has Gone" (unsurprisingly) and "Saturday." You can also hear it in the melancholy catch in Rouse's whispery vocals. Even the jauntiest song on the album is reeled in a little. The contrast between happy melodies and sad lyrics is one of the oldest tricks in the pop book and when it is pulled off as well as Rouse does here, you have to be impressed. In fact the whole record is worthy of any and all accolades you might want to shower upon it. Somebody will really have to pull off a miracle to top Nashville as far as intelligent, honest and entertaining guitar pop goes in 2005. Or any other year.

(by Tim Sendra , All Music Guide)

"There are approximately 2,138 white-guy singer-song-writers currently vying for your attention, and while they all seem like perfectly nice fellows, it's hard to imagine any of them topping themselves six albums into their career — a feat Rouse accomplishes with the persistently gorgeous Nashville. Songs like ''Winter in the Hamptons'' and ''Middle School Frown'' draw from both the Mac and the Moz, patching together Cali rock's orange-sunset warmth with Britpop's relentless longing. Somewhere, Nic Harcourt is having a glee-induced seizure. Grade: A-"

(Entertainment Weekly)

2005er und endgültiges Pop-Meisterwerk. Bereits mit 1972 liess Josh seiner Verehrung für den Pop-Harmonie-Himmel der 60er freien Lauf und zitierte und integrierte, dass es eine Freude war. Mit Nashville aber ist es ihm gelungen, all dies Schöne, Beatles-Wohlklang, Beach Boys-Harmonien, Eagles-Westcoast, Neil Young-Songwritertum, Donovan’sche Schlichtheit, Dylan’sche Beobachtungsgabe, Soul-Streicher und –Schmachten zu verinnerlichen und sich zu Eigen zu machen – all dies und noch viel mehr, das Schwelgen in vollem Gitarren-Klang, singende Pedal-Steel, Smiths-Brit-Pop, Folk-Reinheit, findet sich jetzt unaufdringlich im Fluss der 10 Songs, die, kaum gehört, schon im Kopf hängen bleiben. Nun, 10 Songs für die Ewigkeit schreiben – das können auch andere. Wenige zwar, aber dennoch. Aber bei Nashville kommt alles zusammen und passt perfekt: Song-Kunstwerke mit Melancholie in der Stimme, Schmerz und Biss in den Texten und der Sonne in der Musik, eine Produktion (Brad Jones), die leise Momente ebenso gefühlvoll auskostet, wie sie vor Spector’scher/Wilson’scher Größe nicht zurückschreckt, und eine Song-Architektur, die Staunen macht: Ein Stück wie Sad Eyes, mit den einleitenden warmen Klavier-Akkorden, der weichen Melodie, den zart einsetzenden Violinen, dem plötzlichen Rhythmus- und Dynamik-Wechsel, dem ganz großen Streicher-Aufgebot, der Rückkehr zum einsamen Piano ist die ganz hohe Schule der Balladenkunst. Aber auch in den rhythmisch bewegteren Songs gelingt es Rouse, eine derart perfekte Verbindung aus federleichtem Gefühl, verführerischen Melodie-Linien und bleibendem Tiefgang zu erschaffen, dass mir nur eine tiefe Verbeugung bleibt. Wenn es eine Lücke zwischen Ron Sexsmith und Elliott Smith gibt: Rouse füllt sie mit der endgültigen Singer-Songwriter-Pop-Symbiose, voll und ganz.

(Glitterhouse)

Es gibt eigentlich kaum einen musikalischen Stil, den Paul Weller im Laufe seiner über dreißigjährigen Karriere nicht ausprobiert hätte: Mod-Rock, Motown-Soul, R&B, Jazz, Acid House, selbst Psychedelisches gab der gute Mann aus Surrey schon zum Besten - und bewies damit stets aufs Neue, dass künstlerische Offenheit und ein klares, politisches Bewusstsein keine Widersprüche sind. Nachdem er sein letztes Album Studio 150 ausschließlich mit Coverversionen bestritten hat, brilliert Weller nun auf As Is Now einmal mehr als wandlungsfähiger Singer-Songwriter.

Mal klingt das nach den folkigen Sixties, wie im vielleicht schönsten Lied des Albums, „All On A Misty Morning“, ein andermal („From The Floorboards Up“) eher nach den frühen Jam, mit denen Wellers Karriere Mitte der Siebziger begann. Gleich der erste Song, „Blink And You’ll Miss It“, setzt energetische Maßstäbe, und für Momente meint man, Roger „Reibeisen“ Chapman singen zu hören. Das gutgelaunt-sarkastische „Here’s the good news“ könnte glatt von Randy Newman sein. Und auch das programmatische „Bring Back The Funk“ löst musikalisch ein, was der Titel verspricht. Insgesamt überwiegen freilich eher die unverstärkten Instrumente. Die Arrangements sind luftig und lassen Raum für schöne Tupfer – seien es coole Bläser (wie in „The Start Of Forever“) oder dezente Streicher (wie in der Ballade „The Pebble And The Boy“).

Ein im besten Sinne solides Album, das in jeder Sekunde rockt, groovt, swingt und daher keine Effekthaschereien nötig hat. Wie heißt es so schön im Formatradio: Das Beste aus den Siebziger-, Achtziger- und Neunzigerjahren. Nur hier stimmt es ausnahmsweise. Eins mit Stern.

(Axel Henrici, amazon)

Das Warten hat ein Ende. Drei Jahre nach dem letzen Weller Album mit eigenen Songs und ein Jahr nach seinem von der Kritik hochgelobten Cover-Album „Studio 150“ kommt nun am 07.10. ein neues Weller Album "As Is Now" - und was für eins.

Mit neuem Feuer, das sich in seiner Kreativpause entfachte und durch die neue Welle britischer Gitarrenbands mit Zündstoff versorgt wurde hat der Evergreen mit „As Is Now“ einen neuen Meilenstein seiner Karriere geschaffen. Wäre Paul ein Sportler, würde man sagen: Er hat seine Bestform wiedergefunden. Die Verfassung, in der er vor einem Jahrzehnt mit „Wildwood“ und „Stanley Road“ zwei zentrale Werke der Britpop-Ära kreierte. „Als ich ’150’ endlich aufnahm, gab mir das den nötigen Abstand. Den Zeitraum, in dem ich mir um eigene Songs mal keine Gedanken machen musste. Und kurz danach schrieb sich gleich ein ganzer Haufen Songs wie von selbst.“

Bei den Aufnahmen zu „As Is Now“ begann Paul, wie zuletzt immer, mit der Arbeit an Demos in seinem eigenen Studio Black Barn. Nach den enthusiastischen Reaktionen auf seine Tournee im Frühjahr allerdings, die letzlich in einer ganzen Serie von Gigs im Londoner Hammersmith Apollo kulminierte, entschied Paul spontan, den Schwung zu nutzen. Er versammelte die Band unmittelbar nach den Shows wieder im Studio, um die Intensität, die explosive Energie, sofort auf Tonspur einzufangen.

If 2002's Illumination was a warm, laid-back record, Paul Weller's 2005 sequel, As Is Now -- a likeable but unremarkable covers album, Studio 150, appeared in the interim -- is its flip side, a lean, hard-hitting soulful rock & roll album. Not that Weller is returning to the sound of the Jam: he's still with the same band that he's been with since Wild Wood, anchored by drummer Steve White and featuring Ocean Colour Scene members guitarist Steve Cradock and bassist Damon Minghella, and he's working the same musical territory, grounded in Traffic, Humble Pie, '60s soul, and guitar pop. There may be absolutely no surprises here -- even the change of pace "The Start of Forever" is reminiscent of many of his gentler folky tunes, echoing Illumination's mellow vibe -- but for as familiar as As Is Now is, it never sounds lazy; it's a tighter, better record than most of his late-'90s albums. The closest antecedent to As Is Now in Weller's solo catalog is Heavy Soul. Like that 1997 effort, this is a straightforward, no-frills record, heavy on rockers and with few pretensions, but where that album could drift, this is focused and exciting, boasting a stronger set of songs and livelier performances, plus a greater variety of colors and textures in the production. Those subtle differences wind up making a huge difference in the overall effect of As Is Now -- on the surface, it certainly sounds familiar to what came before, but thanks to Weller's muscular, memorable songs and musicianship, it stands apart as one of his more satisfying solo albums.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Wenn jemand wie Neil Young, der mich musikalisch Jahrzehnte begleitet und begeistert hat, in den letzten Jahren nur noch sporadisch auch nur ansatzweise die Klasse seiner besten und besseren Platten erreicht, dann ist das schon eine ziemliche Enttäuschung.

Nun hat er nach eigenen Angaben mit Prairie Wind das dritte Album in der Trilogy mit Harvest und Harvest Moon fertig gestellt. Eingespielt in Nashville mit einer Band um Steeler Ben Keith, Karl Himmel (Percussion), Rick Rosas (Bass), Chad Cromwell (Drums) und Spooner Oldham (Keyboards). Als Backingvokalisten hören wir Emmylou Harris und die Fisk University Jubilee Singers, einen Gospel Chor. Gerade die Band spielt durchweg unaufdringlich/gefühlvoll und begleitet die einfachen, von offenen Akustik-Gitarren-Akkorden geführten Songs wie es sich für alte Sessioneers gehört.

„If you follow every dream, you might get lost“, singt er im einfach strukturierten Eröffnungstrack The Painter, dem mit dem düster-epischen No Wonder sicher einer der besten Neil Young Songs der letzten 20 Jahre folgt. Bei Falling Off The Face Of The Earth fällt seine ohnehin hohe Stimme ins Falsett, die Steel Gitarre wimmert und Wohlgefühl macht sich breit. Far From Home, ein bläser-verstärkter (Memphis Horns), lässiger R&B/Country-Shuffle, könnte so auch auf Old Ways sein. Ganz groß auch der Titelsong, mit Harp, vorsichtig arrangierten Bläsern und wundervollen Backing-Stimmen. He Was The King ist eine schmissige Hommage an Elvis und When God Made Me begeistert mit seinem Gospeltouch.

Die wundervollen Songs enstanden zwischen der Diagnose eines Hirn Aneurismus und der erfolgreichen Operation und so sinniert Neil Young hier über Träume, seine Familie (von seinem Vater bis zu seinen Kindern) und der Vergänglichkeit.

Natürlich kann man auf reichlich gute Neil Young Platten zurückgreifen, wenn es einem danach verlangt, aber es tut mehr als gut zu wissen, dass man in diesem Herbst eine größere Auswahl hat. (rh)

Die limitierte Version kommt mit Bonus-DVD und dem gesamten Album als Film. Wie bei den Majors gewohnt, gibt es hier leider keine wirklich verlässlichen Angaben.

(Glitterhouse)

Annähernd 40 Alben hat der Kanadier Neil Young seit seinem Ausstieg bei Buffalo Springfield 1968 in regelmäßigen Abständen eingespielt. Seinen 60. Geburtstag feiert der Elder Statesman des Country-Folk-Rock am 12. November 2005 Jahre und veröffentlicht mit Prairie Wind fast zeitgleich ein sehr warmes, intimes und musikalisch sehr konservatives Album, das einen langanhaltenden Trend fortsetzt: Neil Young kehrt dem Rock auf seinen Studiowerken immer mehr den Rücken zu. Nach Nashville, ins Mekka des Country, zog es den in Toronto geborenen Mann diesmal. Dort versammelte er neben der Gastvokalistin Emmylou Harris Größen wie Spooner Oldham (Aretha Franklin, Bob Dylan, J.J.Cale) und die alten Wegbegleiter wie gefragten Studiomusiker Ben Keith, Karl Himmel, Chad Cromwell und Rick Rosas um sich - allesamt hochklassische Könner, von denen aber keine Innovationen zu erwarten sind. Woran Neil Young auch nicht die geringsten Interessen zu haben scheint. Mit Prairie Wind, nach dem Meisterwerk Harvest und Harvest Moon der letzte Teil einer Trilogie, kehrt er auf den heimischen musikalischen Boden zurück, der ihn berühmt gemacht, zu Platten wie Harvest und Comes A Time also. Zu einfachen, sehr amerikanischen und traditionellen Songs ohne Effekthascherei aber mit großer Wirkung. Über weite Strecken ist Prairie Wind trotz des Mitwirkens eines Gospelchores ein stilles, fast zärtliches und sehr akustisches Album mit Texten, in denen Neil Young weit zurückblickt. Seine Gedanken streifen über von Bisons bevölkerte Weiden („Far From Home“), er reflektiert den Tod seines Vaters („Prairie Wind“), erinnert sich an Elvis („He Was The King“), spricht über das Leben als langer Weg, auf dem Freunde verschwinden („The Painter“), über seine Kinder in der hinreißenden Ballade „Here For You“ oder sinniert über Gott („When God Made Me“). Ein wenig zu nahe ist er ihm während der Aufnahmen zu Prairie Wind gekommen, als eine lebensgefährliche Erweiterung eines Blutgefäßes im Gehirn festgestellt wurde. Obwohl der Tod und Vergänglichkeit auf Prairie Wind oft thematisiert werden, blickt Neil Young doch auch nach vorne und singt in „The painter“ „...it’s along road behind me, it’s a long road ahead...“. Alles andere wäre auch eine Enttäuschung. Passend zu diesem ausgeruhten Album ist eine DVD, die der schön aufgemachten Klappcover-CD im Digipak beiliegt. Eine Standkamera zeigt in unaufgeregten Bildern, wie diese alten Herren des Rock mit ihren nicht minder alten Instrumenten souverän, fast lässig und gelangweilt Prairie Wind im Studio einspielen.

(Sven Niechziol, amazon)

Angenommen, es gäbe eine Soap über die derzeit interessanteste New Yorker Musikerfamilie. Nennen wir sie „Die Wainwrights". Dann wäre dies die Folge, in der Martha aus dem Schatten der Songwriter-Diva Rufus tritt, ihres umjubelten Bruders. Endlich, mit 29, veröffentlicht sie ihr Debüt. Und wie in dieser Soap-Familie üblich, schreibt sie sehr persönliche Texte. Vor allem Papa Loudon Wainwright III wird abgewatscht - Songtitel: „Bloody Mother fucking Asshole". Doch anders als der große Bruder verzichtet Martha auf Opulenz und bleibt beim Folk. Der versandet bei Füllstücken in Langeweile, doch in großen Momenten wie der Pianoballade „Wither must I wander" rührt Martha das Publikum zu Tränen. Aber schafft sie es auch, sich neben neuen Folk-Stars wie KT Tunstall oder Laura Veirs zu etablieren? Wie wird Loudon mit der Abrechnung umgehen? Und wird Rufus einem weiteren Duett zustimmen? Mehr in der nächsten Folge von „Die Wainwrights" ...

(Kulturnews)

Als Tochter der Folk-Ikonen Loudon Wainwirght III und Kate McGarrigle und als Schwester des Singer-Songwriters Rufus Wainwright, wurde Martha die Karriere als Musikerin im wahrsten Sinne des Wortes in die Wiege gelegt. Schon im Kindesalter stand sie mit ihren Eltern auf der Bühne und entdeckte ihre Liebe zur Musik.

(amazon)

(Glitterhouse)

After teasing listeners with the enigmatic Bloody Mother Fucking Asshole EP earlier in the year, singer/songwriter Martha Wainwright comes clean with a lush, eponymous debut that should secure herself a place as one of the genre's finest young practitioners. BMFA, despite its headline-grabbing title, showed an artist of considerable depth and vision, attributes that she builds on tenfold with her first foray into full-length territory. Wainwright tears through words the way her mother, Kate McGarrigle, does, inserting mischievous pauses, experimenting with cadences, or sometimes just pulling the phrase out like a wad of taffy, while all of the while in complete control of the overall narrative. On the gorgeous opener, "Far Away," she waxes nostalgic for old friends and lovers. Backed by swirling guitars and piano she pines "I have no children/I have no husband/I have no reason to be alive/Oh give me one" without seeming the least bit ruined -- a poetic knack that she uses effectively throughout the record's entirety. It's a brave and delicate way to begin, and it engages the listener immediately with its subtle balance of voyeurism and wistfulness. "G.P.T." and "Factory" pick up the pace a bit, showcasing Wainwright's deft melodicism and mischievous nature -- the latter is in full effect on the raunchy "Ball & Chain" -- and "Don't Forget" and "These Flowers," two achingly beautiful ballads that bring to mind early Joni Mitchell, round out a first half that's awfully hard to top. Despite a couple of questionable midtempo offerings, Wainwright manages to keep the quality high, with a lovely duet with brother Rufus ("The Maker") and the aforementioned "BMFA," which is far more bold and beautiful than the title suggests, before closing with an intimate and affecting rendition of Vaughan Williams' "Whither Must I Wander." Wainwright's got all of the familial genes that make a child of music destined for success, but it's her fierce nature -- whether saucy and confident or just plain wrecked -- that makes every twist and turn of this impressive debut so easy to fall in love with.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

Was soll ich sagen... ich bin begeistert! Cold Roses ist mindestens so gut, wie man es als Ryan Adams Fan der ersten Stunde erwartet hatte. Aber da es auch locker hätte in die Hose gehen können, ist die Freude doppelt groß.

Die Band besteht aus den Gitarristen J.P. Bowersock und Cindy Cashdollar, Catherine Popper (Bass) und Brad Pemberton (Drums). Von denen ist mir nur Frau Cashdollar bekannt, Mr. Bowersock soll der Gitarren-Guru der Strokes sein, aber Einzelheiten sind hier egal, denn man präsentiert sich als locker swingende, gefühlvoll agierende Mannschaft, die voll und ganz im Dienste des Songs tätig ist.

Dazu hat Ryan Adams 19 großartige Songs geschrieben, die seine so liebgewonnenen Qualitäten in den Vordergrund stellen. Vorwiegend mittelschnell bis langsam geht man hier zu Werke, singt über verlorene Liebe und arrangiert das im klassischen Country-Rock-Style der späten 60er/frühen-70er. Das ist nicht unbedingt umwerfend neu, aber die Tiefe, die Adams in diese Tunes legt, wurde nur von alten Helden wie Gram, Gene oder Tim erreicht. Das geht zumindest mir direkt ans Herz, aber das ist der Weg, den alle Adams-Balladen bei mir genommen haben.

Song-Highlights will ich gar nicht nennen, das Albums ist gespickt mit erstklassigem Material, von denen einige nur direkter wirken als andere. Immer wieder kommen Erinnerungen auf an die Flying Burrito Brothers, Byrds, Neil Young, Whiskeytown und was man sonst noch so in Ehren hält aus den Phasen Country Rock/No Depression, komplett mit Steel, Twang und Slide. Bei einigen Songs schüttelt der Gitarrist noch ein paar Summer Of Love –Soli aus dem Ärmel, die schwer an Garcia, Kaukonen und Cipollina erinnern und dem in Ehren ergrauten Hörer ein Lächeln ins Gesicht zaubern.

Beide CDs laufen knapp 40 Minuten, sie hätten also auch auf einen Silberling gepasst. Aber so hat das Album die Aura eines alten Vinyl-Doppelalbums, inklusive wunderschönem Klappcover und einem LP-ähnlichen Aufdruck auf der CD. Man braucht einfach diesen Moment des Innehaltens, um das Album als Ganzes lieben und schätzen zu lernen.

Zwei weitere Alben hat Adams für dieses Jahr noch angekündigt. Lassen wir uns überraschen. Cold Roses jedenfalls ist der Volltreffer, auf den ich seit Heartbreaker und Stanger’s Almanac gewartet habe. Ich kann mir nicht vorstellen, dass das jemand anders sieht. Ganz großartig! Glücklichmachend! Pflicht für jede Sammlung!

(Glitterhouse)

Cold Roses, der erste CD-Streich, wurde in New York City eingespielt. Gemeinsam mit der hierfür zusammengestellten Backing-Band The Cardinals nahm Mister Adams ein großartiges Doppelalbum auf, das all seine musikalischen Vorlieben berücksichtigt. Das Spektrum der insgesamt neunzehn Titel reicht von Americana und Alt-Country über Roots- und Folkrock bis zum angepunkten Rock & Roll -- wobei die folkigen und countryesken Akustiktöne hier eindeutig überwiegen.

Thematisch steht einmal mehr fast alles im Zeichen von L.O.V.E. sowie den Problemen, die sich in jeder Partnerschaft früher oder später ergeben. Wohl kein anderer schreibt heute so wunderschön-traurige Songs über das Leiden, das fast immer mit der Liebe einhergeht. Das ehemalige Whiskeytown-Mitglied erzählt anrührend von Beziehungen kurz vor dem Aus ("Sweet Illusions"), von einer unnützen Liebe, die keiner haben will ("Cold Roses"), und den Qualen, die Erinnerungen an die Verflossene bewirken ("Now That You're Gone"). Bei aller Bitternis, die wohl auf eigene Erfahrungen zurückgeht, vergisst der Dreißigjährige allerdings auch die Glücksmomente nicht. Trotz schmerzlicher Erlebnisse hat er sich den Glauben an die traute Zweisamkeit bewahrt ("Life Is Beautiful") und sucht weiterhin die Erfolgsformel für eine beständige, ewig währende Liebe ("How Do You Keep Love Alive").

(Harald Kepler, amazon.de)

RYAN ADAMS hat in einigen Bands gespielt und gern auch gleich immer ein paar neue Alben gemacht. Er schreibt nun mal verdammt gern verdammt viel Musik und ab und zu trägt er diese dann auch in die nächste Jam-Session. Im Moment tut er die Dinge im Stillen, ohne viel Bohei darum zu machen, professionell. Er hofft auf einen ruhigen, coolen, bedeutungsvollen Ritt durch seine Dreißiger. RYAN liebt seinen Hund und seine Gitarre. Er mag Comics, Kaffee und Zigaretten. Sein Lieblingsessen ist, was immer gerade die Suppe des Tages ist. (solange es vielleicht eine Gemüsesuppe ist, oder irgendwas mit Muscheln und Meeresfrüchten), dazu Schinken/Käse-Sandwiches. Wenn er neben seinem Hund einschläft, denkt er, dass der Himmel wahrscheinlich so aussieht: Händchen halten mit deinem Mädchen an einem wunderschönen See; im Gras liegen mit deinem Hund; vom Firmament träumen, von Wolken und dem Geruch von Rasen und Regen.

RYAN denkt gern über das Sonnensystem nach, die Dynamik der Rotation, seine Auswirkungen auf das binäre Sternensystem und ob das nun lineare oder emotionale Auswirkungen sind. Er liest gern Ram Dass und liebt dessen Stimme. „Journey of Awakening“ hat ihn sehr berührt. Die meiste Zeit denkt RYAN überhaupt nicht an Musik, oder das, was es mit sich bringt, Musik zu spielen, oder was sie anderen bedeutet. Stattdessen denkt er über kleine Dinge nach wie „Ob sie das wohl mag?“ oder „Vielleicht ist das zu schäbig, nicht das schäbig gleich schlecht wäre, aber vielleicht passt es doch nicht zu ihren anderen Sachen“ oder “Warum habe ich „Twilight Zone“ immer so gern gemocht? Das lässt mich erschaudern. Ich meine, das sind fast Panikattacken. Warum können sie nicht mal eine Episode schreiben, in der alles funktioniert? Wo alles o.k. ist und die Leute einfach mal da sein können, und atmen und eine Verbindung zu sich selbst fühlen.“ Halt, normaler Kram.

Meistens hofft RYAN ADAMS, dass er einfach nur ein paar Songs spielen kann und so. Und wenn das nicht ok ist mit jemandem, auch kein Problem. Er wird nicht gleich in Häuser eindringen und oben auf‘m Fernseher eine Jam-Session veranstalten, oder direkt vor Ihrem Gesicht, nichts weiter an als einen Cowboy-Gürtel mit Pistolen-Halftern und Frauenunterwäsche, schreiend „Hört mir zu... seht, seht nur was ich getan habe... HÖRT MIR ZU ODER KOMMT UM!!!“ Und sich dann in eine gigantische Metal-Spinne verwandeln und wen auch immer in elektrische Fäden einwickeln und verschlingen, nicht ohne wem auch immer vorher Gift injiziert zu haben, auf dass ihr Inneres zu Brei werde.

Also, auf sowas steht er überhaupt nicht, vielmehr ist er dieser Tage lieber für sich. Er weiß, dass jeder denkt, er sei irgendwie ein Verrückter, und vielleicht ist das so. Aber solange das nicht im Hof eines anderen abgeht, und, klar, das passiert jedem mal oder auch zwei mal, also wirklich.

RYAN mag Dokken sehr, ohne rot zu werden, nicht dass sich irgendjemand dafür entschuldigen müsste. Er sucht momentan nach der tieferen Bedeutung der Dinge, versucht dem Licht zu gehören und sich nicht einem bedeutungslosen Ego-Trip zu ergeben. Er hofft wirklich das Beste.

The Cardinals sind seine neue Band. “Cold Roses“ ist sein neuer Jam. Bis später.

(amazon.de)

Last time we received a dispatch from Ryan Adams, the self-styled savior of rock & roll, it was in 2003, when he delivered his straight-up rock & roll record (aptly titled Rock N Roll) and his two-part mope-rock EP (later combined as one LP) Love Is Hell. Admirable records both, but not quite the sequel to Heartbreaker that fans craved. They also weren't quite as successful as all the hype surrounding their release suggested that they would be, so Adams briefly retreated from the spotlight to regroup, heading back in 2005 with a planned triptych of new albums, the first of which is the double-album Cold Roses, recorded with his new backing band the Cardinals and released at the beginning of May. Three albums in one year is overkill even for an artist predisposed to releasing his every whim, and while it's too early at this writing to judge whether he needed to release all three of the records, it's safe to say that Cold Roses is the record many fans have been waiting to hear -- a full-fledged, unapologetic return to the country-rock that made his reputation when he led Whiskeytown. Not that the album is a retreat, or a crass attempt to give the people what they want, but it's an assured, comfortable collection of 18 songs that play to Adams' strengths because they capture him not trying quite so hard. He settles into a warm, burnished, countryish groove not far removed from vintage Harvest-era Neil Young at the beginning and keeps it going over the course of a double-disc set that isn't all that long. With the first disc clocking in at 39:39 and the second at 36:29, this could easily have been released as a single-disc set, but splitting it into two and packaging it as a mock-gatefold LP is classic Ryan Adams, highlighting both his flair for rock classicism and his tendency to come across slightly affected. As always, he's so obsessive about fitting into classic rock's long lineage that he can be slightly embarrassing -- particularly on the intro to "Beautiful Sorta," which apes David Johansen's intro to the New York Dolls' "Looking for a Kiss" in a way that guarantees a cringe -- which is also a problem when he drifts toward lazy, profanity-riddled lyrics ("this sh*t just f*cks you up" on "Cherry Lane") that undercut a generally strong set of writing. But what makes Cold Roses a success, his first genuine one since Heartbreaker, is that it is a genuine band album, with the Cardinals not only getting co-writing credits but helping Adams relax and let the music flow naturally. It's not the sound of somebody striving to save rock & roll, or even to be important, but that's precisely why this is the easiest Ryan Adams to enjoy. The coming months with their coming LPs will reveal whether this is indeed a shift in his point of view, or just a brief break from his trademark blustering braggadocio.

( Stephen Thomas Erlewin, All Music Guide)

Unterschiedlicher könnten zwei Alben nicht klingen. Während Conor Oberst mit Digital Ash In A Digital Urn unter Mithilfe von Gastmusikern aus den Reihen von The Faint, Rilo Kiley, Cursive, The Good Life, Azure Ray oder Yeah Yeah Yeahs elektronisches Neuland betritt, steht das zeitgleich veröffentlichte Werk I’m Wide Awake, It’s Morning in der Tradition früherer Platten der Bright Eyes. Eine gute Woche im Februar 2004 dauerte es nur, da waren die Country-Folk-Songs in Omaha eingespielt. Sie mussten nur noch ausformuliert werden, und Conor hatte die Idee, mit einer Gastvokalistin zu arbeiten. Ganz oben auf der Liste stand Emmylou Harris, die große alte Dame des Folk, die eine Stimme hat, die in Oberst’ künstlerischem Umfeld nicht zur Verfügung steht. Nachdem sie ein Tape von ihm erhielt, sagte sie zu, und Conor reiste für Aufnahmen nach Nashville. Drei Tracks landeten letztendlich auf I’m Wide Awake, It’s Morning, und diese Duette gehören zu den Höhepunkten des überwiegend karg arrangierten Albums. Hinreißend, wie die beiden zu Worten wie "...if you hate the taste of wine, why do you drink it ‘til you’re blind...why are you scared to dream of God, when it’s salvation that you want..." in der wunderbaren Ballade "We Are Nowhere And It’s Now" harmonieren. Getoppt wird der Song nur noch von Road To Joy, einer Up-Tempo-Nummer mit einem Touch Calexico, einigen sperrigen Momenten und der Adaption von Schillers Ode "An die Freude", dem Finale der 9. Symphonie von Beethoven. Furioser könnte I’m Wide Awake, It’s Morning nicht enden!

(Sven Niechziol, amazon)

Was sollte nach dem grandiosen Album "Lifted ..." (2002) noch kommen? Ganz einfach: zwei noch grandiosere neue Platten zeitgleich. "Wide ..." setzt direkt am Vorgänger an, führt die Tradition der spärlich instrumentierten Songs fort und veredelt sie mit Country und Folk. Und mit der Legende Emmylou Harris, bei drei Titeln als Duettpartnerin am Mikro, hat Conor Oberst die ideale Partnerin gefunden. Auch textlich legt er noch zu. Seine Geschichten geben weiterhin die sensible Innenschau nicht auf, suchen aber stärker als zuletzt den Bezug nach außen. Beim letzten Song der Platte, dem eruptiven "Road to Joy", weiß man, dass man ein Singer/Songwriteralbum ohne falsche Note gehört hat. Und dann ist da noch "Digital Ash ...", das innovative Ansätze früherer Platten aufgreift und zu elektronischem Pop weiterentwickelt. Ein reich instrumentiertes Band-Album, auf dem Oberst Geräusche wie tickende Uhren, Babygeschrei oder Flüstern in die Songs einarbeitet, ganz unterschiedliche Stimmungen aneinanderreiht und durch die lyrische Themenklammer Entfremdung/Einsamkeit/Tod verbindet. Songs wie "Gold Mine gutted" oder "Light Pollution" stellen selbst düstere Klassiker wie The Cures "Disintegration" in den Schatten. Bleibt nur eine Frage: Was soll nach diesem Doppelschlag noch kommen ...?

(cs, Kulturnews)

Kurzbeschreibung
David Letterman lud ihn zu sich in die Show ein. Bruce Springsteen und R.E.M. gingen mit ihm für den Präsidentschaftskanditaten Jon Kerry auf Stimmenfang durch die Swing States. Als erster Künstler nach nunmehr fast 7 Jahren führte er mit "Lua" und "Take It Easy" die Billboard Hot 100 Single-Verkaufscharts auf Platz 1 und 2 an (zuletzt schaffte das Puff Daddy). Doch um wen handelt es sich nur? Um eine "gottverdammte Rap-Group" (Intro 123)? Nein, um Conor Oberst aka Bright Eyes. Noch nie gehört? Nun ja, im neuen Jahr wird man kaum mehr an ihm vorbeikommen. Nur Geduld... Wie schon auf den Vorgänger-Alben hat Conor auch auf "I'm Wide Awake It's Morning" wieder Freunde um sich geschart. Diesmal mit von der Partie: Emmylou Harris, Jim James (My Morning Jacket), ach und die gesammelte Saddle Creek Familie natürlich (die hier aber namentlich zu nennen, würde den Rahmen sprengen). Ein typisches Bright Eyes Album, so würden manche behaupten. Vom Folk und Country inspiriert. Doch was soll dann "Digital Ash In A Digital Urn" sein? Atypisch? Bright Eyes bleiben Bright Eyes bleiben Bright Eyes und das ist gut so.

Sanft entspannter Umgang mit allem, was schön ist und klingt, gehobener Pop in weiche Watte gepackt, geprägt ebenso vom außergewöhnlichen Gitarrenspiel des Protagonisten wie von einer Vielzahl an Keyboard-Klängen von sanften Synth-Melodie-Linien bis hin zum Moody Blues-Gedächtnis-Mellotron, mit hellen Streiflichtern von Mundharmonika, Glockenspiel oder Pedal Steel. Seine lebendige Kenntnis der guten Seiten des Independent/Pop zeigt sich wieder einmal in der Vielfalt seiner Songs, die sanfte Stimme wird umspült von barocken und blumigen Elementen, sein Pop-Verständnis reicht vom Psyche-Pop der 60er über streicher-verbrämte Lambchop-Breitwand bis hin zu Turin Brakes’scher Leichtigkeit, dargereicht als homogenes, nie zu sattes/volles, definitiv verführerisches Schön-Werk.

(Glitterhouse)

... mit einer urgewaltigen Gitarrenorgie startet eines der ungewöhnlichsten, experimentellsten und mutigsten Alben eines Künstlers, den man zu kennen glaubt, das ich seit langem gehört habe. Okay, der geniale Popmeister aus Chapel Hill, North Carolina hat in den vergangenen 27 Jahren wahrlich so viele unterschiedliche Projekte verwirklicht, dass man bei ihm immer auf Überraschungen gefasst sein sollte. Seine Vita kennt jeder an US/Indiestoff Interessierte, ich hatte sie anlässlich des sensationellen 'Travels In The South'-Comebacks nochmal kurz umrissen - bekanntlich war das klar meine 2004-Sieger-CD! Die neue Platte ist da ganz anders, jetzt legt Stamey erst richtig los: Er hat sich keine Geringeren als Yo La Tengo (für manche die letzte Bastion aufrichtigen Independent Rocks) geschnappt und mit ihnen und einigen Freunden (Gene Holder, Caitlin Cary, Keyboard Wizzard Tyson Rogers) in nur 3 Tagen im vergangenen August 13 kapitale Tracks eingespielt: Von der dröhnenden Feedback-Eröffnung geht's direkt zu den 5 Coverversionen des Albums. Hintereinander hören wir eine brachiale, brettharte 60s Hommage an die Yardbirds ('Shapes Of Things'), die subtil verpackte, mit traumhaften Soli gespickte Liebeserklärung an Television ('Venus'), eine kompromisslos-brutale, Hendrix-wirr gerockte Fassung von Jack Bruce's 'Politician' (Cream), dann das psychedelisch in Slow Motion frei nach Rain Parade dräuende 'Plainest Thing', eigentlich eine Country Pop-Nummer von Tift Merritt's 'Tambourine'-CD! Und eine dynamisch stampfende, höllisch groovende Studio/Rock/R&B/Jam-Fassung des 60/70er Soul/Jazz-Klassikers 'Compared To What' (Eddie Harris/Les McCann, Roberta Flack). Wohlgemerkt, hier sind erst gut 20 Minuten rum, mehr als eine halbe Stunde mit Stamey's eigenem Material kommt noch. Und wie! Zuerst ein poppiges Remake seiner ersten Single 'Summer Sun' von 1978, wonach sinnigerweise YLT ihr letztes Album benannt haben. Dann das Instrumental 'Come On', das heftig flower-powerige 'Sleepless Nights', ein Song, in dem nur diese beiden Worte gesungen werden... Ja, und dann mein definitiver Album Rock-Killertrack für 2005, 'McCauley Street', ein 10:41 langes Monument, das nach den ersten beiden Strophen von Ira Kaplan & Stamey in derart entfesselter Feedback-Manier komplett zerlegt und zersägt wird wie es Neil Young mit Sonic Youth nicht mörderischer hinkriegen würde. Tief durchatmen dann für den lauten Boogie Stomper 'Desperate Man' und sich entspannt freuen beim abschließenden Roots/Novelty/Bluegrass/Rock Instrumental 'Dr. Strangelove's Assistant Or How I Learned To Stop Worrying And Love The Marimba' im Teamspiel mit dem Alt.Grass-Quartett Chatham County Line. Fazit: Die ungebremste, überschäumende Lust dieser tollen Musiker an solch einer Wahnsinns-Jam Session geht zu 100% auf den Hörer über - obwohl ich soviel geschrieben habe, ringe ich vor Begeisterung immer noch nach Worten.
(Glitterhouse)

Tochter von Kate McGarrigle und Loudon Wainwright, Schwester von Rufus Wainwright! 2005 soll das erste ganz große Jahr für das mittlerweile schon 29-jährige Supertalent aus dem berühmten Musikerclan werden. Eine Gastrolle im derzeitigen Scorsese-Erfolgsfilm 'The Aviator', ein Vertrag mit Rounder inkl. angekündigter voller CD. Das war nicht unbedingt zu erwarten nach bislang nur einer Mini-CD aus 99 und manchen Kurzbeiträgen im Familienrahmen und bei Dan Bern. Zu verquer und unangepasst erschien die ungewöhnliche Singer/Songwriterin bislang, weitgehend uninteressiert an ihrer eigenen Karriere, dafür hoch geschätzt von Kollegen wie z.B. Norah Jones, die den Titelsong ihrer aktuellen 4-Track Mini-CD 'BMFA' für den stärksten des gesamten Jahres 2004 hält. In der Tat besticht die Wainwright mit einer Wahnsinnsstimme und einem hohen Grad an Emotionalität, egal ob auf einer verspielten Ballade, dem gespenstischen, fast paranoiden Opener oder einem harschen Electric Indie Rocker à la Kristin Hersh.

(Glitterhouse)

As the daughter of folk music giants Kate McGarrigle and Loudon Wainwright III and sister to chamber pop auteur Rufus Wainwright, drama student turned singer/songwriter Martha Wainwright is no stranger to the business. Bloody Mother Fucking Asshole -- an image best not taken literally -- is her first release since 1997's eponymous EP, and if it's any indication of the soon to be released full-length -- also eponymous -- it heralds the coming of yet another original voice from one of music's most dependable gene pools. Wainwright's husky voice has matured into a thing of real beauty, and her ability to sound both majestic and totally wrecked helps to humanize each track -- especially the title cut -- without sacrificing any of the volatile confidence that fuels lines like "Poetry has no place for a heart's that's a whore." Unlike her showier brother, her arrangements are simple and stripped down, lending weight to her femme fatale lyricism and wry introspection. Wainwright is obviously an old soul -- she cracks like Bonnie Tyler, breezes over notes like Björk and croons with the kind of weary sensuality that most artist's don't discover until their golden years -- but her style is just as informed by contemporaries like PJ Harvey and Cat Power as it is by Patsy Cline, and when she says jump, the listener's immediate response is "how high?"

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

Getreu seinem Motto "Happy zu sein, heute und hier" macht Jack Johnson Musik mit Verwöhnaroma: Gute Laune und Entspannung sind auf seinem Album In Between Dreams praktisch vorprogrammiert.

Die Geschichten die das Leben schreibt sind bekanntlich oftmals die interessantesten, so wie jene von Jack Johnson: Als waschechter Hawaiianer, mit den Wellen auf Du und Du, entschied er sich jedoch mit Anfang 20 ganz bewusst gegen eine Karriere als Profi-Surfer, um stattdessen in Kalifornien an einer Filmschule den Umgang mit der Kamera zu erlernen. Eine gute Entscheidung, da ihm somit das Publikum heutzutage neben jeder Menge guter Musik auch einige beeindruckende Surffilme wie The September Sessions und Thicker than Water zu verdanken hat. Aus praktischen Erwägungen heraus ließ er hierfür keine aufwändigen Soundtracks komponieren, sondern griff kurzerhand selbst zur Gitarre.

Es ist besonders schön, wenn sich das Leben manchmal von seiner gerechten Seite zeigt und jene Dinge honoriert, die aus voller Überzeugung geschaffen wurden, wie die Musik Jack Johnsons. Langsam, aber stetig fand sie zunächst in den USA und schließlich weit über die Grenzen hinaus begeisterte Zuhörer. Mit In Between Dreams hat Jack Johnson konsequent seinen musikalischen Weg weiterverfolgt. Dabei ist ihm das Kunststück gelungen, stilistisch voll und ganz an seine beiden Vorgängeralben anzuknüpfen und zugleich seine musikalische Sprache weiterzuentwickeln. Noch immer ist der raue Folk-Charakter zu spüren, jedoch abgemildert durch die sparsame Instrumentierung mit Akkordeon und Klavier, was der Musik einen ganz eigenen Charme verleiht, -besonders eindrucksvoll zu hören in dem Song "Belle". Das Jack Johnson auch die lebhafteren Töne beherrscht, beweist er mit dem humorvollen Stück "Sitting, Waiting, Wishing". Vielleicht hätten dem Album mehr lebhafte Tupfer dieser Art nicht geschadet, um die Vielseitigkeit dieses Songwriters zu betonen und noch mehr Abwechslung zu schaffen. Doch wer es ausschließlich entspannend und besinnlich mag, dem können ausdrucksstarke Stücke in der Art von "If I could" und "Do you remember" durchaus genügen, um den behutsamen Übergang von der Vergangenheit geliebter Vorgängeralben in die Gegenwart zu In Between Dreams zu finden. Von Jack Johnson Innovationen zu erwarten, hieße ihn und seine Musik zu verkennen. Vielmehr liegt seine Stärke darin, den Zuhörer mit seiner Musik an der persönlichen Glückseligkeit teilhaben zu lassen, zum Beispiel beim Surfen auf dem Meer, das ebenfalls sein ewiges Lied singt, ohne jemals langweilig zu werden.

(Andreas Schultz, www.amazon.de)

Jack Johnson kennt sie wirklich, die perfekte Welle: Schon mit vier Jahren stand der Hawaiianer erstmals auf dem Surfbrett. Doch statt Profi zu werden, besuchte er eine Filmschule in Kalifornien und begann, Surf-Dokus zu drehen. Dass er als Soundtrack seine eigenen spröden Folkpop-Songs auf der Akustikgitarre einspielte, war eher eine Notlösung. Dann aber hörte Ben Harper seine Lieder, öffnete ihm Türen - und aus der Notlösung wurden Platinplatten. Inzwischen steht Jack Johnson in den US-Charts zwischen Jennifer Lopez und 50 Cent und dreht Videoclips mit Ben Stiller. Erstaunlich, denn auch auf dem dritten Album "In between Dreams" verewigt Johnson in autobiografischen Songs die schlichte Lebensphilosophie eines Surfers. Musikalisch bleibt er jenseits aller Trends und gibt den unaufgeregten Singer/Songwriter an der Akustikgitarre, der nur Hilfestellung von dezent groovenden Basslines und - gelegentlich - Piano und Akkordeon zulässt. Das Geheimnis seines Erfolges scheint einzig und allein in Johnsons Melodien zu liegen. Denn die sind nicht nur einfach, sondern auch einfach schön.

(Kulturnews)

Singer/songwriter Jack Johnson writes songs that just feel good. The simple equation that combines him with an acoustic guitar is warm and relaxed, a cozy formula that's made him a favorite among American college crowds. It should be to no surprise that Johnson sticks with what he does best for his third album, In Between Dreams. Producer Mario Caldato, Jr. is back again, touching up Johnson's summery backdrop for another playful set of songs. The genre-blending charm and sweetness that made Brushfire Fairytales and On and On doesn't change that much, but does it really have to? Johnson, alongside drummer Adam Topol and bassist Merlo Podlewski, makes safe records. While there isn't anything wrong with that, taking a few more risks sonically and lyrically wouldn't work against him. Tender moments such as "If I Could" and "No Other Way" showcase a more reserved side on In Between Dreams. Other highlights include the lullaby-like "Breakdown" and the bossa nova rhythms of "Do You Remember." Whether he's singing about being in love -- which he does quite well on "Better Together" and "Banana Pancakes" -- or reflecting on its hardships, Johnson's laid-back approach is his biggest strength. In Between Dreams is a bit brighter and more upbeat, but his song remains the same.

(by MacKenzie Wilson, All Music Guide)

SAM PREKOP ist der Chefkomponist der Postrockpop-Gruppe THE SEA AND CAKE. Seit der Veröffentlichung des gleichnamigen Debüt-Soloalbum 1999 hat Sam 2 Alben mit The Sea And Cake sowie eine EP herausgebracht und sich gleichzeitig auch als Maler und Photograph etabliert. Und nun meldet er sich sehr eindrucksvoll mit seinem 2.Soloalbum WHO'S YOUR NEW PROFESSOR zurück, das komplett anders klingt als sein Solo-Debüt oder das letzte Material von The Sea And Cake. PREKOP benutzt konsequent ungewöhnliche Gitarrensounds und entfernt sich bewußt von gewöhlichen Vocal- und Rhythmus-Mustern. Er verzichtete auf brasilianische Einflüsse und kreierte eher eine außergewöhliche, frisch-fröhliche Blues-Atmosphäre. Wie vorher, PREKOP komponierte alle Songs in seinem Chicago Apartment und hat sie dann zusammen mit Josh Abrams (Bass/Town & Country, Sticks & Stones, The Roots), Archer Prewitt (Gitarre/The Sea And Cake, Sof' Boy), Chad Taylor (Drums/Chicago Underground, Sticks & Stones)! und Rob Mazurek (Trompete/Chicago Underground, Isotope 217) in John McEntires Soma Studios aufgenommen. Somit sind 11 großartige Songs entstanden, die erfrischend unkonventionell sind, denoch aber eine unglaubliche POP-PERFEKTION ausstrahlen.

(amazon.de)

“Die Begleitung ist auf Who’s Your New... die gleiche, nur O`Rourke ist nicht mehr dabei, vielleicht ist das Album daher noch reduzierter und ein bisschen weniger verspielt ausgefallen, klingt wie ein Flüstern, eine Mischung aus dem dritten und schönsten Velvet Underground Album, dem flirrenden Werk Robert Wyatts und dem späten, federnden Arto Lindsay, dem Prekop manchmal auch stimmlich nahe kommt.“

(Rolling Stone Deutschland, 4 Sterne)

"A seductive exercise in chill-out cool"

(US-Rolling Stone)

Mit Employment weisen sich die Kaiser Chiefs als die rechtmäßigen Anwärter auf den Thron des Britpop aus, den vor ihnen Blur und Supergrass innehatten. Die fünf gern adrett gekleideten Jungs aus dem englischen Leeds lassen auf spannungsvolle Strophen satte Refrains folgen und treten überhaupt souverän bis großspurig auf wie die neuen Herren des Indierock. Kein Zweifel--die Band kennt sich aus in der Geschichte des Rock und Pop: "Oh My God" und "Every Day I Love You Less and Less" versprühen verspielten Charme wie einst Madness, während "You Can Have It All" und das wuchtige "Caroline, Yes" wie bewusste Anspielungen auf verträumte Brian Wilson-Songs klingen. Die Texte aus der Feder des Frontmanns Ricky Wilson entspringen allerdings einem durch und durch englischen Hintergrund, zeugen oft von Traditionsbewusstsein und wirken stellenweise sogar merkwürdig altmodisch: "Walking through town is quite scary/It's not very pretty, I tell thee" ("Wenn man so durch die Stadt geht, kann man richtig Angst kriegen/Ich sag dir, das ist nicht so schön"), heißt es in dem hektisch-engagierten "I Predict a Riot", das ein düsteres Bild vom Leben in der Großstadt zeichnet. Dank solchen liebenswerten Eigenheiten hebt sich Employment von vielen trendy Indie-Alben ab, und wenn man einmal davon ausgeht, dass die Chiefs ihre Oasis-mäßige Großspurigkeit nicht zur ärgerlichen Marotte werden lassen, dann ist ihr Selbstbewusstsein auch voll und ganz gerechtfertigt.

(Louis Pattison, Amazon.de-Redaktion)

Endlich erscheint das Kaiser-Chiefs-Debüt auch in Deutschland. Daheim auf der Insel und auch in den USA sind die fünf jungen Herren aus Leeds längst gefeierte Superstars. Völlig zu Recht, denn die Kaiser Chiefs gehören zur Speerspitze der neuen Britpop-Bewegung. Vor einigen Jahren nannten sie sich noch Parva und eiferten dem damals angesagten US-Sound à la The Strokes nach. Doch mit der Namensänderung haben sie sich auf ihre Wurzeln besonnen und zitieren das Beste aus den letzten Jahrzehnten britischer Popgeschichte. Mäkler können die Kaiser Chiefs als identitätslose Retroband beschimpfen. Aber wann bitte gab es ein Album mit derart vielen eingängigen Melodien, dass jeder Song als Single funktionieren würde? Und dank der simplen wie intelligenten Alltagsbeobachtungen von Sänger Ricky Wilson muss man auch die Texte von Indiepophits wie „I predict a Riot" nicht peinlich berührt überhören.

(Kulturnews)

Inspired by that moment sometime in the late '70s when punk gave birth to new wave (and looked back to the heyday of '60s mod for inspiration), the Kaiser Chiefs' debut, Employment, expands on the sharp, sussed sound of their singles in surprising ways. A look at London life and its discontents, Employment is a remarkably ambitious debut album that aspires, right down to its cheeky liner notes and graphics, to be the Parklife or All Mod Cons of the 2000s. While it doesn't quite reach those heights, it does have its fair share of memorable songs. Chief among them is the one-two punch of "Everyday I Love You Less and Less," a tightly wound "get lost" song that seamlessly mixes the band's punky guitar-bass-drums attack with synths and drum machines, and their signature single, "I Predict a Riot," another prime example of the band's barbed, pissed-off pop. "Saturday Night" is another standout; with its brassy stomp and lyrics like "watching the boys on their motorbikes/I want to be like those guys," it's a Quadrophenia-like understanding of what it is to be lonely in a crowd. On songs like moody-yet-stylish "Modern Way" and the cheeky, contradictory "Na Na Na Naa," the Kaiser Chiefs sound so effortlessly "on" that it's something of a surprise when Employment begins to lose momentum. Despite its pretty '60s pop melody, "You Can Have It All" drags a bit, while the vaudeville-tinged "Time Honoured Tradition" and "Born to Be a Dancer" are too precious and theatrical for their own good. Although it's not among their best songs musically, and its Beach Boys piss-take title is a little annoying, "Caroline, Yes" is one of the Kaiser Chiefs' more interesting bits of songwriting: on the surface, the narrator is upset because the other guy took Caroline away from him, but what really gets him is that the other guy is "everything I want to be in my life." Likewise, Employment ends with "Team Mate," a tantalizingly short character sketch that is also the band's best ballad. The Kaiser Chiefs' ambition is a double-edged sword: it's admirable that they wanted to branch out in so many directions on their first full-length, but it might have been a better -- or safer, at least -- move to stick to the amazing rockers that made their name in the first place. Employment is an uneven but still very promising debut that suggests that one day the Kaiser Chiefs will pull off something even more ambitious.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Die erste Single "Shine On" war und ist ein Klassiker. 1987 auf Creation veröffentlicht wurde es "Single Of The Week" im New Musical Express und avancierte schnell zu einem Clubhit, der noch immer in guten "Indietanzschuppen" zu hören ist. Inzwischen sind 18 Jahre ins Land gegangen – das Label gibt es nicht mehr, die band aber kehrt mit einem neuen Album zurück!Insgesamt vier Singles und ein Album haben House Of Love auf Creation veröffentlicht, bevor sie 1989 einen Majordeal bei Fontana unterschrieben - hinzu kommt noch ein auf Rough Trade Deutschland veröffentlichtes Album. Neben dem erwähnten "Shine On" ist "Christine" eine der wahrscheinlich besten Indiepopsingles der 1980er Jahre.1986 gründeten sich The House Of Love: Terry Blickers (Gitarre), Pete Evans (Drums), Guy Chadwick (Vocals, Gitarre) und Christian Groothuizen (Bass) bildeten das klassische Gitarrenrockband-Line Up. Hinzu kam bis zur letzten Single "Destroy The Heart" die Deutsche Andrea Heukamp, die vor allem mit ihrer wunderschönen Stimme die Lieder maßgeblich prägte. Dies wird besonders bei "Shine On" deutlich, denn die wohl bekanntere (da kommerziell wesentlich erfolgreicher - UK Top20) Version des Klassikers ist die Re-Recording für Fontana 1990. Trotz hervorragender Singles - zu den bereits erwähnten kommt noch "Real Animal" von 1987 - war The House Of Love zunächst nur der Insiderstatus vergönnt. Danny Kelly, einer der ersten Journalisten, die auf House Of Love aufmerksam wurden, beschrieb "Shine On" als "a shiny momentous beast" und "simple awesome". Man darf nicht vergessen, dass es alternative Musik Ende der 1980er Jahre in den britischen (von den deutschen ganz zu schweigen) Medien, vor allem dem Fernsehen und dem Radio, besonders schwer hatten. 1988 erschien dann das Debutalbum, schlicht nach der Band betitelt. In fast jedem europäischen Land verkaufte sich das Album brillant und peakte auf Nummer 1 der meisten Independentchart. Die letzte Creation-Single ! "Destroy The Heart" - ebenfalls inzwischen ein Klassiker - schaffte sogar den Sprung in die UK-Verkaufschart. Besonders nett ist, dass Alan McGee, seines Zeichens Gründer von Creation Records die Linernotes zur Compilation verfasst hat.Nach ihrem Wechsel zu Fontana haben House Of Love bis zu ihrem Split 1993 noch eine Reihe sehr guter Alben, allen voran das Schmetterling-Album von 1990 ("House Of Love")!

(www.amazon.de)

Hach, sie sind wieder da – die klassische britische Indie-Gitarren-Band der späten Achtziger, damals im so typischen Creation Records-Sound, leicht 60s-psychedelisch, mit diesen lässig hingejangleten Gitarren und den unverschämt eingängigen Melodien – man denke nur an das unsterbliche “Shine On”, ziemlich genau in der Schnittmenge aus den Smiths, Felt, The Church und Echo & The Bunnymen. Satte zehn Jahre nach dem letzten Lebenszeichen melden sich The House Of Love – übrigens bis auf einen neuen Bassisten in Original-Besetzung – nun mit einem nagelneuen Album zurück. Das setzt gar nicht mal so sehr auf den beliebten Zeitmaschinen-Effekt, sondern klingt ganz einfach zeitlos nach britischem Indie-Pop mit flockigen Gitarren und klassischen Melodien. Guy Chadwick hat auch heute noch dieses coole Etwas in der Stimme, und Hitverdächtiges haben The House Of Love auch heute noch im Programm: zum Beispiel den luftigen Country-Shuffle „Already Gone“ oder „Gotta Be That Way“ mit ganz feinen Harmony Vocals, fast schon ein würdiger „Shine On“-Nachfolger. Ein gelungenes und völlig unpeinliches Comeback.

(Glitterhouse)

Gods And Monsters, das dritte Album von I Am Kloot, verweigert sich erneut dem Zeitgeist. Ob Retro, Revival oder Singer/Songwriter: keine Kategorie greift. Der Band aus Manchester mit dem unerklärlichen Namen, der nichts mit dem nordwestdeutschen Klootscheten zu tun hat, laufen deshalb auch die Fans nicht die Türen ein. Was vielleicht an den sehr intelligenten Texten liegt, vielleicht auch daran, dass große Gesten nicht das Ding von I Am Kloot sind. Dafür schreiben sie große Pop-Songs, die selbst in Momenten instrumentaler Zurückhaltung sehr kraftvoll klingen. Und Zurückhaltung ist das Konzept von Gods And Monsters. Obwohl der Gruppe um Sänger und Songschreiber John Bramwell so viele Instrumente wie nie im Studio zur Verfügung standen, haben sie so wenige wie nie gleichzeitig verwendet, nämlich vier. Wo viel weggelassen wird, entsehen Räume. Diese wollte Bramwell, um seinen Geschichten mit ihren existentiellen Fragen und Schicksalen mehr in den Fokus zu rücken. Klar ist seine Stimme, transparent die sorgfältigen Arrangements, bezaubernd die Melodien. Geprägt werden die dreizehn Songs, von denen keiner abfällt, von akustischen Passagen und einer ein wenig nach Jahrmarkt klingenden Wurlitzer "Funmaker" Orgel. Geprägt werden sie auch von sehr unterschiedlichen Stimmungen und stilistischen Verschiebungen. Hier gibt es mal ein paar Stranglers-Zitate, da geht die Reise in den französischen Chanson, dann fließt ein bisschen Jazz ein, wechselt das Metronom laufend die Schlagzahl, macht sich dezent Funkyness breit oder steht ein Piano ganz alleine da - und doch tragen sie alle diesen markanten I Am Kloot-Stempel. Der wird auch in vielen Jahren noch nicht verblichen sein.
(Sven Niechziol, www.amazon.de)

Kurzbeschreibung

I Am Kloot machen da weiter, wo sie aufgehört haben und verzücken ein zweites Mal mit dunkeldichten Melodiewundern der Extraklasse. Mit ihrem dritten Album ‚Gods And Monsters’ machen I AM KLOOT unmissverständlich klar, wohin ihr Weg führt: geradewegs in den Gitarren-Pop-Olymp. Gegründet wurde die Band 1999 von dem Ausnahme-Songwriter JOHN BRAMWELL (Gitarre, Gesang), PETE JOBSON (Bass) und Drummer ANDY HARGREAVES. Seitdem verfeinert das britische Trio Schritt für Schritt die Rezeptur seiner melancholischen, von betörenden Melodien durchzogenen Songs. Nahmen I AM KLOOT ihr letztes Album noch in einer Kirche, auf einem Achtspurgerät oder im eigenen Wohnzimmer auf, so gingen sie diesmal mit dem Produzenten JOE ROBINSON (u.a. BADLY DRAWN BOY) nach Stockport ins Moolah Rouge Studio. Mehr Instrumente als gewöhnlich haben I AM KLOOT auf ‚Gods And Monsters’ verwendet, und doch nie mehr als vier gleichzeitig zum Einsatz gebracht. Bramwell: „Wir wollten den Songs Luft lassen, denn: Space is power! Anstatt darüber zu sprechen, was wir noch alles in die Songs packen können, haben wir diesmal häufiger darüber diskutiert, was weggelassen werden kann. So erhalten auch die Texte mit ihren für mich wichtigen Inhalten wie Schicksale, Liebe oder Verkommenheit mehr Bedeutung“. Das Ergebnis dieser Arbeitsweise sind 13 ausdrucksstarke und leidenschaftliche Songs. Eine Spur rauer und spröder sind sie geworden. Das Album beginnt mit dem finsteren „No Direction Home“. Es folgt der Stranglers-like Titeltrack, der von einer alten Wurlitzer-„Funmaker“-Orgel geprägt wird. „An Ordinary Girl“, das von Mord, Hexerei und Rache erzählt, würde in einen Film Noir passen. Der akustische Pop-Song „The Stars Look Familiar“ lebt von einer klimpernden Gitarre, „Astray“ ist eine karg arrangierte Ballade, durch die der Geist von Nick Drake weht. Während „Sand And Glue“ kantig rockt, ist das frankophile Stück „Avenue Of Hope“ von Edith Piaf beeinflusst.

Latente Country-Roots und großes Songwriting aus Austin, Texas, charismatisch gesungen und diesmal auch im Breitwandformat mit reichlich Gastmusikern inszeniert. Mastermind Will Sheff (den man vielleicht auch noch von den vorzüglichen Shearwater kennt) bezieht sich auch gleich auf die ganz großen Namen wie Scott Walker, Lou Reed, Big Star und Leonard Cohen, warum auch nicht. Diese Leute bleiben aber eher als Inspirationsquelle im Hintergrund, ihr Geist durchweht das Album aber schon ein wenig. Die vielen Gastmusiker und üppigen Instrumentierungen (Streicher, Bläser, Vibraphon, Wurlitzer Piano, Pump Organ) erinnern dagegen an die epische Breite von Lambchop, auch wenn Okkervil River insgesamt doch etwas gradliniger zu Werke gehen. Die ursprünglichen Roots im Americana-Folk weichen zunehmend den introvertierten Song-Miniaturen von Sheff, die manchmal in leicht surreal-daddelnder Weise instrumentiert werden. Bevor es aber zu verschroben wird, zeigt die Band auch ihre rockende Seite, die sowohl nach gutgelaunt-sonnigen frühen REM oder Pavement klingen kann („Black“), als auch an zeitgenössische Bands wie Bright Eyes erinnert. Will Sheffs Songs sind abwechslungsreich und stilistisch vielseitig, manche wirken erst nach mehrfachen Hören, andere Treffen mit ihren elegant geschwungenen, gerne auch dramatischen Melodiebögen auf Anhieb ins Schwarze. Sentimentale Balladen mit Mandolinen und Mariachi-Trompeten („A King And A Queen“) treffen auf introvertierte Lovesongs mit Honkytonk-Piano im flockigen Country-Shuffle-Beat, aber auch auf ganz und gar zeitlose, völlig unprätentiöse Beat-Nummern, die direkt an britische Vorbilder a la Beatles oder Oasis denken lassen. Der elegische Achtminüter „So Come Back, I Am Waiting“ klingt dann sogar wie eine Kreuzung aus Coldplay und Jason Molina. Das ist insgesamt zwar schon ein arg breites stilistisches Spektrum, dennoch wirkt das Album nicht zerrissen oder allzu ausgeklügelt, was dann schon ein ziemliches Kunststück ist.

(Joe Whirlypop, Glitterhouse)

(Gregory McIntosh, All Music Guide)

10 Jahre ist es mittlerweile her, dass der große John Prine ein Studioalbum mit neuen eigenen Songs veröffentlicht hat: 'Lost Dogs And Mixed Blessings' hieß das Werk und es gehörte nicht mal zu seinen stärksten Momenten in seiner langen Karriere seit Anfang der 70er. Danach gab es eine Live-CD, eine Duett-CD mit Fremdtiteln und zuletzt in 2000 das starke Album 'Souvenirs', auf dem er seine bekanntesten/beliebtesten Songs mit entschlackten Arrangements neu einspielte. In den letzten Jahren war es eine schwere Krebserkrankung, die sein Leben radikal veränderte. Nach Operationen im Kehl- und Nackenbereich ist es ein Wunder, dass er - 58-jährig - wieder so fit geworden ist, um aufzutreten und solche großartigen Platten zu machen wie 'Fair & Square'. Und das mit einer (fast) neuen Stimme, die deutlich tiefer klingt und endlich der entspricht, die er sich schon früher gewünscht hatte. Krebs also als Wende zum Besseren - Prine-Humor. Der natürlich immer wieder in den Texten durchscheint, wenngleich die Themen Liebe (Frau & Kinder) und Vergangenheitsreflektion inkl. Krankheit diesmal dominieren, aber auch ein Anti-Bush-Statement, quasi ein Protestsong, an zentraler Stelle steht: 'Some Humans Ain't Human' - Prine-Zynismus. Musikalisch gibt's eine feine Palette von meist semiakustischen Balladen gespickt mit Memphis-style Midtempo-Rockern und Nashville Countrysongs Marke "days gone by". Die beiden Covertitel stammen von Blaze Foley und der Carter Family. Feat. Jason Wilber, Shawn Camp, Pat McLaughlin, Dan Dugmore, Jerry Douglas, Dave Jacques, Alison Krauss, Dan Tyminski, Mindy Smith.

(Glitterhouse)

Never an artist known to push himself harder than necessary, 2005's Fair and Square was John Prine's first album in five years, and his first set dominated by new material since 1995's Lost Dogs and Mixed Blessings (a live album, a set of covers and a collection of new recordings of older material helped fill the gap). Of course, Prine had a fair amount to occupy him during that decade between new albums, most notably a bout with cancer in 1999, and while by all accounts Prine beat the disease with proper treatment, the man on Fair and Square seems a good bit less scrappy and more contemplative than the guy who cut Prine's most memorable material. The lyric sheet for Fair and Square reads like classic John Prine, with plenty of sly regular-guy wit and pithy observations on the state of life ("Crazy as a Loon"), love ("She Is My Everything") and the world around us ("Some Humans Ain't Human" and "My Darlin' Hometown"), but the spare, simple production (by Prine and engineer Gary Paczosa) and the rueful tone of Prine's vocals suggest a man who is just a bit weary, though that seems to be not a matter of health as much as advancing maturity and the world around him (with "Some Humans Ain't Human" explicitly addressing the War in Iraq amidst other recent failures of compassion). It's significant that the disc's "bonus tracks" are easily the most upbeat -- the funny henpecked husband's tale of "Other Side Of Town" and "Safety Joe," a witty warning about the dangers of too much caution. There's plenty of fine music on Fair and Square (Jerry Douglas and Alison Krauss are among the stellar pickers on-board) and there still isn't anyone who writes quite like John Prine, but for the most part this album is an unusually spare and subdued effort from an artist who usually can't help but crack a smile; with any luck he'll be feeling a bit more hopeful next time out, though this is still great music for a quiet afternoon.

(by Mark Deming , All Music Guide)

Feines Debütalbum von drei Burschen aus Dublin, erschienen beim immer verlässlichen Rough Trade-Label. Die hier spielen leicht versponnenen bis barocken Pop, ganz klar in den 70er Jahren verwurzelt: Westcoast, Carol King, Todd Rundgren, die fast immer harmony-style gesungenen Vocals erinnern an ELO, aber auch an zeitgenössische Bands wie Turin Brakes. Die Melodien zeugen von klassischer Beatles-Schule, und mit „My Eyes Are Sore“ gibt es auch eine butterweiche Brian Wilson-Extravaganza zu hören. Arrangiert ist das Ganze recht üppig, mit Orgeln, Bläsern und Streichern, anstelle handelsüblicher Gitarrensoli bekommt man bei HAL Trompeten- und Posaunen-Linien geboten. Das Album ist trotz der schwelgerischen Instrumentierung von eher leichtem Charakter und wirkt insgesamt auch erstaunlich soulig, weshalb ich an dieser Stelle gleich noch mal auf Turin Brakes verweisen will. Produziert hat Ian Stanley, der schon für Lloyd Cole, Tori Amos und Tears For Fears gearbeitet hat. Ein ebenso unaufgeregtes wie schönes Sommeralbum.

(Glitterhouse)

Hal are destined to be compared to the Thrills: both groups are from Ireland; both are purveyors of ultra-hooky, dramatic vocal harmony-drenched tunes with a West Coat slant; and both are very, very good. Once you get past the surface comparisons, though, there are enough differences to reduce the similarities to a happy coincidence. Hal certainly aren't ripping off the Thrills; there is far too much exuberance and excitement on their debut album for them to be written off as mere imitators. They lack the pretension and arch concept of the Thrills; they also have more emotional depth and a more relaxed feel. Besides, they just might be better anyway. The first two songs give the Thrills and just about anyone else a serious run: "What a Lovely Dance" is a chiming mini-epic that encompasses walls of guitars, humming synthesizers and organs, lyrics about lost mittens and messed-up hair, spiraling falsetto harmonies, and a totally alive sound that feels like you have your fingers knuckle deep in a light socket, and the Edwyn Collins-produced "Play the Hits" is a star-spangled blast of sunshine and manic energy that is hard to listen to without picturing Hal racing around like the Monkees on the beach as brothers Dave and Paul Allen croon and careen through wall of bells, maracas, and Motown guitars. The rest of the record is no real letdown either, as the Allens' vocals are a constant treat and the group proves itself equally adept at laid-back ballads that utilize subtle string arrangements (the aching "Keep Love As Your Golden Rule," "I Sat Down"); gentle, summery rockers ("Don't Come Running," the falsetto-drenched "Fools By Your Side"); and even arena-friendly soft rock ballads (the weighty "Worry About the Wind," which shows bands like Coldplay that you can be serious and deep without being boring). Echoes of the Beatles, Harry Nilsson, the Beach Boys, and Phil Spector are everywhere, and while those aren't exactly unique or even very interesting reference points in 2005, Hal again go beyond imitation and use their influences as a good band should, as guides and not blueprints. Hal really sound like another in the long line of melodic bands from the British Isles that has been dazzling music fans since the late '90s -- think Super Furry Animals, Gorky's Zygotic Mynci, and (again, in case you forgot) the Thrills. Add some American groups like Mercury Rev at their poppiest and a choir-less Polyphonic Spree, or Canadians like the Heavy Blinkers, and if that list sounds like your record collection, you shouldn't think twice about adding Hal. They'll be stuck in your CD player for weeks, guaranteed.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Zwischen diesem bewegenden Balladen-Alleingang und der mitreissenden Hymne People In The Way spielt sich die Bandbreite der Peddlin’ Dreams ab, alles geprägt von einer gelassenen Reife und Ruhe, die nur Zurücklehnen und Geniessen zulässt - Geniessen eines erwachsenen, abgeklärten, bodenständigen, von einer einzigartigen Stimme vergoldeten Americana-Soul-Roots-Rock-Albums, das nachhaltig wirkt.

(Glitterhouse)

Live erleben kann man Maria McKee am 12.Juni 2005 im Knust in Hamburg! Maria McKee ist nicht unbedingt dafür bekannt, schnell ein Album nach dem anderen zuveröffentlichen. Oft lagen etliche Jahre – zwischen „Life Is Sweet“ und „High Dive“ (2003) gar etwas mehr als 6 Jahre! – zwischen ihren Veröffentlichungen, denn McKee ist Perfektionistin. Umso erstaunlicher, dass „Peddlin’ Dreams“ nun schon zwei Jahre nach dem letzten Studio-Werk erscheint, ein Umstand, der dem Wunsch der Sängerin nach mehr Spontanität und mehr Kontakt zu ihren Fans geschuldet ist. Deshalb hat die Ex-Lone Justice-Frontfrau bei den Aufnahmen zum neuen Album auch mehr Kontrolle als zuvor an ihren Ehemann und Produzenten Jim Akin abgegeben, aus dessen Feder auch einige der Songs stammen. Die beiden stellten Gefühl über Handwerk und spielten in relativ kurzer Zeit sämtliche Stücke ein. „We just went in and did it“, sagen sie, und den Fans dürfte das sehr recht sein, denn dadurch verkürzt sich für sie nicht nur die Wartezeit auf neues Material, sondern es wird auch noch mehr Gewicht als bisher auf die einzigartige Stimme McKees gelegt, die die USA TODAY als „one of the strongest and most versatile voices in pop music“ lobte.

(amazon.de)

Peddlin' Dreams is Maria McKee's fifth studio outing since 1989. Since leaving Lone Justice in 1988, she has consistently frustrated her fans' expectations, not only for her infrequent recordings, but also for her restless muse that has taken her from pop (Maria McKee) to roots Americana and R&B (You Gotta Sin to Get Saved), squalling art rock (Life Is Sweet) and textured neo- psychedelia (High Dive). There was a live album issued in 2004 as well, but for the most part, McKee has stubbornly followed her own path for the past 16 years. While her label touts Peddlin' Dreams as a return to rootsy American rock and folk styles, and as the album that logistically follows You Gotta Sin. Simply put; this isn't true. This is not a look back but a further look in. It's true that acoustic guitars permeate this mix by producer, engineer and multi-instrumentalist Jim Akin, and the songs walk the folk-rock border, but they are the frame for the rich, labyrinthine, multidimensional songs here. McKee wrote or co-wrote nine of the album's 12 tracks. Using folk, country and rock backdrops, McKee's songs offer stories of the broken, the lost, the wider-eyed and the hopeless. There's the confessional longing of the protagonist in "Season of the Fair" where memory, evoked by emptiness and rejection, wraps itself in the warm embrace of strummed, unplugged six-strings and lets itself fall framed by an organ, a lone electric guitar punching through the refrain, and the singer's voice, trying hard to hold what is not only fleeting but weighted in unrelenting pain. The loose, slippery country-rock of "Sullen Sou," alternates between the balance of guitars and just behind the beat drums as the singer lets the depth of her emotion flow in images from her mouth like raw honey. The cover of Neil Young's "Barstool Blues," is faithful, shambolic, and drunken. But McKee's delivery carries an emotional weight that Young's never did. This isn't reverie; it's misery. "The Horse Life" is a waltz, layered in staggered guitars and pedal steels, where yearning and fantasy crisscross with fleeting hope, and shimmering poetry with poignancy and elegance. Peddlin' Dreams is a melancholy record to be sure, but it's moving, utterly beautiful and carefully, artfully wrought. It is the work of a masterful songwriter whose senses of time, place and character are impeccable.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Iconoclastic singer/songwriter Loudon Wainwright III has taken about all he's going to from the Los Angeles Police Department and their helicopter surveillance program that haunts the urban skies. Here Come the Choppers is another collection of witty, acerbic tunes about ancestry, death, the perverse state of the nation and its culture, love and loss, and of course the whirring birds of the L.A. night skies. Wainwright is accompanied here by guitarist Bill Frisell, bassist David Piltch, drummer Jim Keltner, and pedal and lap steel master Greg Leisz, who also plays mandolin and electric guitar on the set. This is the same band that played with Frisell on his stellar Good Dog, Happy Man album. But don't expect much of the pastoral, open sky mellowness with Wainwright up-front. True, the proceedings may be low-key in places, but they are always poignant, and often funny. However, the most rewarding song on the disc is an elegy to the late Mr. Rodgers called "Hank and Fred." It's a moving tribute to the man and his "neighborhood" and places him in his proper place in the American cultural sphere, juxtaposing the day he died with a trip to Hank Williams' grave. It may read perversely, but the song is a gem, and one of the finest Wainwright has ever written. Here Come the Choppers may not win the songwriter many new fans, but because of its consistency and terminal uniqueness, it will certainly keep his fan base coming back for more.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

John Hiatt has often wavered back and forth between his instincts as a rocker and a more measured singer/songwriter bent, and after the rowdy guitar-fueled blues-rock of 2003's Beneath This Gruff Exterior, it should come as no great surprise that Hiatt toned things down a bit for his next album, 2005's Master of Disaster. Produced by Jim Dickinson, with his sons Luther Dickinson and Cody Dickinson (from the North Mississippi Allstars) on guitar and drums, Master of Disaster is rooted in loosely tight Memphis groove, but while Hiatt sounds soulful as all get out (as per usual) on this set, the lingering mood is often downbeat and introspective. The title cut is a stinging meditation on the role of addiction in a musician's life, "Love's Not Where We Left It" and "Ain't Never Goin' Back" are as lean and unsentimental as songs about love can get, and even his ode to the wonders of the Ford Thunderbird finds room for some pithy recollections about one man's bitter relationship with his father. Still, Hiatt does find some room for comic relief in his meditation on cold weather, "Wintertime Blues," he has fun with his crotchety old man tale "Old School," and the raspy grain that has worked its way into his voice suits both the singer and his songs just fine, giving the performances a welcome warmth and humanity. Master of Disaster packs too much good and greasy East Memphis vibe to qualify as "mellow," even when Hiatt is searching the depths of his soul, and his material strikes a comfortable balance between his more confessional work and his impulsive rock & roll, allowing him to have it both ways for a change.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Sometime after the release of 2003's sparse and slightly chilly Luxor, Robyn Hitchcock attended his first Gillian Welch show. Impressed by the duo's rootsy adherence to the organic — two guitars, two voices — he approached the longtime fans — Hitchcock unknowingly signed David Rawlings' guitar at a Boston in-store in 1989 — and exchanged digits. The unlikely partnership came to fruition at Nashville's Woodland Studios a few months later, and in just six days the lovely, intimate, and typically eccentric Spooked was born. Produced by Rawlings and culled from hours of off-the-cuff originals, Dylan songs, and general weirdness, Spooked harks back to his mercurial I Often Dream of Trains period. References to fungus and food abound, but wrapped in the wooly blankets of Rawlings' signature picking and Welch's winsome harmonies, they take on a fireplace warmth that renders them amiably nostalgic rather than blatantly surreal. On the dew-soaked opener, "Television," Rawlings lays down a beautiful descending lead that wouldn't have sounded out of place on the duo's debut, and its juxtaposition with Hitchcock's "bing a bon a bing bong" vocal entrance is jarring, but when the three of them come together mid-song to harmonize, the results are quietly majestic. Much of the record revisits — musically at least — Hitchcock's colorful past. "Everybody Needs Love," with its breathy urgency and electric sitar, sounds like something off of Element of Light, and the lurching "Creeped Out" — featuring Welch on drums — could have been the B-side to 1985's "Brenda's Iron Sledge." This is Hitchcock's most rewarding and creative endeavor since 1993's Egyptian-led Respect, and the fact that Rawlings and Welch are there as eager tools to flesh out his English netherworld makes the fellowship feel even more collaborative. It's a testament to both camps' willingness to try anything — hearing Welch and Rawlings repeating "crackle, crackle, pop" beneath Hitchcock's spoken word sales pitch to extraterrestrials looking to vacation on Earth is a pretty good example — that ultimately succeeds in making Spooked the left-field gem that it is.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

Endlich! Das erste und langersehnte neue Posies Album. Nach dem Split der Band im Jahre 1998 verfolgten KEN STRINGFELLOW und JON AUER zunächst ihre Solo-Karrieren. Stringfellow gehörte zum Live-Aufgebot von REM, wiederbelebte - gemeinsam mit Auer - die kultigen BIG STAR und veröffentlichte mit 'Soft Commands' ein von der Kritik hochgelobtes Solo-Album. Neben Stringfellow und Auer gehören noch Bassist Matt Harris (ex-Oranger, ex-Overwhelming Colorfast). Drummer Darius Minwalla tourte mit Preston School of Industry, Super De-luxe, Harvey Danger und Jim Carroll. Every Kind Of Light' ist kraftvolles Posies-Album und wurde in nur zwei Wochen komplett im Studio erarbeitet. Man hört dem Album die ungeschliffene und rauhe Spielweise an. Wie immer liefern die Posies tolle Melodien sowie intelligent und vielschichtig arrangierte Songs. Indie-Rock/Pop vom feinsten. Das Comeback des Jahres.

(amazon)

Seattle zu Beginn der 90er: Jedem, der eine Gitarre verprügeln kann, winkt ein Plattenvertrag und kommerzieller Erfolg in Übersee. Die Powerpop-Helden The Posies aber musizieren unbekümmert von Grunge und Hype vor sich hin. Mit der gleichen Gelassenheit legen Ken Stringfellow und Jon Auer fünf Jahre nach dem vorläufigen Ende ihrer Band ein neues Album vor. Darauf findet sich entspannte, zeitlose Musik, die nach Biertrinken auf College-Parkplätzen und nächtlichen Autofahrten klingt. Ab und zu wird noch gerockt, auf "I finally found a Jungle I like" sogar die Hammondorgel ausgepackt. Doch sonst gilt die Devise: weniger Power, mehr Pop! Sparsam arrangierte Indie-Perlen glänzen mit schönen Melodien und lakonischen Texten: "I'm hiding here again from the January snow / and the bottles on the wall tell me there's 1993 ago". Und 93 war kein schlechtes Jahr.

(Kulturnews)

The Posies sure have a funny idea about breaking up -- though they supposedly called it quits in 1999, the band has been playing reunion shows and releasing albums of archival material on a fairly regular basis since, and 2005's Every Kind of Light is their first full-blown studio effort since 1998's alleged swan song, Success. With founders, songwriters, and general frontal lobes Jon Auer and Ken Stringfellow joined by Matt Harris and Darius Minwalla, Every Kind of Light seems to pick up where Success left off, finding the band in a low-key frame of mind on most of the songs, though the rootsy accents of that album have been abandoned in favor of a stripped-down variation on the baroque pop of Dear 23. (And if you were hoping for some of the guitar firepower of Frosting on the Beater and Amazing Disgrace, there is a taste of that on "I Finally Found a Jungle I Like" and "All in a Day's Work," though the more measured tempos certainly dominate the album.) The new lineup of the band sounds as accomplished as ever, and the production (with Auer and Stringfellow credited as the Ineptunes) gives the material clean and well-arranged settings. Auer and Stringfellow's political concerns also rise to the surface here, explicitly on "Sweethearts of Rodeo Drive" and "It's Great to Be Here Again" and implicitly on "That Don't Fly" and "Could He Treat You Better," all of which deal with their mixed feelings about life in America in the wake of George W. Bush and the War in Iraq. But for all the care that obviously went into Every Kind of Light and the firm sense of purpose in its political subtext, the album in toto rings a bit hollow -- it never hits as hard as it ought to, and there's simply too much dead air in the album's long mid-tempo stretches. It's nice to have the Posies back in the studio again, but Every Kind of Light isn't the triumphant return fans might have hoped for.

(by Mark Deming, All Music Guide)

2005er Solo-Debut des einen Grand Drive-Bruders. Schon beim ersten Hören fühlte ich mich weit zurück in bessere Zeiten versetzt, und bei jedem Hören festigt sich das tröstliche Gefühl, dass es das Reine und Gute in der Musik doch noch gibt. Denn nicht nur sind die 9 von akustischer Saiten-Arbeit geprägten Wilson-Originale von einer derart zeitlosen Qualität, dass die Melodien vom ersten Kennenlernen an so wohlvertraut sind, wie sonst nur wenige seit Jahren ans Herz gewachsene Lieblinge, sie werden auch in einer ebenso zeitlosen, wundervollen Art dargereicht, dass man es auch beim wiederholten Hören immer noch nicht wirklich fassen kann. Es sind nicht nur die naturbelassenen Arrangements aus akustischer Gitarre, Kontrabass, Banjo, Geige, die so wohlig vertraut klingen, sondern vor allem das Stimmen-Duett von Danny George Wilson und Jess Klein, das die schönsten Erinnerungen weckt. Klingen schon Arrangements und auch die Songs wie für Neil Young’s Comes A Time aufgenommen, so erfüllt Jess voll und ganz die Nicolette Larson-Rolle, begleitet Danny’s eher schneidende Stimme mit lieblicher Weichheit (auch der Gedanke an Emmylou an der Seite von Bob will mir nicht aus dem Kopf). Und um das Mass noch voller zu machen, wird der Comes A Time-Atmosphäre durch das schwebende Geigenspiel von Josh Hillman noch eine weite Willard Grant’sche Ebene hinzugefügt. War ich Anfangs noch ungläubig staunend, bin ich mir jetzt sicher, dass wir da etwas ganz Großes vor uns haben. (Glitterhouse)

Frank Black verhehlt nicht, dass die Reunion der Pixies neben einem hohen Spaßfaktor auch kommerzielle Gründe hatte. Befreit von finanziellem Druck kann der kugelrunde Mann nun seine Solo-Karriere angehen, und das ist Honeycomb jede Sekunde anzuhören. Entspannt und rockfrei wie selten klingt es ohne die Catholics, die in den Better Songs & Garden Studios von Dan Penn in Nashville / Tennessee durch exquisite Musiker ersetzt wurden. Produzent Jon Tiven (Wilson Pickett, B.B.King, Robert Plant) hatte geladen, und es kamen unter anderem Steve Cropper, Buddy Miller, Reggie Young, Chester Thompson, Anton Fig oder David Hood. Nur Namen? Mitnichten! Alle sind begehrte Studiomusiker, die unter anderem schon mit Booker T., Otis Redding, Kiss, Buddy Miles, John Lennon, Solomon Burke, Johnny Cash, Genesis, Bob Dylan, Paul Simon oder Aretha Franklin arbeiteten – um nur einige wenige zu nennen. Könner also, die „...man im Studio einfach laufen lassen, selten einfangen und immer mit viel Respekt behandeln muss...“, sagt Frank Black und führt weiter an, dass „...ich noch nie mit solchen außergewöhnlichen Leuten arbeiten durfte, und ich mein dass überhaupt nicht despektierlich gegenüber anderen.“ Frank Black war bei den Aufnahmen zu Honeycomb zwar der Boss, derjenige, der die Songs vorgab, doch gleichzeitig fügte er sich egofrei ein und öffnete so Räume. Die füllte die Musiker-Crew bei gemächlichem Tempo dankbar mit Country, Folk, Blues und Soul, extrem transparent arrangiert, unglaublich entspannt und stilsicher gespielt. Teilweise brauchte es nur ein bis zwei Takes, um die Songs in mal gerade vier Tagen einzuspielen. Honeycomb ist das vielleicht beste Album von Frank Black, definitiv aber sein außergewöhnlichstes Solowerk.

(Sven Niechziol , Amazon.de-Redaktion)

Die Welt wartet auf ein neues Album der Pixies, doch Frank Black lässt die Indiefans weiter zappeln. Mit seiner neuen Soloplatte bürstet das legendäre Dickerchen komplett gegen den Strich: keine Catholics, kein Rock'n'Roll. Mitmachen durfte auf "Honeycomb" nur, wer eine gestandene Americana-Legende ist. Musiker wie Steve Cropper, Chester Thompson und Reggie Young arbeiteten bereits für John Lennon, Bob Dylan und Johnny Cash. Klar, die haben Blues, Country, Folk und Soul und retten die mittelmäßigen Kompositionen auf Blacks Nashville-Album, von denen gerade mal das herzergreifende Duett mit Ex-Frau Jean Thompson ("Strange Goodbye") wirklich überzeugt. Und während Black mit viel Langeweile entspannt, wartet die Welt weiter auf eine Comeback-Platte der Pixies.

(Kulturnews)

Leave it to Frank Black to have his cake and eat it, too: By releasing Honeycomb, his Nashville-recorded collaboration with session legends including Steve Cropper, Anton Fig and Spooner Oldham, while his reunion tour with the Pixies continued, he could follow his bliss and please his longtime fans. Those who thought Black's later work sounded like the output of a bad bar band probably won't get Honeycomb either, but at least the reunited Pixies should satisfy their longings to hear him shriek about surrealism and incest like he did in the good old days. On paper, Black and Cropper, Fig, et. al. might not seem like the likeliest fit, but the early-rock roots of the Pixies' mutated surf-punk-pop and the country and roots-rock flirtations of his later career suggest otherwise (and "In the Midnight Hour," which Cropper co-wrote, was one of the first songs that Black ever played live). Honeycomb's songs feel tailored to the experience of recording with these musicians in this location, and have a sophistication that Black might not have been able to get with another group of players: the affably drunken "Another Velvet Nightmare" floats by on Oldham's elegantly wasted piano lines, and the band as a whole makes the cover of Dan Penn & Chips Moman's "Dark End of the Street" that much more soulful and genuine. Another cover, Doug Sahm's "Sunday Sunny Mill Valley Groove Day," pays tribute to one of the most prominent influences on Black's later post-Pixies work. Yet, despite the homages to his influences, the musicians playing with him and the very town in which the album was recorded, Honeycomb is one of Frank Black's most intimate collections of songs, and the closest he's come to a traditional, singer/songwriter solo album. Even in this more straightforward territory, though, Black's imagery remains unique: "Selkie Bride" places the beguiling sea spirit of Celtic legend in modern times; the woman he's looking for in the title track has "cherry brown lips of maple"; and "Atom in My Heart" mixes straight-up country with science. Like Show Me Your Tears, Honeycomb is a remarkably personal album, and it's still a bit of a shock to hear one of alternative rock's most famously cryptic artists reveal so much about his life in his music. Black's songs are increasingly about coming to terms with life's realities and disappointments, but they end up feeling more liberating than depressing. "I Burn Today" and "Lone Child" carry on with the dancing-on-your-troubles approach of Show Me Your Tears. "Strange Goodbye," meanwhile, is a remarkably cheery post-mortem of Black's marriage -- sung as a duet with his soon to be ex-wife, Jean -- that ends up being one of the highlights of his post-Pixies career. Considering that the album was recorded in just four days, Honeycomb is a remarkably strong album, and even on weaker tracks like "My Life is in Storage," the playing on it always shines. Unlike some of his peers, not only is Frank Black still here, he's making music that isn't just a rehash of his salad days. With the therapy/roots-rock of Show Me Your Tears, the disc of Pixies "covers" on Frank Black Francis and this album, Black proves that he isn't just open to change in his solo work, he embraces it. Honeycomb is steeped in tradition, yet manages to buck it at the same time; while not all Pixies and Frank Black fans will appreciate its mellow maturity, it's an intimate treat for those who follow its lead.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Since the release of Take Them on, on Your Own in 2003, things were tumultuous for Black Rebel Motorcycle Club. They were unceremoniously dropped by Virgin in a cloud of bad feeling. They lost their drummer. They bounced back and signed with RCA. They welcomed back their drummer. Somewhere in the middle of all this they completely revamped their sound. In fact, their first record for RCA, 2005's Howl, sounds like the work of an entirely different group. Gone are the insistent tempos, the snarling vocals, and the sheets of guitar noise. Gone is the hostile and often belligerent pose of the first two albums. Gone is the influence of noise rock bands like the Velvet Underground and the Jesus and Mary Chain. The band has embraced classic American music, namely country, blues, and gospel. It's dramatically expanded its sound to the point where you wonder if the albums that preceded this were some kind of reductionist prank. The band has a light touch and sense of drama and arrangement here that seems to have come out of the blue. (Check the credit to T-Bone Burnett for "additional recording assistance" for a clue, though.) In fact, the first thing you hear on the album is enough to have you checking to make sure the disc isn't defective: the multi-tracked vocals of Peter Hayes and Robert Levon Been emulating a gospel choir at the beginning of "Shuffle Your Feet," a rollicking slice of front-porch country complete with strumming acoustic guitars, harmonica, handclaps, and slide. It's no fluke because for the most part the album that follows is built on similarly relaxed, acoustic, and loose underpinnings. Tracks like "Still Suspicion Holds You Tight," "Devil's Waiting" (which features the return of the multi-tracked choir), and "Complicated Situation" have a lightness and ease that they previously could never have achieved. Other songs benefit from the expansion of sound too: "Weight of the World" has an epic, reaching-for-the-stars feel not a million miles from Coldplay and their followers (though it has more gritty soul than that), while "Howl"'s fuzz chamber sound is the closest thing to their previous work, but the circus organ, sleigh bells, and dynamics give the song color where it would have been shades of gray. On these songs and elsewhere the vocals are much more a part of the sound now as they are more upfront and impassioned. Both Hayes and Been have fine voices that are well suited to their new direction, sincere and gritty but never strained. Along with a new sound BRMC seem to have found religion too, as nearly half the songs revolve around God, the Devil, sin, and salvation. "Restless Sinner" and "Gospel Song" (which shows that the band hasn't completely abandoned its old influences, as the song is filtered closely through Spaceman 3's interpretation of gospel) are the most obvious manifestation of this new focus, but much of the record has the exuberance and weight of a band wrestling with heavy emotions. Well, that but without being quite as boring as it sounds. Of course, boredom is relative and by the end of the record you may find yourself wondering whatever happened to your rock & roll. You may feel betrayed by their sudden shift away from noise and danger, confused by the sudden change from a band of sulky post-teens with sex and danger on their minds to questioning (though still young) adults looking for salvation. Understandable, no question. If you want your rock dirty, loud, and dangerous (though BRMC were only halfway believable when that was their image), you had better look somewhere else. If you want it thoughtful and passionate but still alive and realistic, then give Howl a chance. BRMC have grown up and grown interesting.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Few aspiring bluegrass artists have tackled the genre as unpredictably as Nickel Creek. For their third offering, the precocious trio have ditched longtime producer Alison Krauss in favor of Tony Berg and Eric Valentine (Smash Mouth, Queens of the Stone Age, Good Charlotte), and quietly crafted one of the most explosive acoustic records of the year. Longtime fans who were mystified by Chris Thile's experimental 2004 solo release Deceiver may cock their collective heads in dismay, but those who appreciate the group's searing musicianship, orgasmic harmonies, and genre-bending arrangements will no doubt wear out their copies of Why Should the Fire Die? within the first month of ownership. Darker, colder, and infinitely more aggressive than their previous offerings, WSTFD is -- in spirit only -- the progressive bluegrass/folk-pop genre's reply to Radiohead's Kid A. "When in Rome," with its radio signal crackle and full-band boot stomps asks, "Where can a dead man go/A question with an answer only dead men know." It's a chilly way to open a record, but it's also a declaration of independence from three friends who have known nothing but the stage since they were in single digits, and are determined to meet their mid-twenties head on. There's a newfound penchant for percussion throughout WSTFD that's not nearly as invasive as purists might think. While the ferocious "Helena" is the only track that features actual drums, bassist Mark Schatz is veritable one-man drum corps, dropping sinister slides and buzz-filled ringers that when paired with Thile and Sean Watkins's mandolin/mandola/guitar work is pure analogue thunder. This combination is at its most effective on the moody Gillian Welch-meets-the Beach Boys majesty of the album's brooding centerpiece, "Eveline." A masterful display of dynamics, it blurs the line between pop, progressive rock, and country with a magic marker the size of Texas. Even the more traditional numbers like "Jealous of the Moon," "Can't Complain," and "Tomorrow Is a Long Time" -- the latter, sung by the honey-throated Sara Watkins, proves once and for all that Bob Dylan songs were placed on this earth to be interpreted by others -- are infused with the kind of electricity usually reserved for bands with vintage amplifiers and substance abuse problems. Why Should the Fire Die? is a brave album that warrants more than a passing glance from country and bluegrass purists, and the full support of the indie rock/folk/pop community.

(by James Christopher Monger, All Music Guide)

While there was never much question that Jay Farrar was the guiding light behind Son Volt, he's managed to extinguish any lingering doubts about that issue with Okemah and the Melody of Riot, his first album under the Son Volt handle since 1998's Wide Swing Tremolo. While Okemah sure sounds and feels like a Son Volt album, as it happens Farrar is the only musician in the band's new lineup who had ever played with Son Volt before, which for good or ill firmly establishes him as the sole architect of the group's musical approach. While it's anyone's guess why Farrar turned from his solo career back to the Son Volt format (especially since it's obvious Farrar is the man in charge under either circumstance), whatever the billing the results are impressive -- Okemah and the Melody of Riot is a compelling, strongly focused work that stands as Farrar's best music since Son Volt's debut album, 1994's Trace. While Farrar's songwriting is still in his usual enigmatic mode on Okemah, there is a noticeably stronger lyrical focus here, especially on the (apparently) anti-Bush screeds "Jet Pilot" and "Ipecac" and the rabble-rousing opening cut, "Bandages & Scars"; Farrar obviously has something to say about the state of post-millennial America, and if the letter of the message is vague, the passion of his delivery speaks volumes. And while Farrar's solo albums had an unfortunate habit of meandering, Okemah thankfully sounds muscular and driven, with Farrar and Brad Rice bringing a healthy share of guitar firepower to the songs and bassist Andrew DuPlantis and drummer Dave Bryson charging the songs with lean but sinewy force. If much of Jay Farrar's music since the breakup of Uncle Tupelo sounds like the work of a man looking for a fresh direction and a true sound, Okemah and the Melody of Riot finds him with a firm grasp of his talent and a fresh reserve of conviction; it's a bracing and welcome return to form for an important artist.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Seit vier Jahrzehnten zählt Richard Thompson zu den meistgeschätzten Musikern Englands. Der begnadete Singer/Songwriter und exzellente Gitarrist war nicht nur Mitgründer von Englands berühmtester Folk-Rock-Band Fairport Convention, er nahm zudem tolle Platten mit seiner Frau Linda auf, und sein eigenwilliges Gitarrenspiel beeinflusste selbst Indie-Rocker wie Bob Mould, J. Mascis und Frank Black. "Front Parlour Ballads" ist nach 2003 Thompsons zweites Album für Cooking Vinyl. Ein rein akustisches Werk und als solches das erste seit fast 25 Jahren. Eine Schatzkiste voll bittersüßer Geschichten und Charaktere, die Thompson dem Hörer mit meisterhaftem Gitarrenspiel und seiner sonoren Stimme präsentiert. Thompson nahm das Album allein in seiner Garage in Los Angeles auf, nur klang "Front Parlour Ballads" besser als "Garage Ballads". Mit 55 Jahren ist Richard Thompson so viel beschäftigt wie kaum zuvor. Anfang 2005 erschien ein Livemitschnitt auf DVD, es folgte der Soundtrack zu Werner Herzogs Dokumentarfilm "Grizzly Man", und für den Herbst 2005 ist auch noch die Veröffentlichung der DVD "1000 Years Of Popular Music" avisiert.

(amazon)

(, All Music Guide)

Ever since the big, splashy Gold failed to make Ryan Adams an all-conquering superstar -- it bolstered his reputation as a rock critic darling, but never had the sales to match the press -- he's retreated to genre exercises, beginning with the sleek modern rock of 2003's Rock N Roll and its moody alt-rock counterpart, Love Is Hell, carrying through to his Neil Young/Grateful Dead pastiche on his spring 2005 double album, Cold Roses, and now its autumn sequel, Jacksonville City Nights. Arriving a little over four months after Cold Roses as the second installment of a planned trilogy of 2005 releases, Jacksonville City Nights -- which at one point was going to be called the less-evocative but calendar-specific September -- is Adams' straight-up, straight-ahead country album, a lean 46-minute collection of 14 songs designed for late-night drinking. While the terrific cover art deliberately echoes classic '60s country LPs, the sound of the album isn't quite as honky tonk as that suggests, thanks to a handful of brooding numbers like "September" that are too introspective, lyric-centered, and light on melody to truly qualify as classicist country. These are the weakest moments here, but they're also the exception to the rule, since most of the songs here represent a number of classic country archetypes, from the opening pair of barroom anthems, "A Kiss Before I Go" and "The End," to his "Dear John" duet with Norah Jones or the light hillbilly swagger of the galloping "Trains" and how "My Heart Is Broken" is sweetened by just enough swings to give it a candy coating but not enough to turn it into countrypolitan schmaltz. As good as these cuts sound, it's still hard not to shake the suspicion that Ryan Adams is primarily a pastiche artist, since it's not only easy to spot influences throughout the album, but because the atmosphere of the record makes more of an impression than the individual songs. That said, Jacksonville City Nights still ranks as one of Adams' stronger albums, not just because he's returning to his rootsy roots -- after all, this isn't alt-country, this is pure country -- but because it maintains a consistent mood, is tightly edited and well sequenced, and thanks to the Cardinals, has the easy assurance of Cold Roses, which is preferable to the somewhat desperate feel of the records immediately following Heartbreaker. It may not all add up to a major statement, which is something Gold and Rock N Roll aspired to be, but it surely makes for a more likeable and ultimately more listenable album.

(by Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide)

Sensible Folkfans waren entsetzt. Als Banhart Ende Juni live die neuen Songs vorstellte, erwarteten sie den üblichen fragilen Ein-Mann-Folk. Doch was als intime Songwriter-Show begann, endete in einer ausgelassenen Hippie-Party. Plötzlich standen auf der Bühne lauter langhaarige Männer mit mal echten, mal angeklebten Bärten. Denn Banharts vierte Platte ist ein Bandalbum, eingespielt mit vielen Gastmusikern in - natürlich - Woodstock, New York. Und es ist seine bisher beste. Die ruhigen Folksongs docken an die Vorgängeralben an, übertreffen sie aber mit noch schöneren Melodien und Texten, besonders dann, wenn der Venezolaner in seiner Muttersprache singt. Doch mit ihren vielseitigen Instrumentierungen und Arrangements geht die Platte eben einen Schritt weiter. Sensible Folkfans wissen jetzt Bescheid und werden sich bei den kommenden Konzerten in die hinteren Reihen stellen. Dort sind sie sicher vor Banhart und seinen haarigen Freunden.

(Kulturnews)

Kurzbeschreibung

"Cripple Crow“ zeigt deutlich, wie sehr sich Devendra als Songwriter, Musiker und Sänger weiterentwickelt hat. Instrumentierung und Arrangement sind ausgefeilter, die Songs sind unmittelbarer, haben zum Teil Ohrwurmcharakter und dennoch reichlich künstlerische Tiefe. Die Spannbreite reicht dabei von wunderschön psychedelischen Hippie-Hymnen wie „When They Come“oder „Feel Like A Child“ bis zu herzergreifenden Balladen, die Devendra sinnigerweise in seiner Muttersprache singt, wie „Pensando Enti“ oder „Quetate Luna“.

Biographie der Mitwirkenden

Geboren in Texas, aufgewachsen in Venezuela und Kalifornien, entwickelte sich Devendra zu einem kreativen Weltbürger aus dem Bilderbuch. Mal in Südfrankreich, mal in Mexiko residierend, gilt er als Begründer der Neo-Hippie-Szene, zu der auch Joanna Newsom, Antony&The Johnsons oder Coco Rosie gehören. Nach dem weitgehend solo eingespielten Debüt “Oh Me Oh My…” verblüffte uns der Jung-Charismatiker in 2004 mit zwei Alben: “Rejoicing In the Hands” und “Nino Rojo” , ähnlich reduziert in der Instrumentierung, verhalfen ihm auch in Europa zum Durchbruch.Das Musikmagazin Mojo ist genauso begeistert wie die „Elle“. Konzerte bei unseren französischen Nachbarn sind schneller ausverkauft als angekündigt.

(amazon)

Cripple Crow marks a departure for Devendra Banhart. It's obvious from the faux Sgt. Pepper-meets-Incredible String Band freak scene cover photo that something is afoot. The disc is Banhart's first foray from Michael Gira's Young God label, and it's more adventurous than anything he's done before. This is not to imply that the set is a slick, over-produced affair, but it is a significant change. The instrumental, stylistic, and textural range on this 23-song set is considerably wider than it's been in the past. Working with Noah Georgeson and Thom Monahan, a backing band of friends known as "the Hairy Fairies", Banhart's crafted something expansive, colorful, and perhaps even accessible to a wider array of listeners. There are layered vocals and choruses of backing singers, as well as piano and flutes on the gorgeous "I Heard Somebody Say," while the electric guitar and drums fuelling "Long Haired Child," with its reverb-drenched backing vocals, is primitive, percussive, and dark. There is also the 21st century psychedelic jug band stomp of the second single, "I Feel Just Like a Child," that crosses the nursery rhyme melodics of Mississippi John Hurt with the naughty boy swagger of Marc Bolan. There are also five songs in Spanish, Banhart's native tongue, in a style that's a cross between flamenco and son. The title cut, "Cripple Crow," is one of the most haunting anti-war songs around. In it, Banhart places a new generation in the firing line, and urges them to resist not with violence, but with pacifistic refusal. A lone acoustic guitar, hand drums, a backing chorus, and a lilting, muted flute all sift in with one another to weave a song that feels more like a prayer. The lone cover here, of Simon Diaz's "Luna de Margaerita," drips with the rawest kind of emotion. Ultimately, Cripple Crow is a roughly stitched tapestry; it is rich, varied, wild, irreverent, simple, and utterly joyous to listen to.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Fast eine Sensation: nach 12 Jahren Live-Gigs nahmen Alex Chilton, Jody Stephens und die kreativen Köpfen der Posies, Ken Stringfellow und Jonathan Auer in den gewohnten Ardent-Studios zu Memphis ein neues Studioalbum auf! 30 Jahre nach den epochalen Originalalben. Das Ergebnis: In etwa ein Amalgam aus klassischen Big Star (harmonischer Guitar-Pop mit britischer Note, Beatles- wie Beach Boys-Anleihen, incl. feiner Harmonies und Chöre; alle 4 singen übrigens, Chilton zur Hälfte) sowie Chilton´s 80er-Jahre-LPs (deutlich R´n´B-beeinflußt, Memphis-Style, 1x sogar funky groovig, rauh und z.T. kantig, bzw. rockig, ein wenig garagig). Sporadisch windet sich ein Sax durch den gitarrengeprägten Sound. Insgesamt heller, teils auch aggressiver als früher, spontan und unbeschwert aufgenommen/klingend, 60s-like. Gute bis klasse Songs! Eines der wenigen Alben, die ich mit der Zeit immer besser finde, Empfehlung!

(Glitterhouse)

Dieser Mann weiß, was er tut. Und er tut es nicht erst seit gestern. Seit mehr als 15 Jahren ist Dirk Darmstaedter als Songwriter im Geschäft. Seit drei Jahren hat er mit tapete records sein eigenes Label, das Bands und Solokünstler wie Hidalgo, Anajo, Tess Wiley, Niels Frevert oder Erdmöbel betreut. Und doch ist „Coming Up For Air“ ein Debüt. Das erste Album unter seinem eigenen Namen. Was irgendwie Sinn macht. Denn nach vier Platten als „Me And Cassity“ und der mit Bernd Begemann aufgenommenen Country-Pop-CD „This Road Doesn’t Lead To My House Anymore“ zeigt sich Darmstaedters Musikverständnis hier ganz konzentriert und puristisch. Man meint, die Biografie des 40jährigen zu hören: Die Kindheit in Teaneck, New Jersey, den Durchbruch deutscher Pop-Bands in den 80ern , britischen Style und Hamburger Lässigkeit, die Liebe zu seiner Akustik Gitarre. „Coming Up For Air“ ist quasi Dirk Darmstaedter unplugged – aber elektrisch. Was sie ausmacht: klassisches Songwriting vor allem, Gespür für Melodien und diese sehnsuchtsvolle, melancholische Stimmung, die schon immer Darmstaedters Markenzeichen war.

Das Beste ist immer einfach. Das weiß der Songwriter Darmstaedter. Und deshalb ist „Coming Up For Air“ wahrscheinlich eines seiner besten Alben. Weil er es hier nicht allen Recht machen will, weil er sich bekennt zu einem unaufgeregten Sound, zum quintessenziellen Wesen jedes einzelnen Songs. Wer traut sich denn zur Zeit sonst noch, Pop-Musik für Erwachsene zu machen?

(amazon)

Der Dead-Gitarrist verfolgte ja jede Menge Projekte neben der Stammband und eines davon war das kurzlebige Legion Of Mary Quintett, das zwischen Dezember 1974 und Juli 1875 zirka 60 Gigs spielte. Die Band bestand aus Jerry (Gitarre & Vocals), Merl Saunders (Keyboards & Vocals), John Kahn (Bass), Martin Fierro (Gebläse) und dem früheren Elvis-Drummer Ron Tutt. Als die Dead sich dann in die Blues For Allah-Sessions begaben, bedeutete das dass Ende der Legion Of Mary, deren Sound irgendwo zwischen harten Grooves und jazziger Improvisation lag.

Bei diesen feinst im klappbaren Digipak verpackten Tonträgern handelt es sich um 14 erstmals veröffentlichte Aufnahmen, die in der oben genannten Phase im Paramount Theatre Portland, Keystone Berkeley und der Great American Music Hall in San Francisco live eingespielt wurden. Die Songtitel geben den einen oder anderen Klassiker preis:

Tough Mama; That’s a Touch I Like; I Second That Emotion; Since I Lost My Baby; Tore Up Over You; The Night They Drove Old Dixie Down; Talkin’ 'Bout You; I'll Take a Melody; Let It Rock; Neighbor, Neighbor; Money Honey; Last Train From Poor Valley; Mystery Train; How Sweet It Is To Be Loved By You.

Wenn eine Schauspielerin zum Mikro greift, langt der alarmierte Hörer am besten nach dem Ohropax. Wer diese Faustregel im Fall von Julia Hummer befolgt, bringt sich jedoch um den Genuss eines tolles Indiepop-Albums. Die 25-Jährige klampft sich unbekümmert durch die Folkgeschichte, spielt eine dylaneske Mundharmonika und schlafwandelt leicht nasal durch ihre Songs. Das klingt versponnen und findet immer wieder zu traumhaft schönen Melodien, gelegentlich auch zu behutsam lärmendem Folk-Noise („The Desire is bigger than Life"). Dass Julia Hummer keine große Stimme hat, stört gar nicht, ist eher Bestandteil des schnoddrigen Charmes dieser Platte. Ein solch zeitloses Werk kann natürlich nicht in Deutschland eingespielt werden, und wehe dem, der beim Stadtplan auf dem Cover (Rathaus Schöneberg) an Berlin denkt! Cocoluccia nämlich heißt das ferne (und fiktive) Land, wo Julia Hummer ihren Indiepop gefunden hat. Glückliches Land.

(Kulturnews)

Man Alive, Eugene Kelly's first solo album since the demise of his group Eugenius, is a charming, low-key effort full of his trademark wit, humor, and songcraft. The bulk of the album is made up of chiming guitar pop tunes with sweet vocal harmonies that wouldn't sound out of place on a Teenage Fanclub record -- just add Kelly's laconic vocals and world view. Indeed Kelly has learned much about the jangle from his fellow Scots. There is none of the grungy heaviness that often turned Eugenius songs into muddy filler. Now Kelly's songs are either light and tender ("I'll Be Yours," "Older, Faster") or rich and expansive ("Noise and Smoky Breath," "The Healing Power of Firewalking"). Either way they are refreshing and quite lovely. Equally as nice are the songs with a folky, acoustic feel like "Sinking Ship," "She Wears My Rings," and "Dear John" that betray a newfound maturity and the rocked-out tunes like "Ride the Dream Comet," "You're Having My Sex," and the cute, should-be-a-hit "I'm Done with Drugs." Taken together you have a fully rounded-out album that ought to make fans of Kelly -- and of intelligent and fun guitar rock -- glad the man has dragged himself back out on the tiles.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Das ist schon eine kleine Sensation: in der Kongressbibliothek von Washington DC findet Jazz-Experte Larry Applebaum ein Band, einen Live-Mitschnitt, schlecht beschriftet, unscheinbar, und - hält eine Aufnahme vom Thelonious Monk Quartet mit John Coltrane in den Händen. Ein ganz besonderer Fund, denn die Zusammenarbeit der beiden Jazzgiganten währte nur ein halbes Jahr, es gibt kaum und auch nur schlechte Aufnahmen aus der Zeit im "Five Spot" in New York, wo die Band im Jahre 1957 häufig auftrat. Coltrane befand sich damals zwischen zwei Engagements bei Miles Davis. Nachdem dieser ihn Anfang 1957 wegen notorischer Unzuverlässigkeit gefeuert hatte, gelang Coltrane der entscheidende persönliche Schritt - er befreite sich durch einen konsequenten Entzug von Alkohol und Heroin. Ebenso in die Zeit mit Monk fällt John Coltranes legendäres Album Blue Train, übrigens das einzige, das er für Blue Note als Bandleader aufnahm.

John Coltrane lernte von Monk den Umgang mit komplexen melodischen und rhythmischen Strukturen und begann, als einziger Bläser des Quartetts, ausgedehntere, immer freiere Soli zu spielen. At Carnegie Hall wurde am 29. November 1957 aufgezeichnet: fast am Ende und vielleicht am Höhepunkt der für beide Musiker äußerst bereichernden Zusammenarbeit. Fast alle Stücke stammen aus Monks Feder, am Schlagzeug brilliert Shadow Wilson, Ahmed Abdul-Malik spielt Kontrabass. Es ist eine leidenschaftliche Begegnung, klanglich tadellos festgehalten: ein Fest für jeden Liebhaber und Sammler.

(Katharina Lohmann, amazon)

The opening 28 seconds of Jackson Browne's Solo Acoustic, Vol. 1 are massive crowd applause. Even its volume level gets boosted the way it did on live albums from the 1970s. Guess he wants you to know he still matters to people -- and it's totally unnecessary. The music here speaks for itself. Whether or not one appreciates Browne's recorded catalog is immaterial; his gift as a songwriter is enigmatic, unassailable, and singular. There are 12 songs here from throughout Browne's career, ranging from "These Days" and "For Everyman" to "Lives in the Balance" and "Looking East" and all points in between. There are numerous spoken and instrumental intros to the material; Browne's a fine and comfortable communicator when it comes to sitting naked and alone in front of an audience, though sometimes his humor is cynical and borders on bitter. The versions of "For a Dancer" and "The Pretender" are deeply moving as are "These Days" and "Too Many Angels." It would be easy to live without all the intros, as they merely point toward Browne and what he has accomplished, when the songs so easily speak for themselves and for him. Perhaps on volume two he'll let that happen. Despite his many asides, this is a fine and necessary addition to Browne's catalog. Still one has to wonder, with the double-disc Rhino set that appeared earlier in 2005 and these live retrospectives, when there will be new material coming from a songwriter who has had something to say that mattered in each of the last four decades. Let's hope it's soon.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

Neues Studioalbum der legendären englischen Folksängerin VASHTI BUNYAN.

„Lookaftering“ ist das zweite Album der legendären englischen Folksängerin und so der Nachfolger des 1970 veröffentlichten Albums „Just Another Diamond Day” das damals sträflich von der Musikpresse ignoriert wurde, aber im Laufe der Jahre auch bei den Kritikern zum Folkpopdiamanten wuchs und Vorbild für Künstler wie Jeff Buckley oder Devendra Banhart wurde. Die fast verschollen geglaubte Folk-Legende der Sixties, mit der zart gehauchten Stimme, hat nach Kollaborationen mit PIANO MAGIC und ANIMAL COLLECTIVE einen würdigen Nachfolger zu ihrem Debüt abgegeben. Das ergreifende Album wird geprägt durch Vashtis wehmütige Stimme und einer Musik zwischen sparsamen Akustik-Gitarren, getragenen Pianopassagen, Klageliedern und einem Hauch Westcoast-Folk. Ein Album voller desperater Atmosphäre, dem es sich zu entziehen sehr schwer fällt.

Unglaubliche 35 Jahre ließ Vashti Bunyan verstreichen, um mit dem von allen Trends abgekoppelten Lookaftering ihr erst zweites Album zu veröffentlichen. Doch genau das bereichert die eh schon kuriose Biographie der britischen Folk-Chanteuse um eine weitere erwähnenswerte Anekdote. Im Swinging London der Sechziger studierte Vashti an einer Kunsthochschule, lernte das Malen und Gitarre zu spielen. Nach ein paar eher erfolglosen Singleveröffentlichungen zieht sie sich aus dem Musikleben zurück, setzt sich auf einen Pferdewagen und bricht von London Richtung Hebriden auf, um auf der Isle Of Skye Donovan zu treffen. Als sie dort nach einer zweijährigen Reise ankommt, war Donovan schon weitergezogen. Die Erlebnisse verwandelte Vashti Bunyan in Lieder, die 1970 auf Just Another Diamond Day erscheinen. Die mit Joe Boyd (Incredible String Band, Fairport Convention, Nick Drake) eingespielte Platte geriet wie die Sängerin in Vergessenheit, nur eine kleine Fangemeinde verhinderte das völlige Verschwinden. Wiederentdeckt aber wurde Vashti Bunyan beim Surfen durchs Internet von sich selber, kleine Co-Operationen mit Piano Magic, Devendra Banhart oder Animal Collective folgten und animierten die in Edinburgh lebende Sängerin in Kombination mit sanftem Druck der Plattenfirma Fat Cat endlich ein neues Album aufzunehmen. Lookaftering ist noch sparsamen arrangiert als das Debüt. Streicher, Harfe, Oboe, Akustik-Gitarre oder Flöte erklingen glasklar, lassen sich auf kein Tempo ein und verfügen so um Räume, die sie mit märchenhaft schönen, sehr melancholischen, fast zärtlichen Tönen füllen. Selbst die namhaften Gästen Devendra Banhart, Adam Pierce (Mice Parade) oder Kevin Barker (Espers) üben sich in Zurückhaltung. Ein wenig erinnert das an Sally Oldfield, allerdings wohltuend befreit von jeglichem Emo-Kitsch. Und dann ist da natürlich noch die alles überlagernde und zauberhafte Stimme von Vashti Bunyan. Nicht mehr so mädchenhaft wie auf Just Another Diamond Day haucht sie ihre Texte ins Mikrophon, sie klingt auf Lookaftering viel reifer und voluminöser und doch immer noch so zerbrechlich. Vashti Bunyan sollte nicht wieder 35 Jahre vergehen lassen, ehe sie erneut ins Studio geht.

(Sven Niechziol, amazon)

Ist das Rekord? Vashti Bunyans erstes Album erschien 1970, das zweite kommt 35 Jahre später. Ihre Platte ist also schon insofern sensationell, als sie überhaupt erscheint. Musikalisch tappt es zwar auf der Stelle, doch die melodischen Schwächen vieler Songs werden atmosphärisch prachtvoll aufgefangen. Bunyans Stimme hat eine schier elfische Aura, manchmal erinnert sie an einen Knaben vorm Stimmbruch, und die akustischen Arrangements umhegen dieses zerbrechliche Gebilde, als sorgten sie sich um seine Unversehrtheit. Und in der Tat hört man plötzlich, woher Bunyan-Fan Devendra Banhart seine Versponnenheit hat. Die Britin knüpft an ihre eigene Legende an, verwaltet sie und erhält sie aufrecht - mit einem Album, das von einer geheimnisvollen Aura umflort ist.

(Kulturnews)

Much has been made of Vashti Bunyan's 1969 unheard-at-the-time Just Another Diamond Day. Produced by Joe Boyd, it featured the singer and songwriter backed by a small string quartet. Discouraged by the sleazy ethics of the music biz, she retired and concentrated on raising a family, gardening, and other productive matters. The set was re-released on CD in 2000, and has been rightfully heralded as a classic by virtually everyone who has heard it. Sought out, she re-entered the arena, worked and collaborated with Devendra Banhart and Simon Raymonde, and was the featured vocalist on Animal Collective's fine Prospect Hummer EP. Thirty-six years later, Lookaftering, Bunyan's second album, was released by Fat Cat. Produced by post-classical composer and atmosphere impresario Max Richter -- who co-arranged the set with Bunyan -- it features many of her collaborators, including Banhart, Joanna Newsome, Adem, Adam Price, Robert Kirby (who arranged the strings on her first record as well as Nick Drake's albums), Otto Hauser, and Kevin Barker (Espers/Currituck County). This is not just some neo-acid folk gathering of the stars, however. Bunyan's voice and songs are always center stage, and Richter's production is always subtle, creating suitable, unintrusive backdrops for that magical sound that comes from her mouth to slip from the ether into sound. There is a slight bit of quavering in her grain now, but it's beautiful as ever. Where Just Another Diamond Day concentrated on living an idyllic life as a part of nature and creation itself, Lookaftering is a tale of doing just that, looking after children, lovers, friends, surroundings, and the changes in life like living and dying. Her melodies are delicate, inviting, and delicate without the least bit of twee posturing. Richter's restraint in adding the right touch of piano and glockenspiel here, the precise use of recorders there, and Newsome's harp playing all slip and shimmer in the backdrop as Bunyan's voice and fingerpicked guitar walk softly through her songs. On "Wayward" she sings, "Didn't want to be the one, the one who's left behind/While the other one goes out to life and comes back home to find me...I wanted to be the one with road dust on my boots/And a single silver earring and a suitcase full of notes/And a band of wayward children with their fathers left behind," but in either sense she finds "world without ending." There's no regret in these songs, just the acceptance of life on its own terms, and the magic found therein. Lookaftering is indescribably beautiful, whether the setting is a Fender Rhodes or harp and dulcimer such as on "If I Were," kissed by sparse strings, or the recorders and guitars that frame her voice in their center, singing about the process of living, asking questions, and being content to live in between. Lookaftering is a gorgeously considered, stunningly and sensitively crafted album by an artist who is truly outside of all fashion, all time, and even space. Without the technological trappings, this album, timeless and spaceless as it is, could have been made 300 years ago, but that it was made in the 21st century blesses you even more. It's simply unlike anything else out there -- except perhaps Just Another Diamond Day. What a welcome return. Though her collaborators dream of making recordings this pure, full of whispery strangeness, and unselfconscious charm, Bunyan is as singular and out-of-the-box an artist as there is. Welcome back.

(by Thom Jurek , All Music Guide)

Seit ihrem Start 1969 in London fliegen Hawkwind in einer eigenen Galaxie durch Zeit und Raum. Auch Take Me To Your Leader untermauert, dass den Briten wohl nichts etwas anhaben kann, dass die unverrückbaren Koordinaten Hardrock, Psychedelic und Elektronik bleiben. Jede musikalische Innovation, jedes neue Genre ist an den hippiesken Space-Rockern zumeist wirkungslos abgeprallt. Dafür verbürgt sich alleine schon das letzte verbliebene Gründungsmitglied Dave Brock, der in einer oft instabilen Band eine Konstanze bildet, der sogar einem gewissen Lemmy die Papiere in die Hand drückte. Lemmy sang den großen Hawkwind-Hit „Silver Machine“ und sollte eine berühmte Band nach dem Hawkwind-Song „Motorhead“ gründen. Das war 1975, aber irgendwie scheint das nach dem Hören von Take Me To Your Leader mal gerade ein paar Tage her zu sein. Die Altherren-Crew Dave Brock, Alan Davey und Richard Chadwick (gemeinsames Merkmal: langes, schütteres Haar) geht mit Gästen wie Lene Lovich (New-Wave-Sirene), dem Saxophonisten Jez Huggett oder Arthur Brown (Legende dank des Songs „Fire“) einmal mehr völlig zugekifft auf Spacerock-Exkursion. Dabei fliegt das alte Weltraumschiff Hawkwind souveräne Schleifen, fährt oft das Antriebssystem hoch („Spirit Of The Age“, „Greenback Massacre“), wird leider bisweilen pathetisch, flirtet mit dem Jazz („Out Here We Are“) und sogar Drum & Bass („Take Me To Your Leader“) und hinterlässt einen vitalen Eindruck.

(Sven Niechziol, amazon)

Whereas space rock pioneers Pink Floyd soon turned their back on the style they helped invent (and created another musical style: prog rock), fellow space rock pioneers Hawkwind have stayed put on their spaceship throughout the years. And they continue to do so, as evidenced by their 2006 release, Take Me to Your Leader, which manages to combine a modern edge with the all trippiness that abounds. The band — still led by mustachioed singer/guitarist/songwriter Dave Brock — continues to have a soft spot for soundscape detours ("Spirit of the Age"), isn't afraid to crank up the old Marshalls ("To Love a Machine"), and can morph into Radiohead-esque shapes in the blink of an eye ("Digital Nation"). While the majority of their space rock comrades have gone the way of the Death Star, Hawkwind continues to lean heavily on the hyperspace button all these years later.

(by Greg Prato, All Music Guide)

... yep, viele starke Scheiben wieder diesen Monat, aber diese hier wird das Highlight sein! Der frühere Boss der seligen Meat Puppets aus Arizona, einer der wichtigsten Bands für den amerikanischen 80/90er Independent Rock überhaupt (Kategorie Yo La Tengo, Giant Sand, Green On Red...), lässt mit seinem Debüt unter eigenem Namen schönste Erinnerungen an Klassiker wie 'Up On The Sun' und 'Mirage' aufleben, hat all die längst verschüttet geglaubten Talente (glänzende Acoustic/Electric-Abstimmung, superrelaxte Atmosphäre, unnachahmliches Timing, ewig-lakonischer Gesang, die Freigabe von Psychedelia und Country Rock für die Alternative Rock-Szene, s.a. die Nirvana Connection) wieder hervorgeholt. Vergessen ist damit die dümpelnde Endphase der Puppets in den 90ern, das unausgegorene Comeback in 2000 mit 'Golden Lies' oder das glanzlose Eyes Adrift-Projekt mit dem Ex-Nirvana Basser von 2002. Auf 'Snow' bietet Kirkwood 10 neue ('Golden Lies' war auf besagter CD als Song nicht drauf), eigene Kompositionen von allerhöchstem Niveau, die meist in (semi-) akustischem Format mit Gitarren, Bass, Drums, etwas analogen Keyboards, Mandoline, Pedal Steel, Trompete etc. wirkungsvoll arrangiert sind. Musikalischer Partner, Labelinhaber und Produzent ist ironischerweise der bekannte Kalifornier Pete Anderson (Dwight Yoakam), der 1991 das Major Label-Debüt der Meat Puppets, 'Forbidden Places', doch allzu weit weg von den Qualitäten der Band in den kommerziellen Mainstream drücken wollte. Hier allerdings stimmt einfach alles, begeistert mich 'Snow' mit einzelnen Songs, besonders aber wegen des durchgängigen Feelings in seiner Gänze!

(Glittehouse)

Since the late '90s, onetime Meat Puppet leader Curt Kirkwood has been playing solo acoustic sets. But due to his work with a "new look" Meat Puppets, the all-star Eyes Adrift, and a project that was over almost as quickly as it began (Volcano), Kirkwood didn't have the opportunity to embrace the aforementioned style in the studio. That was, until Kirkwood's first ever solo release in 2005 -- Snow. An interestingly titled album since Kirkwood has called such arid locales as Arizona and Texas his home over the years, Snow focuses (as expected) on Kirkwood's trademark monotone-like vocals and guitar strumming/fingerpicking. It also appears as though the quirky lyrics that became an integral part of the Puppets' style has been largely skipped over this time. With Dwight Yoakam producer Pete Anderson on board once more (he oversaw the Puppets' 1991 release, Forbidden Places), Snow has a slight country flair at times, as on the tracks "Box of Limes" and the standout "Light Bulb." But for the most part, it's "folk" that Kirkwood hones in on -- the album-opening "Golden Lies" and the title track. While it's not the country-punk revelation that Meat Puppets II was, Snow shows that Kirkwood can still pluck and howl with the best of them.

(by Greg Prato, All Music Guide)

Es ist schon einige Zeit her, dass Jeb Loy Nichols mit seiner damaligen Band Fellow Travellers für Aufsehen in der Szenepresse sorgte, seine Idee Folk mit Dub- und Reggaeelementen zu verbinden galt nachdem die CD Just A Visitor 1992 erschienen war für eine paar Wochen als das neue heiße Crossoverding. Danach wurde es ruhiger um den nach London emigrierten und inzwischen in Wales lebenden Amerikaner. Der Szenehype passte auch gar nicht zu ihm -- wichtiger als Soundspielereien waren immer seine fantastischen Songs.

Auf Now Then -- in Nashville und London aufgenommen -- klingen die Reggaelemente nur in zwei der Songs an, auf anderen Stücken werden Geigen, Bläser und Backgroundchöre ausgepackt -- immer absolut stilsicher ohne die Songs, die zwischen sonnigem Optimismus und Melancholie pendeln, mit unnötigen Zuckerguss zuzukleben. Ein schönes Album eines großen Songschreibers!

(Hanno Güntsch, amazon)

Mit seiner alten Band Fellow Travellers wies Jeb Loy Nichols ja schon eindrucksvoll nach, wie wenig spinnefeind sich Folk und Reggae sind. Dass dieser Genre-Mix aber auch eine heimliche Verwandtschaft zum Soul hegt, wird erst auf Nichols' Soloalbum „Now then" evident - am schönsten realisiert im Bonustrack, bei dem die hübsche Melodie folkig ist, der Beat teils aus Jamaika stammt und das Flair vom Soul. Auch die fast reinen Stilformen kommen vor in diesem kleinen Zoo der Genre. „Let's make it up" etwa groovt streicherselig dahin in reinster Marvin-Gaye-Lässigkeit - und ist nur geschlagen mit dem schweren Manko, nach kaum drei Minuten schon wieder vorbei zu sein. Erstaunlich, dass Nichols die meisten Songs in seiner Reggae- und Soul-fernen Wahlheimat Wales ausgetüftelt hat.

(Kulturnews)

IT'S A GAME ist seit 2001 die erste Veröffentlichung der US Singer/Songwritering EDITH FROST. Unter Mithilfe von vielen talentierten Musikern wie Josh Abrams (Prefuse 73), Lindsay Anderson (L'Altra), Azita, Dave "Max" Crawford (The Mekons), John Hasbrouck, Emmett Kelly und Jason Toth (The Zincs, Manishevitz), sowie langjährigen Bandmusikern Tyan Hembrey und Mark Greenberg ist das insgesamt vierte Album entstanden. EDITH FROST wird gerne als Chanteuse mit Country Roots bezeichnent und das stellt sie auch auf dem neuen Longplayer eindrucksvoll unter Beweis - die 13 Songs haben viele Roots - Country, Folk, Blues, Soul und Jazz. Rian Murphy produzierte das bisher beste Album einer der talentiertesten Singer/Songwriterin Amerikas.

(amazon)

After a too-long absence, Edith Frost returns with It's a Game, her first album in four years. Though the trippy Telescopic and the full-fledged pop of Wonder Wonder suggested that she might continue to decorate her songs with elaborate productions, this album is actually her sparest-sounding work since her debut. That doesn't mean it's without variety, however; Frost's singing and writing have both broadened and deepened with time, and more than ever, she's able to take the best from different styles of music and songwriting and make them her own. "A Mirage" is a deceptively innocent-sounding song styled after traditional country ballads with a melody sweet enough to be played on a music box, while the charming "If It Weren't for the Words" is as witty and tightly structured as a classic pop song. Likewise, "My Lover Won't Call" has the aching elegance of torchy vocal jazz. On the other hand, "Just a Friend" and "Stars Fading" work (and work well) in a more contemporary-sounding singer/songwriter vein. Throughout It's a Game, Frost captures the ups and (mostly) downs of relationships. She excels at capturing the specifics and fine shadings of heartache: the worry and dread surrounding an inevitable breakup on "Emergency"; the weariness of trying to hang onto someone with one foot out the door on "What's the Use"; and eventual, bittersweet acceptance on "Lovin' You Goodbye." Even the album's happier songs are seeded with sadness. On "It's a Game" itself, trying to have a good time is the best that can be hoped for. Crucially, though, Frost not only boils painful situations down to their essences, she makes them sound beautiful instead of dreary. As always, Frost's music has the ring of truth, so much so that you hope for her sake that it's not too autobiographical. Let's also hope it doesn't take another four years for her to deliver another collection of her thoughtful, finely crafted songs.

(by Heather Phares, All Music Guide)

Es tut mir leid, aber so darf ein Debutalbum nicht klingen. Solche Werke liefert man ab, wenn einen die Jahre der Erfahrung gezeichnet haben und Altersschätzungen grundsätzlich beim doppelten des eigentlichen Wertes beginnen. So unverschämt darf man nicht mit seinen Talenten um sich werfen, zudem wenn man so jung ist, wie Frau Carlile laut Cover wirkt. Ich habe das 2005 er Debutalbum der Künstlerin kurz vor Redaktionsschluss auf den Tisch bekommen und kann seit dem nicht mehr davon lassen. Die Fakten sind leicht erklärt: Brandi spielt Gitarre und singt (göttlich), begleitet wird sie von den Zwillingsbrüdern Tim und Phil Hanseroth mit Gesang, Gitarren- und Basspiel. Die Songs stammen von allen dreien, Arrangements und Produktion sind auch Trioarbeit, mehrere Gastschlagwerker geben sich die Knüppel in die Hand, zweimal schwärmen die Streicher, zweimal spielt Glenn Slater die Keyboards. Aus diesen Zutaten zaubert Brandi ein derart reifes, reiches, unbekümmertes, federleichtes, spontan liebenswertes Singer-Songwriter-Folk-Rock-Americana-Album, dass zwei Fragen bleiben: Wo kommt sie her (sie MUSS vorher irgendetwas gemacht haben. So ein Album kann nicht aus dem Nichts kommen), und wo soll das hingehen? Das Vergleichen mit Gewohntem fällt mir diesmal aussergewöhnlich schwer, in ihrer Stimme hören Rezensenten Jeff Buckley, ich erkenne die Turin Brakes und Carla Werner, aber auch Simon & Garfunkel, aber das sind nur wenige Elemente, die den mitreissenden, aufbauenden Gesamteindruck nur ankratzen. Artist To Watch steht auf dem das Album zierenden Sticker, aber was soll ich lange beobachten, wenn ich im Hier und Jetzt dieses Album geniessen kann? (Glitterhouse)

The sticker affixed to the initial pressings of Brandi Carlile's eponymous 2005 major-label debut trumpet that the singer/songwriter is an "artist to watch" by Rolling Stone, Interview, and Paste. Those accolades, combined with cover artwork that captures her at her cutest -- as if she were a cousin of Rachael Leigh Cook -- might make some listeners suspicious of Carlile, since the cumulative effect makes her seem like a pretty, prepackaged creation. One listen to her absolutely terrific debut immediately dispels these notions. From the moment "Follow" seeps out of the speakers, it's clear that Carlile isn't a prefabricated pop star. For starters, she's a powerful, captivating vocalist, clearly influenced by Jeff Buckley, but lacking the mannered theatrical histrionics that could occasionally creep into his work. She's quieter and intimate, slowly pulling listeners into her tales of love and loss. While her words and topics may not be bracing, her music is: it's rich, warm, and seductive, familiar in its form and sound, yet sounding fresh, even original, particularly in how her folky singer/songwriter foundation blends with her art-pop inclinations. Her music ebbs and flows with long, languid melodies, strummed acoustic guitars, and her surging vocals, creating an album that's ideal for introspective, late-night listening. Carlile is supported by guitarist Tim Hanseroth and his bassist twin brother Phil (they're billed as "The Twins" in the production credits for the album), and they're not mere support, they're collaborators, co-writing several songs (Tim writes "What Can I Say" on his own), and giving the album the graceful, liquid musicality that makes it such a rewarding, addictive listen. The best thing about Brandi Carlile is that it not only doesn't sound like a debut, it sounds like a record that exists out of time and place -- which means it's not only a superb debut, it's a hell of a record by any measure.

(by Stephen Thomas Erlewine , All Music Guide)